音乐剧演唱中Legit唱法之解读
伊斯蒂嗓音训练系统在音乐剧歌曲《当我看向你》中的应用探析刘帆
伊斯蒂嗓音训练系统在音乐剧歌曲《当我看向你》中的应用探析刘帆发布时间：2021-09-02T07:54:07.063Z 来源：《当代教育家》2021年15期作者：刘帆[导读] 当今，由于音乐剧越来越在全世界的广泛流行，音乐剧唱法也因此得到了广泛关注。
湖南师范大学音乐学院 417000摘要：当今，由于音乐剧越来越在全世界的广泛流行，音乐剧唱法也因此得到了广泛关注。
在此文章当中，笔者通过前往美国奥城大学交换学习的实践，经过在歌曲《当我看向你》中专门运用伊斯蒂嗓音训练系统指导教学得出的成功经验，进行简要分析和总结。
伊斯蒂嗓音训练系统由美国声乐专家金瓯·伊斯蒂女士创立于1988年，系统解释了如何通过使用解剖学展示音乐剧需要的专业演唱技巧。
歌曲《当我看向你》选自音乐剧《红花侠》，是其中具有鲜明人物形象的经典作品，也是音乐剧作品当中的代表之作，因而笔者将在下文中结合伊斯蒂嗓音训练系统解析该作品的演唱技巧和处理，希望能为热爱音乐剧的学习者提供一些微薄的帮助。
关键词：音乐剧唱法；伊斯蒂嗓音训练系统；《当我看向你》伊斯蒂嗓音训练声音系统（Estill voice training常缩写为EVT）是美国一个以解剖学展示演唱技巧的声乐教学法，自创立以来已经成为众多美国高校音乐剧及流行专业的主流教学法。
在音乐剧唱法当中，由于音乐剧是舶来品，因此音乐剧作品的演唱大部分是基于欧美人说英语时的一种说话习惯，以美国百老汇为例，美国人说话时有强烈的鼻音，所以所有的国外音乐剧作品鼻音几乎是从头到尾，也是EVT当中介绍音乐剧唱法里重要的twang（鼻腔）的声音；之所以放在最前面，是因为演唱每一首欧美音乐剧作品，整首歌曲首先第一个就是要注意发声的一个习惯，如果没有，则无法“字正腔圆”，因此twang在欧美的音乐剧作品中的发声至关重要，是从第一个音到最后一个音开始贯穿整首曲子发声方法。
由于有大量的台词对白，为了能和剧情能够无缝连接，许多的音乐剧作品最基础也是最重要的声音模式就是EVT当中的speech语音。
百老汇金牌声乐大师里格斯与SLS声乐训练法
百老汇金牌声乐大师里格斯与SLS声乐训练法作者：罗怡来源：《音乐爱好者》2018年第11期纵观美国百老汇和英国伦敦西区的音乐剧，几乎囊括了从古典美声，到摇滚、民谣、爵士、流行、Rap（说唱）等所有唱法。
那么，到底什么是音乐剧的唱法？国内音乐剧教育界一直在探讨这个问题，但至今还未达成统一的认识。
然而，这个问题却直接关系着国内音乐剧声乐教学的方法和理念。
上海音乐学院音乐剧系在教学方法和理念上一直走在国内音乐剧教育的前沿。
早在几年前，上音音乐剧声乐教学导入了“说话式歌唱”的理念，教学团队在认同了音乐剧演唱是台词的延伸，是“歌唱着的台词”的理念下，共同推进说、唱、演相结合的教学。
“说话式歌唱”，英文为“Speech Level Singing”，缩写为SLS，是一种非常实用的声乐技法，风靡百老汇，得到了美国流行乐坛、戏剧界、影视界众多明星、大咖们的认可。
提到SLS训练法，便不得不提到它的创始人塞斯·里格斯（Seth Riggs）。
塞斯·里格斯被美国百老汇和演艺娱乐界视为最成功的、具有点石成金魔力的声乐教师。
至今为止，他制作的声乐教材没有任何其他人能够望其项背。
他的学生名单能够组成一部货真价实的“名人录”，遍布全球各地，包含众多歌手、演员、舞蹈家以及世界各地的顶尖艺人。
百老汇金牌声乐大师塞斯·里格斯塞斯·里格斯从九岁开始作为男童女高音，在华盛顿国家大教堂（圣彼得与圣保罗教堂）演唱巴赫和亨德尔的音乐。
之后，他接受了与表演艺术相关的各种训练，先后跟随李·斯特拉斯伯格（Lee Strasberg）、桑福德·迈斯纳（Sandy Meisner）等大师学习表演，跟随百老汇顶尖的编舞家佩特·格纳罗（Petter Gennaro）、马特·马托克斯（Matt Mattox）等人学习舞蹈，跟随约翰·查尔斯·托马斯（John Charles Thomas）、罗伯特·韦德（Robert Weede）等人学习声乐。
音乐剧舞台表演歌唱声音表述的三大品质分析
摘 要：音乐剧舞台表演歌唱声音表述具有三大品质，即Belt，Legit和Mix。
对每一音乐剧演唱者而言，掌握这三者品质均十分有必要。
充分理解这三种品质的内涵，通过训练实现声音品质，是演唱者更好地展现演唱声音，表演好音乐剧的关键。
本文介绍音乐剧演唱声音的三大品质，并就其各种品质的内涵进行简单探讨。
关键词：音乐剧；声音；品质音乐剧作为结合了歌唱、对白、表演及舞蹈的舞台艺术形式，自诞生以来就受到了人民群众的广泛喜爱，在全世界各地都有音乐剧在上演，尤以美国百老汇和英国伦敦西区为甚。
在音乐剧演出中，声音品质是十分重要的部分，是影响甚至决定声音演唱效果的关键。
1 音乐剧舞台表演歌唱声音的三大品质概述音乐剧舞台表演歌唱声音的三大品质这一概念是由当代商业音乐演唱风格研究所提出，代表音乐剧演唱者声音表述应当具备的三种品质，分别为Belt，Legit和Mix。
这三种品质有着各自独特的质感和味道，每位音乐剧演唱者都应当至少具备其中一种，否则很难演唱好音乐剧。
其中，Belt通常又被称作呐喊唱法，是音乐剧演唱中较为常见的一种演唱形式，同时也在流行歌曲演唱中得以大量应用。
简单来说，该品质的核心就在于“to belt”或者“belt it out”，也就是所谓的“呐喊”或“喊出来”。
而Legit则是英文单词Legitimate的缩写，翻译过来就是“正统戏剧”。
与Belt代表的呐喊相反，Legit代表了音乐剧演唱声音的古典特色。
毫无疑问，Legit与传统歌剧的古典唱法有着极大关系。
而且在当代音乐剧演唱中，Legit还可以细分为传统式和现代式两种，前者与传统歌剧的古典唱腔类似，具有饱满元音与强烈共鸣；而后者则更加强调头声，融入了更多通俗唱法的特质，其声音共鸣更小，但音色更为明亮。
而Mix则是一种混合的声音品质，其受到了更多流行音乐唱腔的影响，通常需要通过真假声转换训练才能呈现出这种品质。
2 音乐剧演唱声音的Belt在音乐剧演唱中，声音表述的Belt品质，通常要求演唱者在中声区及高声区进行胸腔共鸣，从而营造出一种较为强烈的、与朗诵音色类似的声音效果。
音乐剧舞台表演歌唱声音表述的三大品质分析
音乐剧舞台表演歌唱声音表述的三大品质分析作者：闫紫丹来源：《艺术科技》2019年第03期摘要：音乐剧舞台表演歌唱声音表述具有三大品质，即Belt，Legit和Mix。
对每一音乐剧演唱者而言，掌握这三者品质均十分有必要。
充分理解这三种品质的内涵，通过训练实现声音品质，是演唱者更好地展现演唱声音，表演好音乐剧的关键。
本文介绍音乐剧演唱声音的三大品质，并就其各种品质的内涵进行简单探讨。
关键词：音乐剧;声音;品质音乐剧作为结合了歌唱、对白、表演及舞蹈的舞台艺术形式，自诞生以来就受到了人民群众的广泛喜爱，在全世界各地都有音乐剧在上演，尤以美国百老汇和英国伦敦西区为甚。
在音乐剧演出中，声音品质是十分重要的部分，是影响甚至决定声音演唱效果的关键。
1 音乐剧舞台表演歌唱声音的三大品质概述音乐剧舞台表演歌唱声音的三大品质这一概念是由当代商业音乐演唱风格研究所提出，代表音乐剧演唱者声音表述应当具备的三种品质，分别为Belt，Legit和Mix。
这三种品质有着各自独特的质感和味道，每位音乐剧演唱者都应当至少具备其中一种，否则很难演唱好音乐剧。
其中，Belt通常又被称作呐喊唱法，是音乐剧演唱中较为常见的一种演唱形式，同时也在流行歌曲演唱中得以大量应用。
简单来说，该品质的核心就在于“to belt”或者“belt it out”，也就是所谓的“呐喊”或“喊出来”。
而Legit则是英文单词Legitimate的缩写，翻译过来就是“正统戏剧”。
与Belt代表的呐喊相反，Legit代表了音乐剧演唱声音的古典特色。
毫无疑问，Legit与传统歌剧的古典唱法有着极大关系。
而且在当代音乐剧演唱中，Legit还可以细分为传统式和现代式两种，前者与传统歌剧的古典唱腔类似，具有饱满元音与强烈共鸣;而后者则更加强调头声，融入了更多通俗唱法的特质，其声音共鸣更小，但音色更为明亮。
而Mix则是一种混合的声音品质，其受到了更多流行音乐唱腔的影响，通常需要通过真假声转换训练才能呈现出这种品质。
音乐剧演唱中Legit唱法之解读
■ Yin Yue Wu D a o.音乐舞蹈音乐剧演唱中L e g it唱法之解读高虹四川音乐学院摘要：由于音乐剧的风格较多样化，所以在音乐剧的演唱中涉及到的唱法和技巧也具有多样化的特点，比如Legit唱法、Belt唱法、流行唱法、摇滚唱法、爵士唱法等。
其中，目前被我们的音乐剧专业学生运用较广，且在理解上存在一定偏颇的唱法就是Legit唱法。
本文从Legit唱法的定义、分类、由来以及实例运用等出发，将对这一唱法进行解读，希望能对音乐剧专业的学生和音乐剧爱好者在音乐剧的演唱上有所帮助。
关键词:Legit唱法音乐剧演唱中图分类号:J616.2 文献标识码:A—、Legit唱法的定义及分类Legit是单词legitimate的缩写，其字面意思是“正 统(戏)剧”。
顾名思义，我们会把它和正统的歌剧联系 到一起，所以在音乐剧的演唱中它成为了古典式唱法 的代名词。
Legit唱法可以分为两类：一类是传统的 Legit唱法,一类是现代的Legit唱法。
传统的Legit唱法具有古典唱法(通俗来讲，也就是我们通常概念化 的美声唱法）的所有特性，比如饱满的元音，良好的共 鸣，顺畅的声区转换等;而现代派的Legit唱法则是以 头声为主，更加强调“说话”的导向。
相较于传统的 Legit唱法，现代的Legit唱法运用的共鸣较小，音色会 更加明亮。
二、Legit唱法的由来追溯音乐剧的起源，要从19世纪的轻歌剧说起。
轻歌剧具有短小轻快、娱乐性强的特点，很容易被大 众所接受,而音乐剧正是由这种小歌剧演变发展而来 的，所以在很多早期的音乐剧作品中，演员的演唱仍 采用了这种轻歌剧式的唱腔。
随着音乐剧风格的演变 和发展，我们把这种类似于轻歌剧式的唱法在音乐剧 演唱中都统称为Legit唱法。
文章编号:1008-3359(2018)11-0049-03说到Legit唱法，我们自然就会想到一对黄金搭 档，也是音乐剧场的祖师爷级人物——奥斯卡•汉默 斯坦二世(Oscar Hammerstein I I)和理查■罗杰斯(Richard Rodgers)。
独特的歌唱技巧
独特的歌唱技巧
独特的歌唱技巧是指那些在歌唱表演中具有个人特色的技巧和风格。
以下是一些常见的独特的歌唱技巧：
1. 裂音（vocal fry）- 这是一种低沉的声音颤动，可以增添歌曲的情感和特殊的韵味。
2. 颤音（vibrato）- 颤音是通过快速的声音波动来增添节奏和表达力。
每个歌手的颤音都有其独特的速度和质地。
3. 接吻音（kissing sound）- 这是一种模仿吻嘴的音效，通常用于增强歌曲中爱情或渴望的情感。
4. 独特的滑音（glissando）- 滑音是指在音符之间流畅地滑动音调。
一些歌手可以运用滑音来表达情感并使演唱更加动听。
5. 咆哮（growl）- 咆哮是一种有力而低沉的发声技巧，通常用于摇滚、重金属等音乐流派中，能够增加歌曲的能量和冲击力。
6. 倍音唱法（overtone singing）- 这是一种特殊的喉音技巧，歌手可以同时发出两个或更多的音高，创造出奇特而和谐的声音。
7. 转音（yodeling）- 转音是一种来自阿尔卑斯山区域的传统唱法，通过快速切换喉咙的声音产生器官，产生出颤动的声音特效。
这些技巧可以帮助歌手在演唱中表达个人风格和情感，并增添独特的魅力。
歌剧2 维塔斯
海豚音的特点是在超高音区徘徊，声音明亮高亢，可以"任意高度和 音区转换"，海豚音可以达到人类的极限听觉范围。(音域:大字组E6-C8， 小字组e3-c5)。 进入哨音区，不再分男谱女谱，统一都是国际谱记法，海豚音本来就 是一种不带动声带的被动高音唱法，需要技巧，真声的音域内由于人 类物理条件的限制区分音符，而海豚音是一种加强版的假音唱法。
歌 剧 2
维塔斯（Vitas），原名维塔利·弗拉达索维齐·格拉乔夫，艺名维塔斯。1981年2月 19日出生于拉脱维亚。是俄罗斯流行音乐领域著名男歌手，以其跨越五个八度的宽广 音域和高音区雌雄难辨的声线著称，有“海豚音王子”美誉。2000年12月，维塔斯因 演唱《歌剧2》而引起俄罗斯歌坛的轰动，《歌剧2》成为他经典成名曲。2002年3月 29日，在克里姆林宫举办了首次售票个人演唱会，成为俄罗斯在克里姆林宫举办个人 演唱的歌手中年龄最小的一位。2003年，维塔斯由于母亲突然离世，风格大为改变。
音乐剧表演中肢体动作与歌唱的艺术融合途径析
168音乐剧是以戏剧剧情为骨架，以音乐和表演为血肉所结合形成的一种特殊的表演艺术。
而在音乐剧的表演过程中，表演者必须将歌唱和肢体动作充分融合，才能以更加艺术和连贯性的表演风格，完成整部音乐剧的节奏性、条理性特征和艺术价值。
因此，在音乐剧的创作过程中，主创者除了要对音乐剧的主体内容进行编排外，如何让音乐剧表演者的肢体动作和演唱达到高度融合，也是主创人员需要格外注重的编排项目。
一、歌唱在音乐剧表演中的特征在音乐剧中呈现的声乐表演实际上并不仅仅是对音符和音律的呈现行为。
在音乐剧中，歌唱就是表演者的呈现“武器”，是表演者把握舞台情绪，体现舞台故事波动状态的第一因素。
因此，音乐剧表演中的歌唱，就是对音乐剧艺术情节的立体再现。
歌唱表演具有三个特征：一是创造性，代表音乐剧中出现的唱腔和唱段都必须具有一定的再度创造特征。
二是特殊性，指的是表演者的歌唱需要具有个人的歌唱习惯，是一种个人习惯与音乐剧主题的艺术融合。
三是最重要的特征，即音乐剧中的歌唱，具有必然的模仿性特征。
这一点是针对初学者或第一次表演而言，表演者的歌唱风格需要建立在模仿的基础上，模仿他人的嗓音，加入自身的腔体构造和特殊的嗓音条件，从而在更加熟悉自身唱腔和歌唱风格的基础上，更加贴合地与肢体动作进行艺术融合。
因此，从歌唱的特性中便可得知，在音乐剧表演中呈现的歌唱具有变动特征，故歌唱与肢体动作的融合，需要进行不断的再度创作，才能实现更高层次的艺术融合[1]。
二、肢体动作在音乐剧表演中的特征在音乐剧中呈现的肢体动作实际上是指舞蹈或简单的肢体配合性活动。
因此，对于音乐剧表演者来说，对肢体动作的控制和对歌唱的控制一样，都是为了呈现更加完整的人物，让观众能够通过被放大或被隐化的肢体动作，明确或隐去剧情在下一段的动向。
故音乐剧中肢体动作的呈现特征，其第一点就是明确化。
每一个动作和神情都要控制在剧情之中，人物之内。
而肢体动作呈现特征的第二点，就是艺术化。
音乐剧是艺术，简单的肢体动作或舞蹈都应该做艺术化处理。
论英文歌曲演唱的语音连读
论英文歌曲演唱的语音连读作者：胡竞文来源：《当代音乐》2018年第04期[摘要]英文歌曲的演唱不仅仅是旋律与语言模唱的对照表达，更需要具有一定规则的英文发音理论与训练为支撑。
在英文歌曲中，连读是最普遍的一个发音规则，当然也有重读与非重读音节以及音变等其他特殊的歌唱语言表达方式，也正因为这些规则的存在，才使得英文歌曲在中国人的演唱中能够正确地体现标准性，也有助于演唱歌曲的流畅性、节奏性和情感表达的准确性。
[关键词]连读；风格；规则[中图分类号]J616 [文献标识码]A [文章编号]1007-2233（2018）04-0077-03[收稿日期]2018-01-06[作者简介]胡竞文（1997—），女，吉林长春人，东北师范大学音乐学院本科学生。
（长春 130000）语言（Language）是人类最重要的交际工具，是人们进行沟通的主要表达方式。
歌唱语言（Singing Language）是作为歌曲作品中基于音乐旋律的情感变化而配以对应的语言表达呈现。
英文歌曲是当下流行音乐范畴中传播面积最广、速度最快的音乐体裁，它借助于各种文化传播方式流传在世界的每一个角落。
在中国，从20世纪20年代便有中国人录制演唱英文歌曲，时至今日，英文歌曲也是受众性较高的大众文化。
当欧美众多不同的音乐风格与载体从西方来到中国，传播途径的多样化与形式的具体化，无论从语言学角度还是从音乐学角度，都不同程度地影响着中国人对介于语言受体与语境情感之间的音乐表述。
但我们不得不承认的一个问题就是很多中国人交流英语没问题，但是唱英语却成了很多喜爱英文歌曲的中国人的一个不小的障碍，究其原因，就是歌唱语音的发音规则与音乐旋律的对照关系存在着问题。
对中国人演唱英文歌曲来说更需要注重的不仅仅是歌词中的个体单词准确的英文发音，同时为了音乐表现与情感的需要，也包含了众多的拼读规则，只有掌握了英文歌曲的拼读规则才能够完成对其完美的体现。
本文从列举的英文歌曲中有代表性的歌词入手，通过对歌曲风格以及演唱方面的分析，对英文歌曲的歌词发音的连读问题进以阐释。
音乐剧演员的唱功训练与演唱技巧
音乐剧演员的唱功训练与演唱技巧音乐剧是一种融合了音乐、舞蹈和戏剧元素的艺术形式，它要求演员具备出色的唱功和演唱技巧。
在音乐剧舞台上，演员需要通过声音将角色的情感表达出来，使观众能够更加深入地理解剧情和人物。
本文将讨论音乐剧演员的唱功训练和演唱技巧。
首先，唱功训练是音乐剧演员必不可少的一部分。
唱功是指演员的声音技巧和发声能力。
一个出色的音乐剧演员需要具备清晰、准确、有力的嗓音，以及广泛的音域。
为了达到这样的要求，演员需要进行系统的声乐训练。
声乐训练包括呼吸控制、发声技巧和声音共鸣等方面的训练。
呼吸控制是唱功训练的基础，演员需要学会正确地利用腹式呼吸来支持声音的发出。
发声技巧包括喉头的放松和喉咙肌肉的控制，以及发音的准确和清晰。
声音共鸣是指将声音传达到整个身体，使声音更加饱满和有力。
演员可以通过声乐练习和唱歌来提高唱功，例如练习音阶、发声练习和唱段的反复排练等。
除了唱功训练，音乐剧演员还需要掌握一些演唱技巧。
演唱技巧包括演唱表情、音色调节和音乐感等方面。
在音乐剧中，演员需要通过歌唱来表达角色的情感和内心世界，因此演唱表情非常重要。
演员需要学会运用面部表情、眼神和身体语言来传达歌曲的情感。
音色调节是指演员根据不同角色和歌曲的要求，调整自己的音色和嗓音特点。
不同的角色和歌曲可能需要不同的音色，有时需要柔和温暖的音色，有时需要高亢激昂的音色。
演员需要灵活运用自己的音色，以达到最佳的表演效果。
此外，音乐感也是音乐剧演员必备的技能之一。
音乐感是指演员对音乐的理解和掌握能力。
演员需要能够准确地把握歌曲的节奏、音调和情感变化，并与其他演员和乐队保持良好的配合。
音乐剧是一种集体艺术形式，演员需要与其他演员和音乐家紧密合作，共同创造出完美的音乐剧舞台。
除了唱功训练和演唱技巧，音乐剧演员还需要注重形体训练和舞蹈技巧的提高。
音乐剧是一种综合性的艺术形式，演员需要具备良好的形体素质和舞蹈能力。
形体训练可以帮助演员提高身体的柔韧性和力量，使他们能够更好地表现角色的动作和姿态。
音乐剧课堂中对于学生声音塑造能力的培养
音乐剧课堂中对于学生声音塑造能力的培养摘要：音乐剧作为一种复杂的艺术形式，需要演员具备良好的歌唱、舞蹈和表演技巧，这其中歌唱技巧的重要性不言而喻。
本文探讨了音乐剧唱法教学中的三大主要唱法Belting唱法、Mix唱法、Legit唱法及其在课堂中的应用。
按照具体的唱法特点，针对不同剧目角色的要求进行具体的唱法训练和应用。
同时，也介绍了在音乐剧唱法教学中需要注意的问题，例如学生保护喉部健康，注重综合素质的培养等。
本文旨在为音乐剧教师提供一些切实可行的教学方法和思路，以提升音乐剧教学的实践效果。
关键词：音乐剧、唱法教学、Belting唱法、Mix唱法、Legit唱法、课堂应用一、引言音乐剧作为一种复杂的艺术形式，需要演员具备良好的唱、舞、表演和演技等多方面的综合素质。
在众多的演员技能中，唱歌技巧显得尤为重要。
音乐剧中的歌唱既要有高超的技巧处理，又要有强大的感染力和情感表现。
因此，音乐剧唱法的教学和应用尤为关键。
当前音乐剧作为一种非常受欢迎的文化艺术形式，已经成为许多学校和大学中的热门课程。
音乐剧唱法教学已成为音乐剧教育中比较重要的一环。
唱法的教学内容一般包括Belting唱法、Mix唱法和Legit唱法。
Belting唱法主要是通过强大的共鸣声音和音乐力度，唱出情感的高潮部分；Mix唱法结合了Belting 唱法和Legit唱法的特点，平衡了不同音域的音质；Legit唱法则适用于高音域和它的深层次表现。
本文主要研究音乐剧唱法教学的三个主要唱法Belting唱法、Mix唱法和Legit唱法，针对不同剧目角色的要求，分析其在唱法训练中的重点和难点，并提出具体的应用方法，以期为音乐剧教师提供一些借鉴意义的教育思路和方法。
二、Belting唱法Belting唱法是一种广泛应用于音乐剧中的唱法，其特点是强大的共鸣，高音部分按照剧本的需要可以非常强烈，适合表达激烈的情感和高潮部分的表现。
在Belting唱法的训练中，学生需要注意唱歌时的饱满感和音乐力度，同时还要注意控制喉部的压力和调节呼吸，不仅需要掌握技巧，更需要注意声带和喉部的健康。
音乐剧的演唱音质演变、定义、指导(二)
并不像古典声音训练已经拥有悠久 立的演唱与说话声音的训练体系。
Hale Waihona Puke 历史。洛维特里（LoVetri）说，“功 这个体系被称为“用于培养和完善
能训练是一种技术，它能让歌手在 声音技巧的一套既理性又优雅的体
不牺牲自由度或真实性的情况下， 系”（本森 Benson，E.a.，2017 年，
逐渐发展对任何歌唱声音的机械控 第 112 页），有清晰的解剖语言来
6、屏住呼吸的感觉增加；
7、下颌和喉外肌活动增强； 8、舌骨尽可能向前展；
音乐剧《魔法坏女巫》剧照
9、喉位较高，但歌手应该有调节 国，却缺少 belt 的训练体系。然而 引入，这种技巧在音乐剧中开始变
喉位高或低的能力；
legit 是大多数声乐教学的基础，却 得明显起来。麦克风为 belt 这种接
10、会厌处于较水平位置，室腔空 只占 5% 的面试需求，这说明声乐 近说话的音质能唱的更高提供了新
（ 博 伊 德 Boyd，2010， 第 113- 有良好的力量平衡，才能在高音区
发出像说话般的音质。通常可以看 到“歌手的嘴张得很大，下巴垂得 很低……颈部肌肉放松，头部保持 向上的方向……腹肌的呼吸压力很 强。”（哈里森 Harrison，奥布莱 恩 O'Bryan，2014 年，第 64 页）。 这种口型可以被称为“发散”形状， 研究人员认为是 belt 或 mixed belt 的形状（Ness，私下交谈）。
埃尔法巴是 belting 角色，大部分 mix ？它是声带运动的混合体，既
唱段都在舒适的中声区，声音像一 有 活 跃 的 环 甲 肌（cricothyroid，
个正常的少女。但歌曲“我不是那 CT） 运 动 ——legit 音 质 基 础， 又
音乐剧舞台表演歌唱声音表述的三大品质分析
音乐剧舞台表演歌唱声音表述的三大品质分析音乐剧舞台表演歌唱声音是整个演出的核心，而歌唱声音的表述则是影响观众感受和评价的重要因素。
为了让观众能够更好地体验音乐剧舞台表演，演员在表演中需具备三大品质——力度、情感和技巧，下面将分别对这三大品质进行分析。
第一，力度。
力度是指歌唱声音的音量和强度，音乐剧舞台表演中，演员需要根据场景的需要调整歌唱声音的力度，以传达出角色的情感和内心世界。
在一些激烈的场景中，如挣扎、奋斗、悲伤等，演员需要发挥出足够的力度，让观众能够听到并感受到他们内心的冲突和矛盾。
而在一些温柔、柔情的场景中，演员则需要控制声音的力度，让观众感受到角色的温柔和细腻。
所以，力度是音乐剧舞台表演歌唱声音中的重要品质，演员需要根据角色和情境的需求灵活调整，以求达到最佳的表现效果。
第二，情感。
情感是音乐剧舞台表演歌唱声音的灵魂，也是观众最为关注的部分。
在音乐剧中，演员需要通过歌唱声音来表达角色的情感，包括欢乐、悲伤、愤怒、爱恨等各种情感。
这要求演员具备丰富的情感表达能力，并且能够通过声音将情感传递给观众。
在《悲惨世界》中，主角让•瓦勒简的歌声中充满了对生活的无奈和对爱情的渴望，而这种情感也通过她的歌声深深地触动了观众。
情感是音乐剧舞台表演歌唱声音中必不可少的品质，演员需要通过声音来表达角色内心的情感，让观众产生共鸣。
技巧。
技巧是音乐剧舞台表演歌唱声音中最为基础也是最为重要的品质，它包括音准、音色、音域、气息等多方面的要素。
音乐剧中的歌曲往往旋律复杂，情感表达深刻，因此演员需要具备扎实的声乐技巧才能完美演绎。
音乐剧《歌剧魅影》中的主角埃里克需要具备非常高的音域和技巧才能演唱出那些高难度的音乐曲目。
技巧是演员必备的品质，只有通过扎实的声乐技巧才能演绎出观众满意的音乐剧舞台表演歌唱声音。
音乐剧舞台表演歌唱声音的品质有力度、情感和技巧三大方面。
力度能够展现出角色的内心挣扎和情感激荡，情感能够让观众与角色产生共鸣，技巧则是演员的基础，确保他们能够完美演绎音乐剧中复杂的曲目。
歌剧独唱部分 -回复
歌剧独唱部分-回复歌剧独唱部分（Aria）是歌剧演唱中的最高潮之一。
这段时间，歌剧演员将以最高的技巧和情感表现，让观众感受到角色内心的冲突、欢乐或痛苦。
每一次独唱都是歌剧演员用声音和情感的交融，向观众展示自己的艺术才华和对角色的深度理解。
在本文中，我们将一步一步回答关于歌剧独唱部分的问题。
一、什么是歌剧独唱部分？歌剧独唱部分（Aria）是歌剧中角色的独唱段落。
它们通常出现在戏剧性高潮、角色的决定或自我反思时。
演员通常会在这段时间内展示自己的演唱技巧和表达能力，通过声音和情感的表达来诠释角色的内心世界。
二、歌剧独唱部分的重要性是什么？歌剧独唱部分是歌剧演员展示自己技巧和艺术才华的舞台。
通过独唱部分，演员可以向观众展示他们对角色的深度理解，以及他们对音乐和情感的掌控能力。
这段时间里，演员可以用声音和情感的表达来传递角色的内心世界，让观众更好地理解和共情。
独唱部分也可以成为整个歌剧演出中的亮点，让观众记住演员的表演和角色的形象。
三、如何准备歌剧独唱部分？准备歌剧独唱部分需要演员全身心的投入和大量的练习。
首先，演员需要研读剧本，深入理解角色的内心世界和情感变化。
他们需要了解角色在独唱部分中所表达的情感和信息，并用音乐和表演来传递这些意图。
其次，演员需要针对独唱部分进行声音和演唱技巧的训练。
他们需要有一个良好的音乐基础，并花时间学习和掌握角色所唱的曲调和技巧要求。
演员还需要通过练习来提高他们的音域、气息控制、发音和表达能力。
此外，演员还需要进行角色的身体表演训练。
他们需要思考和发展角色在独唱部分中的动作、面部表情和姿势，以使演唱更加真实和情感饱满。
最后，演员需要进行反复排练，将声音、表情和动作无缝地结合在一起。
他们需要通过反复尝试和调整来找到最佳表演效果，并磨练演唱的细节。
四、歌唱技巧是如何应用到歌剧独唱部分中的？歌唱技巧在歌剧独唱部分中起着至关重要的作用。
演员需要运用良好的发声技巧来保持声音的稳定和质量。
里盖蒂《第二弦乐四重奏》中的节奏形态
里盖蒂《第二弦乐四重奏》中的节奏形态（原创实用版）目录1.里盖蒂的《第二弦乐四重奏》简介2.节奏形态在音乐中的重要性3.《第二弦乐四重奏》中的节奏形态特点4.作品中的节奏形态对音乐表达的影响5.总结正文一、里盖蒂的《第二弦乐四重奏》简介里盖蒂（Gyrgy Ligeti）是一位匈牙利出生的作曲家，他的音乐作品具有极高的创新性和独特性。
在他的众多作品中，弦乐四重奏系列备受瞩目。
其中，《第二弦乐四重奏》创作于 1968 年，是里盖蒂的代表作之一。
这部作品突破了传统弦乐四重奏的框架，运用了独特的音乐语言和技巧，展现了里盖蒂对音乐的深刻理解和创造力。
二、节奏形态在音乐中的重要性节奏是音乐的基本要素之一，它是音乐的骨架，决定了音乐的动感和韵律感。
在音乐作品中，节奏形态是指音乐节奏的组织方式，包括节奏的快慢、强弱、规律性等。
节奏形态在音乐中具有重要地位，它能够塑造音乐的性格、氛围和情感，同时也能够影响听众的情绪和感知。
三、《第二弦乐四重奏》中的节奏形态特点《第二弦乐四重奏》中的节奏形态具有以下特点：1.不规律性：作品中的节奏很少有规律的节奏重复，而是采用了错综复杂的节奏形态。
这种不规律性使得音乐更具动态变化和紧张感。
2.强调节奏的对比：里盖蒂在作品中运用了不同的节奏形态，以强调节奏的对比。
例如，快速的音符与慢速的音符相互交织，强烈的节奏与柔和的节奏相互对比，形成了丰富的节奏层次。
3.节奏的密集与疏松：《第二弦乐四重奏》中的节奏形态具有密集与疏松的变化。
在某些段落中，音符紧密相连，形成密集的节奏纹理；而在其他段落中，音符之间则较为疏松，节奏更为宽松。
四、作品中的节奏形态对音乐表达的影响《第二弦乐四重奏》中的节奏形态对音乐表达产生了重要影响。
首先，里盖蒂通过独特的节奏形态塑造了作品的个性和风格。
其次，节奏形态的变化丰富了音乐的情感和表现力，使作品更具张力和动态感。
最后，节奏形态的对比与变化也为演奏者提供了更多的表现空间，使作品具有更高的艺术价值。
浅谈芭蕾舞剧《吉赛尔》
学号：****** 2015届学士学位论文论文题目系别专业年级姓名指导教师（2015年7月）诚信声明本人郑重声明：所呈交的学位论文，是本人在导师的指导下，独立进行研究工作所取得的成果。
除文中已经注明引用的内容外，本论文不含任何其他个人或集体已经发表或撰写过的作品成果。
对本论文的研究做出重要贡献的个人和集体，均已在文中以明确方式标明。
本人完全意识到本声明的法律结果由本人承担。
学位论文作者签名：签字日期：年月日目录摘要： (4)关键词： (4)一、《吉赛尔》的情节设定 (4)二、《吉赛尔》的服装设定 (5)三、《吉赛尔》的音乐设定 (5)四、《吉赛尔》的舞蹈动作 (6)五、结束语 (7)参考文献： (7)致谢 (7)浅谈芭蕾舞剧《吉赛尔》摘要：《吉赛尔》是芭蕾史上具有极其重要影响的一部作品，其具有浓厚的浪漫主义色彩，被称为了浪漫主义芭蕾舞代表作。
《吉赛尔》作为人类不可多得的文化，对后人具有极其深远的意义，全球各国对于这部浪漫主义芭蕾舞剧的认识也有所差异，但是都对其给予了很高的评价。
本文就主要从《吉赛尔》的情节、服装、音乐、舞蹈动作四个方面来简单的探讨《吉赛尔》芭蕾舞剧的浪漫主义色彩，以为相关人士提供参考。
关键词：吉赛尔；芭蕾；浪漫主义；影响一、《吉赛尔》的情节设定从《吉赛尔》整个情节设定来看，主要围绕的是吉赛尔少女的爱情故事展开：美丽善良的吉赛尔是一个普通的农家少女，护林人汉斯一直在追求吉赛尔，但是吉赛尔并不喜欢汉斯，并拒绝了汉斯的求爱，一日乔装为普通农夫的伯爵阿尔伯特来到吉赛尔所在村里游玩，吉赛尔和阿尔伯特迅速的爱上了对方，与此同时，科特兰公爵和他的女儿打猎也来到吉赛尔村庄，吉赛尔热情的接待了科特兰公爵一行人，科特兰公爵为了报答这个善良的女孩赠予了她一串美丽的项链，当汉斯揭穿了阿尔伯特的身份之后，吉赛尔仍然义无反顾的宣布爱上了阿尔伯特，但是同时科特兰公爵的女儿却出示了和阿尔伯特订婚戒指，受到打击的吉赛尔丢掉了科特兰公爵赠予的项链并发疯而死，此为第一幕结束。
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音乐剧演唱中Legit唱法之解读
作者：高虹
来源：《艺术评鉴》2018年第11期
摘要：由于音乐剧的风格较多样化，所以在音乐剧的演唱中涉及到的唱法和技巧也具有多样化的特点，比如Legit唱法、Belt唱法、流行唱法、摇滚唱法、爵士唱法等。
其中，目前被我们的音乐剧专业学生运用较广，且在理解上存在一定偏颇的唱法就是Legit唱法。
本文从Legit唱法的定义、分类、由来以及实例运用等出发，将对这一唱法进行解读，希望能对音乐剧专业的学生和音乐剧爱好者在音乐剧的演唱上有所帮助。
关键词：Legit唱法音乐剧演唱
中图分类号：J616.2 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2018）11-0049-03
一、Legit唱法的定义及分类
Legit是单词legitimate的缩写，其字面意思是“正统（戏）剧”。
顾名思义，我们会把它和正统的歌剧联系到一起，所以在音乐剧的演唱中它成为了古典式唱法的代名词。
Legit唱法可以分为两类：一类是传统的Legit唱法，一类是现代的Legit唱法。
传统的Legit唱法具有古典唱法（通俗来讲，也就是我们通常概念化的美声唱法）的所有特性，比如饱满的元音，良好的共鸣，顺畅的声区转换等；而现代派的Legit唱法则是以头声为主，更加强调“说话”的导向。
相较于传统的Legit唱法，现代的Legit唱法运用的共鸣较小，音色会更加明亮。
二、Legit 唱法的由来
追溯音乐剧的起源，要从19世纪的轻歌剧说起。
轻歌剧具有短小轻快、娱乐性强的特点，很容易被大众所接受，而音乐剧正是由这种小歌剧演变发展而来的，所以在很多早期的音乐剧作品中，演员的演唱仍采用了这种轻歌剧式的唱腔。
随着音乐剧风格的演变和发展，我们把这种类似于轻歌剧式的唱法在音乐剧演唱中都统称为Legit唱法。
说到Legit唱法，我们自然就会想到一对黄金搭档，也是音乐剧场的祖师爷级人物——奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）和理查·罗杰斯（Richard Rodgers）。
在他们的很多作品当中都能听到这样的唱法，即上文提到的传统的Legit唱法，比如《旋转木马》《音乐之声》《南太平洋》等，所以很多时候我们会把这两位祖师爷的作品自然归类到Legit唱法中。
随着时代的进步与发展，音乐剧场也发生了变化，越来越多的电子科技设备被运用其中，演员开始借助麦克风这一扩音设备来演唱，不再需要纯粹地用身体当共鸣腔。
演员的演唱技巧也在传统的Legit唱法的基础上做出了调整，衍生出了更加现代的Legit唱法，通俗一点讲，也就是我们所谓的流行与古典相结合的唱法。
这一唱法的代表人物则是近代著名的英国音乐剧作
曲大师安德鲁·劳埃德·韦伯（Andrew Lloyd Webber），他创作的很多音乐剧作品都采用了这一唱法，其中《歌剧魅影》是比较典型的代表作品。
三、Legit 唱法的实例运用
在音乐剧作品中，Legit唱法对于男女声都有涉及。
为了让这一唱法的概念和运用更加直观具体，本文将从两种Legit唱法的角度分别列举男女声所涉及到的一些具体曲目。
（一）传统的Legit唱法
女声曲目如：Shirley Jones在《旋转木马》中的唱段“If I Loved You”和“What's the use of Wonderin”；《音乐之声》中修道院院长的唱段“Climb Every Moutain”；还有Marion Bell在《南海天堂》中唱的“Waiting For My Dearie”。
男声曲目如：Ezio Pinza在《南太平洋》中的唱段“Some Enchanted Evening”；Brian Stokes Mitchell在《堂吉诃德》中所唱的“The Impossible Dream”。
（二）现代式的Legit唱法
女声曲目如：Sarah Brightman在《歌剧魅影》中的唱段“Think of Me”；在《歌剧魅影》的续集《真爱不死》（Love Never Dies）中女主角Sierra Marjory Boggess依然运用了此种唱法，其中的主题曲“Love Never Dies”可以说也是现代式Legit唱法的典型代表作之一；此外，还有Audra McDonald在《另一个富兰克林》中所唱的“I Won't Mind”。
男声曲目如：John Hickok在《小妇人》中的唱段“How I Am”；Stephen Lee Anderson在《浑身是劲》（Footloose）中的唱段“I Confess”。
从上面的曲目，不难听出两种Legit唱法的差别，但在如今的百老汇，几乎很少能听到完全的传统Legit唱法了。
以上的例举只是为了能够和现代式的Legit唱法做一比较，使之更加清楚明了。
四、关于Legit唱法在理解和运用上存在的误区
现代式的Legit唱法，被很多国内的音乐剧从业者称为“美通唱法”，这样的理解也没有问题，因为它确实是古典与通俗相结合的一种唱法。
但问题在于，很多音乐剧专业的学生，甚至是音乐剧从业者都会片面地给音乐剧唱法下一定论：音乐剧唱法就是美通唱法，换句话说，Legit唱法被片面地定论为音乐剧唱法。
在前文中作者提到音乐剧的唱法是非常多样化的，除了Legit唱法，还有Belt唱法、Pop唱法、Rock唱法和Jazz唱法等，每一种唱法都是和音乐剧本身的风格联系在一起的。
唱法不同，演唱技巧自然也会有所差别。
在此涉及到另外一个问题，音乐剧教育在我国起步较晚，可以说目前尚处在摸索阶段，所以我们在专业的师资方面也相对匮乏，很多音乐剧声乐教师并未接受过专业的音乐剧学习或训练，而是古典声乐专业出身，本着“音乐剧唱法就是美通唱法”的原则，在训练学生时发声方法采用的都是美声唱法的训练方式。
美声唱法几百年的历史，其科学性毋庸置疑，但如果在演唱音乐剧时不管哪种风格都采用这一种发声方法，那绝对是不可取的。
比如Belt唱法以胸声为主，而美声唱法则以混声为主；Pop唱法的发音更靠前，相对更自然，而美声唱法的发音则追求管道圆润的感觉……每一种唱法在技术上都会有所调整。
所以，只有在演唱美通风格的音乐剧作品时，这种Legit唱法才适用，而在别的风格中，这种唱法是绝对不能胜任的。
如果我们的学生得不到正确的指导，其结果就是一个音乐剧专业的学生却只会一种唱法，Legit唱法，也只能演唱一种风格的音乐剧，即美通风格的音乐剧。
如果是这样，那我们的音乐剧教育就是失败的。
五、Legit唱法在百老汇的新趋势
如今提到Legit唱法，人们更多地是把它和百老汇黄金时期（1943-1964）的音乐剧联系在一起，在某种程度上它也成为了那一时期音乐剧唱法的象征词。
那么有的人会有这样一个疑问：百老汇当今的Legit唱法和六十多年前的Legit唱法还一样吗？一部分人的回答是肯定的，而另一部分人的回答却是否定的。
对于这个问题究竟是怎么样的，卡司录音能给我们最好的答案。
比如说黄金时期属于legit唱法的音乐剧有《音乐人》《吻我，凯特》，当今百老汇属于legit唱法的音乐剧有《晴光翡冷翠》《爱与谋杀的绅士指南》等，从这些剧的卡司录音中我们能听出后两个剧的演员在声音和唱法上与前两个剧的演员相比的确产生了变化，其中的变化包括咬字，发音，共鸣等，如果用一句话来概括就是后两个剧演员的演唱相比前两个剧的演员来说更多地运用了“说话”式的唱腔。
包括百老汇当下的一些黄金时期音乐剧的复排版也有这样的现象，同一部音乐剧现在的演员和过去的演员相比在唱法上也会有同样的变化。
我们不去评判过去的Legit唱法和现在的Legit唱法孰优孰劣，但这样的趋势也许会影响到音乐剧演员的训练，也值得引起我们这些音乐剧声乐教育者们的注意和思考，毕竟教学的方式方法也要随时适应市场发展的潮流而改变。
六、结语
通过以上对音乐剧演唱中Legit唱法的解读，希望大家能对这种唱法有新的认识，不再将这种“美通唱法”通用于所有的音乐剧中，也不再用古典唱法的技术和评判标准来衡量音乐剧的演唱。
Legit唱法在音乐剧演唱中虽不是唯一的唱法，但却是每一位音乐剧专业的学生必学的唱法，因为这种唱法具有古典唱法的特征，在演唱技术上相对而言较为规范，所以尤其对于初入门的音乐剧学生来说，学习是很有必要的。
从技术层面来讲，Legit唱法作为打基础的训练素材，也是非常好的选择。
通过对这一唱法的解读，也希望我们的学生能够用科学合理的方法去学习音乐剧的演唱，并不断坚实自己的演唱功底，最终成为一名具有多变性演唱能力的优秀的音乐剧演员。
参考文献：
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[4]智艳.关于“音乐剧唱法”的几点质疑[J].歌唱艺术，2011，（12）.。