艺术摄影之后的摄影
摄影类型学风格
摄影类型学风格摄影是一门艺术，它可以通过不同的风格来表达不同的情感和意境。
在摄影类型学中，有许多不同的风格，每种风格都有其独特的特点和表现方式。
在本文中，我们将介绍几种常见的摄影类型学风格。
1. 纪实摄影纪实摄影是一种以真实为基础的摄影风格。
它的目的是通过记录现实生活中的场景和人物来传达信息和情感。
纪实摄影通常使用黑白或彩色照片，以及自然光线和真实场景。
这种风格的摄影师通常会在拍摄前进行深入的研究和准备，以确保他们能够捕捉到最真实的场景和情感。
2. 艺术摄影艺术摄影是一种以艺术为基础的摄影风格。
它的目的是通过创造性的构图和处理方式来表达摄影师的个人情感和意境。
艺术摄影通常使用黑白或彩色照片，以及各种不同的处理方式，如后期处理、滤镜和特殊效果。
这种风格的摄影师通常会注重构图和色彩的搭配，以创造出独特的艺术效果。
3. 风光摄影风光摄影是一种以自然景观为主题的摄影风格。
它的目的是通过捕捉自然景观的美丽和壮观来传达情感和意境。
风光摄影通常使用彩色照片，以及自然光线和真实场景。
这种风格的摄影师通常会注重构图和光线的搭配，以创造出独特的自然美景。
4. 人像摄影人像摄影是一种以人物为主题的摄影风格。
它的目的是通过捕捉人物的表情和情感来传达信息和意境。
人像摄影通常使用彩色照片，以及自然光线和真实场景。
这种风格的摄影师通常会注重构图和光线的搭配，以创造出独特的人物形象。
摄影类型学风格是摄影师表达情感和意境的重要方式。
每种风格都有其独特的特点和表现方式，摄影师可以根据自己的兴趣和风格选择适合自己的摄影类型学风格。
艺术摄影的发展
艺术摄影的发展一、画意派摄影“高艺术”摄影自然主义摄影印象派接影二、连环会和摄影分离派连环会摄影分离派三、纯粹派摄影新客观主义f/ 64小组四、20世纪上半叶来，艺术摄影的其它重要发展本来派摄影物影照片剪辑与拼贴抽象与超现实主观摄影摄影在追求艺术的实践中，在与绘画亲缘的交融和繁衍中，不断形成表现上的风格和流派，逐渐发展和演绎成艺术摄影。
艺术摄影不论题材如何，在技法上，主要突出摄影本体语言中有关艺术造型的光、影调和构图等表现手法的运用。
同时，注重以二维平面来展现三维空间的绘画性。
在观念和格调上，强调创意和实验性，轻视功利性甚至实用性。
艺术摄影就是在表现形式上，突出地使用艺术语言和手法，侧重主观意念和视觉美感的一门摄影。
画意摄影运动兴盛至19世纪末，消退于20世纪20年代间。
在兴盛时期，产生的主要支流有“高艺术摄影”“自然主义摄影”和“印象派摄影”。
高艺术摄影力求摄影具有绘画的效果，以争取使摄影也达到像绘画那样的艺术地位，但实现的只是对绘画语言的简单模拟和借用。
自然主义摄影追求的是以自然环境、自然情趣和自然手法表现的画意摄影。
自然主义摄影对以后的摄影发展影响颇多。
印象派摄影主要以焦点视觉论和用绘画印象派的表现形式，来创作具有印象派绘画效果的摄影。
印象派摄影做为摄影在艺术表现上的一种尝试，是对艺术摄影的丰富，但印象派摄影的模糊、朦胧效果，却是对艺术摄影的局限。
19世纪末至20世纪初的纪元之交期间艺术摄影的发展，则是经历了由画意摄影往纯摄影方向的过渡。
在这个转折时期里出现的连环会和摄影分离派则分别起到承前启后的重要作用。
连环会在活动中，坚持对凡是强调艺术表现的摄影，都支持和鼓励。
在连环会的努力下，以画意摄影为主的艺术摄影，至20世纪初的十年前后，达到空前兴盛。
摄影分离派存在时期所焕发的艺术前卫精神和推动艺术摄影向前发展的先锋作用，使得世界艺术摄影的中心自20世纪起逐渐由英、法转移往美国。
20世纪1 0年代以后，艺术摄影开始出现重大转变。
摄影发展史的四个阶段
摄影发展史的四个阶段摄影作为一门艺术形式和技术手段，经历了漫长的发展过程。
从早期的摄影术到现代数码摄影，摄影发展经历了四个主要阶段。
本文将按照时间顺序介绍这四个阶段，并探讨每个阶段对摄影发展的影响和改变。
一、早期摄影术：黑白胶片时代早期摄影术的发展可以追溯到19世纪初。
当时，摄影师主要使用的是胶片相机，通过暴露在光线下的胶片记录图像。
这个阶段的摄影作品主要以黑白照片为主，色彩表现有限。
由于技术和设备限制，摄影师需要在暗房中进行胶片的冲洗和显影过程，这对于摄影师来说是一项繁琐且耗时的工作。
然而，早期摄影术的出现为人们提供了一种前所未有的能够真实记录世界的方式，开启了摄影艺术的新篇章。
二、胶片时代：彩色摄影的崛起进入20世纪，随着摄影技术的不断改进，彩色胶片逐渐取代了黑白胶片，使摄影作品的色彩表现更加丰富和真实。
这一阶段的摄影作品开始呈现出更多的生活场景和人文主题，摄影师通过丰富的色彩和构图方式，展现了更多元化的摄影作品。
胶片时代的摄影师需要更加注重光线和色彩的运用，以及对画面的构图和表达的探索，这对于摄影艺术的发展起到了重要的推动作用。
三、数码摄影时代：技术的突破与普及随着计算机和数字技术的迅速发展，数码摄影成为了摄影领域的重要突破。
数码摄影技术通过将图像信息以数字形式记录，使得摄影作品的获取和处理更加方便和快捷。
与传统的胶片摄影相比，数码摄影具有更高的灵活性和可编辑性，摄影师可以通过后期处理软件对照片进行编辑和修饰，大大提高了摄影作品的质量和表现力。
此外，数码相机的普及也使得更多的人参与到摄影中，推动了摄影艺术的大众化发展。
四、移动摄影时代：智能手机的影响随着智能手机的普及，移动摄影成为一种新的摄影方式和社交媒体表达形式。
智能手机的相机功能不断提升，使得人们能够随时随地记录生活中的点滴，并通过社交媒体与他人分享。
移动摄影的兴起改变了摄影的观念和方式，摄影师可以通过手机随手拍摄，创造出独特而有趣的作品。
摄影发展史的四个阶段
摄影发展史的四个阶段摄影作为一种记录和表达方式，经历了漫长而丰富的发展历程。
从最初的黑白静态影像到如今的高清彩色照片，摄影技术不断创新，影像质量不断提高。
摄影发展史可以分为四个阶段，每个阶段都有其独特的特点和重要的里程碑。
本文将为您详细介绍这四个阶段。
一、早期摄影阶段（19世纪初至19世纪末）早期摄影阶段是摄影史上最初的阶段，也是最具有开创性的阶段。
1839年，法国人达盖尔发明了世界上第一台可商业化的照相机，这一发明标志着摄影的诞生。
在这个阶段里，摄影技术主要以银盐湿片为基础，曝光时间长，需要使用大型的暗房设备进行处理。
由于技术限制，早期摄影作品大多是静态的风景和人物照片，缺乏色彩和动态感。
然而，这一阶段的摄影作品为后来的摄影发展奠定了基础。
二、胶片摄影阶段（20世纪初至20世纪末）胶片摄影阶段是摄影史上的第二个重要阶段。
在这个阶段，胶片取代了银盐湿片，成为主流的摄影材料。
胶片相比湿片更加方便易用，成像质量也有了很大的提升。
胶片的问世使得摄影的普及化成为可能，越来越多的人开始使用相机记录生活和表达情感。
在这个阶段里，人们开始尝试不同的拍摄技术和风格，摄影作品呈现出更多的创新和多样性。
三、数码摄影阶段（21世纪初至今）数码摄影阶段是摄影史上的一次革命性转变。
随着数码技术的飞速发展，数码相机取代了传统的胶片相机，成为主流的拍摄工具。
数码摄影具有便捷、高效、多样化等特点，使得摄影艺术得以更加广泛地传播和发展。
数码相机的出现使得摄影师能够更加灵活地进行后期处理和编辑，从而创作出更加精美的作品。
同时，数码摄影也带来了一系列新的技术和概念，如高动态范围（HDR）、全景摄影和虚拟现实等，丰富了摄影领域的表现手法。
四、移动摄影阶段（21世纪至今）移动摄影阶段是近年来摄影发展的一个新趋势。
随着智能手机的普及和摄影功能的不断升级，越来越多的人开始使用手机进行摄影创作。
移动摄影具有即时性、便捷性和社交性等特点，为更多的人带来了摄影的乐趣和机会。
摄影历史流派分析
保罗 . 斯特兰德的一幅直面人生的《盲 妇》，开了街头抓拍的先河； 《市政厅》又为亚当斯、韦斯顿等人作 了典范； 《碗》以碗边曲线和光影构成，已具有 抽象主义特征。
关于摄影是什么，保罗.斯特兰德曾说： “摄影的问题是要同时看到这门艺术的局 限性和它的潜在性能，因为一个生动的表 达所依据的观察，其真实性至少与其强度 相等 ---- 问题在于尊重被摄对象，要利用 几乎是无限的影调变化手法把它表现现出 来，这就是成功的秘诀，这种成功既不利 用特技，也不借助手法，而是运用直接摄 影的方法。”
５．布勒松和“决定性瞬间”
在斯特兰德之后，世人所公认的最著名 的摄影家是法国的享利．卡蒂埃．布勒松。 象毕加索之于绘画，布勒松几乎成了摄影 的代名词。 布勒松的摄影主张可用“决定性瞬间” 理论来概括。“对我而言，摄影意味着在 若干分之一秒的时间里，要同时理解这一 事件的重要意义，又要找到适当地表现这 一事件的准确构图。”这位大师如是说。
斯特兰德的摄影实践引起了各国摄影家 的关注，德国摄影家帕邱认为，摄影家要 对自然界的各种物体－－如日常用品．机 器．房子等作仔细观察，才能拍出感人的 照片。他拍摄的《机车》和斯特兰德拍摄 的《车轮》十分相似。此外，帕邱还对肉 眼看有到的物体内部结构有着浓厚的兴趣， 并采取Ｘ射线显示物体内部结构的方法， 拍摄了一些照片。
4、斯特兰德以后的崛起者
斯特兰德掀起的直接摄影的轩然大波， 影响了美国西海岸加利福尼亚的摄影家亚 当斯和韦斯顿。 亚当斯曾在旧金山和洛杉叽之间的约塞 米特峡谷潜心研究摄影，创造了区域曝光 法，并通过对显影和放大进行精密控制， 以取得预先想象的效果。他拍摄的《升》、 《凡尔纳瀑布》等都是传世的名作。
2、自然主义摄影的兴起
摄影模仿绘画，结果是丢失了其本身的特 征。就在绘画主义摄影红极一时的时候，一 位业余摄影爱好者----医生爱默生从科学的 角度研究了照相机的成像原理，提出了自己 的观点。他认为，拍摄者应观察照相机毛玻 璃聚集屏上的形象，捕捉影像美，进而又指 出摄影要成艺术，只是运用摄影的手段：用 光、聚集、选择、直接照 片构图严谨，光线选择得当，明部和暗部 层次．质感得到了很好的表现，长时间的 曝光使瀑布因虚化而产生动感，将大自然 的和谐表现得十分动人。 比起亚当斯，韦斯顿的拍摄题材要广泛 一些，从贝壳到人体．从工业品到钢铁厂， 他都能拍摄得清晰细腻，并努力表现出形 式的内在旋律。
摄影方法的四种类型
摄影方法的四种类型摄影的八种类型：静物摄影、人像摄影、记录摄影、艺术摄影、画意摄影、商业摄影、水墨摄影、全息摄影。
摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。
最常用到的是照相机。
摄影可以简单规划一共有八类：静物摄影、人像摄影、记录摄影、艺术摄影、画意摄影、商业摄影、水墨摄影、全息摄影。
1、画意摄影画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。
2、商业摄影商业摄影，顾名思义是指作为商业用途而开展的摄影活动。
从狭义上讲就是商业摄影，广义上就是为发布商品或者撰写故等进行的摄影类型，这种类型在时下的摄影活动中是极为重要的一种。
3、静物摄影静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。
4、艺术摄影随着的发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。
它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。
5、记录摄影记录摄影指以纪录为第一目的，对客观事物进行真实影像反映的图片摄影。
摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。
它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。
这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。
6、人像是摄影它分作照相室人像、室内特定环境人像和户外人像三大类。
人像摄影的要求是“形神兼备”。
7、全息摄影全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。
8、水墨摄影和传统的水墨画一样，现市面上出现的水墨摄影作品，按题材，可以分为风景、花鸟和意境，对应国画中的山水画和花鸟画；按手法和意境，可以分为抽象和具象，对应国画中的写意和工笔。
设备一般来讲，人们使用可见光照相，最常用到的是照相机。
因场景和用途的不同，照相机有着非常多的分类。
综合来讲，照相机都要有几个基本的部分以保证曝光过程，这包括：感光介质、成像透镜、曝光时间控制机构、胶卷暗盒、存储介质、电子感光器、电子存储介质。
摄影的分类
摄影的分类（网摘。
作者：张舒予）影像文化成为当今读图时代的文化主流形态,对人们耳濡目染,影响深远。
摄影是影像文化的基础,摄影理论构建对影像文化研究具有举足轻重的价值。
关于摄影分类的讨论是摄影理论建构中非常重要而基础的内容。
同时,摄影的分类也是最让人困惑和棘手的问题之一,长期以来众说纷纭,各执一词。
由分类入手来对摄影理论中的基本概念进行反思与考察,是一个新颖的视角和有力的尝试,能够正本清源,又可以廓清逻辑关系。
一、关于摄影命名与分类的考察反思反思摄影分类需要首先来考察摄影命名。
“命名”其实就是定义“概念”,对名称的探讨是一种概念分析,一种“形而上”的理论建构。
由于摄影是“舶来品”,对摄影命名的深入理解需要涉及两方面因素:一是对摄影命名历史背景的了解,二是对摄影命名的中文译介情况的梳理。
考察摄影命名的历史背景可以获得很有价值的内涵信息。
“无名天地之始,有名万物之母。
”老子这句名言深刻揭示出名称是因物而生、指物而有的。
所以,一般而言都应该是先有物而后有名。
历史上,“摄影命名”通常也都是发生于相关的“摄影行为”之后。
如在摄影术诞生之初,摄影行为方式是唯一的:拍摄于现场,后期只有显影与定影,并无组合加工,即写实性摄影是摄影术发明之初的唯一拍摄方法。
所以那时只要一个通用名词“摄影”(Photography)即可,无需其他命名。
可是,随着摄影实践的深入,多种多样的“摄影行为”不断发生,因而相应的命名便纷纷出现,如肖像摄影(Portrait Photography)、风光摄影(ScenicPhotography)、高艺术摄影(High-art Photography)等。
这些名称的诞生说明了摄影人各有特色和追求,摄影已经开始分门别类。
值得反思的是:纪实性摄影是在摄影术发明之初就采用的一种原初拍摄方法,即拍摄于现场且无任何人为的改变加工。
然而“Documentary photography”这个英文专有名词(中文译名为“纪实摄影”)却最早出现于1889年的《英国摄影杂志》,当时摄影术发明已经50年。
艺术-新叙述摄影
艺术-新叙述摄影.txt结婚就像是给自由穿件棉衣，活动起来不方便，但会很温暖。
谈恋爱就像剥洋葱，总有一层让你泪流。
摘要当抽象表现主义淡出西方当代艺术时，艺术便结束了其自律的过程。
此时，新叙述摄影在观念摄影的土壤里孕育而生。
从虚构的幻想叙述中，新叙述摄影呈现出两种不同的趣味：一种是着眼于当下，通过对眼前现实生活的模仿和再造，探讨生活的感悟和体验：另一种是放眼未来，通过拟造未来世界，来思考人类发展将面临的各种问题。
新叙述摄影不同于传统摄影，它具有记录性否定、叙述性、技术集成性以及消费美学彰显等四大特征。
关键词艺术后现代观念摄影新叙述摄影一、“仿像”——另一种观念艺术的显影20世纪60年代产生的观念摄影是新叙述摄影的源流。
现代艺术在经历了立体主义、达达主义、超现实主义及抽象表现主义之后，艺术便逐渐结束了其自律的过程。
艺术家开始对绘画、雕塑等传统艺术媒介进行反思，并试图寻找新的方式和介质来拓展艺术的边界。
摄影技术这时开始受到艺术家的青睐。
摄影出现在各种激进的艺术实践中。
我们对观念摄影的认识就是缘于20世纪60-70年代的艺术实践。
同时，艺术批评实践也开始关注摄影这种新的艺术形式。
事实上，“以摄影为媒介的艺术实践成为定义后现代艺术的美学范式。
艺术家转向这些媒介，使得大众文化和高雅艺术、技术和文化之间建立起一座桥梁，以此来挑战艺术自律的概念。
摄影作为一种手段，让艺术家能够记录下他们思想表达的过程。
”80年代，美国艺术家舍利·莱文(Sherrie Levine)和辛迪·舍曼(Cindy Sherman)的作品问世，成为摄影史上里程碑。
美国艺术史家所罗门一戈多(Abigall Solomon—Godeau)在1984年所作的重要论文《艺术摄影之后的摄影》一文中指出：“挪用”(APPropriation)和“仿像”(Simulation)成为观念艺术的两种不同的策略。
它们的共同特征就是对摄影记录性的否定，莱文对摄影大师作品的翻拍、“挪用”以及舍曼用“仿像”方式来批评大众传媒所塑造的女性形象，成为80年代后现代艺术的代表。
著名摄影流派、大师及作品欣赏
抽象主义摄影
• 抽象主义摄影是第一次世界大战末期,出现的一种摄影流派。与达达主 义的产生差不多,它也是追随者绘画上的抽象主义风气而形成的。
• 抽象摄影是抽象艺术。抽象艺术的非理性特征使得审美者在欣赏作品 是不用动脑筋来思考，思考尽管很累，但是思考也是最简单的，因为 思考是有答案的，有答案的东西都是简单的。而直接的审美，用视觉 直接的触摸画面，用本能的辨别能力直接和作品交流，虽然此时没有 语言可以表达，但是“此时无声胜有声”，无言的交流比能够语言说 明白的交流更有想象的余地和延伸的空间。抽象艺术正是在这个意义 上得以确立。 • 抽象艺术是原创的艺术，可以任意的用色彩、线条、构成、细节来布 置艺术空间，可以在随意的涂抹中发现灵感和选择精华。
《月亮和半圆山》 安塞尔·亚当斯
新即物主义摄影 (新客观主义、新现实主义)
这一摄影流派于20世纪20年代由“纯粹派摄影” 演变发展 而来。该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。认 为摄影的艺术美就蕴含于摄影自身的性质里。用近摄、特写 等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现某 一细节，精确如实地刻画它的表面结构和质感，从而达到眩 人耳目、超常的视觉张力和冲击力。其美学思想是属于自然 主义范畴的。 新客观主义摄影流派的出现，和当时兴起的“新写实” 风格的电影观念有关。它标志着摄影又一次向纪实靠拢。
达达主义摄影
达达派即达达主义。是二十世纪初在欧洲产生的一种资产 阶级的文艺流派。关于“达达”一词的由来，历来众说纷纭。 有些人认为这是一个没有实际意义的词。在罗马尼亚语中意 为“是的，是的”。最流行的一种说法是，1916年，一群艺 术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便 翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。 在法语中，“达达”一词意为儿童玩耍用的摇木马。因此， 就被命名为“达达主义”，以昭显其随意性。 达达主义的主要特征包括：追求清醒的非理性状态、拒 绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤世嫉俗、追求无意、偶 然和随兴而做的境界,蔑视传统、挑战边界。 颠覆，摧毁欧洲社会和文化秩序，拓宽了艺术的边界，对一 切现代主义流派都产生了影响。
摄影的发展历史
在电脑上和在纸上欣赏摄影作品，所获得的感觉可能是很不相同的。
这组作品里，个人更喜欢采睡莲和纺织女童工。
第一张照片约瑟夫·尼埃普斯:《窗外》法国人约瑟夫·尼埃普斯是世界上第一幅永久性照片的成功拍摄者。
从1793年起，尼埃普斯就已从事用感光材料做永久性的保存影像的试验。
1826年的一天，尼埃普斯在房子顶楼的工作室里，拍摄了世界上第一张永久保存的照片。
他当时的制作工艺是在白蜡板上敷上一层薄沥青，然后利用阳光和原始镜头，拍摄下窗外的景色，曝光时间长达八小时，再经过熏衣草油的冲洗，才获得了人类拍摄的第一张照片。
在这张正像上，左边是鸽子笼，中间是仓库屋顶，右边是另一物的一角。
由于受到长时间的日照，左边和右边都有阳光照射的痕迹。
尼埃普斯把他这种用日光将影像永久的记录在玻璃和金属板上的摄影方法，称作“日光蚀刻法”，又称阳光摄影法。
他的摄影方法，比达盖尔早了十几年，实际上应被称为摄影术的发明者，只是由于尼埃普斯为保密而一直拒绝公开，也就未被予以公认。
美国盖蒂研究保护所的科学家最近对这张世界上最古老的照片进行全方位分析后认为，这张照片至今保护完好。
科学家正在设计一个内含惰性气体的密封盒，以求使这张照片能够再保存数百年。
这幅照片最后一次公开展览的时间为1898年，此后一度销声匿迹，直至1952年才重新面世。
科学家杜森·斯图里克说：“如果你想一想照片的整个历史，还有胶片和电视的发展，就会发现，它们都是从这第一张照片开始的。
这张照片是所有这些技术的老祖宗，是源头。
也正因如此，它才那么令人激动。
”摄影术的诞生路易斯·达盖尔:《巴黎寺院街》法国人路易斯·达盖尔是世界上第一个实用摄影术的发明人。
达盖尔青年时从事舞台美术，达盖尔最初就是用查恩式暗箱进行精心绘画的，当他得知尼埃普斯的阳光摄影法之后，与尼埃普斯通信，并与他合作共同探讨新的摄影方法。
但尼埃普斯没有同意达盖尔用银盐做进一步实验的主张，所以直到尼埃普斯去世，阳光摄影法没有得到根本的改善。
摄影各个流派
▲摄影与绘画的共同点：①、都是通过平面的描绘造 成视觉 空间上的立体感；
②、都是表现生活的内外统一性； ③、都是表现生活的瞬间性； ④、表现生活空间的并列性。
▲摄影与绘画的不同：摄影具有纪实性和统一性；绘画时可 根据现实生活中的人或事进行再次艺 术创作，突显其显著特点，也可根据 自己的情绪理解，创作出不同的画作 。
印象主义最明显 的特点则是，力 图客观地描绘视 觉现实中的瞬息 片刻，主要是表 现纯粹光的关系。
乔治·戴维森（George Davison,1856—1930），英 国摄影家，伦敦柯达公司经理，代表作是《葱田》等。他 将摄影拍摄的清晰区分开来，认为并不是所有的照片都要 强调清晰，主张艺术上的表现是第一位的，认为柔和的影 调才能很好的表现出艺术效果。《葱田》创作于1889年 ，在首次印象主义摄影展中展出并成为整个印象摄影的典 型代表。《葱田》以针孔成像的方法展现出浓郁的乡村气 息，葱田、小屋、山林浑然一体，蒙胧中体现着宁静与和 谐。戴维森拍摄的多为自然风光，其作品柔和、典雅，具 有耐人寻味的效果。
论述摄影与绘画有哪些千丝万缕的联系，并举例。
答：摄影，在其本质上来说，它是一种科学技术发展的产物， 当其与艺术发生碰撞的时候，才成就了我们的摄影艺术创作。 而摄影与艺术的绘画又有着千丝万缕的联系，主要表现在以 下几个方面：1.在摄影刚刚产生的那个年代，世界上第一批 拿起照相机的摄影前辈，为了维护摄影的艺术地位，借鉴了 当时绘画创作的手段进行摄影创作，从而产生了世界上最早 的摄影流派——高艺术摄影流派。（主要代表人物、代表作 品）2.世界摄影史上的重要摄影流派——画意摄影流派，其 画面风格主要是利用柔焦等方式模仿绘画效果。3.摄影的很 多艺术创作法则借鉴了绘画传统经典法则，如“黄金分割” 等等构图法则。4.摄影与绘画一样，非常注重画面中视觉元 素的造型表达。（点、线、面、色彩等造型元素）5.摄影中 点、线、面、色彩等造型元素作为情感表达的载体与绘画史 一脉相承的，如：红色在摄影与绘画中都有热烈、喜庆、胜 利、紧张、血腥、革命等情感表现。
摄影之后的摄影
福特汽,以及。
其实邱志杰在整个环境的改变中对艺术家触动最大的应该是两个东西:我们不能断定凡高离开巴黎前往南部的阿尔之前是不是来得及看到建造中的埃菲尔铁塔,这座现代主义的标志性纪念建筑是为第二年的巴黎世博会而建的。
但梵高在他十三岁的一八六六年就留下了他的第一张肖像照片。
与摄影术接触的经验对于梵高未必会有什么革命性的意义,因为若干年后他之投身于艺术是出于完全不同的理由。
但是对于巴黎那些接受过学院派训练并渴望能入选沙龙画展的年轻人情况就大不一样了。
摄影术首先是使绘画的存在价值出现了疑问,就写实纪事而言,摄影提供了最为强有力的竞争,绘画被迫重新定义自己的任务。
另一方面,借助摄影机的机械之眼,人们重新观察了世界,什么是视觉真实成了一个问题:人们第一次发现奔跑时的马并不是像兔子一样双腿平行,敏锐的印象主义者德加很快就开始参考照片来绘画。
而埃菲尔铁塔之所以特别重要是因为它把进步的观念视觉化了,作为现代性的第一个广告它的影响如此之大,以至于一百年后的东方明珠之类还在起劲地暗示自己的血统。
你在巴黎的任何一个角落,大铁塔都会粗暴地闯入你的视线,它不断地提醒你生活在一个钢架结构的时代。
而钢架结构意味着大规模的工业、精密的设计和协作、合理的组织,诸如此类。
当然,人们在钢架结构的大跨度穹顶的火车站里也可以感受到进步,但是铁塔毫不实用,它是专门为表现进步而产生的。
最重要的是,通过铁塔与巴比伦塔的血缘关系,它把现代主义表述为一个真正的乌托邦:人类生活的各个方面都将通过规划和管理彻底地一劳永逸地合理化,而艺术将参与这场社会进步,歌唱这场社会进步。
摄影与电影、录像艺术一起被称为“时基”媒体(tim e-based m e2 dia),是基于它的技术属性,事实上它们还可以共同地被归于“摄像机艺术”(cam era art)的名下。
这是由他们的制作方式上的相似之处先天地获得的身份。
而今天它与录像艺术、多媒体光盘和网络艺术等一起作为新影像艺术的重要部分,则是经历了一番自我再生重新定位。
中国艺术摄影史
中国艺术摄影史一、星火萌芽时期（1840-1911）国内时代特征：清朝，封建社会。
国内艺术摄影关键词：模仿学艺，照相馆，早期浪漫主义。
国内最有想象力的作品：赖阿芳《广州街景》（1855-1890），勋龄《慈禧扮观音》（1903-1904）。
国外艺术摄影关键词：画意摄影。
国外同期最有想象力的作品：英国奥斯卡·雷兰德《人生的两条道路》（1857），乔治·费斯柯《约塞米提国家公园》（1900），爱德华·斯泰肯《池塘月光》（1904）。
19世纪40年代，艺术摄影跟着商业摄影的脚步，从香港走进中国。
最初，外国人携带摄影术到中国来，是来淘金的。
清咸丰年间（1851——1861），在香港合伙经营油画业的画师周森峰、张老秋、谢芬三人，合资拜师于当地会摄影的外国人，学成后分道扬镳，他们分别在香港、广州和福州开始了照相馆经营，他们成为中国艺术摄影后来薪火相传、蓬勃发展的源头。
二、黑白经典时期（1911-1937）国内时代特征：民国，风云动荡的年代。
国内艺术摄影关键词：摄影社团，光社，华社，黑白影社。
国内重要文章和作品：刘半农《半农谈影》（文）、《山雨欲来风满楼》，吴印咸《饥寒交迫》（1924）、《呐喊》（1935），郎静山《原做鸳鸯不羡仙》（1921）、《抱瓮凝思》（1933）。
国外艺术摄影关键词：抽象主义。
国外同期最有想象力的作品：美国○A·L·科伯恩《从纽约之巅看纽约》（摄于1912年，组照，抽象摄影开山之作）。
辛亥革命推翻了封建帝制，使中国进入了动荡、变革的时代。
1919年的“五四”运动，不仅是反帝爱国的政治运动，也是影响深远的思想文化解放运动。
那时，旧中国几千年来封建制度所造成的思想束缚和禁锢迅速被打开，思想界引进和传播了从资产阶级实用主义到无产阶级马克思主义的各种思想体系和思潮。
学术界和文化艺术界的空前活跃，这些都为中国艺术摄影的第一次兴起和繁荣，创造了契机。
摄影的发展史
摄影的发展史关于摄影的发展史一、摄影术的诞生早在2,000多年前，我国的古代的墨家学派的代表人物墨翟（前468-前376）就发现了小孔成像的现象，并成功地解释了光的直线传播。
直到16世纪的后半页，欧洲人在墙壁上打孔并装上凸透镜，从另一侧的墙壁上观看室外的彩色图像。
称为“暗室”。
17世纪初，装有凸透镜的小型“暗箱”开始出现，用来作为绘画的工具。
但300多年来始终没有办法把画面固定下来。
19世纪初，英国人韦奇五德用皮子作画“阳光画”最终失败了。
世界摄影史上的第一张照片是1826年由法国人尼普斯拍摄的《鸽子棚》。
现代公认的摄影术的诞生是在1839年。
1839年，法国人达盖尔发明了“银版摄影术”。
二、摄影术的发展1.卡罗式摄影术；2.玻璃的使用；3.火棉胶的发明；4.从湿板到干板；5.从干板到胶卷；6.柯达公司的诞生。
三、从黑白到彩色黑白胶卷：1981年：ISO20°；20世纪20年代：ISO30°；20世纪40年代：ISO100°； 20世纪50年代：ISO400°；20世纪60年代：ISO3200°；1936年，柯达公司推出了第一卷彩色反转片胶卷（Kodakchrome）； 1937年，爱克发公司柯达公司推出了第一卷彩色负片胶卷（Agfacolor）。
四、四大胶片公司柯达公司：美国，1888年；爱克发公司：德国，1873年；依尔福公司：英国，1879年；富士公司：日本，20世纪初。
五、照相机的发展19世纪初，装有45°反光镜的“暗箱”；1839年以后，去掉反光镜的“暗箱”成为照相机；1860年，带有皮箱的照相机出现（黑布蒙头）；1905年，柯达公司生产出使用胶卷的照相机；1923年，徕卡公司生产出第一台使用135胶卷的小型平视取景照相机；1940年以后，单镜头反光相机开始出现；1870年，“傻瓜”照相机开始出现；1990年以后，数码相机出现。
摄影流派发展史复习资料
高艺术摄影：概况¨摄影术起源于欧洲，与西方的油画艺术极为相似，同属于视觉艺术。
在西方的摄影发展史上已经形成比较清晰的脉络。
¨所谓流派，是指以一批志同道合的摄影家，在共同的理论旗帜下所形成的具有相同创作特点风格的派别群体。
¨19世纪40年代到20世纪20年代，早期的脉络比较清晰，在这之后就很难用流派对摄影现象加以归纳。
但是在创作手法上和艺术风格上依然可以看到，在不同的创作领域，摄影大师们不同的追求。
早期绘画式摄影艺术的变迁一. 成因：¨早期的摄影家们虽然已经意识到使用机械工具进行造型的方式具有光明的前景，但是他们当时深受传统美学观念的影响，认为艺术应该是由艺术家本人创造出来的，只有通过亲手创作的第二自然，才能融进灵魂并赋之以个性。
¨摄影器材的简陋与底片感光的低下等技术条件，也使以捕捉瞬间的精彩为特色的纪实摄影晚出现了很久。
二.基本要求：¨近似于绘画作为奋斗目标，在表现形式上利用合成、修版和上色等技术手段，努力使照片接近于绘画的效果。
高艺术摄影阶段¨高艺术摄影的定义：¨以英国摄影家所建立的早期受绘画中的拉斐尔前派影响的摄影流派，在1850年至1870年之间达到顶峰，从而区别于稍后些出现的风格更为多变的画意摄影流派。
¨拉斐尔前派：¨拉斐尔前派是1848年英国画家罗杰特和米勒发起的反学院派的画风，以细部的准确描写而闻名。
他们反对文艺复兴后欧洲艺术中大量存在的，在他们看来笔调潦草、色彩杂乱的素描和油画，主张恢复意大利宗教油画的“纯性”。
高艺术摄影的启蒙¨希尔（David Octavius Hill）（1802—1870）¨第一个绘画主义摄影师，他运用碘化银照相纸拍摄了许多优秀的肖像照片，作品结构严谨，造型优雅。
碘化银照相法可以使纸的纤维组织在照片处理过程中清晰地显现出来。
对这一特点的巧妙运用使希尔创作出了一种不拘泥于细节表现的，特殊的明暗反差的表现形式。
摄影各个流派
目录
一、绘画主义摄影（画意派摄影） 二、自然主义摄影 三、摄影分裂主义（摄影脱离派） 四、新客观主义摄影 五、纯粹主义摄影 六、未来派摄影 七、抽象派摄影 八、达达与超现实主义摄影 九、社会纪实摄影 十、勘的派摄影
一、绘画主义摄影(画意派摄影)
摄影在诞生之初，为了获得与其他传统艺术样式同等的地位，一开始就走 了一条捷径，那就是嫁接在绘画上。摄影在很长的一段时间里一直都是模仿绘 画的，并在与绘画亲缘交融和相互促进中得到了发展。画意摄影流派主张从形 式到内容都极力模伤绘画，为了达到与绘画同样的视觉感受，摄影师可谓使尽 了浑身解数。1892年摄影团体连环会、1893年德国汉堡画意摄影展览、1894 年巴黎摄影俱乐部、1902年纽约的擾影分离派和1904年国际画意摄影协会的 相继成立，将画意派摄影在19世纪与20世纪之交推向顶峰。
郎静山有一幅在中国摄影史上具有开创地位 的作品——《中国》。
《中国》这个作品采用了强烈的黑白对比，烘 托了长江在气势上的雄伟，值得一提的是，郎静 山在这张作品的制作上使用枯笔直接在底片上描 画，形成了颇具绘画感的笔触纹理，这在20世纪 20年代，无论中西方都鲜有前例。
《中国》郎静山摄
《中国》局部 郎静山摄
论述摄影与绘画有哪些千丝万缕的联系，并举例。
答：摄影，在其本质上来说，它是一种科学技术发展的产物， 当其与艺术发生碰撞的时候，才成就了我们的摄影艺术创作。 而摄影与艺术的绘画又有着千丝万缕的联系，主要表现在以 下几个方面：1.在摄影刚刚产生的那个年代，世界上第一批 拿起照相机的摄影前辈，为了维护摄影的艺术地位，借鉴了 当时绘画创作的手段进行摄影创作，从而产生了世界上最早 的摄影流派——高艺术摄影流派。（主要代表人物、代表作 品）2.世界摄影史上的重要摄影流派——画意摄影流派，其 画面风格主要是利用柔焦等方式模仿绘画效果。3.摄影的很 多艺术创作法则借鉴了绘画传统经典法则，如“黄金分割” 等等构图法则。4.摄影与绘画一样，非常注重画面中视觉元 素的造型表达。（点、线、面、色彩等造型元素）5.摄影中 点、线、面、色彩等造型元素作为情感表达的载体与绘画史 一脉相承的，如：红色在摄影与绘画中都有热烈、喜庆、胜 利、紧张、血腥、革命等情感表现。
摄影的诞生与艺术发展史
干板1932），从年轻时
期就喜欢摄影。当时仅仅是一 名小职员的伊斯曼却和许多商 界巨子一样，有着取之大众、 服务大众的商业理想，他那时 的雄心壮志便是将这种只有富 人们才能享受的奢侈品摄影放 到普通的百姓的生活里去，他 的目标是使照相能够成为和使 用铅笔一样简单。1877年开始 研究改良底片，几经研究，制 成胶卷底片。1881年1月，27 岁的伊斯曼把自己节衣缩食省 下的5500美元积蓄，在罗契斯 特创立了照相机干版制造公司， 改进照相干版的制造方法，并 开始生产。这个干版制造公司 便是伊斯曼·柯达公司的前身。
一架复杂的照相机，其成像原理可以用一个很简单的示意图来表 示，如图所示：
直到17世纪末到18世纪初，人们掌握了平板玻璃和玻 璃透镜的制造技术，有人利用暗室小孔成像的原理制 作一个暗箱，箱子上装了一面凸透镜，另一头则装了 一块平板毛玻璃，凸透镜汇聚入射的光线在毛玻璃上 可以显现影像，并被外面的人们看到。当时，已有许 多画家利用这种暗箱描摹各种影像。
马克斯维尔用红绿蓝三种滤色镜拍出了世界上第一张彩色照片
一次偶然的机会，美国的两个音乐家在看一部彩色短片时，激发了 改良彩色摄影的想法。于是，他们把德国科学家配制的乳剂分成三层， 终于发现它们对光源的红、绿、蓝三色产生感光作用，他们没有想到的 是，这个发现对伊士曼有多么重要。
当时的彩色摄影，摄影师要在镜头装上红、绿、蓝三种不同颜色的 滤色镜，工具复杂，费用高昂，而且颜色是人工涂画的，拍出的效果不 是很好。伊士曼在杂志上一看到他们的新成果，就敏锐地意识到，这一 研究继续下去，将给彩色照相带来一场改革。
➢火棉胶摄影法--湿版时代
19世纪50年代初期，摄影经 历了一场重大的改革。达盖尔和 卡罗式两种摄影方法都存在各自 的缺点。前者影像不能复制；后 者虽然能复制，但所得影像模糊 不清。
摄影的流派有哪些
摄影的流派有哪些流派是由具有某种共同艺术观念、共同美学思想、共同审美趣味、共同创作倾向和共同艺术特色的艺术家形成或组成的具有一定社会影响的艺术团体或派别。
因此，下面小编从摄影的角度给大家介绍一下摄影的流派，希望对你有帮助!1.摄影的流派：绘画主义摄影绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。
该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。
它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段;崇尚曲雅阶段;画意阶段。
绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。
”绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影菜是英国画家希路(1802-1870)，他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。
1851年至1853年，是绘画主义摄影的成长时期。
1869年，英国摄影家HP罗宾森(1830-1901)发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。
无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。
”为该派奠定了理论基础。
1857年，OG雷兰德(1813-1875)创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。
这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。
拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。
追求照片画面的绘画效果。
随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得含蓄、沉表、典雅。
当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。
由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。
”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。
摄影美学的四个阶段
第四阶段：20世纪70年代以后，摄影进入当代摄影时期。一方面，摄影与其他艺术形式嫁接融 合，衍生出各种各样的“艺术混合体”；另一方面作为“摄影”继续探索自身的艺术疆界与艺术可能 性。
当代摄影进入到一个“大时代”，摄影从热衷于使用小型照相机对世界的“快速一瞥”，逐渐演变为 用大画幅照相机对世界进行“凝视端详”。为了适应艺术馆、博物馆等艺术场所的大型空间，Байду номын сангаас 时适应艺术市场运作的需要，当代摄影常常以大作品、大展览的面貌出现，彻底终结了摄影在 绘画面前的“自卑”。“大画幅+彩色”成为当代摄影的主流摄影美学。
这两种摄影思想构成了摄影本体美学体系的主干，确立了摄影的基础审美——“精细审美”与“瞬 间审美”。
罗伯特·弗兰克摄
威廉·克莱因摄
第三阶段：20世纪50年代后期，罗伯特·弗兰克、威廉·克莱因的摄影的“个人化”，内容的“日常 化”，影像的“粗糙多义化”思想，深刻影响了此后的摄影走向。
20世纪六七十年代被称为摄影的“新时代”。此时居于世界艺术核心地位的美国出现了“新风 景”、“新纪实”、“新彩色”、“新地形学”、“私摄影”等一系列新思想和新实践。
摄影美学的四个阶段
摄影起源：19世纪三四十年，“达盖尔法摄影术”和“卡罗法摄影术”相继问世，拉开了人类“影像 时代”的大幕。
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论坛Forum1977年,约翰·萨考斯基(J o h n Szarkowski)在纽约现代艺术博物馆举办了一个名为“镜与窗”的大型摄影展览,该展览的基本设想是,200余幅参展作品可以被理解为某些外部现实(窗)的记录,或是揭示摄影师自己的内部存在的内化的影像(镜)。
批评界对该展览的看法毁誉不一。
不过,一个主题却一再出现,那就是很多入选的照片可以从一个分类轻易地放到另一个分类,而同样具有或者没有意义。
回过头来看,展览组织中似乎最新奇的是与近期内MoMA举办的早于它的同类展览相比,它更像一个世界性的大卖场——莫过于选入了诸如劳申伯(Robert Rauschenberg)、拉斯查(Ed Ruscha)和沃霍尔这样的艺术家。
因为像寓言中鸡圈里的狐狸一样,这些艺术家的入选,更具体地讲是由于他们各自对摄影的不同使用而引发的议论——对MoMA摄影部所供奉的现代主义品牌提出了一个显而易见的挑战。
这三位艺术家所使用的摄影有一个共同点,那就是对罗兰·巴特(Roland Barthes)所命名的文化生产中的déjà-lu(已读)方面的坚持。
巴特的这个观念还在后现代主义艺术实践中被理论化为从生产到复制的转向。
现代主义艺术摄影宣扬图像的自我包容(self-containment)和作者的一目了然的在场,而与此观点形成对照的是劳申伯等人的作品在每一个可能的方面都强调它们对取自于大众传媒,已经存在的和高度样式化的图像的依赖。
由此,“高雅”和“低俗”的文化形式之间的多个现代主义壁垒就同时被突破或模糊了(这是十年以前波普艺术的一个重要组织部分),而现代主义对审美能指的强调也被有效地抛弃了。
后现代主义文化已经在各个方面、从各个视角被理论化了。
无论是建立在从工业资本主义和民族国家到管理资本和跨国公司的转变上,还是认可新的信息经济及大众传播和全球消费主义的巨大影响力,社会基础结构发生的变化要求相对应的文化生产方面的转变。
因此,在当前有可能发现一种象征着现代主义文化权威性消退的反资本主义冲动的同时,后现代主义已被认为具有一种属于它自己的批判日程和鲜明特色。
然而,不管有人如何希望将后现代主义艺术理论化(当然不能说存在批判的共识),摄影在其中的重要性是无法否认的。
更有意思的是,使摄影成为后现代主义艺术中一种特别受欢迎的媒介的摄影影像的性质,恰恰是数代艺术摄影师所竭力想否定的。
我在此并不想在任何方面掩盖劳申伯、拉斯查和沃霍尔三人之间的真正的不同之处,但他们各自对这种媒介的使用与其形式品质本身并无太大的关系,而更多地与摄影在标准和普遍使用中所实际起作用的方面有关。
摄影在历史上起到了向多数工业化社会的居民(确实,图像的生产和消费是先进社会的一个显著特征)表现其经验世界的作用,如果不是完全再现的话,所以它已经成为文化与意识形态的一个主要代理人和管道。
相应地,当摄影开始在1960年代被归入艺术时,它作为一种可多次复制媒介的身份被持续地强调着,尤其是在安迪·沃霍尔的作品之中。
沃霍尔对已有流行影像的独一无二的使用,他生产的系列和复数产品,为了生产图像而对生产线流程的摹仿,他将他的工作室命名为“工厂”,以及他所建立的削弱了艺术家的浪漫形象的公共人格(沃霍尔把自己表现为一个制作人),这些都构成了对现代主义价值观的重大突破。
以沃霍尔为样板的这种艺术生产在某些方面表现出和杜尚(M a r c e l Duchamp)作品的一种重要的家族相似。
主要以现成品闻名的杜尚所关心的是展示出艺术范畴本身是完全偶然和任意的,是一种话语功能而不是倾诉功能。
杜尚的看法与一切认为艺术对象内在地和自律地被赋予了涵义、意义或美的观念相对立,他提出艺术作品的身份、意义和价值是被积极地、动态地建构起来的,这是对现代主义、理想主义美学的一种激进的拒绝。
追随着现成品的逻辑,沃霍尔、劳申伯、拉斯查或约翰斯等艺术家,通过对来自大众文化的摄影图像的再呈现,走到了后现代主义的这个概念,这个概念或许该叫作“已成品”(already-made)。
克林普(Douglas Crimp)注意到后现代主义中摄影使用的另一个方面,他称撰文/阿比盖尔・所罗门-戈多(Abigail Solomon-Godeau) 翻译/郑涛 Art Photography after Photography艺术摄影之后的摄影《杰洛》 1995 杰夫・沃尔摄《无题》 1987 巴巴拉・克鲁格摄论坛Forum之为“杂交”——来自现代主义美学形式范畴的又一个分叉。
异质的媒介、类型、物品和材料的混合使用冒犯了现代主义艺术对象的纯洁性,同时,在其中加入摄影又在一个特别的方面冒犯了它。
作为一种索引性以及图标性的图像,摄影将(被呈现的)世界拉进了艺术作品的领域——由此破坏它保持独立的存在空间和内在的审美产品的企图。
对于追随斯蒂格利茨(A l f r e d Stieglitz)或韦斯顿(Edward Weston)、伊文斯(Walker Evans)或卡拉汉(Harry Callahan)的艺术摄影师来说,一件内在的审美产品——一张有灵韵(aura)的图像是不容易被否定的。
确实,摄影的地位向美术的上升实质上是以它对灵韵的诉求为依据。
在理论上提出这个概念的本雅明(Water Benjamin)将灵韵描述为由单数性和唯一性等品质构成,这些品质产生了艺术作品原作的权威性的“在场”。
他认为,灵韵是在机械复制的时代必然要萎谢的品质。
尽管本雅明判了灵韵的死刑,但灵韵在现代时期持续的价格稳定遮盖了一个意识形态的建构(如现代主义理论所做一样),其元素之一就是艺术对象自身不可避免的商品化。
虽然很少有当代摄影师还像风光摄影师罗伯特·亚当斯那样(见他近期的书《摄影中的美:捍卫传统价值观的文集》)留恋形式与美的美学观念,但他们也不准备公开表明他们承认这些词汇已经是历史建构,在今天也只能服务于一个盲目崇拜的、落后的和完全商业化的艺术生产概念。
既然艺术摄影已经成为艺术市场的一个产物,同时也是它的一台发动机,因此,在诸如艾美特·戈文(E m m e t G o w i n )的近期“单张印相”(monoprints)作品(一张负片只有一张单一的印本)的情形中,遭遇对摄影作为一种可机械复制的技术的最终否定就是毫不令人奇怪的。
确实,近期劳伦斯·米勒(Lawrence Miller)画廊就一个名为“一及唯一”(The One and Only)的展览发表了一份新闻稿,里面声称:“与认为一幅摄影只是从一张负片可能印出的无限数量的印相中的一张的普遍看法相反,这个展览显示,一种一类之一(one-of-a-kind)的摄影也有漫长和令人激动的历史。
两个可能的主题暗示了这点:过程的唯一和自觉选择的唯一。
”不用说,后一种选项至少从照相分离主义(Photo-Secession)开始,就是重整摄影话语以满足相片鉴藏家需求的一个重要策略。
我正在试图划分后现代主义中的摄影使用与艺术摄影两者之间的类属区别,这种区别就在于前者具有进行制度性和/或再现性批判、分析或关注的潜力,而后者则根深蒂固地无力去承认任何只是去思考这些事情的需要。
没有比博物馆策展人在建构某种决定在博物馆中纳入(和排除)摄影的逻辑框架时所遭遇的头部擦伤和不连贯,更能说明当代艺术摄影在自我定义和对它新近获得地位的制度性陷阱这两个方面中的矛盾位置的了。
虽然艺术摄影成规的规划者们对此非常清楚,即后现代主义中的摄影使用代表了偏离传统艺术摄影的某种脱节,但他们习惯于进行思考的那些词汇使他们不能准确地辨识出最成问题的问德·菲尔德曼(Ronald Feldman)与普林斯顿大学摄影和现代艺术教授彼得·邦内尔(Peter Bunnell)之间:菲:那么,彼得,你是否认为辛迪·舍曼的照片有趣?邦:我发现她作为一位艺术家有趣,但作为一位摄影师无趣。
菲:作为一位艺术家有趣,但不是作为一位摄影师?邦:我看不到她就这种媒介提出有意味的问题。
我认为她的形象是迷人的,但是,当我解读她的作品时,我没有这样的想法,即我可以在关于这种媒介的本质的一种话语中与她相对,而她用这种媒介来生成她的表达......我与一些运用我们的媒介,以有意思的方式进行独立表达的艺术家有过讨论,但我从不把他们看作是我在此提及的结构或传统的参与者。
当然,这也是要变化或演化的。
我认为,来源于对我们自己历史的一种意识的结构与来源于若干从这种知识的缺失中获取其活力的艺术家的结构,这两者之间的张力正是很尖锐的时候。
这就是兴奋点之所在,那就是来自当代艺术家的压力所在。
邦内尔教授发现舍曼作为一位艺术家有趣,但不是作为一位摄影师,这也许是对的。
他所形容的“我们的媒介”局限于在艺术摄影框架内所定义、实践和理解的摄影,它在舍曼的作品中少有重要性。
她的摄影媒介——她对它的使用——却是筑基于摄影在大众传媒中的使用功能的,不论是广告、时装、电影、美人像或是杂志。
当邦内尔教授用“传统”一词来指出舍曼及与她同类的其他人没有参与的内容时,他也指出了他的信念,即要紧的传统就是艺术摄影师们(或那些被吸收进那种传统的人)所雕凿出的传统,而不是在意义、意识形态和欲望的生产中作用非凡的大量生产的形象。
我在此认定为后现代主义的摄影使用在每一方面都不能理解为可以粘合成某种流派、风格或包罗万象的美学观。
恰恰相反:像巴尔代萨里(John B aldessari)、伯金(Victor Burgin)、贝歇尔夫妇(Hilla and Bernd Becher)和格拉汉姆(Dan Graham)这些各不相同的艺术家,或者最近像查尔斯沃思(Sarah Charlesworth)、巴巴拉·克鲁格、洛勒尔(Louis Lawler)、莱文(Sherrie Levine)、普林斯(Richard题。
尽管偶尔在媒介松动的瞬间,某位摄影评论人会被要求对一位受到大量报道的艺术家,如辛迪·舍曼或巴巴拉·克鲁格(Barbara Kluger)进行评论,但基本上在这两个泾渭分明的场域之间少有话语重叠。
传统的艺术摄影观念在今天,从理论和创作上讲,起的都是死胡同的作用。
最近一期《照片收藏家通讯》(The Print Collector’s Newsletter)报道的一场圆桌讨论就表现了这一点。
从1973年起,每过五年,六名指定的摄影专家(其中从事摄影实践的是阿隆·西斯金德[Aaron Siskind])就会对当前的艺术状态进行比较。
下面的这段对话发生在画廊主罗纳《无题》 1985 巴巴拉・克鲁格摄论坛Forum Prince)、辛迪·舍曼、西蒙斯(LaurieSimmons)或威林斯(Jim Welling)这样的年轻艺术家,他们所代表的那种生产就表露出相当广的关注点。