西方美术史论文 (2)

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外国美术史结课论文

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外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度,在这一时期,意大利的雕塑艺术显得比较突出。

我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例,说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。

我作为一名学雕塑的学生,我不敢说我对雕塑有多么独特的见解,我的理解可能很肤浅,但这仅仅是我个人的见解。

在文艺复兴早期,主要的雕塑代表是多纳泰罗,多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物,曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑,但他并不一味地模仿,而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。

他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。

他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。

多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式,向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。

在他的手下,这位圣经人物不再是概念性的象征,而是一个活灵活现、有血有肉的生命。

着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品,在黑暗的中世纪已经消失,所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世,实在是惊世骇俗之举。

裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来,开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河,奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。

他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。

《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准;它的姿态遵守“重心转移”的造型规律,显得放松而自然。

《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态,他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。

这种对人类自身价值的发现和认识,正是文艺复兴的根本精神。

自多纳泰罗之后,主要的雕塑家是米开朗基罗。

米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰,他创作的人物雕像雄伟健壮,气魄宏大,充满了无穷的力量。

他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响,常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想,表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。

西方美术鉴赏论文.

西方美术鉴赏论文.

《西方美术鉴赏》论文学院:南信院专业班级 : 模具设计与制造姓名:许鸿旭学号:21261P40毕加索——当代西方最有创造性的艺术家巴勃罗·毕加索(Pablo Picasso,1881~1973)出生在西班牙马拉加(Malaga),是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。

毕加索也是位多产画家,据统计,他的作品总计近 37000 件,包括:油画 1885 幅,素描 7089 幅,版画 20000 幅,平版画 6121幅。

跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同,毕加索的一生辉煌之至,他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。

在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中,他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。

毕加索的一生辉煌之至,他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。

问起他创作的秘诀时,毕加索说:“我的每一幅画中都装有我的血,这就是我的画的含义。

”多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后,就不再改变了,特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。

随着艺术家的年岁增长,他们的绘画虽然也在变,可是变化不会很大了。

而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家,千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。

毕加索一生中画法和风格几经变化。

也许是对人世无常的敏感与早熟,加上家境不佳,毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁,早期画近似表现派的主题。

在求学期间,毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题,而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。

德加的柔和的色调,与罗特列克所追逐的上流社会的题材,也是毕加索早年学习的对象。

蓝色时期1900年毕加索来到巴黎,并在1904年定居在那里。

这期间他的创作被称为“蓝色时期”,是他第一次形成自己的风格。

这个时期的作品背景蓝,人物蓝,头发、眉毛、眼睛皆蓝,蓝色主宰了他的作品。

论西方美术发展史

论西方美术发展史

论西方美术发展史摘要:西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术,直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程.关键词发展,雕塑,画派,美术,艺术西方美术发展过程在我看来就是一个人的发展过程,从天真到成熟,西方的美术发展就是一个从浑朴天真的原始艺术,直至令人眼花缭乱的后现代艺术的发展过程。

石器时代开始,西方就出现了许多雕塑和洞穴岩画,那个时候的人们进行岩画创造和雕塑都是出自本能,并不是想为了出名或者赚钱,他们画岩画,做雕塑,记录下来的信息都是表达内心的渴望或者崇拜某个东西,艺术本来就是起源于人类最根本的原始需求,比如岩画上的画,好多都是画的捕猎图,那个时候食物少,人为了生存只能冒着生命危险去捕杀野生动物,杀了动物就有食物吃,就能生存下来,所以那个时候的人们都崇拜捕猎这种行为,也渴望它,而当有了崇拜和渴望后,人们就会把内心的想法表达出来,岩画、雕塑等都是一种表达方式。

在新石器时代晚期,欧洲出现了巨石文化,最著名的可能就是英国的巨石阵,按现在的理论来说,这个巨石阵是古代祭祀的地方,算是一种宗教性质的建筑,那个时候的人们建造这些就是来祭祀神明,而现在的人们总是带着一些艺术的眼光去看它,其实违背了它最真实最原始的意义。

当西方美术发展到古希腊、罗马时代时,它的表现方法和意义也发生了很大的变化,古希腊的雕塑很多都是健壮的男子,古希腊人崇尚强壮的美,也觉得人神同相,也就是说人的样子就跟神明的样子差不多,于是这些雕塑家们在创造时就不是单纯的艺术创造了,可以说是生活的一部分了。

在古希腊,体育比赛优胜者,人们会为他塑雕像,算是给他的一种奖励和赏识,所以说,那个时候的美术(准确来说应该是雕塑)是源自生活,是人们对他们的偶像或者神明的崇拜,这跟石器时代还是有些相似的。

如果说前面两个时代的美术还是纯真的,源自最朴实的需求的话,那么从中世纪的美术开始,美术就慢慢开始被增添了别的味道和颜色。

说起中世纪美术,不得不提的就是拜占庭美术,拜占庭美术其实就是一种纯粹的宗教美术,它的很多内容和题材都出自于圣经,其形式和人物表情处理都须遵循具有神学意义的传统模式,这就已经很大程度上的不同于石器时代和古希腊、罗马时期的美术了。

西方美术史结业论文西方美术史结业论文

西方美术史结业论文西方美术史结业论文

西方美术史结业论文主题:偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要:一个学期的美术之旅即将结束,通过课上老师的介绍和课后的资料查找,让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。

他的风景画给人一种浑厚的力量,雄伟的气势,闪烁的光影,让我深深着迷。

关键词:黄色基督→保罗·高更→后映像派→后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束,通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集,让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。

我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期,直至欧洲十九世纪的美术,不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》,还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》,也不是价值连城的《维纳斯的诞生》,也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。

或许它们不是最伟大的作品,但总能显示出一种浑厚的力量,雄伟的气势,闪烁的光影,让我深深着迷,倘佯在后印象派的美丽长河之中,让我们一起来走进这个传奇的世界。

一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午,或许因为一天的学习让人感到有些疲倦,又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。

懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。

直到出现,浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。

简介油画《黄色基督》,以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型,反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。

整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。

田野、天空及十字架的道道条状的形,与妇女及树木图像圆转起伏的曲线,产生鲜明对比;那平直延展的形,与圆曲封闭的形,形成强烈的对照。

所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。

外国美术史论文

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文艺复兴时期中西艺术的差异——以中国山水画与西方风景画为例文艺复兴以后,西方艺术发展进入新阶段,与同时期的中国艺术形成了许多差异,以该时期的中国山水画与西方风景画为例,二者虽然都是对自然的描绘,但在空间处理、写景的系统、是写实还是写意等方面二者都存在差异。

在空间处理方面,文艺复兴时期透视法的发明,使西方画家能在平面上更真实的展现三度空间,最求画面的真实性,而透视法的出现离不开文艺复兴时期科学技术的进步。

而同时期处在明朝的中国山水画在空间处理中采取了“三远”的表现方式,既高远、深远、平远,也就是指仰视、俯视和平视,所以中国山水画是在运动中观察的自然,从多角度看而不同,不受视点的约束。

从空间处理方面中我们就可以看出文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的一个大不同,就是对写实和写意的侧重点不同。

明朝中国山水画继承了中国传统山水画,对景的描绘是画家主观感情和意识出发描绘的自然,寄托着作者的精神和气韵,对自然的描述追求的更多是神似,而不是形似,但也不是完全抛弃形似,只是不用特别拘泥于形似。

而西方的风景画注重风景的真实性,在总体上对风景的描述都是偏向形似,但也不是代表其风景画没有写意的部分,只是在这个时期中对景的绘画依旧注重完全的复刻和比例的合理性。

而从中我们便也可以看出该时期中国艺术体系属于写意体系,西方艺术体系属于写实体系。

在重视程度上,文艺复兴时期的西方风景画并没有形成一个独立的体系,他们更多是在宗教的主题下的风景,该时期更多的依旧是人物画。

这与欧洲画注重人物画的历史有关,文艺复兴重视人的价值,风景只是人物的从属,往往画家们更多学习到的是描绘人物的技能。

而明朝时期的山水画在画坛上地位较高,较为成熟,有独立的系统,在中国传统中讲究人与自然的和谐共处,山水和人是共同重要的,而在中国传统封建社会中文人的抑郁不得志使其往往寄情与山水之中,这些都使山水画在中国成为体系,有较为重要的地位。

从文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的差异可以看出,该时期中国艺术是属于写意的艺术,而西方艺术是属于写实的艺术;该时期中国艺术中人与自然往往是和谐共处的,而西方艺术重视人的地位。

外国美术鉴赏论文

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西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴,人们总会先联想到中世纪,因为它们是两个完全不同的伟大时代,也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。

中世纪是欧洲的封建社会时期,欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的,基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱,在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。

教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰,产生了庞杂而严密的经院哲学。

所以,中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。

文艺复兴的思想基础是以人为本,要求文学艺术表现人的思想和感情,要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来,提倡个性自由,反对人身依附。

人类的文学艺术发展到今天,经历了不同的阶段,每一个阶段都有自己的价值,其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的,但进程是曲折的。

从中世纪到文艺复兴,经过了一个复杂的酝酿阶段,它们之间有着承前启后的内在联系。

中世纪后期,理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。

这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣,在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。

黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾,这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。

自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现,成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。

一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式,称为“巴西利卡式”教堂。

教堂正面不失沉重感,屋顶是用木头做的,重要部分是由三个或五个长廊组成的空间,每个长廊之间用柱子隔开,中间的长廊比周围的宽而高,并有窗户照明,周围处于昏暗状态。

长廊的一头是入口,另一头是横廊,连接横廊的是一个有列柱的前庭。

走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。

在早期的罗马,有许多“巴西利卡式”教堂,在这些“巴西利卡式”的基督教堂里,最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。

基督教极大地发挥了镶嵌艺术。

西方经典美术作品赏析论文

西方经典美术作品赏析论文

西方经典美术作品赏析论文我深信,只有高度的文化建设,才能造成现代强盛的民族和国家,对美和艺术的理解,是文化修养的一个重要部分,而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术,包括了解一些艺术史,经验证明:人们对于美的鉴赏和理解力,是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。

西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。

对西方数千年艺术发展概况的解读,体验到西方艺术的源远流长,博大精深,领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀,有身临其境的感受,深入艺术的现场,感悟艺术之趣、历史之真,知性之美。

从这本书中,学有所获,常有所思,偶有所悟,其乐融融。

西方美术发展的精神基点,始于与自身的认识上。

“美术”一词,在西方指非功利主义的礼堂艺术,或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。

艺术是人们把握现实,表达思想感情和审美理想的特殊方式。

纵观整个西方美术的发展历程和存在状态,由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响,使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

西方美术的真正起点在希腊。

尽览西方美术发展的线索,有过三次高峰时期。

第一,古希腊古罗马时期;第二次,文艺复兴时期;第三次,19世纪。

对于文艺复兴,在我学这门课以前的记忆里,留下足迹的仅仅是文学作品,远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。

到此刻才了解到艺术的无垠天地。

历史的继承性是艺术发展的普遍规律,革新是艺术发展的必然规律。

中世纪是基督教统治西方的一千年,人们的思想,生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。

这个时期的人们缺乏创造力,缺乏自主思想,只为了上天国而活着,而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。

文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础,恩格斯说:“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。

”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言,只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。

文艺复兴的艺术文化,是人类无与伦比的不朽的珍品。

而近代先进的艺术文化,是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生,成长起来的。

中外美术史论文

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文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级:10建工3班学号:1001080310姓名:邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品,展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。

【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始,经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派,历时六百余年的发展,展示出一条“以人为本”的演进轨迹,并以此为核心,呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。

整体而言,西方绘画作为人类文化的重要部分,它是对世界文明的一种解释,是对社会发展的一种记录,它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。

在此,我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品,展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。

文艺复兴时期的绘画,大致可分为早期和兴盛时期两个部分。

早期文艺复兴绘画兴起于意大利。

在13世纪后半期,意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向,从15世纪开始,意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段,弗罗伦萨仍是最大中心。

以波提切利为代表,人才辈出,从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统,绘画风格雄伟秀丽各有所重,呈现百花齐放、美不胜收的局面。

注重空间透视表现和任务坚实造型,以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。

威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。

15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。

已处于磨难之际,而整个16世纪初的威尼斯,却保持着宗教的自由和社会的祥和,这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。

自15世纪至16世纪,文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。

西方美术欣赏鉴赏相关论文

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西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程,对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。

下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文,供大家参考。

西方美术欣赏相关论文篇一:《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟,基本点在于美,这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。

无论什么形态的美,它必定是包括着人们美好的愿望。

形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间,艺术的创造来源于生活的各个角落,任何东西都有可能成为一件艺术品。

用艺术的眼光来创造工艺品,是人们物质生活和精神生活提高的表现,也是人们喜爱艺术的愿望,艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用,体现了人们的精神面貌。

在西方美术中,注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合,体现了它的科学性。

强调对客观事物的真实再现,描绘自然界中一切事物的真实情况。

严谨的比例,光线的变化,空间以及色彩的表现。

通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究,形成完整的,科学的绘画语言,创造真实的“理想之美”。

“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。

中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。

“礼之用,和为贵。

先王之道,斯为美;小大由之。

有所不行,知和而和,不以礼节之,亦不可行也”(《论语·学而》),“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》),强调抒发主观意志,以主观的思想来控制情感,从美好的一方面来净化内心世界。

塑造理想的人格,从而达到人与社会,人与自然的和谐之美。

通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受,以咏物来寓志,借景抒情,形成中国美术特有的“意境”。

讲求“气韵生动”,不求形似但求“传神”,(明·徐渭)“须得书意,转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之),把主观的情感和客观的景物相融合,通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体,形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。

外国美术史论文

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美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要:现实主义作为绘画的一种艺术思想,具有独特的审美意义和价值。

它以弘扬真、善、美为艺术使命,与时代紧密相连,体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。

现实主义作为艺术创作中的重要方法,是我国多种艺术形式的有机组成部分。

主要是对西方艺术的了解和以及心得。

关键词:现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式,它的基本原则是,强调艺术反映现实社会生活,关注现实人生、社会和自然,认为艺术是对现实的一种审美认识和再现,是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识,并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。

现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质,真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。

作为流派和运动的现实主义油画艺术,是从西方产生和发展而来。

在西方美术史上,主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作,历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。

一般来说,只要真实表现和反映一个时代的精神面貌,我们都可称之为现实主义艺术。

中西文化各有侧重,但中西艺术追求真善美的理想是一致的,由此,油画才有“汇中融西”表现的可能性。

在创作实践上,现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践,在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美,同时,他们不回避丑,对现实中丑恶的现象敢于正视,从而揭示生活的本质和历史的必然。

现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。

在表现手法上,现实主义艺术一般采用写实的方法,注重细节的真实,并通过典型化的手段,揭示社会生活的真理,体现艺术家的思想感情和个性特征,达到艺术之美。

因此,现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。

现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言,真实地再现客观现实生活,反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。

学习西方美术史有感 (2)

学习西方美术史有感 (2)

学习西方美术史有感
学习西方美术史对我来说是一次非常有意义的旅程。

通过学习西方美术史,我深入了解了西方艺术的发展和演变过程,从古代希腊和罗马时期的古典艺术到文艺复兴时期的人文主义艺术再到现代艺术的各种流派和风格,每个阶段都有令人震撼的作品和创作理念。

学习西方美术史让我对艺术创作的深度和广度有了更深的理解。

我学会了审美的视角和批判性思维,通过欣赏和分析各种艺术作品,我能够更好地理解艺术家的创作意图和表达方式。

我也从中学会了欣赏不同风格和时期的艺术作品,从古典到现代,从写实主义到抽象表现主义,每一种风格都有其独特之处。

学习西方美术史还让我对艺术与历史、文化的关系有了更深的认识。

通过研究艺术作品,我能够了解到不同时期的社会、政治、宗教和文化背景,艺术作品往往是时代氛围和思潮的反映。

我也发现艺术对社会和历史的影响力,艺术作品可以引起社会变革和文化转变。

最重要的是,学习西方美术史激发了我的艺术创作灵感。

通过学习西方艺术家的创作方法和创作理念,我能够更好地发展自己的艺术风格和表达方式。

学习西方美术史也让我对艺术的重要性有了更深的认识,艺术不仅可以为人们带来审美享受,还可以传递思想、情感和价值观,为社会带来积极的影响。

总的来说,学习西方美术史是一次非常有意义的学习经历,它拓宽了我的美术视野,培养了我对艺术的欣赏能力和批判思维,同时也激发了我的艺术创作灵感。

我相信通过不断学习和了解艺术史,我能够在艺术道路上不断成长和进步。

外国美术简史论文

外国美术简史论文

1、法国的拉斯科洞窟:特点:1)画家用粗壮简练的黑线勾画出轮廊。

2)用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。

3)气势雄壮,富有动感,充满粗犷的原始气息和野性的生命力。

2、西班牙的阿尔塔米拉洞窟:特点:1)壁画轮廓线比较细,有明暗、粗细浓淡变化。

2)与色彩渲染结合紧密,表现动物身体的结构。

3)明暗起伏更为丰富,富有感情色彩。

3、拉文特岩画:特点:1)表现人类狩猎活动的情节性绘画。

2)以人物、动物的运动和速度为特点,把运动中的形象加以拉长和夸张动作,强调动势。

3)狩猎场面紧张活力。

构图具有浓厚的情节性和生活气息,但忽略细节刻画,用色单纯。

4、巴比伦美术:著名的汉漠拉比法典:法典刻在黑色的玄岩石碑上,上部为浮雕,下部为文字。

5、古代埃及美术特色:1)埃及艺术是为法老和少数贵族服务的,歌颂王权,强调国家的政权和等级制度。

2)宗教对埃及艺术产生影响,艺术是为死者服务的,埃及艺术称为“来世的艺术”。

3)埃及艺术的形式,是壮丽、宏伟、明确、稳定,有严格的规范,又具有写实基础上的美化。

6、金字塔建筑艺术特色:1)金字塔是古王国法老的陵墓。

2)金字塔具有庞大的体积和重量,给人以精神上的压力。

3)金字塔外观匀称、稳定。

它象征了法老的威严和地位,说明了埃及人顽强的意志力。

7、古埃及雕刻程式有:1)姿势必须保持直立,双臂紧靠躯体,正面直对观众:2)根据人物地位的尊卑决定比例的大小:3)人物着重刻画头部,其他部位非常简略;4)面部轮廓写实,又有理想化修饰,表情庄严,感情表现很少;5)雕像着色,眼睛描黑,有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌,以达到逼真的效果。

8、古埃及浮雕和壁画的特点:1)正面律,表现人物头部为正侧面,眼为正面,肩为正面,腰部以下为正侧面;2)横带状排列结构,用水平线划分画面;3)根据人物尊卑安排比例大小和构图位置;4)填充法,画面充实,不留空白;5)固定的色彩程式,男子皮肤多为褐色,女子多为浅褐色和淡黄色,头发为蓝黑色,眼圈为黑色。

西方美术作品欣赏论文

西方美术作品欣赏论文

西方美术作品欣赏论文西方美术作品欣赏——你喜欢西方美术史上的哪个时期,举例并分析原因经过一个学期的西方美术作品欣赏课程的学习,我们大致了解了西方美术史上的各个时期的著名画家及其作品等。

其中我最喜欢的时期是19—20世纪的现实主义时期,因为现实主义时期的艺术作品都非常写实,很生动形象的反映了当时的社会状况和人们的生活情况等。

而现实主义时期的艺术家中,我最喜欢的就是法国的雕塑家罗丹。

罗丹,他是19世纪法国最有影响力的雕塑家,他的主要贡献在于恢复了西方雕塑对人类的理解和对精神世界的表现。

然而,罗丹的一生却总是被人攻击和嘲讽的,但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。

罗丹偏爱悲壮的主题,他善于从残破中发掘出力与美。

这使得他的艺术具备博大精深的品格。

罗丹开创了一个全新的时代,创作了一种全新的艺术手法。

他将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的思索中去,因此,他所塑造的人物都是忍辱负重的,是对现实生活的内涵写照,他的作品都深刻揭示了人类的丰富情感,作品所体现出的思想和精神魅力,永远带给人一种深沉的美,启迪着人们不停地思考。

他的著名作品有很多,如《青铜时代》、《地狱之门》、《吻》、《思想者》等。

其中让我印象最深刻的就是《青铜时代》和《思想者》。

《青铜时代》,它是罗丹依据真实人物塑造出的一个裸露的青年男性的人体雕塑,这个男子的左手微微握拳,右手抓住自己的头发,右腿弯曲着,右脚微微抬起,好像正要迈步的样子;头部微向后仰,眼睛微闭着,看似是睡意朦胧的状态,但身体却十分舒展,好似是即将要从梦中醒来想要伸展全身的样子。

这个雕塑最初被罗丹命名为“被征服者”,后在把雕塑中的棍子取消后才被改名为《青铜时代》,这个名字也重新为雕塑赋予了新的含义,它象征着人类刚刚从原始社会过,从刚刚摆脱了野蛮和蒙昧的状态,逐渐具有了清醒的意识,过渡到具有渡到了启蒙时代文明和智慧的时代。

这尊雕塑被塑造的十分真实,全身的轮廓结构十分均匀,体态非常的自然、生动,身体各处都被雕塑的十分细致,如他臂上的肌肉、四肢的各个关节等,好似就是有这样一个裸露的男子站在你的面前。

西方美术史学习论文(波提切利)

西方美术史学习论文(波提切利)

桑德罗·波提切利:形式之美与精神之美的统一苏莞琴景观一班100494 注意到波提切利是由于被他的名作——《春》所吸引。

远看这幅画,它色彩丰富却又和谐统一,近看时,画中人物恬静、安详而又略带由于的神情更是让人沉醉其中。

再看他其它的画作,发现这样的神情普遍存在于他的化作之中。

也许是因为文艺复兴时期理性的觉醒,人性的复苏,再经由他天才的发挥,便诞生出了这样一批不朽之作。

先从波提切利的生平说起。

他的出生于一个中产阶级家庭,原本学习手艺,之后才师从菲力浦·利皮学习绘画。

受雇于美第奇家族让他在政治上被保护,也使他有机会接触到佛罗伦萨的上流社会和文化名流,看到更加广阔的世界,也催生了他精雕细琢、富丽华美的艺术风格。

然而在美第奇家族被放逐之后,他追随宗教极端主义者萨沃纳罗拉,甚至烧毁自己的画作。

这也许造成了他最终在穷困潦倒中孤独辞世。

波提切利曾对达·芬奇说,画家可以通过把浸有颜料的海绵扔向画板来画风景,因此对景物的细致观察毫无意义。

波提切利没有像镜子一般再现自然,而是对之进行筛选和编辑,由此创造了一个更加完美的乌托邦。

他所注重的不是解剖学所分析出的,人的形体的表现。

波提切利比较注重线描。

他笔下诞生的人物比较平面化,而且人体的比例关系也于实际不同。

他画中的女性们比真实的人更加妩媚多姿,这得益于他的线条,以及他发源于心关于美的想象与表现。

与再现相比,波提切利更注重的是创造,这于文艺复兴时期人性的自觉有关。

同时,波提切利的匠心也让人折服。

不仅在《春》,众神的姿态可以引起人们无尽的联想,在他的其它画作中,波提切利的别具匠心也叫人叹为观止。

比如《诽谤》中,驴耳象征国王的昏庸,只听得进“无知”、“轻信”和“诽谤”对“无辜”的污蔑,华裳包裹着的是“背叛”、“虚伪”和“欺骗”(一说是“妒忌”和“仇恨”),而“真理”是一丝不挂的,显得朴素、自然,却只能无能为力地指向苍天。

这幅画寓意十分深刻。

它告诉人们,人间的一切罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的,统治者听信坏人之言,正直好人总是落难,而面对这一切,真理也是无能为力的,这就是社会现实。

西方美术史论文 (2)

西方美术史论文 (2)

西方美术史——浅析印象派作品及风格本学期选修了近代美术史,由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识,中学初步学习了有关西方美术的知识,当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习,很少涉及对美术作品的鉴赏。

但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣,使我选学了西方美术史。

通过这学期的学习,使我更深的了解了西方美术的博大精深,感受到国外众多画家流派的风格,深刻地感觉到,不能以好看不好看来评价画的好与坏,要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。

首先我想先理顺一下西方美术的发展过程:西方美术在经历了较长时间的原始美术之后,逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术,课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。

雕塑师古希腊艺术的灵魂。

古希腊的雕塑家们对身体结构的认知,对神态的描摹以及对雕刻技术的运用,都达到了炉火纯青的境界。

另外古希腊雕塑具有很强的感染力,比如,雕塑《掷铁饼者》,最初见到这件艺术作品时,我还完全不知道什么是古希腊艺术,但当时依然给我很深的震撼作用,雕塑者给予了这件作品完美的线条,生动的神态,赋予了它神秘的神话色彩,让人一下就置身于这种豪迈的气势中。

而古罗马艺术在建筑上成就很高。

大型建筑物风格雄浑凝重,构图和谐统一,形式多样。

罗马人开拓了新的建筑艺术领域,丰富了建筑艺术手法。

接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约,开始不注重客观世界的真实描写,而强调所谓精神世界的表现。

这一时期建筑艺术高度发展,拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。

十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术,发源于意大利,主要是追求激情和运动感的表现,强调华丽绚烂的装饰性。

十八世纪洛可可风格在法国兴起,其特点是追求华丽纤巧和精致。

期间随着法国资产阶级大革命的到来,先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。

德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。

十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期,期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。

西方美术史-02

西方美术史-02

赏析《维纳斯的诞生》建筑与城市规划学院何有朋 0601404*02【摘要】雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作,这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态,运动员右手握铁饼摆到最高点,全身重心落在右脚上,左脚趾反贴地面,膝部弯曲成钝角,整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。

形体造型是紧张的,然而在整体结构处理上,以及头部的表情上,却给人以沉着平稳的印象,这正是古典主义风格所追求的。

【关键词】雕塑;平稳;运动感作者简介--米伦米隆生于公元前492年,艺术活动于公元前472年到440年间。

他是伊留特拉依人,鲍萨尼亚斯在自己的旅行记中把他当作雅典人,这大概是他长期在雅典工作的缘故。

他对希腊雕塑艺术的发展起到了巨大的推动作用,是他首先赋予了雕像以生动的表现力,也是从他开始,希腊的雕塑艺术进入了一个全新的时期,并一步步走向成熟。

米隆大概在20岁时到阿基列达斯门下学习,而艺术成熟于40岁左右。

他擅长以青铜为材料的雕塑,能巧妙而准确地表现人物在运动中的正确姿态,塑成形神俱真的动物。

传说他为雅典城堡塑造的青铜牡牛雕像,由于乱真而招惹成群的野狼;他雕刻的马,竟引起真马的嘶叫。

可惜的是米隆所有的雕刻原作都没有保存下来,现在所看到的仅仅是后来罗马匠师模制的大理石复制品。

米隆是位大胆进行艺术革新的雕刻家,他勇于探索和表现新而又难的雕刻技法,力图使和谐壮丽与逼真生动合二为一,他善于运用超群的雕刻技巧表现运动中的人体,尤其是对激烈动势中的竞技者的人体均衡与静止的处理有独到之处,这充分表现在他的《掷铁饼者》中。

米隆的雕塑艺术的最大长处是反映迅速变化的运动感,往往能突破时空的局限,抓住雕像动作的关键瞬间,扩大了形象的时空表现力。

一种体育精神和力与美的集合就这样展现在大家面前.米隆善于运用写实的手法创造性地刻划人物在剧烈运动中的动态,他在雕塑中所体现出来的完美的艺术技巧,是许多后世的雕塑家们所望尘莫及的。

他的作品大多是传说中的神、英雄和运动家、动物等,但原作都已遗失,现在我们看到的都是罗马时期的复制品。

中外美术史论文2

中外美术史论文2

论西方美术史简议古希腊与古罗马雕刻艺术姓名徐燕年级班级10227211专业包装艺术设计杭州电子科技大学新闻出版学院二零一一年六月一日摘要在整个西方美术传说中,古希腊雕塑占有十分重要的地位。

西方美术崇尚的典范模式,庄重的艺术品格和严谨的写实精神,可以说都是从古希腊开始的。

古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。

希腊艺术是高贵的单纯,静穆的伟大。

罗马的雕刻艺术是师承希腊的,但与希腊相比又有其特点。

罗马雕刻艺术带有贵族的气息,人物雕刻大多以贵族、帝王为主,人物形象不及希腊生动、秀丽、而更多严竣、矜持的神情,但强调真实和个性。

关键词:古希腊;古罗马;雕刻艺术。

目录摘要 (2)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的关系 (4)1.1 古希腊与古罗马文化上的联系 (4)1.2 古希腊与古罗马的历史关系 (4)二、古希腊与古罗马雕刻艺术的区别 (5)2.1 古希腊雕刻艺术 (5)2.2 古罗马雕刻艺术 (6)2.3两者雕刻艺术区别的总简述 (6)三、古希腊与古罗马雕刻艺术的影响 (7)结语 (8)参考文献 (9)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的联系1.1 古希腊与古罗马文化上的关系对于古希腊与古罗马雕塑艺术的关系,我认为:在西方美术传统中,古希腊和古罗马文化占有十分重要的地位,可以说整个西方雕塑的传统发源于这两大文明。

古希腊是位于伯罗奔尼撒半岛上的希腊城邦的总称,在古希腊兴起的数百年岁月里,古罗马只是意大利半岛中部拉丁平原上,台伯河畔的一个小小的城市。

希腊的艺术、哲学、宗教都极尽辉煌一时。

但是到了罗马崛起之后,这时的古希腊城邦已经逐渐的衰败。

不过罗马人相对贫乏的文化背景使得他们对希腊文化非常仰慕,大量的希腊人被聘为罗马贵族的家庭教师。

大量的希腊戏剧和文学被引入罗马的文化生活。

在当时,古罗马人受过良好教养的表现就是会读写说希腊语。

1.2 古希腊与古罗马的历史关系在公元1世纪,罗马征服希腊,古罗马是古希腊国土的征服者,却被古希腊文化所征服。

美术学毕业论文关于西方美术教育思想的论文

美术学毕业论文关于西方美术教育思想的论文

关于西方美术教育思想的论文一、西方美术基础教育的优势首先,西方的文化思想较崇尚个性化发展,在美术基础教育过程中多采用启发性、引导性的教学方式,不仅为美术基础教育提供了良好的土壤,而且为学生在学习过程中充分发挥想象力和创造力奠定了基础。

其次,西方美术基础教育课程设置较为多样化,注重美术基础教育与其他学科之间的联系,在美术课程中安排创作、设计等课程,有助于提升学生的动手能力及人际关系协调能力,有利于提高学生的审美情趣。

最后,西方美术基础教育在教学过程中,注重以人为本,能够充分保持学生在学习过程中的主体地位,从而使学生能够积极主动地参与课程学习,这不仅提高了学生对美术的学习兴趣,而且能够加深学生对美术基础教育价值的认知。

二、西方美术教育思想对我国美术基础教育基本目标的启示国际间多元文化的相互渗透以及学术交流的日益频繁,在促进我国美术基础教育工作者对艺术深层次理解的同时,也提升了我们对其他国家美术教育思想的接纳程度。

在新的历史形势下,我国美术基础教育工作者应当在借鉴和吸收西方先进美术教育思想的基础上,对我国当前美术基础教育的基本目标进行深刻思考,从而使我国美术教育在与国际化接轨的同时,建构具有本土文化特色的美术教育目标体系。

具体而言,美术基础教育应当从如下三个方面做起:首先,应当改进以往的教学方法和教学理念,使美术基础教育不再是简单的专业知识和技能的传授过程,而要注重学生在学习过程中想象力和创造力的发挥,使学生能够通过美术创作过程获得感性的教育,从而使学生通过美术学习不仅能够获得专业知识和技能,而且能够实现创造力和心智的共同成长。

其次,在美术基础教育过程中应当注重美术基础教育与其他学科之间的联系,使学生能够从不同层面运用多种方法获得较为全面的美术知识。

如,让学生通过学习语文、地理、历史等学科的知识,了解美术的人文背景、历史背景等,增强美术学习过程的灵活性。

最后,应当将美术教学过程融入学生的实际生活,鼓励学生参加各种创作活动、不断接触新媒体,使学生能够将在美术课程中对美的感受能力运用到实际生活中,这样不仅能使学生在实际生活中不断发现美,而且可以丰富美术教育基本目标的内涵。

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西方美术史
——浅析印象派作品及风格本学期选修了近代美术史,由于高考基本能力科目涉及大量美术
及其鉴赏的知识,中学初步学习了有关西方美术的知识,当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习,很少涉及对美术作品的鉴赏。

但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣,使我选学了西方美术史。

通过这学期的学习,使我更深的了解了西方美术的博大精深,感受到国外众多画家流派的风格,深刻地感觉到,不能以好看不好看来评价画的好与坏,要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。

首先我想先理顺一下西方美术的发展过程:西方美术在经历了较长时间的原始美术之后,逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术,课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。

雕塑师古希腊艺术的灵魂。

古希腊的雕塑家们对身体结构的认知,对神态的描摹以及对雕刻技术的运用,都达到了炉火纯青的境界。

另外古希腊雕塑具有很强的感染力,比如,雕塑《掷铁饼者》,最初见到这件艺术作品时,我还完全不知道什么是古希腊艺术,但当时依然给我很深的震撼作用,雕塑者给予了这件作品完美的线条,生动的神态,赋予了它神秘的神话色彩,让人一下就置身于这种豪迈的气势中。

而古罗马艺术在建筑上成就很高。

大型建筑物风格雄浑凝重,构图和谐统一,形式多样。

罗马人开拓了新的建筑艺术领域,丰富了建筑艺术手法。

接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约,开始不注重客观世界的真实描写,而强调所谓精神世界的表现。

这一时期建筑艺术高度发展,拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。

十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术,发源于意大利,主要是追求激情和运动感的表现,强调华丽绚烂的装饰性。

十八世纪洛可可风格在法国兴起,其特点是追求华丽纤巧和精致。

期间随着法国资产阶级大革命的到来,先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。

德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。

十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期,期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。

十九世纪后期在法国产生了印象派,受到现代光学和色彩的启示,注重在绘画中表现光的效果。

二十世纪以来,现代美术呈现出流派迭起,千姿百态的局面。

在如此多的流派时期的作品与画家当中,印象派给我的感觉最深刻也最独特。

可能最初学习钢琴的原因,曾经学习过印象派音乐德彪西的《月光》,再了解美术的印象派时我的印象更加深刻。

德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪,在他的音乐中,色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。

这种特点跟印象派美术非常相似,印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。

我查阅了各类资料,加上我一些个人的认识和观点,形成了以下的一些看法。

“印象派”这个名称不是画家自己取的,1874年4月,几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览,看展览的人很多,但对于这种新风格的绘画却难以接受。

因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品,有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。

印象派画家并没有一个组织或团体,也不是想发起一场艺术运动,但这个展览一出来,他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体,印象派这个称呼就这样被人们接受了,而且还把他们称为印象主义绘画。

拂晓时分,一轮红橙橙的太阳缓缓升起,挣扎着冲出平静的水面,奋力地划破浓浓的晨雾,露出自己的面目。

朝阳,染红了天空,染红了云彩,染红了水面,染红了画布,染红了我们的视觉。

三艘小船,早已扬帆,摇曳缓进,沿水而行,由远及近,慢慢行驶出重雾,渐渐淡入到前景,静悄悄的,好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都,隐约约的,好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。

日出而作,日落而息,新的一天开始了。

这就是莫奈给我们的《日出印象》。

静谧的,朦胧的,深邃的,
富有韵律,富有节奏的。

一种素描的风格,一种诗的意境。

观看日出给我们带来了人生感慨,而对艺术家是好的表现题材。

红日冉冉上升,阳光由柔而强,大地迎来光明,一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面,由他们构思自己的图画,让他们表现自己风格。

而印象派绘画的最重要的特点之一,就是捕捉动态大自然的一瞬间,把它定格,将它画出。

不再把自己关在画室里闭门造车,不再重现虚构的传说故事,他们带着折叠式手提画架,背着木制颜料盒,搭起遮棚,要着干粮,到野外去写生作画,把亲眼看到的搬到画布上,把实际发生的记录在作品中,把室内绘画变成户外艺术。

莫奈把自然的真实性降低于色彩表现形式之下,把理想化的主题排斥在绘画目的之外,他为着运用色彩去作画。

从此艺术不再是描绘对象的附庸,而有着独立的品格和自主的权利。

1892年2月至4月中旬及1893年,莫奈在两次大行动中为鲁昂教堂绘制了30余幅油画。

他是从三个不同的位置画的。

第一个位置差不多选在教堂的正对面,即一家衬衫店。

商店内的工人来来往往,使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由
于顾客的埋怨不绝于耳,画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。

到了1893年,他又选了第三个地方;这一次,他经常从两个不同的角度同时作画,最多时候同时画14幅画,随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间,努力捕捉色调和明暗的变化,树立起其色彩的构架。

《鲁昂大教堂》,壮观的建筑形象,完全被强烈的反射光冲淡了,看了令人目眩。

建筑物本身的结构似乎被一层厚厚的光所包裹。

看上去笔触狂放不羁,实际上是画家在长时间观察后才落笔的。

当莫奈画完鲁昂教堂的连作之后,精疲力竭,视力几乎不能恢复。

对太阳光谱如此迷恋,正是这位艺术家的特殊的个性表现。

在画鲁昂教堂时,莫奈有时把画架放在鲁昂时钟大街一角的一幢房子里,有时就干脆在大桥的马路上,面向教堂的西大门。

从黎明的薄雾画到昏昏目落,不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。

庄严的哥特式教堂在他的眼里,成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶,人们已经看不到建筑物本身的结构,只有一层刺眼的复杂的反射光。

对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。

乔治在一篇题为”教堂革命”的文章中写道:”灰暗的物体,其本身因阳光的照射而获得生命,获得给人们的感官以印象的能力。

但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波,始终处于杂乱无章的状态:有时如高耸入云的‘波涛’,有时如风平浪静的‘水花’,有时则像是一场‘急风暴雨’。

物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来,我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体,同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子,这是我们现在必须弄清楚的,是画家所要阐明的,也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。


在这五幅《鲁昂大教堂》的画面上,可以领略不同的色彩感觉。

从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心,在光照下教堂的轮廓被冲淡了,显得很微弱,随着光的变化引起色彩的改变,教堂形态也发生了变化。

画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。

这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。

画家运用浑厚的笔触层层叠加画法,形成大片的碎块厚涂,使
教堂具有分量和体积感,深沉而神秘。

在印象派绘画出现之前,法国巴黎乃至整个欧洲画坛,都是以安格尔为代表的所谓新古典主义和学院派占据统治地位。

印象派从精神上是对立于古典传统绘画的,强调创新。

创新在什么地方呢?风景、人物、裸体这些题材早已被前人画过几百年了,这些题材是不会触怒古典主义和学院派的。

他们不屑于像宗教和文学那样主题性地再现现实,提出应而随意地表现生活与客观物象,注重画家对于现实情境的自我感受和自觉表现,擅长于对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘,将绘画从客观的自然再现转向主观的精神
表现,以迎合新兴市民阶层审美的需求,努力反映印象派具有绘画独立性的美学观念。

因此,他们的创新主要在于画法以及对于题材的态度,其实,印象派画家并不是反对以自然为师,他们离开画室,采用小尺寸的画框和便于携带的油画布及其他材料,就是到大自然中去转瞬即逝的色彩变化,去寻找宣泄自己情感的方式,去发现和创造自己的思想。

正如文艺复兴运动使欧洲从中世纪摆脱出来一样,“印象派”的出现,则标志着艺术家从室内走向了室外,从画面的一种近似于“酱油色彩”的调子走向了色彩斑斓的画面,从古典画法的看不见笔触到现在的自由奔放的笔触,从关注宗教题材到表现乡村题材和平凡生活的变化,从客观再现到主观的精神表现等。

20世纪初期,印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。

它在法国取得了最为辉煌的艺术成就,遍及欧洲,并逐渐传播到世界各地。

以上就是我通过结合西方美术史的学习对印象派美术(主要是莫奈的艺术作品及风格)的一些粗浅见解。

短短十个周的学习,使我对美术知识认识还很有限,对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足。

但是,完成西方美术史的选修后,再鉴赏外国画家的作品时,不再人云亦云,能够提到自己的观点。

这或许就是选修西方美术史后最大的收获吧。

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