艺术论文：西方艺术史：一个轮廓

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西方美术史论文-对史前美术的认识

对史前美术的认识以前，我总感觉到美术离我是那么的遥远，我对于美术的认识几乎为零。

比如，看到梵高的《向日葵》，我实在看不出它有什么特别的，因此别人常常笑我没艺术细胞。

我高中学理科，很少接触艺术；现在我修的是工科专业，又很少接触艺术。

为了弥补自己对艺术认识的缺陷，我特意选修了“西方美术史”这门课。

课上，谢老师给我们详细地介绍了不同历史时期的西方艺术。

按时间先后顺序有史前美术，其代表作是法国的拉斯科洞窟壁画、西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画以及沃尔道夫的维纳斯；古代美术，其代表作是埃及金字塔、掷铁饼者、米洛斯的维纳斯；中世纪美术，其代表作是拜占庭式建筑、哥特式建筑；文艺复兴美术，其代表作是达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》；十七世纪美术，其代表作是委拉斯开兹的作品《宫娥》，出现了巴洛克艺术；十八世纪美术，其代表作是《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》，出现了浪漫主义艺术；十九世纪美术，其代表作是库尔贝的作品《画室》，出现了印象派艺术；二十世纪至今的美术，许多艺术活动已经超出了美术的范围。

学了这么多，下面我谈谈我对史前美术的认识。

史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。

最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。

所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。

拉斯科洞窟壁画，由1.7万年前的原始人涂抹在法国西南部多尔多涅省附近“拉斯科”岩洞内壁上，是旧石器时期岩画的代表之一，在美术史上占有重要地位。

1940年，多尔多涅乡村的四个儿童带着狗在追捉野，突然野兔不见了，紧追的狗也不见了，孩子们这才发现兔和狗跑进一个山洞，他们带着电筒和绳索也进入洞里，结果发现一个原始人庞大的画廊，这就是拉斯科洞窟壁画，被誉为“史前的卢佛宫”。

拉斯科洞窟因石灰岩缝隙水流的侵透，在地质年代的第三纪形成大型的岩洞。

西方工艺美术史论文.doc

浅析宗教性对古埃及工艺美术风格的形成与发展的影响摘要：埃及的宗教信仰，是起源于对自然界的动物或其他事物的崇拜。

埃及人由每年对尼罗河泛滥的观察而产生了“再生”的观念，对于这种观念，埃及的艺术几乎处于全面服务的地步。

由此可见。

埃及的自然环境，宗教信仰和艺术创作三者之间不可分割的密切关系。

关键字：古埃及, 宗教, “不灭”, “再生”, 尼罗河文化, 金字塔, 埃及风格古埃及（阿拉伯文：رصمةميدقلا‎）位于非洲东北部尼罗河中下游地区的一段时间跨度近3000年的古代文明，开始于公元前32世纪左右时美尼斯统一上下埃及建立第一王朝，终止于前343年波斯灭亡埃及。

古埃及是典型的水力帝国。

埃及大部分都是黄沙滚滚的沙漠，只有尼罗河冲刷而过的地方是孕育埃及的绿带，1/30的面积聚集了90%以上的埃及人口。

埃及是世界文明古国之一，受宗教影响极大，举世闻名的金字塔就是古埃及人对永恒观念的一种崇拜产物，也是法老王的陵墓，目前埃及共有八十余座金字塔，其中最大的一座是胡夫金字塔。

除了金字塔以外，狮身人面像、木乃伊也是埃及的象征。

埃及位于东北非洲。

它北临地中海，东濒红海，南邻努比亚（今埃塞俄比亚和苏丹），西接利比亚。

从地理上看，埃及的东西两面均为沙漠，南边有几个大险滩，同外界交往甚难，只有通过东北端的西奈半岛与西亚来往较为方便。

所以，古代埃及具有较大的孤立性。

纵贯埃及全境的尼罗河，由发源于非洲中部的白尼罗河和发源于苏丹的青尼罗河汇合而成。

流经森林和草原地带的尼罗河，每年7月至11月定期泛滥，浸灌了两岸干旱的土地；含有大量矿物质和腐植质的泥沙随流而下，也在两岸逐渐沉积下来，成为肥沃的黑色土壤。

古代埃及人因而称自己的国家为“凯麦特”（意为“黑土地”）。

古希腊历史学家希罗多德说“埃及是尼罗河的赠礼。

”‎自远古时代起，埃及在地理上就分为狭窄的河谷地区（上埃及）和地势较为开阔、平坦的尼罗河三角洲地区（下埃及）。

埃及的河谷地区几乎常年不雨，气候十分干燥，生产和生活用水全靠尼罗河供给。

西方美术史结业论文西方美术史结业论文

西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。

他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。

关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。

或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。

一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。

懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。

直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。

简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。

整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。

田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。

所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。

西方艺术史论文

马萨乔的《三位一体》在文艺复兴绘画发展历程中有一位影响重大的关键人物。

在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位，他便是马萨乔。

他生活在15世纪的佛罗伦萨，继承和发展了乔托的艺术传统，他以科学的探究精神，最典型地运用布鲁内莱斯基的透视法，创造性地将解剖学、透视法的技巧运用到绘画中。

马萨乔原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪，马萨乔是其绰号，有“傻瓜”之意。

他出身清贫，艺术师承不明，但在21岁时已获准加入画师行会。

1961年发现了他在圣焦韦纳莱教堂作的祭坛画《圣母子与诸圣徒》，对了解他早期创作极有帮助。

马萨乔在绘画中运用透视法，让绘画取得了雕塑一样的立体效果，使得绘画更加形象生动，栩栩如生。

他的传世名作《三位一体》就充分体现了这一点。

纵观整幅作品，给人的感觉非常舒服与和谐。

从整体把握，画面内容也非常对称，色彩比较贴近自然，没有太浓烈的修饰与过分的雕琢，而是恰到好处地运用简单的色调把人物放到一个立体的三维空间中，这完全符合他“模仿自然”、“追随自然”风格，画中建筑的背景线条分明，轮廓清晰。

前景石棺上放着一具骷髅，其下的铭文是：“我曾是你们现在的模样，我就是你们将来的模样。

”在文艺复兴绘画中，将订画人或赞助者画入画中，是一种惯例。

马萨乔的《三位一体》由佛罗伦萨城一位名门出资，画中身着红色衣袍者即是赞助者，他的衣袍表明他是佛罗伦萨共和国最高级别的官员。

从画中可见，他与夫人跪在小教堂入口处，教堂内，圣母和圣约翰站在十字架两侧，十字架后面站着圣父上帝，依托着十字架，而钉在十字架上的是受难圣子耶稣，他是我们视线的中心。

耶稣的双臂张开，刚好位于整幅画的中央，因为双腿微曲，加上健硕的腹肌显得不僵硬不死板，圣母和圣约翰两个人物的安排，运用透视短缩法，使他们看上去站在圆柱的后面。

圣母的目光向下注视，附以手势，将观者的注意力引向十字架上的基督。

外国美术鉴赏论文

西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴，人们总会先联想到中世纪，因为它们是两个完全不同的伟大时代，也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。

中世纪是欧洲的封建社会时期，欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的，基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱，在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。

教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰，产生了庞杂而严密的经院哲学。

所以，中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。

文艺复兴的思想基础是以人为本，要求文学艺术表现人的思想和感情，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由，反对人身依附。

人类的文学艺术发展到今天，经历了不同的阶段，每一个阶段都有自己的价值，其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的，但进程是曲折的。

从中世纪到文艺复兴，经过了一个复杂的酝酿阶段，它们之间有着承前启后的内在联系。

中世纪后期，理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。

这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣，在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。

黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾，这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。

自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现，成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。

一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式，称为“巴西利卡式”教堂。

教堂正面不失沉重感，屋顶是用木头做的，重要部分是由三个或五个长廊组成的空间，每个长廊之间用柱子隔开，中间的长廊比周围的宽而高，并有窗户照明，周围处于昏暗状态。

长廊的一头是入口，另一头是横廊，连接横廊的是一个有列柱的前庭。

走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。

在早期的罗马，有许多“巴西利卡式”教堂，在这些“巴西利卡式”的基督教堂里，最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。

基督教极大地发挥了镶嵌艺术。

西方油画艺术赏析小论文

浅谈学习西方油画与文化背景的关系
伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性”。此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。
西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但我们学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。我们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。
文化背景影响着油画的主题和风格,同时油画创作也反映了当时的文化背景。比如文艺复兴显著的特点是现实和人文,要求打破封建神权,打破封建禁欲主义。当时宗教信仰在人们的生活中占有很大部分,许多评说都以宗教为后盾,如此就不难理解文艺复兴时期的宗教画为什么如此盛行了。如果我们不了解原始社会的文化背景,如何能了解画肖像为什么要画侧面的脸和正面的眼睛?了解了当时的文化背景之后,才知道那是在突出人有特点的地方,为的是更直观地表现一个人的特征。如果按照我们当下的文化背景去理解他们的绘画,肯定会以为是无稽之谈。所以说理解西方的文化背景,有助于我们研究西方油画的绘画方式和语言,有助于我们以后的运用和创作。
画画本质上是在画家本身,是画家自己内涵和修养的展现,也是画家自己的生活经历的缩影。所以,人的境界体现了画的境界,画的完善过程就是画家自我完善的过程。艺术无疑是以表现人生,表现人的心灵世界,坦诚地表达自己的艺术感受为最终目的的。为了对油画作品进行更深刻的认识和解读,我们就要了解过去和现在的文化背景。假如我们去看电影,发现影片已经开演,往往就难以理解银屏上的人为什么如此激动,为什么相互射击乃至相互开战。

美的巡礼我眼中的西方美术史（上）

美的巡礼我眼中的西方美术史（上）写下这些文字，是被一种奇怪的倾诉欲望所支配。

这欲望，源于最近读美术类书籍过程中，不断产生的悸动。

好似一扇扇隐秘的门被无意中撞开一样，一道道靓丽的风景不断冲击着心灵。

这种倾诉的冲动，宛如牙牙学语的孩童一样，并非为表达思想而说话，仅仅是为了诉说而诉说。

于是，我试图用最粗的线条对我所了解的西方美术史做一个约略的轮廓勾勒。

需要着重说明的是，这里只有我个人的感悟和观点，不一定符合正统的教科书要求。

特别是对作品的诠释，带有强烈的个人色彩，仅供参考。

如果有人指出我的理解偏离正统，我承认，但我并不以为自己包藏祸心，毁人不倦。

有了这些话垫底，就可以开始放心地写下这些文字了。

一．和谐的美——古希腊纯真的艺术一提起希腊，欧洲人就会从心底里涌起一种家园感来，正像雪莱在诗中吟道的一样：“我们都是希腊人”，的确，西方真正意义上的美术，是从爱琴海边的希腊城邦开始的。

古希腊艺术所展现的，是“和谐是美”的高超理念。

古希腊艺术的美，是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。

处于神话时代的希腊人，把对人的欣赏和自豪延伸到了对神的歌颂，他们的神与人同形同性，不是不食人间烟火的东方神祗，而是一个理想化的人。

他们的艺术虽然大多以神为题材，但实质却是在歌颂人，歌颂人的力量，歌颂人对自然的征服。

他们热衷于表现人类神奇的、完美的裸体，表现出少年般的自信与好奇。

他们热情坦率地表露人类丰富的感情，人类纯朴的天性和对美的渴求。

一句话，这是人类纯真的少年时代！掷铁饼者（古希腊雕塑米隆）古希腊艺术的成果是辉煌的，但是，流传至今的，主要是雕塑作品和建筑遗迹。

其它艺术作品已随时间的流逝而消失在历史的尘埃之中。

现存的希腊雕塑作品主要有《弥罗岛的维纳斯》、《拉奥孔》、《雅典娜》、《胜利女神像》、《赫尔墨斯与小酒神》、《掷铁饼者》。

建筑遗迹有雅典卫城、帕特农神庙。

米隆的《掷铁饼者》，完美地诠释了希腊艺术“和谐是美”的最高理念。

艺术家选择了一个“一触即发”的瞬间来展开作品。

外国美术简史欣赏论文

简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。

然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。

在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。

关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。

最初是史前时代。

进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。

封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。

17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。

19世纪后期在法国产生了印象派。

直到如今，西方的美术还在不停的发展着。

西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。

在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。

根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。

它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。

这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。

事情到了15世纪才真正出现转机。

现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。

西方艺术欣赏期末论文

文艺复兴时期的艺术发展在西方艺术式的发展过程中，出现了各种各样的艺术流派，几乎每个流派对以后艺术的发展都产生了深远的影响，我这学期在艺术欣赏课上对此略有了解。

下面我就说一下文艺复兴时期的吧。

意大利盛期文艺复兴达·芬奇出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达?芬奇这样全面发展的人。

他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。

美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。

把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达?芬奇继承了这种传统并大大完善了它。

代表作品：著名的《最后的晚餐》完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。

《蒙娜?丽莎》达芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。

蒙娜?丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。

这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。

西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗。

在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。

不同于充满深遂智慧之美的达芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。

或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。

在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。

代表作品：雕像《大卫》，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。

在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

西方经典美术作品赏析论文

西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。

西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。

对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。

从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。

西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。

“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。

艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。

纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

西方美术的真正起点在希腊。

尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。

第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。

对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。

到此刻才了解到艺术的无垠天地。

历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。

中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。

这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。

文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。

”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。

文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。

而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。

选修课西方美术史鉴赏论文

西方美术鉴赏论文始终无法忘记初中时刚接触绘画，听老师讲起梵高，在美术书上看到他的向日葵，我说不出他的画那里好，但他的画就是让我着迷，如痴如醉。

我看了一遍又一遍，也许是他的热情感染了我，我希望我就是那朵向日葵，永远向着太阳。

后来慢慢的对梵高有了深入的了解，他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。

他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。

《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作，大都是在他生命最后的六年中完成的，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，透过这些作品，我可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。

文森特•威廉•梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。

24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。

在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。

1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东•莫夫学画，但最后还是决定自学。

在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。

1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。

1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。

这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊：“明亮一些，再明亮一些!” 但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂。

梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。

西方艺术赏析论文

文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家（学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。

文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。

文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。

文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。

最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。

佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。

画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。

作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。

佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。

从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。

它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。

西方音乐史论文——巴赫的艺术创作及其艺术成就

西方音乐史论文——巴赫的艺术创作及其艺术成就巴赫的艺术创作及其艺术成就1、巴赫所处的巴洛克时期简介“巴洛克”(Baroque)是17世纪广为流传的一种艺术风格，巴洛克一词本义是指一种形状不规则的珍珠，人们就是想借用这个绘画的名词，用一种不规则、不均衡，或是一种冲动、幻想的内在含义，来描绘此时的文化艺术特征。

十七世纪欧洲强权扩张，靠掠夺海外殖民地累聚财富，因此人们也开始追求所谓的高档生活，大力提倡豪华享受，所以对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富于热情的情调。

而且旧教势力不断用暴力镇压信徒，再积极利用艺术思想形态去迷惑﹑征服人心。

在这一过程中人似乎变得微不足道，盲目信奉宗教，崇拜神灵，也希望通过这样的方式得到解脱。

巴洛克时期的音乐给我们留下了富丽堂皇、精致典雅的文化遗产，在整整一个世纪的发展中，在君主专制和新兴的资产阶级力量的较量中，在维护传统宗教和离经叛道的宗教改革斗争中，巴洛克时期的音乐艺术都表现出无拘无束的想象力、创造力，形成了雄伟壮观的外形。

威尼斯画派夸张扭曲的动态，艳丽鲜明的色彩，英国资产阶级革命杰出作家弥尔顿诗中动人的人物形象和勇于摆脱束缚的创新精神都点燃了巴洛克音乐艺术火一般的激情。

于是，产生了歌剧，产生令人眼花缭乱的器乐音乐，产生了蒙特威尔第、维瓦尔第、亨德尔、巴赫这些了不起的伟人。

改革和冒险，创新和求变的精神流溢在西方各类艺术体裁的作品中，数字低音，和声学的理论，大小调式体系让人感受到惊讶与新鲜。

还有在低音部节拍重音支撑下形成的节奏动力，阶梯渐进式的力度变化，连绵不绝的旋律线条，套曲形式的曲式结构，即兴演奏的多变技巧，绚丽丰富的乐器色彩，使人领悟到这个动荡时代的巨大张力和狂热的动态。

巴洛克音乐带着文艺复兴的清风而来，迎着古典主义的朝阳而去，它的确是一根金色的纽带，把西方的古老和新兴连在一起，人们不会忘记，这个灿烂的新的时代，因为有那么多的巨人在这里留下了深深的足迹，有那么鲜活的音乐让人流连忘返，巴洛克的激情成了未来的浪漫主义精神的原动力。

欧美艺术史学史与方法论

欧美艺术史学史与方法论一、概述欧美艺术史学史与方法论，是一个深入探讨西方艺术历史研究发展历程及其方法论的学科领域。

艺术史学史部分，主要关注于西方艺术史研究从古典时期至现代的发展历程，包括艺术史的起源、学科的形成、重要流派和理论的发展等。

而方法论部分，则着重探讨艺术史学者在研究过程中采用的各种理论、方法和视角，如形式分析、图像学、社会学、心理学等，以及这些方法和理论如何影响艺术史研究的深度和广度。

欧美艺术史学的发展，经历了从描述性、编年史式的艺术史，到强调艺术风格、技巧和艺术家的个体历史，再到关注艺术与社会、文化、政治等多元关系的转变。

这一过程中，艺术史学的研究范围不断扩大，研究方法也不断更新和深化。

同时，随着跨学科研究的兴起，艺术史学也逐渐与其他学科如文学、历史、哲学、社会学等产生了深厚的交叉与互动。

方法论方面，欧美艺术史学的研究方法呈现出多样性和灵活性的特点。

不同的学者和研究领域，可能会采用不同的研究方法或理论框架，以适应各自的研究主题和目标。

这些方法和理论既有各自的优点和局限性，也有相互补充和融合的可能。

掌握和运用多种研究方法，对于艺术史学者来说，是非常重要的。

欧美艺术史学史与方法论是一个既具有深厚历史底蕴，又充满活力和创新精神的学科领域。

通过对这一领域的研究，我们不仅可以更深入地理解西方艺术历史的发展脉络和内在逻辑，也可以从中汲取灵感和智慧，推动艺术史研究的不断发展和进步。

1. 欧美艺术史学的起源与发展欧美艺术史学的起源可以追溯到远古时期，那时的人类通过绘画、雕塑等形式记录生活，表达情感，形成了最初的艺术形式。

真正意义上的艺术史学的发展，则始于19世纪的欧洲。

这一时期，随着工业革命的推进和资本主义的兴起，人们对艺术的理解和欣赏方式发生了深刻的变化，艺术史学作为一门独立的学科也逐渐形成。

在艺术史学的早期，古希腊和罗马的艺术被认为是艺术的典范，其影响深远且持久。

古希腊的自由民主精神孕育了众多杰出的艺术家和作品，如菲迪亚斯的雅典卫城雕塑、波利克里托斯的《持矛者》等。

西方美术史论文

从布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》中看
尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义
姓名：苟晨露
院系：法学院
学号：**********
选课序号：377
【内容提要】在课程的学习中，尤其是老师在课堂上对于布勒格尔的作品进行诙谐幽默的分析后，布勒格尔作品背后的对于当时尼德兰社会的思考，引起了我极大的兴趣。本文首先梳理了布勒格尔创作时代的背景，之后以布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》为例，深入细致分析了由画面中细节中蕴含的民族主义，最后对于尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义进行了总结。
33 3/4 x 60 5/8 inches (86 x 154 cm)，Galleria Nazionale, Rome
经考证，这幅画的构思来自尼德兰的谚语：“盲人为瞎子带路没有好下场”。4就当时的社会状况而言，我认为可以尝试着理解为，在反对西班牙殖民统治的过程中，必须十分重视引路者的作用，否则由“盲人”领导革命，后果将不堪设想。下面将逐一对于我自己展开联想和思考的各个具体部分进行分析。如图1
正如萨拉柯耐尓在《西方美术风格演变史》中所说：“在阿尔卑斯山以北，人文主义者强调个人改变自身命运的能力。这直接发展成攻击教士的权威，尤其是攻击由教皇制度造成的外国人支配权，这也是直接发展成清教徒既反对世俗社会也反对教士社会的腐败及热衷于名利的活动。”北欧文艺复兴盛期，以希罗尼穆斯鲍斯为开端，艺术家们采用讽刺的手段，借助夸张与可笑，获得了直接说教无法获得的效果。与鲍斯的悲观不同，布勒格尔在接受鲍斯影响的同时迅速形成了自己的独特风格，创作内容开始由风景转向带有讽刺性和道德说教的任务构图，采用更为贴近实际的画作内容来表现内心对于现实的思考。
一、布勒格尔创作时期的时代背景概述
总的来说，布勒格尔的创作时期正处在尼德兰革命的前后时期。比较可得，布勒格尔的大致生平约为1525-1569年，而著名的世界上第一次成功的资产阶级革命，即尼德兰革命爆发于1566年。据有限的资料显示，布勒格尔早年可能同其他许多北方画家一样在意大利游学，而大致在1553年回国。由此推之，画家应当在尼德兰区域内生活时间较长，对于尼德兰革命前西班牙统治引起的国内不满情绪和社会民族主义的崛起是深有感触的。