二十世纪美术史

野兽派
20世纪初具有开拓性的第一个现代流派就是野兽派。

这个画派的名称是偶然得到的。

1905年的法国秋季沙龙展中，评审委员会选人了几位新派画家的作品，另辟一展室展出。

人们发现有一件类似文艺复兴时期风格的古典雕塑作品，被放置在布满了色彩强烈、用笔狂放的新派作品的展厅中，于是批评家沃塞勒幽默地称这件作品掉在野兽群里了，野兽派从此得名。

事实上野兽派算不上一个严格意义上的流派，因为它既没有自己的理论体系和艺术纲领，也没有统一的艺术风格，将这些画家汇集在一起的力量是他们各自心中寻求新的绘画语言的强烈愿望和对色彩的偏爱。

野兽派实际上是三群艺术家的合称。

一是来自象征派画家摩罗画室的马蒂斯、路奥和马尔开；第二群是来自夏杜工作室的弗拉芒克和德朗；第三群指法国北部的勃拉克和杜菲。

尽管他们的风格各异，但主张用纯粹的色彩来表现艺术家的感情这一点却是一致的。

他们的作品大多有狂放的色彩、夸张变形的形象和一种令人措手不及的冲击力。

可以说野兽派艺术是具有法国特色的表现性艺术，同德国表现派相比，野兽派艺术显得较为宁静、和谐和优美。

从1905年到1908年，野兽派艺术家仅维持了一个短暂的共同创造和参展的时期，此后便分道扬镳，寻求各自的艺术道路了。

马蒂斯是唯一坚持自己原有画风的艺术家，他又是这群年轻人中的长者和核心人物，因此被视为野兽派的代表。

亨利·马蒂斯（Henri Matisse 1869-1954）二十世纪最伟大的善于运用色彩的画家，野兽派的代表人物。

他也是一位出色的雕塑家，他是现代派雕塑的先驱者之一，其雕塑作品追求简洁、结实的风格。

以使用鲜明、大胆的色彩而著名。

马蒂斯是野兽派当之无愧的领袖人物。

但“野兽派”时期只不过是马蒂斯艺术生涯中的一个短暂时期，马蒂斯的独特风格则主要是他在“野兽派”时期之后渐渐形成的。

年轻时曾是象征派画家莫罗的学生，后来受到印象派的影响，并吸取了亚洲和非洲艺术的表现手法，形成自己的一套风格，即用简单的方式抽象表现人或物的形态，并大胆地运用色彩构成视觉冲击，也正是这种别具一格的艺术表现方式使得马蒂斯的作品有了自己独特的魅力。

马蒂斯认为艺术有两种表现方法，一种是照原样摹写，一种是艺术地表现。

他主张后者。

他说：“我所追求的，最重要的就是表现…．我无法区别我对生活具有的感情和我表现感情的方法。

”马蒂斯一生都在做着实验性探索，在色彩上追求一种单纯原始的稚气。

他向东方艺术吸取了许多平面表现方法，画面富于装饰感。

在学习东方艺术的过程中，他从原来追求动感、表现强烈、无拘无束的观点，渐渐发展成追求一种平衡、纯洁和宁静感。

他后来自己评价自己的作品说：我的作品“好象一种抚慰，象一种稳定剂，或者象一把合适的安乐椅，可以消除他的疲劳”，马蒂斯认为无论是和谐的色彩或不和谐的色彩，都能产生动人的效果，他还认为，色彩的选择应以观察、感觉和各种经验为根本，色彩的目的，是表达画家的需要，而不是看事物的需要。

马蒂斯早年从事法律事务，23岁改学绘画，作品中体现了野兽派的美学观念：即大胆的色彩、简练的造型、和谐一致的构图以及强烈的装饰性，形成了他独特的画风——那就是世人熟悉的画面简洁、清晰，省略了多余的细节，以单纯的线条和色彩构成画面艺术形象。

在野兽派销声匿迹以后，马蒂斯仍继续他的艺术探索。

他为了研究人体借助于雕塑，他一生创作了大约70件雕塑作品。

在20年代之前曾采用各种自由手法创造一种新的绘画空间，还经历了短暂的立体主义时期，但他从未出现支离破碎的物象，他通过研究如何将物体几何化、简化。

他在不改变观点的前提下，将大块的鲜明色彩作抽象的安排，达到既富有装饰性又具有空间深度的效果。

晚年的马蒂斯通过彩色剪纸来试验色彩关系。

他的艺术达到极其简练，带有平面装饰性。

然而他的伟大之处正在于超越狭小的装饰天地,从而创造了“大装饰艺术”的概念。

亨利·马蒂斯是20世纪野兽派大师，马蒂斯与毕加索一样，享有20世纪天才画家的盛名。

但是马蒂斯并不是一位多产的画家，因此他的作品就显得更加珍贵，成为艺术爱好者和收藏家搜寻的珍宝。

他使用的色彩不再是忠实地描绘出现实的色彩，而是根据画家独特的感悟和绘画整体的要求来选择色彩。

《红色的和谐》这幅油画是马蒂斯成熟时期的作品，寝室的一角，墙面、桌面、地画完全用纯净的红颜色画出，女人的黄头发、黄椅子和不同程度的黄水果点缀其间，在统一的红色中有细微的色度变化。

立体主义
立体主义指1907年至20世纪20年代产生于法国，并影响到欧洲大陆和美国的一个艺术流派。

该派主要人物首推毕加索和勃拉克，随后莱热等人也加入了这一运动。

立体主义的主要艺术思想和创作手法，均来自于以上几位艺术家。

“立体”一词首先得自于马蒂斯和评论家沃塞勒对勃拉克作品的评论。

1908年的巴黎独立沙龙展上，马蒂斯和沃塞勒都用“立方体”等词来形容勃拉克的一幅风景画，立体主义从此得名。

但真正预示着这一新风格诞生的是毕加索1907年创作的“亚威农少女”。

立体主义的产生受到塞尚结构观念的启示和非洲雕刻艺术的影响。

1907年秋季巴黎举办了塞尚回顾展，这位大师用主观的几何形体来概括对象结构的思想，使许多艺术家深受启发。

他们开始寻求新的空间概念，而不再一味去塑造平面的幻觉透视空间。

当时大批非洲雕刻也在巴黎展出，这些形式感强烈、造型怪异简练，非模仿性的雕刻作品，深深地吸引了巴黎的一批青年艺术家，毕加索便是其中之一。

这一切使艺术家更快更彻底地从传统艺术的桎梏中解脱出来。

当然，现代科学技术的发展对艺术的影响也不容忽视。

20世纪初这个新的变革时代，科技和思想领域发生了巨大变化。

爱因斯坦以相对论推翻了古典的物理定律；科学家分裂出原子，
发明了X光透视；达尔文的生物进化论动摇了人类独尊的见解；弗洛伊德深入到人的心灵深处去探究人类本身……对于青年一代艺术家来说，既然过去许多神圣的基本定律和观念都受到了挑战并开始动摇，那么，就没有理由不对传统艺术观和手法作一番重新审视，既然X 光穿透人类的肉体看到其内部情况，那么绘画为什么又不可以突破传统的从单一视点观看对象的方法呢？
于是，立体主义开始建立新的空间概念突破传统的单一视点观察方式，以多视点、多角度去观察和表现对象，当然这样创作的作品顺应潮流很难被持传统观点的人所理解了。

立体主义还追求形体的几何化，并把这种追求发展到极端。

立体主义更加彻底地抛弃传统的艺术，甚至突破了画笔画布的限制，采用拼贴加绘画的综合手法进行创造。

立体主义标志着现代艺术进入了一个新的时期，它比野兽派离传统更远，观念和手法也更新奇。

立体主义运动通常分为两个阶段，即分析立体主义和综合立体主义。

1912年以前，毕加索和勃拉克等人的创作称为分析立体主义时期，即把对象分解为各种几何形体，然后加以平面组合，或把不同视点观察到的同一对象的结果，组合在一个画面上。

这时他们用色极简单，目的是让观众把视点集中在形体结构上。

分析立体主义绘画是平面的，色彩较单一的，近乎于抽象艺术。

1912年以后称为立体主义的综合立体主义时期，立体主义艺术家用各种不同的材料采用拼贴和绘画相结合的手法，去重新创造一个意念，而不是去复制对象。

立体主义追求几何形体的美，改变传统的观察方式，突破画笔画布限制等新手法和新观念，对20世纪艺术的发展产生了广泛而深远的影响。

巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年～1973年）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，毕加索和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。

毕加索是位多产画家。

据统计，毕加索的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。

巴勃罗·毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后印象派、野兽派的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。

毕加索的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。

毕加索有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。

在毕加索一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。

也正因此毕加索是一位真正的天才。

20世纪正是属于毕加索的世纪。

毕加索在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。

在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。

毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和《亚威农的少女》、《格尔尼卡》等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。

毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。

在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。

《亚维农少女》是一件意义重大的油画作品，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。

画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形，而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。

野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。

然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。

在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。

因而这幅油画，“恰似打碎了一地的玻璃”。

在油画《亚维农少女中》，立体派油画家毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。

我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。

我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。

这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。

从这幅油画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在画家塞尚的画中就已采用了。

我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。

不同角度的视象被结合在同一个形象上。

这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。

这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。

它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。

毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。

这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。

油画《亚维农的少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。

画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。

这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。

但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。

在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。

画家毕加索这幅油画《亚威农的少女》，想必亦是如此。

该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然；草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。

然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家去除了。

其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。

这幅画《格尔尼卡》运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。

画面左侧，一位悲痛欲绝的母亲怀抱因战争而死去的婴儿仰天哭喊，她的身后立着一个恐怖的牛头，牛脸上流露出残忍的狞笑。

根据毕加索曾在其他绘画作品中以牛头表示邪恶的习惯分析，这个牛头代表了法西斯的残暴和黑暗。

画的中间部分，一匹被刺伤的马昂头张着嘴，发出哀鸣，据画家本人说，这匹马象征西班牙人民，它代表受难的西班牙。

马的身下躺着一名死去的战士，他的右手握着被折断的剑，剑旁有一朵鲜花，这朵花是对死去战士的悼念。

一个妇女从窗子里探出身体，右手举着一盏油灯，油灯的左上方有一盏像眼睛似的电灯，灯光像锯齿一样射向四周，这些象征揭露，画家要将这一切罪恶和黑暗置于光照之下，让全世界都明了。

画面右侧，表现了由于轰炸，一个女人从楼上跌下，她举着双手，抬头向上呼救。

整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖，不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和动乱的感觉，画面沉重又压抑，充满了悲剧气氛。

这幅画控诉了法西斯的罪恶，对战争给人民带来的灾难表示了悲哀和同情。

这幅画曾到挪威、英国、美国各地展出，反响非常强烈。

克林姆特（Gustav Klimt 1862-1918年），台湾译作克林姆，奥地利表现主义画家；维也纳分离派的创导者，是奥地利维也纳分离派第一任主席。

克里姆特的艺术深受荷兰象征主义画家图罗普、瑞士象征主义画家费迪南德・霍德勒（ferdinand hodler）和英国拉斐尔前派的奥布里・比亚兹莱（aubrey beardsley 1872-1898 ）等人的艺术影响，同时吸收了拜占庭镶嵌画和东欧民族的装饰艺术的营养，致使他的画具有“镶嵌风格”。

后来由于他对色彩强烈、线条明快的中国画以及其他东方艺术发生兴趣，致使他的画风又发生新的变化。

克林姆特的画面具有强烈的装饰色彩，辉煌的色彩伴随着扭曲的人体，透出情欲和略带颓废的美。

有些作品带有浓郁的伤感和神秘。

克林姆特生于维也纳一个制作金银首饰的世家。

我想这是他的作品喜欢用金色的原因。

他在作品中运用沥粉、贴金箔、嵌螺钡、贴羽毛等等特殊技巧，取得特殊的艺术效果。

克林姆特的作品有与他作品浓艳的色彩和情欲表现不相称的严肃和忧伤内涵。