以绘画为例
绘画中礼乐之道的例子
绘画中礼乐之道的例子绘画中的礼乐之道是指在绘画作品中体现出的礼乐文化的精髓和特点。
礼乐之道是中国古代文化中的重要组成部分，它强调的是人与人之间的和谐相处、尊重和感恩之情。
在绘画中，艺术家们通过不同的表现手法和主题来体现礼乐之道的内涵，以下是十个例子：1. 《清明上河图》：这幅明代绘画作品通过描绘繁忙的清明节景象，展示了人们对传统节日的重视和参与，体现了人们对于社会和谐的追求。
2. 《千里江山图》：这幅宋代绘画作品通过描绘广袤的山川和繁华的城市，展示了中国古代社会的繁荣和丰富，以及人们对于自然和文化的崇尚。
3. 《兰亭序》：这幅东晋绘画作品通过描绘文人雅集的场景，表达了文人士大夫们对于礼乐文化的追求和推崇，强调了人与人之间的交流和人文关怀。
4. 《百鸟朝凤图》：这幅明代绘画作品通过描绘各种鸟类的活泼形象，展示了自然界万物和谐共处的美好景象，体现了人们对于生态平衡的追求。
5. 《董其昌画卷》：这幅明代绘画作品通过描绘禅宗的画卷，表达了对于心灵境界的追求和修炼，强调了内心的宁静和平和。
6. 《宴会图》：这幅唐代绘画作品通过描绘宴会的盛况，展示了尊重和团结的精神，体现了人们对于友谊和亲情的珍视。
7. 《牧童图》：这幅唐代绘画作品通过描绘牧童放牛的场景，展示了人们对于自然和谐的向往，以及对于劳动和生活的热爱。
8. 《山水图》：这幅元代绘画作品通过描绘山水的景色，表达了对于自然美的赞美和追求，强调了人与自然的和谐相处。
9. 《戏曲图》：这幅明代绘画作品通过描绘戏曲演出的场景，展示了人们对于艺术和娱乐的热爱，以及对于表演和才艺的尊重。
10. 《书法作品》：在绘画中，艺术家们常常通过书法来表达礼乐之道的内涵，以文字的形式传达出对于美、善、忠、信等价值观的追求和崇尚。
通过以上的例子，我们可以看到绘画中的礼乐之道是多样而丰富的，它不仅体现在作品的主题和视觉形象中，还体现在绘画的技巧和表现手法中。
这些作品不仅展示了古代文化的底蕴和智慧，也给我们提供了对于现代社会和人际关系的思考和启示。
举例说明艺术的创作过程
举例说明艺术的创作过程
以绘画创作过程为例：
1. 创意阶段：艺术家从自己的主观意识中汲取灵感，通过审视和思考，提炼出创作主题，确定创作意向。
2. 设计阶段：艺术家构思草图，确定画面构图，色彩和细节的处理方法，从而形成初步的构思方案。
3. 准备工作：艺术家选择画布、颜料、画笔等绘画材料，准备好绘画工具和环境。
4. 创作阶段：艺术家在画布上运用色彩、线条等视觉元素，按照初步构思方案，逐步营造出画面的氛围和情感。
5. 修改与完善阶段：艺术家检查画面的色、形、质等方面的表现效果，进行微调，直到达到满意的效果。
6. 完成阶段：艺术家认为画面达到一定的创作目的，作品完成，停止创作，进行评价和展示。
视觉艺术中的图形叙事——以中西方绘画为例
综上所述"从中西方绘画中"我们可以看到形式多样$材质 不同$表现形式不同的建筑和绘画样式"同时也能感受到视觉 艺术中的绘画图形带给我们强烈的视觉审美和叙事功能#
参考文献 $ 英 贡布里希著范景中译林夕校&艺术发展史&天 津人民美术出版社& ) 杜斗城王书庆&敦煌与丝绸之路&海天出版社& 作者简介杨伟伟硕士安徽科技贸易学校教师
从古典绘画达芬奇中的蒙娜丽莎到安格尔的泉"莫奈的日 出印象再到现代主义的毕加索"我们可以感受到西方绘画所展 示的画面审美性和故事叙事性# 如拉斐尔的圣母像名作-. 草 地上的圣母/ "画面中的人物画得令人赞叹不已"圣母俯视着两 个孩子"表情充满着慈祥与爱# 拉菲尔通过反复构图"比较画 面中三个人物的位置关系"似乎在用画家的画笔像观众表达一 种圣与子的天伦之乐# 伦勃朗的腐蚀刻画22基督讲道"表现了 圣经故事场景"画面上基督正在讲道"贫穷$卑微的人聚在一起 听讲"一群犹太人站着或坐着"挤在一起"有的人在出神的听 着"有的人在默默的沉思耶稣的话"画面中的真实与真挚胜过 和谐与美#
艺术来源于现实
艺术来源于现实，艺术在一定程度上是模仿了自然界，但它又超越了自然界本身所表现的。
以绘画为例，很多艺术创作并不完全是被动的，它有我们作为人的一种主观能动性，这里边是包含着情感的，某一时间人们认为肥硕的马是最美的，这是与当时社会生产力以及社会实践的发展水平相关的。
其实在人的本性中就有对美本身的追求，而艺术总是以美为标准和目标的，艺术的基本品格也是审美。
艺术与生活是密切相关的，艺术的创作也不是那么随意的。
基于这点，在欣赏了《破铜烂铁变奏曲》之后，我有了更深的感触。
该艺术创作是以我们生活中最平常的生活用品创造出了不平凡的节奏和动感，她以那高低起伏的旋律，淋漓尽显世界各国不同的艺术文化，这种大胆的想法和结合是完美的，给人情感上的一种享受，使人感到震撼。
当然，我承认并佩服创作者那奇特的创意，我不得不说这种创造是人类更加文明化的体现。
这种将自然之声与噪音在合理有序的排列和组合竟将艺术的美感表现的如此尽然。
她给人精神上的愉悦感是不能用单调的语言来阐释的。
我想对艺术的审美是需要一定的基础知识和情感的投入的。
艺术是属于人文的，这种艺术审美能力是作为每一个现代潮流下的人更应该学习并具备的。
我想就我自身而言，作为一个文科类的学生，先前对艺术的学习和理解总是很肤浅、欠缺的。
在所选的这门课上，老师给我们欣赏了一些优秀的艺术创作，欣赏这样的艺术作品对于我这样的非艺术专业的学生来说是难得的，同时给我的印象却是深刻的。
一方面我了解并学到一些基本的与艺术相关的理论知识；另一方面通过直观的欣赏，即从视觉和听觉上去感受这种优秀的艺术作品所展现的魅力，让我对艺术有了一些好奇和喜欢。
她带来的不仅是美的享受，能狗培养一种艺术精神，能了解相关的艺术知识，更有助于提高自身的艺术修养水平。
艺术学习对我们文化素养的提高总是很重要的，对我们审美情趣的培养也是有很大帮助的。
我们知道好的艺术作品的欣赏总是能够提起人的兴趣，打动人的感情，让我们愉快地从中受到教育。
中国绘画在生活中的设计应用案例,
中国绘画在生活中的设计应用案例
中国绘画在生活中的设计应用案例有很多，以下是一些例子：
1.家居装饰：中国画作为家居装饰的一部分，可以提升家居的艺术氛围。
例如，可以将中国画作为客厅、卧室或餐厅的墙壁装饰，或者作为屏风、挂屏等摆件。
2.包装设计：中国画中的元素和色彩可以用于包装设计，使产品更具中国特色和艺术感。
例如，茶叶、月饼等传统食品的包装上常常出现中国画元素。
3.服装设计：中国画中的图案和色彩也可以用于服装设计，使服装更具中国风韵。
例如，旗袍、汉服等传统服饰上常常出现中国画元素。
4.平面设计：中国画中的构图、色彩和线条等元素可以用于平面设计，使广告、海报等更具艺术感和视觉冲击力。
总之，中国绘画在生活中的设计应用非常广泛，可以提升人们的生活品质和审美水平。
以《潇湘奇观图》为例
以《潇湘奇观图》为例《潇湘奇观图》是中国历史文化上著名的画作之一，绘于明代，由唐寅绘制。
它以绘画的形式展现了中国古代人们对美好生活的向往和追求。
下面将以《潇湘奇观图》为例，简要介绍其历史背景、创作特点以及对后世的影响。
《潇湘奇观图》创作于明代万历年间，这是一个历史上相对和平繁荣的年代。
当时，中国社会经济发展日渐繁荣，人们的物质生活水平也有所提高，因此对美好生活的向往和追求也变得更加强烈。
在中国古代绘画中，故事画是一种非常受欢迎的题材。
而《潇湘奇观图》所描绘的正是一个令人向往的奇观场景。
画面中有山川流水、各种灵动的动物和仙魔神怪，构成了一个色彩缤纷的神秘世界。
画中的人物形象也栩栩如生，他们或是高风亮节的仙人，或是俗世中的平民百姓，或是活泼可爱的神怪，展现了丰富多样的人物形象和生活场景。
《潇湘奇观图》中呈现出了中国古代社会对于美好生活的向往并赋予了想象力的表达。
它不仅仅是一副画作，而是对人们追求自由、幸福和宁静生活的诗意诠释。
这是一种哲学性的思考方式，融入了古代中国人对自然和谐、人与自然关系的思考。
《潇湘奇观图》对后世的影响也是深远的。
作为中国画史上的经典之作，它对中国绘画的发展产生了积极的影响。
唐寅以此画作展现了独特的绘画风格，他追求个性化和表现力，并不局限于传统故事画的刻板形式。
这样的创新激发了后来一系列画家的探索和实践，推动了中国绘画的发展与变革。
《潇湘奇观图》以其独特的创作主题、精湛的绘画技巧和深邃的艺术意境，成为中国绘画史上的瑰宝。
它展现了中国古代人们对美好生活的向往和追求，同时也反映了历史时代的背景和社会发展的脉络。
通过这幅画作，人们可以感受到古代中国人的思考方式、审美追求以及对自然和人与自然关系的探索。
它的影响力不仅体现在中国绘画艺术领域，同时也对后世的文化艺术产生了重要的影响。
请用艺术作品举例,谈谈你对继承与创新的理解
请用艺术作品举例,谈谈你对继承与创新的理解在艺术领域，继承与创新是相辅相成、不可或缺的。
下面以中国传统绘画为例，谈谈我对继承与创新的理解。
中国绘画历史悠久，具有独特的审美情趣和艺术风格。
在漫长的历史长河中，许多优秀的画家通过不断的实践和创新，传承和发展了中国绘画的精髓。
以元朝画家黄公望为例，他在继承前人绘画技法的基础上，不断探索和创新，形成了自己独特的艺术风格。
他的代表作《富春山居图》以优美的笔触和深远的意境，将自然风光与人文精神融为一体，成为了中国画史上的经典之作。
这幅画作不仅展示了黄公望高超的绘画技艺和对自然的感悟，更体现了他在继承传统的同时，勇于创新的精神。
然而，继承并不意味着一成不变地沿袭传统。
在继承传统的同时，艺术家需要不断地进行创新和尝试，以适应时代的需求和变化。
当代著名画家傅抱石就是一个很好的例子。
他将传统绘画技法与西方现代艺术相结合，创立了自己独特的风格。
他的作品既有中国传统绘画的韵味，又融入了现代艺术的元素，展现出独特的审美价值。
这种创新不仅使傅抱石的作品在艺术市场上备受瞩目，也为中国传统绘画注入了新的生命力。
综上所述，继承与创新在艺术中是相互促进、不可或缺的。
艺术家需要在继承传统的基础上，不断进行创新和尝试，以适应时代的需求和变化。
只有这样，艺术才能在传承中得以发展，并在创新中焕发出新的生命力。
幼儿园绘画艺术：名家画作欣赏案例分析
一、引言幼儿园绘画艺术是孩子们在启蒙阶段对于绘画的初步接触和探索，其重要性不言而喻。
名家画作对幼儿园绘画艺术的影响尤为深远，通过欣赏名家画作，幼儿能够接触到高水平的绘画作品，从中汲取灵感和启发，培养对绘画艺术的兴趣和理解。
二、名家画作欣赏案例分析1. 葛底斯堡的儿童《葛底斯堡的儿童》是美国画家诺曼·罗克威尔的代表作之一，其展现了美国乡村小镇上的孩子们在夏日的欢乐情景。
这幅画作热闹生动，富有明快的色彩，展现了孩子们天真活泼、无忧无虑的状态。
通过这幅画作，幼儿可以感受到孩童时代的快乐和无拘无束，激发幼儿园绘画艺术中对于纯真和快乐的表现。
2. 萨提儿的诱惑法国印象派画家勃朗特·莫里索的《萨提儿的诱惑》展现了一个小女孩在花园里采花的画面。
在这幅画作中，画家运用了柔和的色彩和轻快的笔触，表现出了小女孩天真可爱的形象和花园的宁静美丽。
幼儿通过欣赏这幅画作，可以感受到自然景色的美好和小女孩的天真可爱，启发幼儿表现自然风景和人物形象的绘画能力。
3. 蓝色的房间荷兰后印象派画家毕加索的《蓝色的房间》是其蓝色时期的代表作品之一，画中的女性形象和室内环境都倾向于用冷色调展现。
这幅画作充满了忧郁和孤独的氛围，给人以深刻的思考和情感沉淀。
通过欣赏这幅画作，幼儿可以感受到艺术的情感表达和色彩搭配的独特魅力，激发幼儿在绘画中表现情感和塑造氛围的能力。
三、总结与个人观点通过以上名家画作的欣赏案例分析，我们可以看到每幅画作都展现了独特的艺术魅力和内涵，对于幼儿园绘画艺术的启发和指导具有重要意义。
在幼儿园绘画教育中，必须注重名家画作的欣赏和赏析，引导幼儿从中获取绘画技法、创作灵感和审美体验，培养他们对绘画艺术的兴趣和理解。
作为一名文章写手，我对幼儿园绘画艺术的重要性深信不疑。
希望通过这篇文章的撰写，能够引起更多人对于幼儿园绘画艺术的关注和重视，为孩子们的绘画成长提供更多有益的指导和启发。
愿每一位幼儿都能在绘画中找到快乐和成长，用色彩和想象书写自己的童年故事。
幼儿园书画活动案例——从大师笔下学习绘画
幼儿园书画活动案例——从大师笔下学习绘画
案例：幼儿园书画活动——从大师笔下学习绘画
随着孩子们的成长，书画活动逐渐成为幼儿园教育中不可或缺的一部分，它能够锻炼孩子们的手眼协调能力、想象力以及审美能力。
在幼
儿园书画活动中，让孩子们从大师笔下学习绘画是一个不错的选择。
在我的经验中，我将经典名画和孩子们所熟知的故事相结合，设计一
系列绘画课程。
例如，我挑选了梵高的《星夜》作为课程主题，与孩
子们一起欣赏这幅画、学习梵高的生活和创作经历，然后引导他们在
画板上自由发挥，展现他们的想象力和表现力。
在此过程中，我以每
个孩子的绘画为开端，向他们介绍梵高的绘画技巧，如画笔颜色混合、线条的表现等。
最后，我鼓励孩子们将自己的绘画与其他孩子分享并
进行互动评论，这不仅能够增加他们的交流能力，还能够加深他们对
绘画的理解和体验。
这样的绘画课程不仅能够培养孩子们的艺术修养，还能够增加他们的
自信心和成就感。
一名学生曾经向我展示了她在家自己画的一幅梵高
风格的画作，并且对自己的画作充满了信心和自豪感。
让孩子们从大
师笔下学习绘画，不仅离不开幼儿园教师用心的指导，也需要家长的
支持和参与。
综上所述，幼儿园书画活动是幼儿园教育不可或缺的一部分，让孩子们从大师笔下学习绘画是一个有益且有趣的方式。
通过这样的活动，孩子们不仅能够享受绘画的快乐，还能够培养他们的审美意识和创造力。
同时，也需要教师和家长的携手配合，让孩子们在绘画中茁壮成长。
宋元山水画中的水隐喻——以南宋马远的《水图》绘画为例
|Shu Hua Shi Jie-书画视界|宋元山水画中的水隐喻—以南宋马远的《水图》绘画为例丁文星上海出版印刷高等专科学校摘要：古人认为，通过观察自然现象可以获得人生智慧的体悟，自然具有与人类相似的价值观念及道德品性。
伴随着中国艺术史的发展，从北宋到南宋，山水画经历了一个重要的转变，即从写实再现转向自我表现，中国山水画的主流从关注外物转而关注内心之道。
在自然中获得人世间对道义的认识与人格的感悟，人将精神多寄付于自然山水。
中国传统文化赋予了水以灵动、绵延、随和的精神特征。
水，也成为了生命永恒、道德澄明的象征。
同时，水也是美的象征，如：山水画中水面行舟，水岸丘壑，茂密的树林隐于烟云之中，情景交融。
关键词：山水画马远《水图》水隐喻美学精神中图分类号:J205文献标识码:A文章编号：1008-3359(2020)24-0039-04在中国早期哲学思想中，水是最具活力的隐喻。
水的意义并不只局限于它的各种变形，水给万物以生命,是所有生命的总源泉。
在古代中国有关水的神话传说或文献记载中，包含着文明、文化的色彩。
在世界任何文化传统中，“山水”在艺术中所扮演的角色都没有中国这样重要。
水的形式是复杂多变的，创作者通过观察和分析水的形态、水的内在力量创作出不同的绘画作品。
水是中国诗人、画家寄托思想取之不尽的客体形象。
万物都需要水养育，水是生命的象征。
时至今日，人们日常生活及农业种植也都以水为基础，而过去的中国是一个以传统农业为主的国家，种植和收获的季节解咒深深根植于传统的阴历中。
①因此，“雨水”是人民生存或生命本身不可或缺的元素，农民仍然是世界上最普遍的职业。
—、宋元山水画中的水隐喻中国绘画中对自然山水的关注早在原始社会时期就已经出现，如马家窑文化中彩陶瓶身的水波纹，象征着奔腾不息的水流。
在中国绘画传统中，成就最为辉煌的是宋元山水画，其艺术造型精美绝伦、人文意境鲜活。
在记载早期绘画的文献中我们可以找到无数的例子相信图像具有神奇的功效，而具有和谐感和秩序感的山水画隐含的吉祥图被认为可以表达某种预想结果的愿望。
艺术创作的间接体验举绘画例子(一)
艺术创作的间接体验举绘画例子(一)艺术创作的间接体验——绘画作为一种视觉艺术，绘画常常被视为人类文化创造力的象征。
而在艺术创作中，绘画作为间接体验的方式，不仅可以传达出艺术家所表达的情感、思想和观念，同时也能够帮助观者忘却周遭的杂念，享受抽象的美感。
非写实绘画对于非写实绘画，也就是不局限于形态和线条上的描绘，艺术家可以通过横平竖直、色彩和形状来表达情感和思想，给观者留下深刻的印象。
费瑟曼的尖锐构成风格俄国艺术家费瑟曼（Kasimir Malevich）以他尖锐的构成、单纯的几何形状和鲜明的颜色表现主义作品而广受赞誉。
他的作品通过将最基本的几何形状置于主题的中心，以期引起观者对主题的思考。
米罗的抽象表现主义西班牙艺术家米罗（Joan Miró）以他的抽象例子表现主义作品而著名。
他的作品充满了各种动物、天体和图案并通过色彩和形态的结合展现出异想天开的构想。
写实绘画写实绘画是艺术家通过准确的图像所传达的信息。
通过绘画的写实性质，艺术家可以通过不同的形式和手法，发挥出他们的技能和想象力，传达出更准确的信息和更具有表现力的情感。
孟德尔松绘制的细节鲜明的大自然Dinara Djangaraeva是一位来自吉尔吉斯斯坦的画家。
她的绘画，特别是描绘大自然的画作，具有非常高的写实性。
她的作品中强调对于每一个形状和线条的准确把握，并通过细节的表述，让人仿佛置身于森林中。
爱德华·霍普的写实主义风格爱德华·霍普是一位美国艺术家，以他的写实主义风格而著名。
他重视对于画布的构成和图案，通过淡化色彩和注意光的准确表达，再现了现实世界中最细微的细节，描绘出充满情感的景象。
通过这些举例子和详细的讲解，我们可以清晰的看到绘画作为一种间接体验的方式，在艺术创作中所扮演的重要角色。
不仅能够帮助艺术家传达他们的思想和情感，同时也为观者带来了抽象的美感和幻想的空间。
转折与创新在现代艺术中，随着科技和文化的进步，绘画也经历了转折和创新，拓展出全新的表现形式。
绘画中的激情——以戈雅的《萨图恩食子》为例
绘画中的激情——以戈雅的《萨图恩食子》为例
戈雅是西班牙最著名的画家之一，他的作品充满了激情、表现力以及强烈的视觉冲击力。
他的《萨图恩食子》是他最具代表性的作品之一，它充满了激烈的情感和强烈的色彩。
《萨图恩食子》描绘的是一幅准备享用大餐的画面。
画面中的人物被描绘得十分逼真，让观者仿佛置身于现场。
然而，这幅画作中的场面似乎并不平静。
画中的人物似乎正在经历着某种内心的波动。
首先，我们可以看到画面中左上角的一个人物，他在神色紧张的注视着观众。
他的眼神非常直接，仿佛在询问，甚至是挑战观众。
这种直接的死死盯着观众的眼神，让观众难以抵挡，仿佛被画面所吞噬。
其次，我们可以看到画面中右上角的一个人物。
他的形象似乎与其他人不同。
他的脸上没有表情，仿佛冷静地观察着其他人的举动。
这种与其他人不同的表现方式让人不禁想到他内心的复杂情感。
这种内心的复杂情感可能是对世界的无力、对周围环境的思考，或是对自身身份的不确定等。
此外，画面中的人物着装也有所不同。
有的穿着华丽，有的则衣着朴素。
这种差异化的着装方式，暗示了社会阶层的分化以及人物身份的不同。
而这些身份的不同，可能给这些人带来了不同的人生经历以及不同的内心情感。
总之，戈雅的《萨图恩食子》充满了激情，它不仅仅是一幅简
单的画作，更是一个充满内味的故事。
这个画面中每一个人物，都有着自己的故事和内心情感。
这种丰富的情感和内味，所营造出的震撼力，是其他画作难以比拟的。
伦勃朗绘画中的光与影——以《夜巡》为例
伦勃朗绘画中的光与影——以《夜巡》为例
作为17世纪荷兰艺术家伦勃朗最有代表性的作品之一，《夜巡》将光与影的运用带到了极致，成为了绘画中典范性的一张作品。
首先，从画面整体来看，《夜巡》采用了强烈的对比色配合，亮暗分明，色彩繁复而不混乱。
整个画面被划分为明亮的前景和昏暗的背景，人物服饰和物品顏色显得鲜艳而生动，这些都是光线创造出来的效果。
在画面所表现的场景中，主角们站在一条狭窄的街道中间，阳光从左上角斜照下来，照亮了他们生气勃勃的面孔和华丽的衣饰，同时也突出了街道两侧高大的建筑和街道顶部的轮廓线。
使得画面具有了鲜明的层次感和立体感，推动了人物和背景之间的深度。
其次，就人物单独来看，《夜巡》中的人物，大多是从暗处发光，获得了戏剧效果。
而画面中的光线，则从人物的帽子和肩部正面强烈反射出来，代表着光源所在的位置。
人物的位置，动态和表情也都受到了光线的影响，亮光所碰到的地方会变得更鲜明，而阴影区域则会变得更深沉。
在这张画中，艺术家伦勃朗用手法掌握色彩和形象的创造，创造出了生动的表情和形象，强调了光和影的对比，表达了主题的紧张感和戏剧感，达到了画家想要表达的意图。
总之，靠着对光线和阴影的巧妙运用，《夜巡》达到了最好的
画面效果，如同电影般的光影变化，成功地突显了画中人物的生动形象和深刻主题，也使得这幅画成为了世上的名作。
以绘画教学为例,分析如何评估美术教案教学效果
美术教育在人们的教育体系中占有重要的地位。
随着社会的发展，美术教育的发展也逐渐成熟，从过去注重技法的传授，到现在更加注重培养学生的审美能力和艺术素养。
美术教案作为一种教学设计的文档，对美术教学的效果有着至关重要的作用。
教案教学效果的评估，不仅有利于提高教师的教学能力，还有利于提高学生的学习质量和成果。
本文将以绘画教学为例，分析如何评估美术教案教学效果。
一、美术教案教学效果评估的内涵教案教学效果评估指对美术教案所设计的教学目标、教学内容、教学过程、教学方法等方面进行综合性评价。
其内涵包括以下几个方面：1. 教学目标的达成程度美术教学中的教学目标包括技能目标和情感目标两大类。
技能目标即学生在绘画技能方面所应具备的能力，如画线、涂色、构图等技能。
情感目标则是将美术融入到生活、将美术教育融入到学生的情感、认识、品性等方面，使学生在美术方面拥有较高的素养。
评估教案教学效果需要同时考虑技能目标和情感目标两者的达成程度。
2. 教学内容的质量与适宜性评估教案教学效果不仅要考虑教学的目标和方法，更需要对教学内容的质量和适宜性进行评估。
教学内容应该符合学生的阅历、兴趣爱好等方面的需求。
同时，教学内容也应该具备一定的艺术感染力，能够引起学生的兴趣和激情，使学生在学习过程中感受到美术教育的魅力。
3. 教学过程的管理和控制教学的过程管理和控制是美术教育的核心。
教学过程的管理和控制包括如何组织学生学习，如何控制教学进度和课堂秩序，如何观察学生的学习情况和调整教学方法等方面。
评估教案教学效果需要细致观察教学过程，发现教学过程中的问题及时加以解决。
4. 教学方法的适应性和创新性美术教育需要创造性教学方法，并适应不同学生的需求。
评估教案教学效果需要关注教学方法的适应性和创新性。
教案中的教学方法是否针对不同的学生群体，是否具有创新性和新颖性，关系着教学效果的质量。
二、评估美术教案教学效果的方法评估美术教案教学效果需要综合运用多种方法。
学习绘画的目的是什么？请结合实例说明
学习绘画的目的是什么？请结合实例说明
研究绘画的目的是什么？
研究绘画可以有多个目的，以下是一些主要的目的及相关实例：
1. 表达情感和创造力：
绘画是一种优秀的艺术形式，可以通过色彩、线条和形状来表
达内心的情感和创造力。
通过研究绘画，人们可以将自己的思想、
感受和经历转化为视觉形式，与观众产生强烈的共鸣。
例如，画家
梵高的作品《星夜》通过独特的色彩和线条表达了他对自然的热爱
和内心的痛苦，让观众感受到他的情感世界。
2. 增强观察力和专注力：
绘画需要对细节进行观察和捕捉，从而提高观察力和专注力。
通过研究绘画，人们可以更加仔细地观察周围的事物，观察光影、
形状和比例等细节，从而深入理解事物的本质和美感。
例如，著名
画家达芬奇的素描作品《维特鲁威人》展示了他对人体解剖学的深
入研究和对细节观察的精准。
3. 改善沟通和表达能力：
绘画是一种非语言的交流方式，通过图像来传达信息和情感。
通过研究绘画，人们可以培养自己的沟通和表达能力，通过视觉形
式将想法和观点传递给他人。
例如，政治漫画家通过绘画来表达对
社会和政治问题的看法，让观众通过图像理解并思考有关议题。
4. 放松身心和减轻压力：
绘画可以成为一种放松身心和减轻压力的方式。
通过专注于绘
画过程，人们可以暂时远离日常生活的压力和烦恼，进入一种自由、创造性的状态。
例如，许多人都喜欢通过绘画来放松心情，表达内
心的情感和发泄压力。
总之，通过学习绘画，人们可以实现情感表达、观察力和专注
力的提升，沟通和表达能力的培养，以及身心放松和压力减轻等多
重目的。
中国传统绘画的特点——以唐代绘画为例
【 参考文献 】
… 郑振 铎 中 国艺术 讲谈 【 Ｍ】北 京 ： 中国 文史 出版社 ， ２ ０ ０ ９ 【 ２ ｌ 王伯 敏 中国 绘画 史 【 Ｍ１文化 艺术 出版 社 ． ２ ０ ０ ９ 【 ３ 】 滕 固 叶 隽 中 国美术 小史 唐宋 绘画 史 【 Ｍ】长春 ： 吉林 出版集 团有 限责任 公 司
＿ ｌ — ▲国古代绘画有其独特方式独立于世，而风格与环境则有
Ｌ＿ ＿ Ｌ ＿ ｜ ． 密切的关系。例如唐代以壁画为主，隋 唐时期的壁画已
－ 达 到了很高 的水平 ，因此其所 到之处非 常广 泛像在宫殿 、 庙宇 、墓室等等 。此外佛教 的发展在唐代 达到 了顶 峰而壁画 内容 则 以此 为主 ，其作 用是直播 内容给各 阶层 的人们 。因此 佛教是深 入人心 到他们 的 日常生活和精 神生活里去 。除了传播宗 教外 ，歌 功颂德 表赞功 臣的内容也被记 录在墙壁上 ，山水鱼虫则 视为纯装 饰赏析 。唐代 画作 涵盖人物 、风 景 、动物 、鬼神但为首 还是人物 画 ，这不仅 说 明唐代 画作延续 了历史的发展 ，还说 明在 当时统治 者开 明的政 策 以及人们较 高的生活水平 上。 山水 画作 在唐与唐之前有 很大差别 ，唐之前 山水 画作 还处于 种定式 的状 态 ， 画 中山水 既没生气又无法 表现其空 间形 态变化 。 所以 山水 画虽然 出现早但 发展与成熟 却是在唐 ，唐代 的画家不仅 改变 了唐 以前的画作 风格 ，所经 画家之手又衍 生了多种风格 。唐 代的绘 画在 表现手法上 出现了新变化 ，不仅继 承了唐之前 重笔法 重色彩 的绘 画方式 ，同时还创作 出单 色勾线 的白描及水墨 画中的 泼墨画法 。 在用笔 上可 以说 以吴道 子为代表 的画家用笔更加 大胆 ， 设 色也更加 简单 ，用笔 刚劲有力并且 浑厚 ，形成 了独特 的笔法 。 因此我们在 书评中看 到 “ 笔才一二 ，像 已应焉 。”另外 ，有说 唐 代 画作更写实 ，也有说唐代 画作更写 意 ，而我在 书中看到这样 的 引注一 吴道子 的画作落墨 之后会让他 的徒弟继续上 色 ，即 “ 只在 约 略浓淡之 间 ，而道玄辄许 可” 。因此 我认 为可 以大概猜测 出唐 代 的画作有写意 的倾 向，当然许 多现代画家并 不认 同。 在 我国古代 的绘 画中 “ 自然 ”被作 为一种最 高的美的表现存 在 。古 代画家在创 作上表现 出它并不存 在与 自然之外 ，也不属 于 自 然之 上 ，它正是 自然之 内的。在顾恺 之 、吴道子 的画作 中可 以 看 到 自然的 ，这不 仅体现在 画作 形神还 与主客体意境 统一 。其 画 作并无 追求刻意用 笔设色 ，但是 气韵十 足。除 自然外 绘画 中最讲 究神似 。中 国画从 一开始就不单 拘其表像 而更多强调 神似 。在传 统 的绘 画中形似 只是 表现 出物体 外表 的逼真 ，而神似 才是表达画 家 内心本 质的精神追 求。汉魏 画家擅表动态 之气势 ，西晋 卫协被 称为 “ 虽 不该备形妙 ，颇得壮气 ” ，谢赫 “ 六 法” 中也把 气韵生 动放于首 位 ，五代 山水画家所作 的绘画力求气 质俱盛有别 于 “ 得
绘画艺术传承优秀案例
绘画艺术传承优秀案例
引言
绘画艺术传承是保护和传承优秀绘画传统的重要任务。
本文将
介绍一些具有代表性的绘画艺术传承优秀案例，以展示传承工作的
成果和价值。
案例一：张大千的艺术传承
中国画大师张大千以其精湛的绘画技巧和独特的艺术风格享誉
世界。
他不仅在艺术创作上有卓越成就，也致力于传承绘画艺术。
张大千通过培养弟子、举办绘画讲座和展览等方式，将自己的艺术
经验和技艺传承给后人。
他的传承工作激发了更多年轻艺术家的创
作热情，并为传统绘画的发展作出了积极贡献。
案例二：欧洲古典绘画的传承
欧洲古典绘画是世界绘画史上的重要流派，具有深厚的艺术积
淀和独特的创作风格。
为了保护和传承这一重要的绘画传统，欧洲
各国采取了一系列措施。
例如，建立专门的绘画艺术学院和博物馆，组织展览和学术研讨会，以及支持年轻艺术家的培养和创作等。
这
些努力推动了欧洲古典绘画的传承与发展，使其在当代艺术中依然具有重要地位。
案例三：当代艺术的传统再现
传承绘画艺术并不意味着完全保持传统，而是在传统的基础上创新与变革。
当代艺术家通过吸收传统绘画的精华，并结合当下社会、文化和艺术潮流的元素，创造出独特的艺术语言和风格。
这种传统的再现既传承了绘画的灵魂，又使传统与现代相结合，为绘画艺术注入了新的活力。
结论
绘画艺术传承是推动绘画艺术发展的关键环节。
通过上述案例可以看出，传承优秀绘画传统需要多方努力，包括大师的传授、相关机构的支持和年轻艺术家的创新。
只有坚持传统，又注重创新，才能使绘画艺术在当代社会中焕发新的生机和魅力。
中国国传统美学中的和谐
中国国传统美学中的和谐
和谐是中国传统美学中非常重要的概念之一。
在中国文化中，和谐被视为人与自然、人与人之间的关系达到完美的统一。
和谐的美学思想主张以和为贵，追求整体的均衡与协调。
在艺术领域，和谐表现为作品中各种要素的统一与平衡。
以绘画为例，中国画追求富有节奏和韵律感的画面布局，注重构图的对称与均衡。
同时，色彩的运用也以和谐为原则，注重色彩的协调与统一。
在建筑领域，和谐体现为建筑与自然环境的融合与平衡。
中国古代建筑注重与自然景观的相互呼应，以山水为背景构建宫殿、庙宇等建筑群，使其与周围的环境和谐统一。
在音乐领域，和谐体现为乐曲中各个音符、乐器的和谐协奏。
中国传统音乐注重音韵的和谐，强调乐曲的优雅韵律和音符的顺畅过渡。
总之，和谐是中国传统美学中非常重要的概念，体现了中国人对于均衡、平衡以及整体协调美的追求。
论比德说与移情论——以绘画为例
一、比德说与移情论释义(一)中方思想看比德“比德说”最早是由孔子提出的典型儒家学派美学思想，这也是孔子对于自然美最核心的思想，其主要来源是先秦美学，是对《诗经》中“赋”“比”“兴”写作手法的继承与发扬。
孔子曾说“知者乐水，仁者乐山”，从中便能体会到孔子比德说的思想。
奔腾的流水是智者对知识的不断探索，山的沉稳便是象征着仁者的沉静与仁爱。
人类的美好品质可以在大自然中得以体现，山与水实则与君子相通。
朱熹说过，“知者达于事理而周流无滞，有似于水，故乐水；仁者安于义理而厚重不迁，有似于山，故乐山”[1]。
意思是“知者明达敏锐，与水的特质相似，故乐水而好动；仁者敦厚沉稳，跟山的特质相似，故乐山而好静”[2]。
朱熹的这句话，是对“知者乐水，仁者乐山”的最好阐释。
(二)西方思想看移情最早提出“移情”这一观点的学者是劳伯特·费肖尔，而近代“移情论”的代表学者是西方美学家利普斯。
他举例希腊建筑中的“道芮式”的石柱进行阐释：其石柱本身刻有精美花纹，当观者看到这种石柱时便会产生愉悦的心理感受，而日常生活当我们看到其他石头时，却不会有这样的心理感受；当凝神看石柱时，石柱便会充满力量。
以上便是他提出的“机械的解释”和“人格化的解释”[3]。
利普斯的移情论是在审美时将人的主体感官摆为首要地位，将自己的情感与内在思想注入所要表达的对象从而使得该被表达的客观对象具有了审美意义。
后来德国美学家沃林格在《抽象与移情》中以利普斯核心观点为出发点，进行其美学观的阐释。
他认为，制约所有艺术现象的最根本和最内在的要素就是人所具有的“艺术意志”[4]。
沃林格说：“人们具有怎样的表现意志，他就会怎样地去表现……一个人具有怎样的‘艺术意志’就会去进行怎样的艺术活动。
”而植根于艺术意志与移情冲动，艺术家便会创造出多重的艺术作品，最后产生审美意象。
二、结合作品分析比德说与移情说是中西方的两种哲学美学学说，而这两种审美学说具体反映在中西艺术作品之中，体现出了艺术家的心境以及通过艺术作品表现出的审美功能。
绘画留白的例子
绘画留白的例子
绘画中的留白是一种常用的技巧，它可以使画面更加生动、有层次感，也可以给观众留下更多的想象空间。
以下是一些绘画留白的例子：
1. 山水画中的留白：在传统的中国山水画中，留白是一种非常重要的表现手法。
画面中的山、水、云、雾等元素常常是通过留白来表现的，留出的空白可以增强画面的空间感，使画面更加深远。
2. 油画中的留白：在一些现代油画作品中，画家也会使用留白来表现特定的主题或情感。
例如，有些画家会在画布上留出大片空白，用来表现孤独、沉思、宁静等情绪。
3. 抽象画中的留白：抽象绘画中，画家常常通过色彩、线条和形状的组合来表现非具象的意象。
在这些作品中，留白也是一种重要的表现手法，它可以突出画面中的其他元素，增强画面的视觉冲击力。
4. 版画中的留白：在版画中，留白也是一种常用的技巧。
通过在版面上刻出空白部分，可以形成独特的画面效果，增强画面的表现力。
总的来说，留白在绘画中是一种非常灵活的表现手法，不同的画家可以根据自己的创作意图和主题需要，运用留白来创造出独特的视觉效果。
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以绘画为例:中国艺术传统何以不能转向现代？以绘画为例:中国艺术传统何以不能转向现代？朱其雅昌艺术网专栏2005-09-27 08:55:44中国自1976年以来的现代艺术三十年走过了一条以拒绝和反对主流开场最终以国际化、商业化和半合法化的结局成为新主流的过程。
这个过程本身也像中国社会和政治一样充满自我悖论和矛盾性，一方面迅速成为前卫反叛的符号和代表，在外部的艺术形式和体制上逐渐国际接轨；另一方面又迅速地自我虚无，在内部丧失拒绝的立场和精神性。
但这个结果实际上还不是最重要的问题，重要的是在视觉语言本身的实践上，现代艺术三十年几乎没有任何进展。
这种矛盾性过程到九十年代中期突然出现了一个重要转向，即“现代艺术”一词突然被弃之不用，几乎在几年之内大量使用“当代艺术”一词。
对于被所称之为“现代艺术”的众多艺术思潮和创作，我宁可将其称作中国艺术的“现代化”，或者“现代艺术概念在中国的实践”，而不是一种真正意义上的“现代艺术”。
1976年以来“现代艺术”概念和实践在九十年代中期实际上已经最终终结，由此带来对于中国艺术自身的重新思考。
“现代艺术”概念在中国的实践主要是媒介的引入和艺术的意识形态政治性的表现，它没有使中国的“现代艺术”找到与十九世纪以前的中国艺术传统在语言谱系上的联系，无论这种联系是继承性的还是反叛性的，实际上的还是虚构的。
一．强调现代艺术三十年，是因为至少从1985年到1995年这个十年主要表现为一种强调语言先锋性的“前卫艺术”时期。
实际上，在1995年以后以“当代艺术”的名义从事的各种艺术除了在语言上没有真正的自我突破，几乎在艺术的任何方面都已经赶上国际前卫艺术，有些方面甚至也毫不逊色。
但是，现代艺术三十年仍然应该被置于中国自十九世纪末清代绘画以来的艺术“现代化”的这一条线路看；并且，这个进程的核心问题或者“原罪”问题仍然是语言的自我突破问题。
十九世纪末的清代宫廷绘画和传教士油画可以看作是中国艺术以绘画为代表向“现代”的一次转向，其后一百多年大体有五个主要时期：1）清末宫廷绘画和传教士油画，2）三、四十年代林凤眠、徐悲鸿等人的“欧式油画”，3）四十年代开始的“两区木刻”和1949年以后以“苏式油画”为主体的政治宣传艺术，4）1976年到1995年左右的现代艺术时期，其中包括九十年代初到1995年的前卫艺术阶段，5）1996以来的当代艺术时期。
第一个时期，可以看作是中国传统绘画对西方油画在画法上的吸收。
尤其是郎士宁的绘画将西方的写实和中国的写意嫁接在同一画面上，一些描写中国江南风景现场和官员半身全身像的清代油画，也真的能表现出国画的写意气息。
第二个时期实际上抛弃了这种在语言技法上的匠人游戏，尝试油画在题材和美学上的本土化。
这实际上提出了“中国油画”概念，并且以此为载体上升到“现代美术”的理念。
中国现代美术学院体系的建立也是以这一时期的基本视觉观念为基础的。
这一时期可看作是一个“前现代艺术”时期，它开始产生两个艺术体系的美学意识形态问题。
这个美学意识形态表现为两个方面，一是美学形式体系的“民粹主义”意识；二是强调艺术的时代性，以及为这种时代性的自由充分表现引入西方艺术媒体。
实现这两个方面唯一的语言策略也只能是将西方的油画、雕塑和木刻进行本土化。
第三个时期可以说基本上不考虑语言本身的与西方的民粹主义竞争。
虽然在鲁迅关于木刻的言论和毛泽东的延安文艺思想中都以“民族性”概念强调过民粹主义立场，但总体上，“欧式油画”时期确立的民粹主义意识实际上被改造成了民族主义意识，另一个时代性原则与左翼政治意识形态的主体意识结合，从而正式形成一种具有“宣传艺术”性质的现代政治艺术。
在1949年以后的宣传性艺术中，民族主义意识还是次要的，重要的是参与一种“毛的现代性”普世主义的政治和道德主体的想象性塑造。
这一时期，油画作为宣传艺术的主体形式获得了一种国家艺术的地位，在语言上全面吸收前苏联的油画体系，形成“苏式油画”。
在“欧式油画”和“苏式油画”两个时期中，对语言的现代性意识本身没有什么思考，基本上只是关于油画语言的民粹主义意识，这种意识并且跨越了不同的意识形态时期，一直在专业油画圈中存在，但关于这种民粹主义的思考和提出的问题多半是似是而非的。
比如，一些“苏式油画”的早期受训成员近年还在强调中国油画逐渐完成了向西方的学习，可以形成中国学派，语言的学习和中国学派实际上仍然纠缠于一种民粹主义意识，但不是一个语言本身的问题。
而且，油画的有些层次实际上是不可能学习的。
第四个时期是中国艺术“现代化”的第二次重要的转折。
这个时期的一个显著特点是开始否定“现代美术”，确立“现代艺术”的概念，这主要表现在强调现代主体性和哲学意识、引进西方前卫艺术形式、语言的先锋实验三个方面，这三个方面基本上是“苏式”和“欧式”油画没有做的实践。
这实际上也真正开始了“现代艺术”在中国的实践。
这一时期的“现代艺术”实践，严格的意义还可以细分成三个阶段：1）1976年到1985年，这个阶段，只能算是“现代”意识的艺术；2）1985年到1989年的“85新潮”时期，“现代主义”的艺术；3）九十年代初到1995年左右，强调语言先锋性的前卫艺术。
第一阶段实际上还谈不上真正意义的“现代艺术”，像何多苓等人的油画在语言上采用的是古典油画形式，用以表现刚刚被启蒙的比西方晚数十年产生的现代社会和自我意识。
但这个“现代”意识还不是现代主义，真正的现代主义哲学意识是在八五新潮开始的。
八五新潮同时开始了反艺术史，引进前卫艺术形式，以及少量的语言先锋实验。
九十年代前期是一个真正的前卫艺术时期，几乎引进了西方所有的前卫艺术样式，并且试图在语言内部进行观念艺术实验。
但九十年代前期产生的以后殖民文化意识为载体的针对西方的语言反抗和原创性意识，也形成了“西方艺术”这个想象性的概念，也构成了“现代艺术”实践在中国的“原罪”意识。
这个原罪意识就是语言原创性被看作为现代艺术的民粹中心主义的价值基础，这实际上也是三、四十年代“欧式油画”的美学民粹意识在前卫艺术层次的回光返照。
现代艺术在西方的终结在于语言先锋实验绝对原创意义的不可能性，以及纯粹形式和概念实验的空间基本业已穷尽。
这一理论上的不可能性或者极限可能性最终实际上也为中国艺术圈所认识。
自九十年代后期开始，中国艺术也开始暂时搁置语言原创问题，进入到与国际艺术界差不多同步的当代艺术方式中去。
二．中国艺术从十九世纪末向“现代”的转向，一直到1990年代后期改用“当代艺术”一词。
这个过程中关于艺术的实践和理论探讨实际上提出过许多意识形态问题，有些问题甚至还被专业圈广为关注，甚至进入教科书和出版物作为核心问题学术研究。
这些问题实际上只是在每个时代不断强调一下民粹主义的重要性，但对于艺术传统和语言本身的思辨并没有什么帮助。
但无论如何，中国艺术的“现代化”运动，或者“现代艺术在中国的实践”并不是一件不值得做的事情，至少作为一种了解和熟悉西方现代艺术世界的方式是有益的，每一个人也有权力爱好西方艺术。
但艺术在一个精英传统的角度或者不同民族的精英之间的语言较量的角度，艺术的民粹立场仍然是重要的，这首先在于语言谱系的建立具有民粹传统的自在性基础。
目前我们对当代艺术的思考实际上仍然没有真正回到艺术在语言谱系上的自在性，仅限于当代艺术的时尚性和个人主义方式这一层面。
中国艺术向“现代”的转向过去数十年在语言层面的争辨主要在两个方面，一是传统如何“现代化”；二是西方的艺术如何进入我们的语言实践。
前者主要体现在“新水墨”艺术。
后者，一个表现为由三、四十年代“欧式油画”开始的本土化模式；另一个是九十年代前期的观念艺术思潮，试图将前卫艺术看作一种不隶属任何传统体系的国际艺术，从而抹去本土化问题。
这两个方面的争辩实际上可以归结为一个基本的背景，即中国艺术在十九世纪末开始现代实践的那一次重要的转向，中国十九世纪以前的艺术传统能不能向“现代艺术”转向？或者这个艺术传统有没有必要进行“现代艺术”化？我想着重强调的是，中国十九世纪以前艺术之转向“现代”和转向“现代艺术”不是一回事。
“现代”在艺术实践中是指所有民族国家的现代性精神倾向，“现代艺术”则是指艺术实践中的欧美现代艺术新传统。
石涛绘画中开始有个人的自我意识和骚动不安的情绪，可以看作由古典哲学的自然意识和美学的宁静开始产生脱离古典的现代性倾向，但它不是甚至根本就不可能转向欧洲意义上的“现代艺术”。
换而言之，石涛可能转向现代性，但不可能转向现代艺术。
关于中国十九世纪以前的绘画传统，在现代实践中开始被称作“水墨画”或者“国画”，从以笔墨和画法为基础的“水墨画”概念，一直到民粹意识的“国画”概念，实际上都忽略了中国绘画传统的一个基本性质，即艺术的“形制”（形式的体制）。
以山水画为例，中国绘画传统实际上是一种“形制艺术”，而欧洲的“现代艺术”则是一种“反形制”艺术，两者实际上具有一种内在的根本差异和冲突。
“现代艺术”在基本倾向上首先是以推翻艺术传统的整体性和思想基础为目标的；其次，“现代艺术”强调时代性、社会参与性以及人的情欲性的本能价值；另外，“现代艺术”强调脱离传统的语言谱系，重新引入新媒体。
从“形制”的绘画传统看，中国绘画传统是一种强调在固有图像形制的框架内在文人哲学和美学层次上进行的职业视觉游戏。
这个游戏规定了一个基本的框架原则：1）保持基本的形式元素和图像系统，比如像山水画，每个时期只是在趣味和气质上可以进行基本的改变，其它方面不能有根本的变化；2）趣味和气质的变化可以在图像上有线条和物质形态的风格变化，但不能改变基本的图像形制；3）时代性主要体现在对于趣味和气质的影响，但时代的现场、事件和社会思想并不是表现主体。
换而言之，一切时代性和人性转变的吸收都必须通过绘画整体的趣味和气质层次去表现，但这并不是说它必须去直接表现关于时代性和欲望的现实图像；4）这个游戏主要强调一种超时代性的文人境界。
这个境界在哲学和美学上旨在一种综合的自我境界的表现，并且主要跟历史上属于这个体系的文人群体发生联系。
在过去十几年进行的关于“笔墨”如何现代的讨论，仅仅属于中国绘画“形制”传统的一部分，这个“形制”体系主要包括三个方面，思想性和超验性的道学和佛学背景、图像的基本体制、以及笔墨和画法。
这三者并不是不可以变化，但只能围绕着文人趣味展开气质上的变化，不可以改变它的基本“形制”。
在某种意义上，中国绘画的形制传统非常类似于欧洲中世纪以前的宗教绘画。
欧洲的宗教绘画在文艺复兴以后向宫廷题材、历史绘画以及最终向现代绘画的转变，实际上“形制”障碍跟中国有性质上的不同。
从中西绘画的“形制”比较看，油画在任何时期都是以人物、空间和物品的写实形态出现的，表现时代性的现实景象只要克服了宗教和意识形态对于题材的限制，写实主义这条线很容易转换成现代绘画。