摄影师 细江英公
影像力领袖 12位最具影响力的亚洲摄影师
谁是最具影响力的摄影师？为什么会有影响力？这些答案相信见仁见智，各有想法。
不过来自IPAsia（Invisitble Photograper Asia）纪实及街拍摄影平台，根据其庞大读者群的投票提名，以下12位摄影师，即使未必是最有影响力，也绝对是不能忽视的名字，让我们一起来看看。
1. 森山大道（日本）——街头摄影大师。
粗颗粒、高反差、模糊、晃动，强烈的街拍风格，拥有超越国际的感染力。
2. 荒木经惟（日本）——情色抑或色情？即使争论无数，但作品中充满对性与欲的展现，赤裸裸呈视何为生命与生活，以摄影冲击人们的压抑与欲望。
3. 川内伦子（日本）——方形照片、淡雅色调、生活小品、平凡而细腻，不少人视之为日系摄影的典范。
4. 中平卓马（日本）——作品与森山大道相似，多为粗颗粒、高反差等强烈影像，却反映着社会动荡与战后日本青年的抗争。
5. 细江英公（日本）——神秘、梦幻、超现实、深沉的抽象与宗教味道，被人称为战后日本的现代摄影教父，也是森山大道的老师。
6. 木村伊兵卫（日本）——著名纪实摄影师，写实主义影响深远，以他命名的“木村伊兵卫奖”更是日本权威摄影奖项。
7. 何藩（中国香港）——获奖无数，在他镜头下的香港是如此吸引人，尤其对光与影、黑与白的处理更是精彩。
8. 张乾琦（中国台湾）——玛格南图片社第一位华人摄影师，其拍摄的纽约唐人街，及精神病人的作品为人称道。
9. Tay Kay Chin（新加坡）——因《Panoramic Singapore》摄影作品系列，入选“哈苏大师”名录。
10. Raghubir Singh（印度）——彩色摄影的先锋，结合了西方现代美学与印度艺术，配合强烈的色彩风格，成为他独特的街头摄影作品。
11. Raghu Rai（印度）——单单上图一幅《无名孩子的葬礼》，已经成为撼动人心的经典，他的作品精彩地呈现出印度的各种写实面貌。
12. Shahidul Alam（孟加拉国）——他的新闻摄影照片影响了非常多的平民百姓，将政府所禁止的影像归还给人民，还不只是个人作品，他还成立或影响多个机构推动摄影力量。
乌鸦是怎么拍摄的？ 艺典空间推出深濑昌久作品《鸦》
乌鸦是怎么拍摄的？艺典空间推出深濑昌久作品《鸦》作者：暂无来源：《上品Choices》 2016年第8期在黑白摄影界或暗房制作圈，如果你没有听过深濑昌久和濑户正人就真的OUT了。
濑户正人，1953年出生于泰国乌隆，父亲是日本人，母亲是越南人。
1961年，在他8岁的时候，被家人接到父亲的故乡一一日本福岛县，开始了在日本的生活。
1975年毕业于东京视觉艺术学校，他是森山大道的学生，1979年担任摄影师深濑昌久的助手，后成为一名自由摄影师，并创办摄影艺廊Place Mo曾获1989年日本写真协会新人奖：1995年东川新人奖：1996年第21回木村伊兵卫写真奖：1999年新潮学艺奖：2008年日本写真协会年度大奖。
后多次担任木村伊兵卫写真奖评委。
自1992年深濑昌久失足于南海酒吧，深濑昌久作品制作的重担就落在濑户正人身上。
作为深濑昌久的助理、深濑昌久基金会主要成员，濑户正人成为全球艺术品收藏界负责鉴定和制作深濑昌久作品的唯一权威人物。
这就是为什么在深濑昌久的一些作品上会出现Printed by MasatoSeto @Masahisa Fukase Estate图章的原因。
8月24日下午15:00在北京798艺术区艺典空间二层，将对深濑昌久《鸦》制作进行大揭秘，聆听鲜为人知的深濑昌久。
乌鸦是怎么拍摄的?晦暗的乌鸦风格是如何形成的?十年的乌鸦拍摄，深濑昌久是在失爱的痛苦中完成的吗？带着你的问题一一濑户正人为你首次大揭秘！让你了解一个真实的深濑昌久！深濑昌久1934年2月25日出生于日本北海道，是日本战后摄影四大巨匠之一。
因家族世代经营照相馆，从小与摄影结缘。
上世纪70年代，深濑昌久与细江英公、森山大道等人_同设立了workshop摄影学校，并成为日本战后摄影的重要人物。
1986年和东松照明、细江英公、森山大道在英国举办展览《Black Sun:The Eyesof Four》，确定了四人在国际摄影界的地位。
摄影师 细江英公
日本乃至世界摄影界鬼才 是战后日本的第一代现代摄影教父大师 和暗黑舞踏宗师的大野一雄，波普教母草间弥生并称为日本国宝级人物 是目前日本最有名望的在世摄影大师森山大道的老师 细江英公是一名佛教祭师的儿子，出生在日本山行县，不久就被带去东京。在 自传里，他称是因为儿时在田野里看到战后的鬼灵而收到了惊吓，并为日后那 种大难降至的神秘凄厉的风格打下了潜意识基础。 他最有名的作品是以三岛由纪夫为主角拍摄的《蔷薇刑》，这本充满残酷死亡 与生存气息的摄影集，使得后来三岛的自杀更加充满了浓郁的殉教色彩。
‚我们，必须用各种各样的化学手法来争取到我们所能想象到的效果！‛ 这是细江英公的名言之一。为此，作为后来者的荒木经惟甚至冒着暗房被烧的 危险，为了追求奇特的纹理，荒木点起了火苗。 但是，细江英公给我们的更多启示，将会穿透相片直指你的眼睛和某种深处
细江英公此后的作品，大多具备这种气质，他努力解决生命 之谜和人性之谜，他的作品‚一律有种邪恶的、诡异的、阴 郁的、着魔般的、疯疯癫癫的、末日来临的气氛，荒野中一 个打着破伞的巫婆般的疯女人，龟裂的夜晚的胶泥地上一个 小小的裸体人，被不明来历的光照着‛，即便是一座哥特式 教堂，被他拍出来，那种繁琐与阴沉，也像是来自另一个世 界。 70年代后，细江英公‚不断呼吁经摄影家亲手以化学处 理所得之永久不变色照片的重要性‛，并开展一些摄影启蒙 活动，1995年他成立了‚清里摄影美术馆‛，并任馆长至今。
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“ 对我来说，摄影可以同时既是记录，又是自我表达的‘镜子’或‘窗口’Байду номын сангаас ‚相机通常被认为无法描述眼睛所看不见的东西。但是一个充分掌握了相机的 摄影家能够描述隐藏在他记忆中的不可见之物‛。 ——细江英公
森山大道的摄影艺术语言探索
74艺术生活艺术鉴评呈现出来的硬调，对于自我内心情感的抒发，已经有了初步风格的形成。
当进入1970年的时候，森山陷入了对摄影深深地追问当中，他开始不断地反问自己：“摄影的目的何用？”在这种痛苦的情境下，发表了摄影集《告别，摄影》，开始了探讨摄影本质的追寻之旅。
沉寂了一段时间后，森山回归摄影，试图解构摄影，寻找并探索自己的摄影语言本身，并且将他个人的思考与成长转化为自我的摄影语言。
他放弃了老师们所属的传统的纪实方式，于是开始了他的摄影回归之旅：回归生活，于是产生了大量的街拍；回归个人，摄影便是他的记忆；回归形式，探索艺术语言本身。
二、回归生活——有了大量街拍森山大道以街拍闻名，被誉为“街拍大师”，经常花费很长的时间在街上漫步，特别随性，一反传统的“决定的瞬间”（即必须抓住某个关键的瞬间，摄影家需要预见这种关键时刻的能力并且在关键时刻按下快门，抓住分毫不差的时间点）。
森山使用的是GR 型的袖珍相机，这样可以让他轻松地穿梭于街道上拍照而不会太显眼。
与惹眼又笨重的专业摘要：森山大道是日本战后重要的摄影艺术家之一。
在其特殊的时代背景下，所呈现出的艺术风格十分大胆，所展现的黑白精神是对“廉价”色彩的反叛。
本文探究森山的摄影艺术语言，首先对摄影师森山的人生经历进行梳理，尤其是森山自我风格探索的重要时期，进而从森山回归生活、回归个人和回归形式三个方面，对其摄影艺术语言展开研究。
关键词：森山大道；摄影；艺术风格中图分类号：J403 文献标识码：A 文献编号:1003-9481（2018）06-0074-03森山大道的摄影艺术语言探索王小瑜1 吴劭鹏2（1.东北师范大学 美术学院,吉林 长春 1310117；2.福州大学 厦门工艺美术学院,福建 厦门 361021）一、摄影之旅森山大道（DAIDO MORIYAMA， 1938-），出生于日本大阪，原名森山弘道，成长于岛根县的小渔村。
日本二战及战后动荡不安的年代里，儿时的森山就显得十分叛逆，因为父亲工作变动的缘故，小时候经常转学。
鲍昆：中国摄影的7个关键词
鲍昆：中国摄影的7个关键词映像志1839 2020-04-25 09:27:45关乎中国摄影发展方向的7个关键词：1. 慎用“美”这个词汇2. “结构美感”“视觉冲击力” 都是废话3. “构图”害人不浅4. 好照片的“刺点”来自摄影师观点5. 理论批评者要“拨乱反正”6. 艺术家应忌“东施效颦”7 . “中国特色”摄影就是沙龙画意，难在国际有一席之地一、慎用“美”这个词汇请慎用“美”这个词汇，即使使用，也是在相应的范畴内使用。
因为世界上没有永恒的美，或是普遍适用的美。
过去谈“美”，认为世界上有一个客观存在的“美”。
柏拉图认为，美是一个特质，只要任何事物具备了美的特质，这个事物就具备了美的性质。
但是后人发现柏拉图的这种说法靠不住，人们对美的认识非常主观，不同的人有不同的对美的认识标准。
枫桥夜泊 1990 by 郎静山普遍认知的“美”的事物和现象，基本是侏儒赏心悦目的蓝天、白云和女性身体曲线一类的美好现象，在古典美学里这种现象被归在“优美”里。
但这个“优美”是无法解释艺术现象的。
比如，某位艺术家明明做了或画了一个很丑的作品，却引起许多人的共鸣和兴趣，于是又有人说这叫“丑美”。
这种解释牵强附会，甚至造成混乱，因为这与和人们基本对美的认知相悖。
by 黛安娜·阿勃丝 Diane Arbus其实这种现象的关键点是：什么能够引起人们的共鸣和感悟。
也就是说，作品中到底是什么感动了你。
如果你只用“美”字来规定你的理解，那肯定会一头雾水。
如果把“美”字抛开，别让它干扰你，许多问题就迎刃而解了。
比如纪实摄影，它的魅力在于影像中凝聚着大量人类学和社会学、政治学的内容，是那些东西触动了你。
by 尤金·史密斯 Eugene Smith二、“结构美感”、“视觉冲击力” 都是废话“美”、“结构美感”这些词汇谈沙龙风光摄影还可以，如果是谈纪实摄影，这个问题根本就不重要。
因为纪实摄影不太关心所谓“美”或“结构美感”，它主要考虑怎么表达情感、思想、态度、立场等问题。
川田喜久治：最后的宇宙论
川田喜久治：最后的宇宙论作者：比另来源：《中国摄影》2015年第04期我使用“天空与梦想”、“最后的太阳”和“宇宙结构学”等题目，持续拍摄关于20世纪末的照片。
对于已经过去的那个世纪的人们，我有一种瞬间的同感能力，那些人们滋养着关于苍天的梦想和怀旧情绪。
——川田喜久治相比森山大道、荒木经惟、杉本博司等等，同为日本摄影家的川田喜久治（KikujiKawada）的名字并不为我们所熟知。
在过去的2014年里，川田喜久治的作品却在世界范围里再次广泛引起关注。
2014年4月的AIPAD（国际摄影艺术经销商展销会）展会期间，日本国际摄影画廊（Photo GalleryInternational）展出了川田喜久治最为著名的系列作品《地图》（The Map）的部分作品。
2014年11月，《地图》系列作为英国泰特现代美术馆（Tate Modern）的年度重头展览“冲突、时间和摄影”（Conflict，Time.Photography）的一部分进行展出，这一系列作品最初发布于1965年，它记录了战争和原子弹轰炸在日本造成的后果（超越了意义、无形的暴力、大规模的破坏和生灵涂炭）。
几乎在同一时间段，他的“最后的宇宙论”（The Last Cosmology）系列作品在英国的首场个人展览也由迈克尔·霍普画廊（Michael Hoppen Gallery）举办。
“最后的宇宙观”系列作品拍摄于1980-2000年间，包括题为“天空与梦想”、“最后的太阳”和“宇宙结构学”等作品。
这些作品最初于1980年代零散发表，最终于1995年结集出版并举办个人展览。
作为川田喜久治的“灾难三部曲”（Catastrophe Trilogy）的一部分，编年史似乎把关于“天”的戏剧与现实中两大时代的终结连接在一起：随着昭和天皇驾崩，昭和时代和20世纪终结。
乍一看，“最后的宇宙论”和“地图”是本质上完全不同的艺术作品。
“地图”聚焦于地面，广岛原子弹爆炸的蘑菇云直冲云霄，放射灰四溅，还有盟军占领留下的余存；而“最后的宇宙论”则以外太空寓意地球上发生的事件。
最苦不过熬清静
最苦不过熬清静作者：使君233来源：《中学生百科·学习》2015年第08期第一次体会到何为“最苦不过熬清静”，还是多年前看到的一篇苗野对窦唯的访谈。
那时的窦唯已经淡出主流歌坛多时，潜心于即兴音乐创作，深居简出，生活清贫。
最常去的地方是后海的一间茶屋，一坐就是一整天，什么也不做。
很怪。
不过这也仅仅是生活上的清静，最难熬的还是职业带来的。
“找不到能够呼应自己的人”，这是艺术创造者们最强烈的孤独。
看了纪录片《小可爱与拳击手》与《寻找薇薇安·迈尔》之后更加理解了这种难熬的清静。
不断地大量地创作，看不到尽头地挥洒着激情与灵感。
生活越过越艰辛，支撑着他们的唯有对艺术的纯粹热爱的一颗初心。
传统艺术的叛逆者受美国运动绘画与波普艺术的影响，先锋派艺术家筱原有司男于20世纪六十年代在日本成立了“新达达主义”，随后来到纽约寻找新的艺术形式。
筱原清晨会步行几个街区到SOHO附近收集被人扔在街上的废弃硬纸板，用以完成他的雕塑作品。
当时媒体对他的评价是——他是纽约最有名的最穷的也是最努力的艺术家。
他的作品被MOMA和古根汉姆艺术馆收藏，他的名字出现在2006年每日艺术奖的名单上。
如果对每日艺术奖感到陌生，但你一定听说过谷崎涸一郎、三岛由纪夫、市川昆、近有隈研吾、村上龙。
他们也都曾登上过这个名单，细江英公甚至还要比筱原晚一年。
从所获荣誉上看，筱原也是一位成功的艺术家了。
但贫穷仍然困扰着他，他还是会因为付不起房租而发愁，甚至贱卖自己的作品。
拖着装满作品的大行李出门寻找买家，为了节省车费去乘坐地铁，回家后自豪地对同为艺术家的妻子乃梨子说他这一趟节省了50美金。
这些细节都带来了强大的移情作用，作为观影者，也十分迫切地希望有人快快买走筱原的画作，从而解决他的燃眉之急。
筱原与乃梨子相恋时乃梨子只有十九岁，而筱原却已经四十岁了。
乃梨子崇拜筱原，认为他是诚实单纯的男人。
她丢掉了富家千金的身份与筱原过起了朝不倮夕的艺术家生活，一晃就是四十年。
摄影师蝈蝈小姐，古风摄影背后的故事
这些年，古风摄影越来越受大家的欢迎。
在摄影圈中，也有一群摄影师在坚持着古风摄影，让我们可以近距离感受从未走远的文化烙印。
摄影师蝈蝈小姐就是这么一位不辞辛苦，追寻古意的摄影者，她是设计师、插画师，她更是一名摄影师，她镜头下的女子如从仕女画中走出，巧笑倩兮，美目盼兮。
美得云淡风轻，却又让人过目难忘。
她的作品第一眼便让人觉得细腻无比，像是巧夺天工的绣娘一针一线绣出的湘绣，又像是巧手画家一笔一画精心勾勒出来的画作，让人不自觉沦陷。
今天，就让蝈蝈小姐为我们讲述这些美到极致的古风摄影背后的故事。
摄影师蝈蝈小姐古风摄影背后的故事/影像志ImageImage/影像志Image/影像志Q：你为什么喜欢摄影？是如何走上摄影这条道路的？A：大学时的摄影课让我爱上摄影，觉得摄影有趣，拿着胶片机到处拍，还去暗房洗照片，毕业后的第一份工作是原画师，之后去了杂志社，也是原画师，但是无意之中老板看到了我的摄影作品，觉得不错，就让我去尝试给杂志拍插图，从此走上摄影的“不归路”。
Q：摄影对您的生活有影响吗？或者说对你看待世界和生活的方式有影响吗？A：影响很大，让我更擅于发现一些常人发现不了的美好事物，时间长了觉得心态平和了不少，以前总喜欢挑刺，慢慢的更喜欢看待它美好的一面。
Q：我看您的作品古风环境人像比较多，您为什么喜欢古风摄影？A：因为母亲是画国画的，从小耳濡目染，对中国文化很感兴趣，之后开始尝试拍摄古风风格的照片，一发不可收拾。
Q：古风环境人像与一般的人像摄影有什么不同之处？A：古风的东西必然涉及到中国的历史，古风人像摄影相较于一些现代人像摄影，难度主要在于摄影师需要全方位的去了解服饰，妆造，建筑，摆姿，国画等等。
比如不同朝代的服饰、妆面和发型是什么样子，这个朝代的建筑又有什么特点，这个朝代的风土人情大概是什么样子的，如何根据历史背景设定人物的摆姿（比如明朝端庄，唐朝就相对比较开放），古风的摄影构图以及配色有时候也会参考工笔画或者国画等等。
金酉鸣_与时俱进，为新一代中国当代影像而藏
藏家故事 COLLECTION STORY金酉鸣与时俱进，为新一代中国当代影像而藏文：亚璘 图：受访者提供摄影技术从诞生至今不超过200年。
而在100多年前的清朝，人们还认为它只是“奇淫技巧”，至民国时期，才初有“美术之一端”的共识。
从千禧年后到现在又过了20多年，国人逐渐树立起影像收藏的理念。
细细梳理便知，影像收藏在中国的历史还很短，且多侧重于清朝、民国时期的老照片收藏，收藏当代影像的少之又少。
相对于博物馆、美术馆和各大艺术机构，个人藏家一直是这个市场最活跃的主体。
在这个小范围内的群体中，金酉鸣是较为特别的存在，小红书运营得风生水起，致力于打卡每一个新展，为更好地与艺术家打成一片，还把家搬到了宋庄。
而他介入当代影像收藏的机缘还要从他的曾外祖父骆伯年说起。
藏家金酉鸣与其曾外祖父骆伯年的作品工薪族意外踏入艺术圈收藏，多多少少带点传奇色彩。
要谈现在，必须回顾过去。
骆伯年（1911—2002）是民国时期一位重要的摄影家，他的作品在2021年被纽约的现代艺术博物馆（简称为“MoMA”）所收藏，如今也是三影堂+3画廊合作代理的艺术家之一。
影史地位可见一斑。
不过，在此之前，他只是一个银行职员，凭着兴趣爱好，在业余时间进行摄影创作。
机缘巧合之下，这些摄影原作得以重见天日，让人们挖掘出一位曾经在民国时期被埋没的摄影大家。
这位传奇人物正是金酉鸣的曾外祖父。
金酉鸣小的时候，常被妈妈带去曾外祖父家过周末。
两人十分亲近，从曾外祖父的口中，金酉鸣知道了不少他以往的摄影趣闻，如当年他在家乡杭州办摄影展时，有幸得到了郁达夫的题词。
那3幅有郁达夫题词的照片，一直悬挂于家中，骆伯年珍之爱之，而金酉鸣自然是从小就对摄影这个艺术门类和各类摄影器材耳濡目染了。
或许是命运的牵引，金酉鸣的部分人生道路和曾外祖父有所重叠。
做着相近的工作，同样从杭州来到了千里迢迢之外的北京。
有所不同的是，骆伯年在北京囿于种种因素，摄影创作日益减少，也因为在2002年的溘然长逝，与数码摄影失之交臂。
三个男人与暗黑舞踏的灵魂之旅
首次来华的日本舞踏家大野庆人，2016年7月在北京最后一场演出结束后，朝台下深鞠一躬，然后双手合十，向观众道一声“对不起”。
“日本犯过一个很大的错误，这给中国人民带来了严重的灾难。
希望我们一起创作有意义、有价值的作品，让世界和平，不再有战争。
”作为著名舞踏家大野一雄的儿子，大野庆人师从“舞踏”始祖土方巽，是这种艺术的继承者和传承者。
在他的舞蹈生涯中，有35年都在协助父亲大野一雄表演。
2010年父亲辞世后，已经72岁高龄的大野庆人，面对一个新的开始，用毕生的经验为后人输出对舞踏的理解。
1959年5月24日，日本一间剧场座无虚席。
一束微弱的光打到舞台上，两位通身涂白、几乎赤裸的男舞者，从灯光未及之处，伴随着蓝调的口琴，急促走来。
跟观众对于传统意义的“舞蹈”理解相反，舞者在台上的表演笨重又极为扭曲，沉默与尖叫交错。
一少年疾步前行，男人用脚跟敲击地板的方式追赶，将怀里抱着的一只活鸡塞给少年，少年恐慌中将鸡放于两股间，施以夹杀。
随后疲倦的少年躺在地上喘息，男人压在少年身上，两人在地板上交叠滚动，录音带的音效出现浓厚的喘息声，男人不断呼喊“je t’aime ”……他侵犯了少年，全剧达到高潮。
这部从内容到表现形式都离经叛道的作品，在短短15分钟的表演中，结合了绞杀活鸡的反社会行为，以及同性恋的禁忌主题，使得一些观众不堪忍受，起身离席。
但这部作品却得“虽然令人浑身战栗，到了当时大部分日本文人的认可，日本评论家合成田男看完演出后感慨，但当这种感觉穿越身体时，它会产生一种如释重负的重生感受……经由这部作品，他（土方巽）迫使我们不只看到他出色的表演风格，并让我们看到人类生存的裂缝。
”该舞排演时，三岛由纪夫曾闻讯前往排练场观看。
后来，他盛赞该舞为“危机的舞蹈”，并专门为此撰写文章。
这部改编自三岛由纪夫同名小说，由土方巽编导、土方巽与大野庆人共同出演的作品《禁色》，被认为是宣告日本新兴舞蹈形式―“暗黑舞踏”诞生的作品。
19491999照相馆人像摄影艺术肖小兰综述
1949－1999照相馆人像摄影艺术肖小兰上海：1949－1999照相馆人像摄影艺术肖小兰你不能拥有现实，但你可以拥有影像（以及被影像拥有）——苏姗?桑塔格照相馆人像摄影艺术，在中国的艺术史上犹如一个匆匆的过客。
它的命运短暂而多舛。
以上海为例，第一家商业照相馆出现在19世纪中叶；从20世纪30年代至60年代进入发展与成熟的繁华期，其间不过短短三四十年；随即而来的十年“文革”几乎扼杀了照相馆对人像艺术的追求；至80年代，照相馆人像摄影再度复兴，然而也仅仅十年，数码照相机迅速普及的大潮卷走了它原先不可替代的优势；90年代之后，照相馆走向衰退，如今只留存少数拥有历史品牌的老字号，但艺术创作意义上的人像摄影已经并非主业。
纵观前后，照相馆人像艺术在中国出现约150年左右。
它始终像是一个被正统艺术不屑一顾的弃儿。
因为商业化，因为讲究技术布置，正式的摄影史中没有照相馆的地位，拿着金奖银奖的摄影家们瞧不起它。
甚至在很长的时期里，照相馆里的摄影师根本不属于所谓的“文艺战线”，他们的人像作品基本上被剔除在艺术范畴之外。
直至今日，仍有人认为照相馆的摄影不值一提。
由此，学术层面上的照相馆人像摄影研究，成了中国摄影史上的一片空白。
随着老摄影师们渐渐离去，关于照相馆摄影的记忆正在从历史中消失，抢救、整理和研究的工作可以说已经刻不容缓。
对摄影美学有着深刻研究和杰出贡献的美国学者苏姗?桑塔格这样写道：“稚拙或商业摄影或仅仅是实用摄影，在本质上与最有天赋的专业摄影师从事的摄影并没有什么不同”，原因在于“其有趣，其形式上的复杂，其对摄影的独特力量的表现”并不逊色于那些摄影艺术家。
今天，在跳出了简单思维的时代，我们应该对中国照相馆的人像摄影艺术给予公正的认识和学术的评述了。
上海的照相馆是一个具有说服力的范本。
众多各具风格的名店，技术上的精湛和成熟，与都市时尚文化的紧密结合，使上海照相馆的影响力几乎贯穿了整部中国照相馆历史，辐射到全国所有城市的照相馆。
用生动的影像 记录一段历史故事-历史故事社团活动记录
用生动的影像记录一段历史故事:历史故事社团活动记录百岁寿星钟黎明地铁建设者激情钱江潮商报特约记者陆洁2021年开始爱上摄影，9年时间，足迹遍布运河、西湖、钱塘江等地，拍摄的照片累计起来有近50万张。
说他是骨灰级摄影发烧友都不能准确描述他对摄影的热爱，为了拍好照片，夏季的时候，每天早上3点多钟起床，简单吃点东西就抗上相机出门拍摄；为了拍好一张钱塘江潮水的照片，连人带相机都差点被卷入大潮，有人说他简直是“用生命在拍照”啊！近60岁的人了，对拍照如此地痴迷和投入，狂热和拼劲绝对不输年轻人。
他的名字叫钟黎明。
他是中国摄影家协会会员，杭州市十佳摄影家，运河十佳摄影师。
这些年的拍摄，他的作品先后获得了第10届国际新闻摄影大赛（华赛20）铜奖，第16届中国国际摄影艺术展优秀奖，第15届浙江省摄影艺术展银奖和5个优秀奖，第16届浙江省摄影艺术展银奖和1个优秀奖……用相机记录身边的变化初入门的时候，钟黎明也拍热门题材，比如钱江潮。
农历八月半那几天，他和发烧友一起赶到海宁拍钱江潮水，为了近距离拍到更震撼的效果，他站在靠近堤岸边，一个超级大潮打过来，整个人成了“落汤鸡”不说，还差点被潮水卷走，为此，新买的5D3相机也受到了“一万点的伤害”，差点报废。
不过，功夫不负有心人，这张铺天盖地狂卷而来的“钱江潮”照片获得了“国际新闻摄影大赛（华赛）环境和自然类单幅铜奖”和浙江国际风光摄影大赛金奖。
钟黎明生活工作在运河边，爱上摄影后，运河就成了他镜头里的常客，他的微信好友每天都能从朋友圈看到他的摄影作品，运河上的一条船，拱宸桥上的行人，广场上的锻炼人群……“随手拍”成了他上班路上的必做功课。
用镜头记录下运河边的点点滴滴以及发展变化。
这些年，拍运河边变化的照片就积累了近3万张。
如，乐堤港、大悦城这样的综合体建筑从无到有，再如，随着城市化进程，一些老厂区关停转型，从热火朝天到人去楼空。
渐渐地，钟黎明觉得这样的记录比单纯地拍花花草草更有意义，“这是对历史的负责，有些东西，不拍下来，转眼就没了。
生活万岁：弗里达卡洛传
生活万岁：弗里达卡洛传1907年，在一个凉爽的夜晚，弗里达·卡洛诞生在墨西哥城的土狼区（Coyoacán，艺术气息浓厚，如巴黎的蒙马特，纽约的格林威治村）。
后来弗里达把自己的生日改成1910（正好是墨西哥革命开始的那年），也许是因为七岁的时候患小儿麻痹而延缓了她的就学，也许是因为她生来就喜欢编写自己的故事。
弗里达的父亲是德籍犹太人，是个摄影师，并且擅长画画和弹钢琴，母亲是墨西哥的原住民。
弗里达从小是个毫无畏惧的，淘气的孩子，并且在四个姐妹中性格和父亲最相仿，如此成为父亲偏爱的女儿。
父亲为她构思了理想的教育计划，尽量给她最好的一切，并且在她小儿麻痹复原后（弗里达后来走路都是一跛一跛的），鼓励她玩拳击、摔跤、各种运动以让自己坚强起来，抵抗他人的嘲笑和自己的寂寞弗里达进入国立预科学校的时候，两千个学生中只有三十五个女孩。
弗里达当时是打算学医的，我们可以在她的画里看到她对生物和人体构造方面的认识。
她把脉搏、心脏等等，都画得非常精确。
车祸前，当她还在学医并开始发现自己对绘画的兴趣之后，曾想专门为画医学书刊画插图。
弗里达在国立预科学校读书时，经常和男孩子们在一起看书、讨论、恶作剧，并且和当时为学校礼堂做壁画的狄亚哥·里维拉（Diego Rivera, 1886-1957）相识。
当时弗里达有一个男友，弗里达虽然经常对她欣赏的狄亚哥恶作剧，却没有动情。
据弗里达的男友说，弗里达在性方面很早熟，并且当他们两人还在交往时，弗里达还曾被一女图书馆员勾引。
1925，弗里达18岁那年，一场车祸严重地损坏了她的身体，并且使她无法生育（弗里达一直不愿意相信，后来一次又一次的流产证明了这个事实）。
在医院病床和多次手术间，她差点失去年轻的生命。
她的脊椎、锁骨、肋骨、骨盆，都折了，左肩的关节永久性脱落，脚也碎了一只，一根扶手刺进她的背部，从阴道而出。
赤裸裸且满身是血的弗里达，身上却盖满了路过的画匠用的金粉。
12位亚洲摄影师之细江英公
12位亚洲摄影师之细江英公12位亚洲摄影师之细江英公大师语录：“拍摄的时候，我要把他带到我熟悉的环境里面，按照我的方式来拍，那就是我的“细江剧场”：在那里，我是制作人、导演、观众，也是评论家，被拍摄的人在为我做一场隆重的演出。
”摄影界地位：日本乃至世界摄影界鬼才，战后日本的第一代现代摄影教父大师，和暗黑舞踏宗师的大野一雄，波普教母草间弥生并称为日本国宝级人物，森山大道的老师。
作品风格：神秘、梦幻、超现实、深沉的抽象与宗教味道。
作为一个生活在东方的摄影家，他作品中超现实主义的神秘感，还是显得相当含蓄的，但是其中有一种无形的张力，给所有的观众留下了深刻的印象。
摄影师经历：佛教祭师的儿子细江英公是一名佛教祭师的儿子，出生在日本山行县，不久就被带去东京。
纵观他的作品，似乎都有一种梦幻般的感觉，并且以其系列形成独特的风格，增加了画面的神秘色彩；他的和人体相关的画册《男人与女人》（1961年）及其续集《拥抱》（1971年）等，以梦幻的魅力赢得一代人的喝彩。
细江英公的父亲是沉浸在日本的神道教和佛教的氛围中长大的，因此神秘的宗教观念也从一开始就深深影响了细江英公，然而我们也许只能推断这些宗教影响对他创作的种种可能。
他喜欢剧场和仪式，甚至具有一种道德感。
他z 1992年出版的《目击二十世纪的终结》一书，就像是伊甸园的坠落，让人联想起30年前他和三岛由纪夫一起探索的身体和想象的世界，具有怀旧的色彩。
摄影给了他一种独特的表达语言，人类的身体为他提供了表达的对象。
他祈求赋予三岛由纪夫抒情的魔力，成为摄影魔法的一次盛典。
拍过纪实：卖淫、小酒吧下层生活细江英公15岁那年还是一个学生，他曾经拍摄过卖淫以及东京小酒吧下层生活，看上去朝着纪实摄影师的方向发展。
然而这是一种表面的现象，是为了应对社会变革时期的需求。
于是一次偶然的事件，就让他走上了更为戏剧化的发展空间，而非传统的纪实。
这就是1959年在一个东京的小剧场，上演了根据三岛由纪夫小说改编的舞蹈《被禁的色彩》，表演的主题和同性恋相关。
日本至尊摄影大师
日本至尊摄影大师面对当代日本摄影，有两位重要的人物是无法忽略的，这就是森山大道和荒木经惟。
他们在近几年对中国摄影界的影响，超出了想象中的范围。
尤其是在年轻一代的摄影者眼中，他们独特的观念意识和不拘一格的表现手法，给摄影镜头的窥视带来了从未有过的震撼。
但是如何解读这两位摄影家的作品，如何把握其中的视觉渊源、文化品位以及心路痕迹，恐怕很难用简单的语言加以描绘。
这里试图从这两位摄影家之间曾经有过的一次访谈，展开一些解读的方式。
先是一些简单的背景——森山大道1938年出生于大阪附近的花道城，20岁时父亲意外死于火车车祸后，他开始在大阪成为一个自由职业的设计师，并很快就迷恋上了摄影的世界，从而放弃了设计，并在东京被著名的摄影家细江英公接纳为私人助手，三年后成为自由职业摄影师。
森山大道和荒木经惟比森山大道小两岁的荒木经惟1940年生于东京，1963年毕业于千叶工业大学摄影电影专业。
1971年，自费出版了他的处女摄影集《感伤的旅行》。
从此，他辞去了日本最大的广告公司电通的工作，也开始了一个自由摄影师的摄影旅程。
一、两位摄影家相互间的了解荒木经惟第一次看到森山大道的一幅作品，是在《挑衅》杂志的第二辑中，选自森山大道“性爱”系列中的裸体。
他感受到了一种冲击。
那时，他也认为“摄影=性爱”，如果一幅影像不具备色情的意味，就不足以值得去拍摄。
此外，他还有一种想法，认为摄影不可避免地与死亡的观念关联，因此，性爱如果不包含死亡之神的观点，也就无法表达性爱的影像。
森山大道的影像看来是非常准确地表达了他的思想。
他也同时感到在这样一种独特的社会背景下所呈现的忧郁的情绪，革命和改革变得非常流行，森山大道的作品在某种意义上引起了他的嫉妒，或者更准确地说是好奇心，这就是《挑衅》的力量所在。
森山大道和荒木经惟说起《挑衅》，这是在1968年日本创办的一本杂志，意在建立更为宽泛的文化批评范畴。
森山大道以其独特的风格成为这一哲学体系的最佳描绘者，为杂志带来了两个方面的摄影作品：第一个是在旅馆中的模糊的人体系列，第二组是深受沃霍尔影响的系列，包括可口可乐瓶子，洗衣粉的盒子，以及V-8的瓶子等。
尼康D90实用教程
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实际使用后，最大的感受除了专业机和业余机手感上的区别，D90比D300差的最多的就是对焦系统了，除了D300有各种对焦和追焦上的选项之外，最主要的就是对焦速度和追焦成功率了，俺拍摄的对象以自己家的很小的不配合的活动范围和活动能力均不强的小朋友为主，一般用动态对焦、连拍、动态区域拍摄，快门一般在1/100以上，用D90的时候比较清晰60%左右，特别清晰的大概有20％~30％。
用D300这个成功率是非常高的，特别清晰的一般在70~80左右。
其它方面：1. 显示模式，D90没有显示对焦点功能，D300有；2. 虽然跟D300一样，有3D跟踪，但只有11个点一个选项；3. D90的OK按钮，功能比D300少，不能设定在查看图片时按下OK键的行为，D300 可以设定为在查看照片的时候，按下OK键看直方图或者启动润饰菜单等等，而D90只能是启动润饰菜单；4. 没有AF微调功能，这个，让我们一起骂一声：不厚道啊！除此之外，在机内软件上，D90相对D300还是有不少亮点的：1. 删除和隐藏图像，D90增加了按照日期选择的功能；2. 设定优化校准，D90默认增加了人像和风景两种；3. 动态D-Light，D90增加了Auto，D90还增加了“极高”；4. 相比D300，增加即时取景自动对焦方式，可以是：脸部优先、宽区域和标准区域；5. D90自拍，增加了拍摄张数的选项，可以选择1~9张。
世界上最伟大的摄影师
世界上最伟大的摄影师世界上最伟大的摄影师摄影作为一种艺术，在其领域也不断产生着卓越的艺术家，他们拍出的作品令人难忘。
下面跟着店铺一起认识下面几位世界性的摄影大师吧!森山大道——孤独狂野大师森山大道(1948—)，当代日本具有世界影响力的摄影大师。
1968年，森山大道发表了惊世处女作《日本剧场写真帖》，由寺山修司撰文，所拍剧场即寺山实验剧场。
巡回演出剧团，浪曲演唱者，夜街上的同性恋，失明的乞丐这部影集奠定了森山狂野、惊艳的个性风格，有别于木村伊兵卫、土门拳的人文纪实及东松照明的主观纪实，让森山大道崭露峥嵘。
1960-70年代，森山大道沉迷于摄影的起源与本质，创作了大量狂野而叛逆的经典，如《蜉蝣》、《啊!荒野》、《摄影啊再见》、《远野物语》、《北海道》等。
80年代，“他从感光/光照的拜物教主义中觉醒”，回归到日常的《光与影》(1982年)。
经过90年代《Hysteric》三部曲的'创作，奠定了延续至今的黑白-彩色摄影。
2012年森山大道与大师之师威廉·克莱因在泰特现代美术馆举行联合回顾展，更获颁国际摄影中心(ICP)终身成就奖。
森山大道也是散文高手，就他的阅历，他的文笔，真可谓炉火纯青。
“人生与年龄等条件无关，考验一直都很严苛，我们终此一生都得迎接最后的大限之日，无法回头，因此当下根本无需介意年龄，只要努力、任性地活着就好，生命的滋味就在于此。
我早在许久之前就已破釜沉舟，每天为了应付生活上接踵而来的挑战而活。
”(《迈向另一个国度》)薇薇安娜·萨森——备受世界瞩目的女摄影师薇薇安娜·萨森(VivianeSassen，1972—)，荷兰新锐女摄影家，因其“与被拍摄者密切的联系，同时不乏冷静的观察”获荷兰罗马大奖(Prix de Rome)。
她的作品色彩强烈，光影迷人，几何构图鲜明，最显著的特征是“色彩中的迷藏”，强烈的明暗对比，通过把人物藏在树枝、草丛、衣裳等东西背后，重塑记忆和梦境。
60位摄影大师的文案，句句都是佳作
60位摄影⼤师的⽂案，句句都是佳作许多年前，⼈们依赖⽂字表达感受，画画描摹场景。
摄影出现后，从此⼈类感知世间万物的⽅式，⼜多了⼀重，并且相⽐较⽂字和画画，摄影在光影定格的⼀瞬间，拥有保留永恒般的功⽤和意义。
「我们不只是⽤相机拍照，我们带到摄影中去的是所有我们读过的书、看过的电影、听过的⾳乐、⾛过的路、爱钢琴家摄影师 Ansel Adams 说：「我们不只是⽤相机拍照，我们带到摄影中去的是所有我们读过的书、看过的电影、听过的⾳乐、⾛过的路、爱过的⼈。
」可以说，摄影师们通过摄影开启⾃⼰艺术般的创作，⽽观赏者们，则在观看的过程中，去领略千重⼭万条路，去在他⼈的故事⾥，思索⾃⼰的⼈⽣，沉淀⾃⼰的感悟。
▼百年经典1《Prostitute with soldier in Paris》尤⾦ · 阿杰特⼀张好照⽚就像⼀条好的猎⽝默不作声，但⼜意味深长2《临流独坐》郎静⼭拿照相机就是我的⽣活3《Buy, Long Island》安德烈 · 柯特兹我从未跑到⼤⽼远寻找素材他们时常就在我家门⼝的台阶上4《移民母亲》多萝西娅 · 兰格照相机是⼀个教具教给⼈们在没有相机时如何看世界5《胜利之吻》阿尔弗雷德 · 艾森斯塔特我决不携带⼀⼤堆器材我的座右铭始终是尽量保持简单尽量保持简单6《丘吉尔》尤素福 · 卡什我对平民百姓有⽆限兴趣但最使我着迷的莫过于⽤相机将伟⼈的真性情充分展⽰出来7》《巴勃罗 · 毕加索毕加索》阿诺德 · 纽曼我们不是⽤相机在拍摄⽽是⽤我们的⼼与头脑8《逐浪的男孩》马丁 · 芒卡西要采取⾮常的⾓度要卧倒在地，要爬上梯⼦9《市府前的⼀吻》罗贝尔 · 杜⽡诺不分昼夜地等待剧⽬上演偶尔升格为导演10《迈向天堂乐园》尤⾦ · 史密斯我拍任何照⽚，不论好坏没有⼀幅不付出感情上纠葛的代价11《树荫下⼿持玩具⼿雷的男孩》黛安 · 阿勃丝我以⼀种笨拙的⽅式拍照我不安排对象，我站在他们⾯前我不安排他，我安排我⾃⼰12《华沙条约组织的军队⼊侵布拉格》约瑟夫 · 寇德卡好照⽚就是我可以和它⼀起⽣活的照⽚就像和某种⾳乐或某个⼈⼀起⽣活⼀样13《摄影师丹尼 · 斯托克》安德烈亚斯 · 费宁格相机是双眼的延伸14《教堂》保罗 · 斯特兰德没有欺骗和主义的镜头15《列侬和洋⼦》⼤卫 · 贝利对我来说对我来说肖像就是向被摄对象获取的某种东西这便是我的照⽚别⼈⽆法模仿的原因所谓秘诀，其实⽆关摄影，只在感情16《纽约》贝伦妮斯 · 阿博特摄影师是⼀个绝妙的当代⼈透过他的眼睛现在变成过去17《希区柯克》菲利普 · 哈尔斯曼如果⼀张⼈像不能体现⼈物内⼼深处那它不是⼀张真实的肖像只是⼀张空洞的画像18《⼯作间隙抽烟的⼩丑》布鲁斯 · 戴维森如果我在寻找⼀个故事我与主题的关系是故事在向我⽽诉说⽽⾮我在告诉故事19《男孩》布列松按下快门的那⼀瞬，便是摄影师所创作的就是那⼀瞬，⼀旦你错过，它将不复存在20《Georgia O'Keeffe and Orville Cox at Canyon de Chelly》安塞尔 · 亚当斯只有好照⽚没有好照⽚的准则21《阿富汗少⼥》斯蒂芬 · 麦凯瑞讲故事是最吸引我的22《⽇暮途远》何藩没有⼀种艺术媒介能像摄影那样表现得⼗⾜肖妙⾃然精确逼真，⼀成不变23《范思哲礼服》赫伯 · 瑞茨室外的空⽓和阳光所有的⼀切都显得那么新鲜好像骤⾬初晴的时刻这就是为什么我要把演员带到室外去拍照的原因24《⽣命》简 · 索德克尽管我们有⽂学、有⾳乐但摄影是唯⼀让时间停⽌的⽅式25《塔尔莎》拉⾥ · 克拉克摆脱社会规范的制约必将导致⾃我毁灭26《被毁坏的房间》杰夫 · 沃尔美丽总是与希望相伴相随艺术正如司汤达所说是⼀个幸福的诺⾔27《胖⼥⼈》莉赛特 · 莫多尔没有⾜够的勇⽓千万不要拍摄千万不要拍摄28《纽约纽约》》李 · 弗⾥德兰德我不是⼀个预作准备的摄影者我看到⼀张照⽚在那⾥我只不过是按下快门⽽已29《⾹烟37号纽约》欧⽂ · 佩恩肖像摄影⽐我们所知更为深刻我们所⽤媒介的局限在于内⼼仅仅在外表看起来明显时才可被记录30《多维玛与⼤象》理查德 · 阿维顿⼈像照不是临摹当情绪或事实转化成照⽚的⼀刻它就不是事实，⽽是意见31《报童》路易斯 · 海因如果⽤语⾔可以说得清楚何必再去背起相机32《新奥尔良的电车》罗伯特 · 弗兰克我只是不断地拍摄照⽚不断地寻找33《诺曼底登陆》罗伯特 · 卡帕战地记者⼿中的赌注就是⾃⼰的性命如果你的照⽚拍得不够好那是因为离炮⽕不够近34《克莱克西顿》马丁 · 帕尔只有发现令你刺痛的点或者脆弱的场景你才能够拍到好的照⽚否则很难成功35《街头拍照被⼈挥拳》马克 · 科恩我是在真正的意义上接近主体⼀只⼿拿着闪光灯，另⼀只⼿拿着照相机我可以在看到某个⼈的⽿朵时，按下快门36《斋⽇⾥的⽢地》玛格丽特 · 伯克 · 怀特在你的⽣命结束时候只有你⼿所作的⼯作才显出你存在的价值37《玻璃泪》曼 · 雷与其拍摄⼀个东西，不如拍摄⼀个意念与其拍摄⼀个意念，不如拍摄⼀个幻梦38《亲密家庭》萨莉曼我纯粹是⽤母亲的眼光去拍摄记录孩⼦们成长的过程39《⼀个⼥⼈的肖像》李 · ⽶勒我从未浪费过⽣命哪怕⼀分钟40《碧姬 · 芭铎》泰瑞 · 奥尼尔我希望我的照⽚可以被⼀般的民众更容易地接受⽽不只是将它们束之于画廊或者博物馆之类的⾼阁那样会让⼈们望之却步41《柏林墙另⼀边的东德⼠兵》唐 · 麦卡林我⼀⽣中⼀直有某种东西逼着我⾛出去记录死亡与苦难42《纽约》威廉 · 克莱因摄影不是绘画绘画是构图、修饰、改变该减的要减，该加的要加⽽照相就是⼀下有或没有就是那么⼀下死了或活着就是‘碰’⼀声43《爸爸妈妈和孩⼦》植⽥正治我喜欢揭⽰出摄影家轻微介⼊的影像44《⾯纱》爱德华 · 史泰钦每隔⼗年⼈就应该鞭策⾃⼰好使⾃我进⼊⼀个全新的境界45《佛罗⾥达州》斯蒂芬 · 肖尔⼀张没有结构的照⽚恰似⼀句没有语法的句⼦效果⾃然让⼈难以理解甚⾄是不可想象的了46《插秧⼥》滨⾕浩作为⼀个摄影师也作为⼀个⼈我需要定量的孤独所以我住在这⾥离东京⼀百公⾥的郊区我喜欢有时⾯对城市和⼈群但我需要距离47《持枪⽍徒被不当班警察击毙》维吉清晨5点是⼀天之中最容易产⽣新闻的时刻因为⼈们最喜欢在这个钟点杀死⾃⼰或杀掉别⼈48《汽车配件店》沃克 · 埃⽂斯注视、窥视、聆听、窃听吧知道⼀些东西再死去因为你不会在这⾥很久了49《永恒的康乃馨》塞西尔 · ⽐顿也许世界上第⼆蠢的事情就是⽆聊⽽最蠢的则是容忍50《巴黎》雅克 · 亨利 · 拉蒂格我⽤爱来拍照所以我试着使爱成为艺术的对象可是我拍照是为我⾃⼰⽽拍的这是第⼀⽽且先决的条件51《Coney Island》加⾥ · 维诺格兰德⼀张照⽚可以四处张望52《凸⾯先锋》亚历⼭⼤ · 罗德琴科对于⼀个物体我们必须从不同的观点不同的位置，拍摄⼏张不同的照⽚正如我们要从四周来观察它⽽不是通过⼀个⼩孔反复观看⼀样53《尼加拉⽠》詹姆斯 · 那切威我是⼀个⽬击者并且这些图⽚是我的证词我记录下来了这些事件都不应该被忘记，也决不能再重演54《纽约》海伦 · 莱维特如果我能说出来我就不⽤拍照⽚了55《Erotos》荒⽊经惟对于⽣与死的爱那就是摄影56《出埃及记》塞巴斯蒂安 · 萨尔加多看遍⿊暗犹有希望57《智利》塞尔吉奥 · 拉莱⼀张好照⽚来⾃于⼀个优雅的状态58《云南 · ⼭⾥⼈》吴家林我很清醒我能被西⽅摄影的主流欣赏接纳最重要的原因是我没有跟风或赶潮流我拍云南⼭⾥⼈时对西⽅的摄影⼤师们还⼀⽆所知59《蔷薇刑》细江英公对于⾃⼰的作品我总是不抱疑问不管他⼈说什么我就是我60》《第三⼤道，美国纽约第三⼤道，美国纽约》艾略特 · 厄威特能体现⼈性的照⽚就是好照⽚你被哪句⽂案打动了？⽂章来源：丹尼尔（ID：MRDANIEL777）。
日本摄影师们的生死爱欲
日本摄影师们的生死爱欲自2008年战胜癌症后，摄影师荒木经惟改掉了很多不良习惯。
他放弃了昔日钟爱的孟买蓝宝石毡酒和野火鸡波本威士卡（Turkey bourbon），香烟在他的生活中也已成为过去。
但有一个嗜好是他无论如何也无法放弃的，那就是令他沉湎而无法自拔的漂亮女人。
“我现在喝的是不添加朗姆酒的莫吉托，不过取代之前的是更多的爱欲。
”似顽童一般的荒木经惟说道，“生病之后我不再酗酒吸烟，我现在唯一爱的是漂亮女人的乳头。
”（《蔷薇刑#32》（Ordeal by Roses，1961年）。
图：细江英公（Eikoh Hosoe）（荒木经惟）“我似乎在欧洲获得的反响是最好的，首先是维也纳，其次是威尼斯、巴黎、伦敦和阿姆斯特丹。
”他说，“我喜欢那里，因为那里的人们理解我的作品，并且敢于说出自己的想法。
而在日本进行的展览却截然不同。
日本人的性格是隐藏自己的情感或想法，所以当他们看到我的作品时往往会压抑、掩盖自己的感受。
”“不过在我心里，我认为尽管日本人从不承认，但我知道他们是最能理解我的。
”他耸耸肩补充道。
同时值得注意的是，他那些不同程度被贴上淫秽、色情、下流或庸俗标签的作品已经引发了争议。
激烈的争论主要围绕于他是色情摄影师和剥削者还是艺术家展开。
通常，他作品中的裸体女人都会空洞地盯着镜头。
她超然而独立；作为观众参与到了他的作品之中。
（《蔷薇刑#6》（1961）。
图：细江英公）（《拥抱（Embrace）#18》（1969）。
图：细江英公）（《拥抱#40》（1970）。
图：细江英公）在介绍荒木经惟艺术时，专门研究日本摄影艺术世界作品的作家、策展人和出版商伊凡·瓦塔涅尔（Ivan Vartanian）曾这样说过，荒木经惟“使相机化身为男人，将镜头下的女人弱化为一组女性生殖器官。
这是他在有意挑衅存在了数百年的体制。
在将这些传统具象化的同时，他也使它们成为了调侃的对象。
”对于那些认为他的作品是在通过镜头对女性的一种侵犯或者剥削，他并不理会。
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“ 对我来说，摄影可以同时既是记录，又是自我表达的‘镜子’或‘窗口’。 “相机通常被认为无法描述眼睛所看不见的东西。但是一个充分掌握了相机的 摄影家能够描述隐藏在他记忆中的不可见之物”。 ——细江英公
细江英公多层面的、驾轻就熟的意象对他那个时代来说是富于创造精神的， 而他对内在表达的强调，促成了“影像时代”的出现。 1961年，细江英公开始与深受欢迎的作家三岛由纪夫密切合作。他们一起 创作了《蔷薇刑》）；1963年，一种怪诞、色情、病态、戏剧性的特征在第二 个重要版本中达到了巅峰； 1971年该书出版，与此同时三岛由纪夫自杀。这些 照片所具有的梦境一般的特征，预示了三岛由纪夫的死亡；其中那种同性恋的 潜在基调对于一位以性情羞涩而闻名的人来说，毋宁说是一个自我揭露的冒险 举动。 细江英公也曾与舞踏运动中的土方巽合作，共同探索并表现出日本核战后 超出其严谨文化的想象力。
细江英公
Байду номын сангаас
日本乃至世界摄影界鬼才 是战后日本的第一代现代摄影教父大师 和暗黑舞踏宗师的大野一雄，波普教母草间弥生并称为日本国宝级人物 是目前日本最有名望的在世摄影大师森山大道的老师 细江英公是一名佛教祭师的儿子，出生在日本山行县，不久就被带去东京。在 自传里，他称是因为儿时在田野里看到战后的鬼灵而收到了惊吓，并为日后那 种大难降至的神秘凄厉的风格打下了潜意识基础。 他最有名的作品是以三岛由纪夫为主角拍摄的《蔷薇刑》，这本充满残酷死亡 与生存气息的摄影集，使得后来三岛的自杀更加充满了浓郁的殉教色彩。
END
“我们，必须用各种各样的化学手法来争取到我们所能想象到的效果！” 这是细江英公的名言之一。为此，作为后来者的荒木经惟甚至冒着暗房被烧的 危险，为了追求奇特的纹理，荒木点起了火苗。 但是，细江英公给我们的更多启示，将会穿透相片直指你的眼睛和某种深处
细江英公此后的作品，大多具备这种气质，他努力解决生命 之谜和人性之谜，他的作品“一律有种邪恶的、诡异的、阴 郁的、着魔般的、疯疯癫癫的、末日来临的气氛，荒野中一 个打着破伞的巫婆般的疯女人，龟裂的夜晚的胶泥地上一个 小小的裸体人，被不明来历的光照着”，即便是一座哥特式 教堂，被他拍出来，那种繁琐与阴沉，也像是来自另一个世 界。 70年代后，细江英公“不断呼吁经摄影家亲手以化学处 理所得之永久不变色照片的重要性”，并开展一些摄影启蒙 活动，1995年他成立了“清里摄影美术馆”，并任馆长至今。