《西方音乐史》结课论文
音乐论文 学习西方音乐史对音乐理解的影响
音乐论文学习西方音乐史对音乐理解的影响西方音乐史作为一门音乐理论必修课程，无论在高师音乐院系音乐学专业，还是专业音乐院校，都是一门系统性很强的重要的音乐史论课程。
它为每一位学习者提供了西方音乐开展的历史脉络，主要论述西方音乐中的各种音乐现象的发生、开展及演变过程和对这些演变过程的哲理性思考。
在内容上主要分为四个方面：一是音乐理论的开展史；二是音乐家的开展史；三是音乐作品的开展史；四是音乐美学的开展史。
它是融入史学之中的一门具有独特视角和专门论域的学问。
西方音乐史是一门重要性、系统性都很强，同时信息量、知识点多而广的学科，它是每个音乐学习者或多或少都要了解的。
在学习西方音乐史时，我们要培养对西方文化的兴趣，并且对西方历史的开展有大致了解。
只有在对西方文化有了一定认识之后，才有可能深入学习，才能在西方历史里探索到西方音乐史的开展。
也就是使学习者在西方历史的大环境里进入到西方音乐学习的领域探究。
与此同时，我们应该在单独学习西方音乐的过程中，宏观学习音乐在西方历史中的地位及整体开展过程。
在学习西方音乐史的过程中，某些人过于在意该时期音乐总体的开展状况、音乐事件、音乐家所处国家的历史文化、音乐家本身的生活经历、该乐曲在音乐史上的奉献与影响等书面化、理论化的内容，并且对文字进行了记忆，却没有进一步领悟到这些文字所描述的时期的音乐特点应该如何在声乐、器乐表演上表现出来。
一味地进行文字记忆，无助于知识的运用，失去了学习西方音乐史的意义。
如今用大篇幅的纯文字描述音乐作品甚为普遍，并且是在校生主要的音乐学习方式。
但仅仅对于文字描述的学习往往浮于外表无法深入，甚至会先入为主地吸收一些主观的甚至错误的观念，这十分不利于对西方音乐史全面而系统的掌握。
西方音乐史课程在音乐学习中的地位是举足轻重的，其本身具有的价值及对其他相关学科学习的影响是巨大的。
如器乐、声乐、舞蹈等艺术形式的学习表演都需要学习者对西方音乐史有一定了解，这种了解不应该是片面的、轮廓性的，而是需要有一定的深度及体会，将史学知识内化为正确的表演风格。
中国农业大学选修课西方音乐简史结课论文如何欣赏交响乐
中国农业大学选修课西方音乐简史结课论文如何欣赏交响乐相信在许多中国人的眼中，交响乐是一种古典、高雅、令人望而却步的艺术形式，不必说普通人，就是学习过音乐的人也不一定对它有足够的了解。
我曾经学过九年的钢琴，做过很多场音乐会的听众，也当过小型音乐会几次演奏者，但真正到现场去听交响乐也不过一两次而已。
不过，只要了解一些交响乐的背景知识，再带上一颗灵敏的心，要欣赏交响乐也并不是一件难事。
一、交响乐队的编制要想了解交响乐就要先了解交响乐队的编制，就像要用一架机器要先弄清楚它的原理构造一样。
弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组是交响乐队中四个最重要的组成部分。
弦乐组一般包括小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴；木管组一般包括短笛、长笛、单簧管、双簧管、大管（巴松）；铜管组一般包括小号、圆号、长号、低音号；打击乐组一般包括定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。
另外，像钢琴、竖琴、木琴等也常常出现在交响乐队当中，这些乐器被称为色彩乐器。
对于一些特殊曲目，还会加入其它的一些乐器，像唢呐，喇叭，二胡等民族乐器。
二、交响乐的乐章组成与形式一般来讲，交响乐，特别是古典交响乐较多由四个乐章组成。
第一乐章主要是以奏鸣曲的形式出现，速度常为快板，意在表现人们的斗争充满戏剧性，全部音乐建立在两个性格不同的主题的对比和发展上。
第二乐章通常是抒情的慢板，内容往往与深刻的内心感觉及哲学思考有关。
第三乐章通常为中速的舞曲或谐谑曲。
第四乐章大多采用快板的回旋曲或回旋奏鸣曲式，表现群众生活、风俗的场面和人民胜利。
不少交响乐是有一定的故事情节的，这些交响乐大都取材于民间题材或小说、诗歌、传说等，如《卡门组曲》。
另有一些交响乐意在描写大自然，赞美自然，体现作曲者对自然和生活的热爱，最著名的当属贝多芬的《田园交响曲》。
再有一类交响乐既不是讲述故事，也不描写自然，而是单纯靠音乐抒发作曲者的情感或是反映的是一些特定的社会中，人们对社会的看法和希望，如贝多芬的《英雄》和柴可夫斯基的《悲怆交响曲》三、欣赏交响乐的难点与误区有人可能会问，自己一点音乐基础都没有，什么乐器都没学过，分辨不出什么乐器的声音，更难找出什么声部，这样是不是就不能欣赏交响乐了呢？其实不然。
西方音乐史论文
西方音乐史论文论西方音乐史与个人文化素质的关系作为当代大学生，除了在学习和工作能力上要不断提高自己的能力以适应社会的竞争，个人的文化素质的培养也是必不可少的。
培养了个人文化素质，对于帮助我们确立正确的世界观、价值观和人生观也会有很大的作用。
而通过了解西方音乐史，倾听西方古典音乐来提高自己的个人文化素质修养则是一种有效的方法。
音乐，简而言之，是一种用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的艺术。
西方音乐以其鲜明的特征以及独特的内涵历经岁月考验，久盛不衰，成为众人喜爱的音乐。
虽然在一些当代人的心中，西方古典音乐似乎有些“老土”，似乎与嘻哈，摇滚等等现代元素格格不入，但是西方音乐的魅力依旧是无穷的，它依旧吸引着众多的听众为之如痴如醉。
当我们听到卡门，听到田园，听到命运，听到蓝色多瑙河的时候，依旧会沉醉于其中，忘掉身边的忧愁与烦恼。
可以说，西方古典音乐的魅力是永恒的。
古希腊音乐是古希腊文明的一个重要组成部分。
虽然其流传下来的音乐作品很少，但是丰富的文字记述和雕刻向人们描绘了古希腊音乐文化的风貌。
在漫长的西方音乐历史中，古希腊音乐文化精神不断地影响和启发着后世的人们。
毕达哥拉斯，柏拉图，亚里斯多德等音乐理论家对音乐的起源、本质、社会道德作用、音乐美以及乐理等问题的研究有着极其重要的作用，而以古希腊三大悲剧家埃斯库罗斯，索福克勒斯，欧里庇德斯为代表的戏剧家们则对后世欧洲戏剧有深远的影响。
古罗马音乐基本沿袭古希腊音乐，并对戏剧以及管乐的发展起到了一定的作用。
中世纪时期处在封建社会，宗教色彩十分浓重，那个时代的文化主要是宗教神学文化，所有的音乐活动都是围绕着宗教活动来进行的，如格里高利圣咏就是由教皇格里高利一世统一宗教教仪圣咏而编定的教仪歌集。
因此这个时期的音乐大多以教堂音乐为主。
这是一个庄严肃穆的时代。
普通的劳苦大众都处在被剥削被压迫的生活状态下。
如是，教堂音乐那种韵律单调的音乐成了他们的呻吟。
文艺复兴是欧洲文化的一个具有有里程碑意义的转折。
德彪西 西方音乐史 论文
德彪西音乐鉴赏11021031 周璇德彪西被誉为印象派音乐大师。
他的音乐虽然是标题性的,但它不企图讲述一个故事或某些特定的情感,而是创造一种符合作品的主题或标题的"情绪"或气氛。
德彪两l826年出生在巴黎。
l1岁时进了巴黎音乐学院。
20岁时,他写的大合唱《浪子》获罗马大奖。
几年以后,他就开始拒绝接受德国一般传统,特别是瓦格纳的哲学思想,但瓦格对音乐所具有的革命精神,还是大大地震撼了德彪西。
他用蔑视那些被视为神圣法则的异常的和声使教授们大为震惊,他公然宣称:"我高兴怎么样就怎么样。
"事实证明他是一个天才。
对德彪西影响最大的不是音乐而是文学。
他经常到象征主义诗人马拉美的沙龙流连。
他根据马拉美的诗《牧神午后》创作的《牧神午后前奏曲》,是德彪西的代表作,也是印象派音乐最初的颂歌。
作为德彪西进入钢琴创作成熟期的开端，《为钢琴而作》的诞生使人们对德彪西的认识产生了质的变化。
创作于1901 年1—4 月的这部作品，其雏形在1894 年就已经出现了，经过近五年的酝酿、推敲，德彪西终于在创作之路上向前迈进了一大步，成为德彪西钢琴创作上具有里程碑意义的作品。
《为钢琴而作》共有三首作品组成：“前奏曲”、“萨拉班德舞曲”和“托卡塔”。
“前奏曲”是一首近似于古典奏鸣曲形式的作品，增三和弦的出现、全音音阶的进行和钢琴织体丰富多彩是这一作品的主要特征。
人们从乐曲中可以发现德彪西音乐表达的方式是那洋的自然流畅，不同音乐素材与不同音乐手法的结舍是那佯的连贯协和，结束处是一个竖琴式的华段落，轻盈、柔美。
这些，在德彪西早期的钢琴作品中是不多见的。
“萨拉班德舞曲”，萨拉班德舞十六世纪起在西班牙流行，并逐渐具有了西班牙的民族特色，以后又流传到欧洲各地。
萨拉班德舞曲是用于这种舞蹈的特定音乐，音乐特点主要是慢速，三拍于，强音常在第二拍出现。
德彪西的这首作品与传统的萨拉班德舞曲应该说是具有本质上的联系，这类舞曲的基本特征在这首作品中均有所展现。
西方音乐史论文--音乐是一种文化
参考文献
[1]冯志平．西方音乐史与名作赏析[ M].人民音乐出版社，2006
[2]罗杰·凯密思( Roger Kamien)听音乐欣赏教程[M]．世界图书出版公司，2008
1.1
欧洲文艺复兴运动起源于14世纪中叶的意大利，随后迅速蔓延到几乎整个欧洲。文艺复兴的灵魂是“人文主义”，它重视人的价值，提倡个性与人权，主张个性自由，反对天主教的神权；主张享乐主义，反对禁欲主义；提倡科学文化，反对封建迷信。文艺复兴运动是近代早期思想启蒙运动，是封建主义向资本主义转型的过渡的体现。
交响乐通过不同乐器的配合，对每个乐章的故事情感丰富的表现出来，乐曲与脑海中的景象结合，生动的展现作者所要表达的情感。有对命运的不屈与愤怒，有对英雄的赞美与崇拜，还有对乡村生活的憧憬与向往。
2.
摇滚音乐是一种流行音乐，有着一连串的打击声和强烈的节奏感，演奏时音量极大。摇滚乐通常由乐队、独唱和合唱演出。演出时音乐家们通常是边唱边演奏乐器。乐器通常由一个或两个电吉他、一个电贝斯，低音大提琴和几个鼓组成。 摇滚乐的起源可以追溯到20世纪50年代中期，当时美国白人少年开始对有节奏的黑人伤感音乐感兴趣，这是一种强调节奏和打击乐，由美国黑人音乐者演奏给黑人听众的流行音乐。当音乐家和迪斯科唱片经理们意识到这些新听众的存在时，他们开始迎合这一听众群，迎合这些听众的音乐逐渐被称为摇滚音乐。到60年代早期，摇滚音乐已经成了美国青少年流行音乐的标准形式。到了70年代末和80年代初，新潮摇滚开始受到许多音乐迷的欢迎。
3.
3.
非洲给我们以根深蒂固的炽热与蛮荒的印象。然而，这片土地却默默蕴藏着人类起源的旷古传说。最早的智人就是在这里直立行走的。虽然这片苦难深重的大陆遭受了近四个世纪的殖民掠夺，传统的音乐文化受到了严重摧残，但是它的人民并没有屈服。非洲人用特有的方式保存并发展了自己的音乐文化——非洲音乐对世界音乐有着深远而巨大的影响——以自己独特的魅力在世界乐坛上散发着璀璨的光芒。在一般的音乐概念上，非洲音乐指的就是撒哈拉沙漠南部和西南部那些源自非洲本土的传统黑人音乐。在非洲文化中，音乐以演奏者对人生的全部理解为基础，无所不在——它不仅服务于政治宗教、意识形态，而且充斥着生活的方方面面，既包括工作娱乐，也包括生老病死。
西方音乐史论文_doc
西方音乐史浪漫主义时期的介绍浪漫主义作为欧洲文学中的一种文艺思潮，产生于十八世纪末到十九世纪初的资产阶级革命和民族解放运动高涨的年代。
它在政治上反对封建专制，在艺术上与古典主义相对立，属于资本主义上升时期的一种意识形态十八世纪末年，随着浪漫主义思潮在欧洲文坛的勃兴，浪漫主义这一术语就用得非常流行了，并且在一七九八年法兰西学别的创作方法的名称。
欧洲的浪漫主义思潮，是在人们对启蒙运动“理性王国”的失望，对资产阶级革命中的“自由、平等、博爱”口号的幻灭和对资本主义社会秩序的不满的历史条件下产生的。
当时的现实，正如恩格斯所指出：“和启蒙学者的华美约言比起来，由…理性的胜利‟建立起来的社会制度和政治制度竟是一幅令人极度失望的讽刺画。
”当时的作家都对现实不满，企图寻求解决社会矛盾的途径。
但由于作家所持的阶级立场和政治态度不同，因而浪漫主义思潮中就形成两种对立的流派，即积极浪漫主义和消极浪漫主义。
前者是进步的潮流，它引导人们向前看，后者属反动的逆流，它引导人们往后看。
这种区别，实质上是对当时法国大革命和启蒙运动的两种截然不同的反响。
初期的浪漫主义音乐与其它姊妹艺术一样，也是发自欧洲“启蒙时代”的思想和法国大革命的自由民主思想，它比文学中的浪漫主义要晚数十年。
贝多芬的晚期作品已成为初期的浪漫主义的先驱，其后的作曲家们皆可归为浪漫派。
从时代上讲，十九世纪中叶是浪漫主义音乐的全盛时期。
浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。
如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。
在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。
西方音乐史论文2篇
西方音乐史论文第一篇：西方音乐史专题：文艺复兴时期音乐的发展引言：西方音乐史上的文艺复兴时期被认为是音乐发展的重要阶段之一。
这个时期的音乐受到了艺术与文化的繁荣影响，出现了许多重要的音乐作品和创作风格。
本文将概述文艺复兴时期音乐的发展和特点。
一、背景与历史：1. 文艺复兴时期的背景和社会环境；2. 宗教改革的影响与宗教音乐的发展。
二、文艺复兴时期的音乐：1. 宗教音乐的特点和作曲家：如毕加索、迪亚斯、彼特里；2. 世俗音乐的出现和发展：如民间歌曲、舞曲等；3. “室内音乐”的兴起：如弦乐四重奏。
三、音乐创新与表现手法：1. 人声的运用和发展；2. 和声的发展与创新：如多声部、协调音、对位法；3. 音乐乐器的改进和多样化。
四、文艺复兴音乐对今后音乐发展的影响：1. 音乐教育的兴起与重视；2. 对音乐理论的贡献；3. 创作风格的影响与延续。
结论：文艺复兴时期的音乐是西方音乐史上的重要阶段，它的发展与创新对于之后的音乐发展产生了深远的影响。
通过对文艺复兴时期音乐的研究，我们可以更好地理解和欣赏这个时期的音乐创作和艺术成就。
第二篇：西方音乐史专题：巴洛克时期音乐的特点与影响引言：巴洛克时期是西方音乐史上一个充满激情和创新的重要时期。
在这个时期，许多重要的音乐作品和风格出现，对于之后的音乐发展产生了巨大的影响。
本文将概述巴洛克时期音乐的特点与影响。
一、背景与历史：1. 巴洛克时期的社会和文化背景；2. 宗教改革对巴洛克音乐的影响。
二、巴洛克时期的音乐特点：1. 多声部和复杂的音乐结构；2. 音乐装饰与即兴的运用；3. 响板乐器的兴起和发展。
三、巴洛克音乐的代表作品与作曲家：1. 管风琴音乐的发展与约翰·塞巴斯蒂安·巴赫；2. 管弦乐团音乐的发展与阿尔凯斯托·避难者.四、巴洛克音乐对今后音乐发展的影响：1. 音乐风格的延续与转变；2. 巴洛克音乐对后世音乐创作的启示。
结论：巴洛克时期的音乐具有独特的发展与创新，对音乐史的发展产生了重要的影响。
西方音乐史论文
钢琴诗人—肖邦肖邦1810年出生在波兰中部小镇热拉佐瓦-沃拉。
他出生的时候，波兰由于被俄国、普鲁士和奥地利瓜分，已不复为一个统一主权国家。
肖邦的母亲是波兰人，父亲Nicolas Chopin是波兰籍的法国人，原本居住在洛林的一座从父辈继承下来的葡萄园，1787年移居波兰并加入波兰籍，参加过1792年的俄波战争和1794年的科希丘什科起义，第二次瓜分波兰后在贵族家庭当法语家庭教师，认识了一个雇主的亲戚也就是后来肖邦的母亲Justyna Krzyżanowska，他们在1806年结婚，肖邦的父亲也得到了一份在中学教授法语的工作。
肖邦一家在1810年搬到了华沙。
肖邦在波兰被视为神童，1816年6岁的时候开始学习钢琴，相继由他的姐姐和母亲教授钢琴演奏。
肖邦是个音乐天才，从小就展现出他惊人的音乐天赋，7岁时便能作曲，他的第一首作品B大调和G小调波兰舞曲创作于1817年，体现出肖邦不同寻常的即兴创作能力，他在华沙被誉为“第二个莫扎特”。
第二年也就是1818年，8岁的肖邦在一次慈善音乐会上演奏了阿达尔伯特·吉罗维茨（Adalbert Gyrowetz）的作品，这是肖邦的第一次登台演奏，从此跻身波兰贵族的沙龙。
肖邦的作品以钢琴曲为主，虽然他不少作品技巧颇为艰深，但是他从来不会以炫技为最终目的，肖邦的作品更注重诗意和细腻的情感。
肖邦的那些乐章作品，很难机械地列入哪一种固定的传统的规范或公式中去，它们往往结合了多种体裁的形式结构的特点。
从而创造了真正新颖独特的音乐形式。
在和声的领域里肖邦也显露出大胆的创造性，其功能范围向不同方向的扩张，造成和声的内在发展的动力性和紧张性，但同时又不缺乏严谨的逻辑。
肖邦的思想中的进步因素集中地表现在他的爱国主义思想、对本民族的命运的深切关怀上。
但他对当时整个欧洲的重大政治事件。
其作品的大体表现为：肖邦音乐的高度思想价值在于它反映了十九世纪30—40年代欧洲资产阶级民族运动总潮流的一个侧面，喊出了受压迫受奴役的波兰民族愤怒、反抗的声音。
学科教育论文西方音乐史教学方法的思考与研究
学科教育论文西方音乐史教学方法的思考与研究西方音乐史教学是音乐教育中的重要组成部分，在培养学生音乐素养和表演能力方面起着重要作用。
然而，目前在西方音乐史教学中存在一些问题，如传统的教学方法单一，缺乏灵活性和趣味性，学生的学习动力不足等。
因此，有必要对西方音乐史教学方法进行思考与研究，以提升教学效果。
首先，西方音乐史教学应该注重多元化的教学方法。
传统的教学方法主要侧重于学生对音乐史知识的理解和记忆，而忽视了学生对音乐作品的感受和理解。
因此，教师可以引入一些实践性的教学活动，如音乐鉴赏、合奏和合唱等，让学生亲身参与其中，感受音乐作品的魅力。
同时，教师还可以选择一些有趣的案例和故事，结合音乐史的内容进行讲解，让学生通过故事了解音乐史的发展过程，激发他们对音乐的兴趣。
其次，西方音乐史教学应该注重启发学生的思维能力。
传统的教学方法通常是将教师的知识直接灌输给学生，学生只需要被动地接受和记忆。
然而，这样的教学方法无法培养学生的创造力和批判思维能力。
因此，教师可以采用启发式教学的方法，让学生通过自主探索和发现来学习音乐史知识。
例如，教师可以为学生提供一些音乐史文献和音乐作品，让他们通过分析和比较来理解音乐史的发展趋势和特点。
同时，教师还可以组织学生进行小组讨论和课堂演讲，鼓励他们表达自己的观点和想法，培养他们的表达能力和批判思维能力。
最后，西方音乐史教学还应该注重培养学生终身学习的能力。
传统的教学方法通常侧重于知识的传授和记忆，而忽视了学生的学习兴趣和学习方法的培养。
然而，在现实生活中，学生需要不断学习和更新知识，因此，教师应该注重培养学生的自主学习能力和学习兴趣。
例如，教师可以引导学生在学习过程中进行反思和总结，帮助他们发现学习的困难和问题，并寻找解决的方法和策略。
同时，教师还可以为学生提供一些学习资源和学习工具，让他们自主选择和运用，培养他们独立学习的能力。
综上所述，西方音乐史教学方法的思考与研究具有重要的意义。
中西方音乐史论文_对西方音乐史学习的思考论文
中西方音乐史论文_对西方音乐史学习的思考论文摘要：西方音乐史是人类重要文化现象，在学习西方音乐史过程中，必须清楚地了解西方音乐史学的发展变化，熟知历史音乐学学科的历史与现状。
从更深层上把握西方音乐历史的发展脉络，以及西方音乐史进程中的诸多艺术问题。
深入音乐的内部去分析西方音乐本体形态嬗变的历史，从而提出自己独特和具有创新意义的学术观点。
关键词：西方音乐史；文化现象；创新意义西方音乐史是人类重要文化现象，学习西方音乐史属于对历史音乐学的研究。
音乐史学是对音乐历史进行研究考察与反思，是融入历史音乐学之中的一种具有专门视界与独立论域的学问。
作为一个学科历史音乐学的主要研究对象和范围应该是，从中世纪至当代的西方音乐艺术各阶段的发展和演变。
对音乐史学的研究实际上是人们对于音乐传统变化着的态度，也反映了各个时代学者们对音乐史学的观念。
对西方音乐史学的探究过程，也是在西方音乐文化传统的语境中审视，与再思索音乐史学观念及演变过程。
探索西方音乐史学的发展以及相关的理论问题，不仅有助于进一步把握西方音乐艺术历程的内容和特征，启发对西方音乐历史研究的学术传统与当代走向进行反思，进一步从学科角度思考音乐史学与历史音乐学的紧密关联。
如果说历史音乐学研究是从历史的视角，对西方艺术音乐发展的各个时代进行专题探究，那么音乐史学的研究则是对音乐历史演变中的规律、特性，以及各个时代中与音乐史进程相关的各种学术性思考进行审视。
我认为在学习西方音乐史过程中，必须清楚地了解西方音乐史学的发展变化，研究人类过去发生的各种音乐现象，对历史音乐学学科的基本理论和历史与现状作全面的了解。
通过对西方中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典主义、浪漫主义、印象主义、以及二十世音乐发展的一些基本问题的探讨，从更深层上把握西方音乐历史的发展脉络。
审思历史音乐学学科的传统与当代学术走向，了解有关现代音乐艺术发展的基本内容及其相关学术研究。
西方音乐史学习最终目的是，关注音乐家以及他所处时代的音乐观念和思想。
西方音乐史论文
西方音乐史论文高师“西方音乐史”教学问题检视摘要：高师《西方音乐史》是高等师范音乐院系音乐学专业的一门音乐史论课程，主要阐述西方音乐文化发展的渊源、脉络、特点及国际性的流传影响等等。
本文围绕西方音乐史课程的教学内容，对目前高师“西方音乐史”教学存在的问题和不足进行系统的分析。
关键词：高师；西方音乐史；教学问题；问题检视《西方音乐史》是高师音乐院系音乐学专业的一门重要的音乐史论课程。
在音乐各学科相互交叉、相互渗透的发展趋势越来越强化和深入的情势下，《西方音乐史》在构建合理的“音乐理论课程体系”方面扮演着重要的角色，具有举足轻重的地位。
笔者在从事西方音乐史教学和研究的过程中，认为该课程在很多方面存在改革的巨大空间。
本文主要系统分析该课程在教学过程中出现的教学问题和不足。
一、盲目移植西方音乐教育史教学的经验，缺少本土化的转化西方音乐史（History of Western Music）是研究西方音乐文化发展的历史，是对西方包括欧美音乐文化历史发展进程的一种记载、描绘、传承与研究。
目前的高师“西方音乐史”教学的普遍现象是割裂了民族格调和旋律，弱化了民族特性。
高师音乐教育培养出来的学生，不仅是音乐技艺的传承者，更重要的是音乐文化的传承者。
必须树立“立足民族音乐之根本，进行多元音乐文化审美教育”的思想观念。
世界上之所以不只有一种风格的音乐，正是因为每一种文化对世界都有其特殊的感情体验。
如何在学习并保留自己的传统音乐和外族文化的音乐之间达到一种健康的平衡，是“西方音乐史”教学工作者的一个巨大挑战。
在当今世界文化冲撞、融合的大潮里，不同民族、不同地域艺术的冲撞空前猛烈，融合也空前加强。
在彼此极力显示自我个性的同时，又不断地实现自我超越、自我更新。
无论是中国音乐史还是西方音乐史，都是社会不同发展阶段、不同地域、不同民族音乐历史的综合体。
双方都提供了选择的无限可能性。
如果失去了外来文化这个参照系，实际上就是失去了时代的标尺，必然是陈旧、古老、混浊、昏睡的意识，对自我不可能有清醒的判断，对前途也不可能有正确的选择。
西方音乐史选修论文
浅谈柴科夫斯基及其音乐作品摘要：本文主要主要描述浪漫主义乐派的俄罗斯着名音乐家柴科夫斯基。
通过重点对浪漫主义乐派、柴科夫斯基的生平、音乐作品和音乐风格的阐述，希望读者进一步了解和认识柴科夫斯基，进一步感知其音乐作品带给人们的丰富内涵和他为音乐的重要贡献，从而对浪漫主义乐派产生更深的了解和认识。
关键字：浪漫主义柴科夫斯基《四季》音乐风格一、浪漫主义乐派在了解西方音乐史时，其中一个令人印象最深刻的乐派之一就是广为人知的浪漫主义乐派。
是18世纪末和19世纪初欧洲资产阶级民主革命和民族革命时期的一种浪漫主义潮，它的特征是追求个性解放，强调个人自由，反对拘泥形式，凭理智进行文艺创造。
浪漫主义音乐强调个人的自我表现，是一种个性化的、理想化的、富于诗意的、感情终于理智的音乐。
从历史的角度来看，浪漫主义时期的音乐承续了古典主义时期发展到高峰的许多音乐成就（器乐和声乐，凑鸣交响套曲和歌剧体裁发展成熟，主调风格，音乐结构中的平衡感，方整性，调性和和声为结构作品的重要因素，凑鸣曲式）。
欧洲的浪漫主义乐派可以分为三个时期：早期（1820—1850）、中期（1850—1890）、后期（1890—1910）。
浪漫主义乐派时期涌现了较多着名的音乐家，如：韦伯、舒曼、肖邦、李斯特、柴科夫斯基等。
在此，我在这里简单谈及一下我们熟知的音乐家——柴科夫斯基及其某些音乐作品。
二、柴科夫斯基的生平及及主要着作柴科夫斯基的名字相信大多数人都非常熟悉，他是俄罗斯作曲家。
柴科夫斯基.出生于富裕的矿山工程师家庭，自幼学习钢琴，10岁进入圣彼得堡法律学校学习，19岁毕业后进入司法部任书记员，1862年在新成立的圣彼得堡音乐学院学习作曲，翌年彻底放弃司法部的工作，全身心投入音乐创作，1866年开始在尼古拉新开设的莫斯科音乐学院任教。
1877年柴科夫斯基曾有一段短暂的婚姻，同年它与崇拜他音乐的梅克夫人建立通信关系，获取她每年6000卢布的经济资助，得以辞去教职，专事创作，在此期间他创作了许多优秀作品，同时也确立了柴科夫斯基在俄罗斯的一流作曲家地位。
西方音乐史论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作
西方音乐史论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作第一篇：西方音乐史论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作西方音乐史与名曲鉴赏论文——巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作巴赫的生平、艺术成就及其艺术创作1、巴赫简介及时代背景对音乐创作的影响约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach，1685——1750），德国著名的作曲家、管风琴及羽管键琴家，虽然终身未出国门，但却是将西欧不同民族的音乐风格浑然融为一体的开山大师。
在人们对音乐史上的代表人物进行评价与概括的时候，巴赫的伟大贡献以及在音乐史中的重要地位是逐渐被认识到的，其称谓从管风琴师到近代西方音乐的开山始祖、音乐发展的里程碑，乃至西方音乐之父，这样至高无上的评价既说明了人们的肯定与敬重，也说明巴赫的确具有令人叹服的才华与音乐成就。
他萃集意大利、法国和德国传统音乐中的精华，曲尽其妙，珠联璧合，天衣无缝，对后来将近三百年整个德国音乐文化乃至世界音乐文化产生了深远的影响。
巴赫1685年出生于德国，巴赫家族是地地道道的音乐世家，所以巴赫从小就展露出极高的音乐天赋，他对音乐的热爱接近到了一种痴迷的状态。
他曾向许多著名的音乐家请教，后来，在吕奈堡的教会里担任歌手的时期,在图书馆里阅读了大量的著名的音乐作品,大大开阔了视野。
中学毕业后,巴赫就开始了自己艰难的艺术创作生涯。
巴赫一生都没有离开过自己的祖国,因此他的作品最能反映当时德国社会和人民生活的风貌与特点。
他靠自己的刻苦努力在复调领域做出了突出的贡献，成为了一位著名的复调音乐大师。
他的作品风格庄重而严谨,纯洁而虔诚；技巧高超,内容深刻，并对许多音乐形式都作了重要的发展和创新。
巴赫的音乐从不同的角度表述了德国人民的思想和感情，用不同的形象反映了18世纪上半叶德国市民阶层的人文主义先进思想。
坚强的意志、崇高的信念、自我牺牲的精神，是巴赫作品所表现的主要内容。
巴赫的音乐思维具有高度的逻辑性，每部作品结构严谨、形式完美，密切地将哲学伦理、心理描述与抒情、写景结合起来。
西方音乐史论文
西方音乐史论文通俗音乐与严肃音乐的比较研究光华金融彭湛00128046 一、通俗音乐的内涵与外延通俗音乐的概念，对大多数人来说是既熟悉又陌生的。
熟悉，是因为它存在于我们的日常生活中，几乎时时刻刻萦绕于我们的耳边；陌生，是因为很少有人能立刻为它给出一个明晰的定义，事实上，学界在这一点也并未达成共识。
在此，我们就几个流传较广的观点，谈谈通俗音乐的几个要素。
在通俗音乐的源起上，有的研究者认为它作为一种文化现象主要来源于西方，“一般主要指以19世纪下半叶至20世纪，在欧美各国发展起来的一些适合城市一般市民群众兴趣和爱好的音乐”(1)。
但即使在西方，用来解释通俗音乐或者流行音乐的“POP”一词的内涵也是颇为复杂的，它在不同语言和文化中的使用并不一致。
法国学者亨利·斯科夫·托尔格在《流行音乐》一书里提到，“我们混用POP_MUSIC和MUSIQUEPOP，不加区别：在法国，前一英文用语等同于后一法文用语；但在英国，尤其是在美国，通常的称呼只是ROCK（摇滚乐）”(2)。
有的论者通过与其它音乐（诸如民间音乐、艺术音乐等）创作主体和传播特点的比较来对通俗音乐进行理解：“一般地说，通俗音乐和民间音乐不同之处，主要在于前者产生于城市的专业音乐工作者，同时又不象艺术音乐，在许多情况下是通过口头而传播的”(3)。
综合已有的讨论和看法并结合音乐发展的实际状况，我们试就通俗音乐做出如下判断：通俗音乐是在一定社会条件下，易于被社会大多数成员所接受的音乐。
这里有三点需要明确：一是必须是“在一定社会条件下”。
离开一定的社会条件谈通俗音乐有很大的局限性。
葡萄牙的“发多”是一种非常流行的城市民间音乐，但这种音乐如果让中国人来听不但不一定觉得有什么通俗性，反而很可能会因不理解而缺乏认同感；而“圆舞曲之王”约翰·施特劳斯的众多舞曲原来是以通俗音乐面孔走向世人的，但现代人却把《蓝色多瑙河》作为最经典的高雅音乐作品之一加以推崇而没人再把它看成通俗音乐了。
《西方音乐史》结课论文
课程名称:《西方音乐史》结课论文论文名称: 印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析学生姓名（学号）:****:**提交日期:2014年6月10日2022年4月印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析不同于人们耳熟能详的古典主义乐派和浪漫主义乐派，很多人都不了解印象派音乐，也许是因为它乍听起来并不像人们一贯认为的那样悦耳，又也许是因为它的表达方式太过难以捉摸，它经历了一个不被理解和令人叹服的曲折过程。
德彪西正是这一伟大乐派的创始者，他创造的印象派音乐具有着划时代的革命意义，他的音乐颠覆了人们的听觉，带来了一种全新的听赏境界，而德彪西也被认为是二十世纪现代音乐的开创人物。
下面我就将自己的理解与阅读的资料融会起来谈谈我眼中的德彪西作品风格。
一、德彪西音乐风格的形成德彪西的音乐天赋是有目共睹的，“7岁时，显示出对音乐的浓厚兴趣，深得钢琴家弗勒维尔夫人喜爱。
弗勒维尔夫人免费教他学习钢琴，直到德彪西11岁考入巴黎音乐学院后，还为他负担了大部分学费。
”但他在音乐学院上学时，虽然十分优秀，自己却深不满足。
他觉得音乐学院的教学过分保守拘古，与他内心的创新要求相去甚远。
他的内心始终向往着摆脱传统守旧思想的束缚，于是在音乐上经常做出一些特立独行的行为，比如常常在钢琴上连续弹奏一串串的增和弦、九和弦、十一和弦以及全音音阶等等，想以此寻求一种全新的听赏效果，也因此无法得到他人的理解，虽然坚持理想的过程是艰辛的，他也从未选择放弃。
后来他有机会接触到了一些格调新颖的俄罗斯作品以及与西方音乐完全不同的东方音乐，从中受到十分深刻的启发，还结识了很多印象派的诗人和画家，他们之间热烈的讨论成为他思想迸发的源泉。
逐渐的，在印象主义思潮的推动下，德彪西开辟了一个新的音乐艺术流派，他的作品中更强调音响在一瞬间给人的听觉印象，强调各个音响之间的相互对比和不断变化，并且在相当程度上模糊了在传统音乐中占突出地位的旋律轮廓线和明确的音响连接逻辑。
我阅读的书中是这样形容印象派音乐的，“印象派音乐喜欢反映微妙和难于捉摸的东西，而不喜欢堂皇、不朽的雄伟气派；喜欢暗示和隐喻，而不喜欢过分夸张、直率和毫无保留。
西方音乐史期末论文-
西方音乐史期末论文——肖邦的爱国精神与中国当代青年的爱国精神肖邦点燃爱国之情《革命进行曲》，开始播放。
手指恶狠狠地敲在键盘上，心中的怒火，心中的抱怨，如洪水般顿时从右手激发而出，迅速地吞噬了正个时空。
梦想的，心爱的，期望已久的，为什么失败地如此惨烈？怨怒的洪水在大地上滚滚流淌，怒斥的雷电回响在空中。
音流开始变缓，流入了深邃的地方，流淌在时空的那个角落，一个血红的角落。
千万人倒下，一片寂静，一片哀鸣。
但每一个灵魂都从最底层发出嘶哑的哼声，坚韧的，不肯放弃的哀鸣。
音流起伏了，随着来自千万具尸体下那渴望拿起武器、渴望抬起胳膊指向敌人的吼叫而起伏；终于，爆发了，烟雾中，人群奋起，一波冲击，一波后继。
战斗的号角仿佛又一次吹响，这次却是带着坚毅的号角，不洪亮，但坚实，压制，却又带着冲破压制的力量。
召唤在战场上传动，气氛开始沸腾。
拼杀的激烈极速上升，攻势如虹，光明的火球膨胀起来，越来越大，一瞬间，举目皆白！现实的痛苦又一次回到了键盘之上，一个弱音，一声无助，无奈的哀叹；音符愈弱，整个心灵已被迷茫和痛苦击溃，无力，无望。
多年来的信仰，如此地破灭；多年来的寄托，瞬间地塌垮。
麻木中，突然，无力的心又一次被愤怒的烈火燃烧，手指又一次在怒火中弹动。
他不解，为何伟大的信念难抵抗破罪恶的破坏。
他不禁发出感叹：“啊！上帝，你还在么？你存在，却不给他们以报应！莫斯科的罪行你认为还不够么？或者，或者你自己就是一个莫斯科鬼子！……我在这里赤手空拳，丝毫不能出力，只是唉声叹气，在钢琴上吐露我的痛苦。
”音流又一次的起伏，他的思想又一次在他所想献身的战场和现实的失望中转换，他无力了，音符的呻吟慢慢减弱，越来越弱，弱地使悲伤化为无限的忧郁，时间在如此音流中已不觉流逝，仿佛终点已经趋于远方……黑暗中，一股不明的力量，从天而降，铿锵有力的四声，被坚韧的敲出，这是未来希望的种子，只要伟大不屈精神的还在，只要对祖国的热爱还在，即使再困难，也终会克服。
沈伟 西方音乐史毕业论文
沈伟西方音乐史毕业论文
本文从学术史的角度，以中国音乐学家XXXX研究西方音乐的基本理论与方法为主要研究对象，通过对中西方学术传统与理论诉求的把握与剖析，从音乐史学、音乐美学，以及音乐分析等三个理论层面进入，进而展开较为全面、深入的学术归纳与理论阐释.全文由三个部分九个篇章组成，即，第一部分：史学理论与实践，第二部分：美学思辨，第三部分：音乐分析。
第一部分以中国音乐学家编著的三部西方音乐史专著为主要研究对象(张洪岛《欧洲音乐史》、刘经树《简明西方音乐史》、蔡良玉《西方音乐文化》)，分三章论述即“马克思主义史学理论与实践”，“风格主义史学理论与实践”，“文化形态史学理论与实践”。
第二部分以中国音乐学家对西方音乐美学的研究为主要研究对象，涉及音乐美学中的三个基本理论问题，并围绕中国音乐美学学会自XXXX年至XXXX年召开的六届年会中的热点问题，以及XXXX年的“兴城会议”、XXXX年的“第一届读书会”所涉及到的基础理论问题，分三章展开论述。
即“音乐美学的哲学基础、对象、方法”、“他律与自律及形式与内容”、“音乐的存在方式”。
第三部分以中国音乐学家对西方作曲家及其音乐作品的音乐分析为主要研究对象，针对曲式与作品分析、音乐分析学，以及音乐学分析等三个不同学术阶段的基本方法与理论诉求，分三章进行归纳与论述。
通过研究，揭示中国音乐学家在西方音乐研究的学术发展中自我创造、自我超越、自我参照、自我实现、自我批判的理论特色与学术品格。
音乐史论文
上了一学期的西方音乐史，我感觉受益非浅。
在还没有上西方音乐史之前，我只是个只喜欢听现代流行音乐的普通青年。
就连报这门选修课也是由于种种意外引发的结果。
记得上第一节课的时候，我是抱着超级无奈的心情来上课的，就听着老师介绍一堆乱七八糟我没接触过的东西，然后在黑板上画上乱七八糟看不懂的蝌蚪。
本来以为这门选修课估计我也就是混混日子过了，直到越后面，伴随着老师一次次深情并茂的介绍和一首首动听旋律的想起，我发现了西方音乐的优美之处，也至此慢慢爱上了这门课程。
正因为老师讲课入胜，治好了我上课打盹玩手机的问题，以致能让我更认真地听讲。
这一学期的时间里，我学到了很多我前所未知的知识，更充识了我对西方音乐的认识。
接下来我就讲讲在这门课上我到底学到了些什么知识。
在这些时间里，我通过课内课外主要了解西方音乐的6个时期的知识：古希腊时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期以及浪漫主义时期。
这6个时期，每一个时期都会本时期独特的特点。
古希腊时期主要讲的是古希腊音乐和古罗马音乐。
古希腊音乐中汲及到音乐形式、音乐思想家、音列体系的产生和主要的器乐，而古罗马继承和发展了古希腊音乐，但是也具有自己的特点。
中世纪时期音乐主要学到了发展初期的天主教音乐，格里高利圣咏的形成、功能和特征，还了解到了五线谱的发展过程以及产生的时间。
世俗音乐的发展和主要的器乐。
在没上西方音乐史之前，我真的不知道五线谱是怎么样产生了的？也不知道五线谱是什么时候产生的？直到学习了西方音乐史我才知道五线谱的产生时间和发展。
五线谱的前身是生产于8世纪的纽姆谱，大约在10世纪，音乐理论侬、作曲家、僧侣圭多发明了四线谱。
记谱法发展到13世纪时，德国音乐理论家弗兰克创作了有量记谱法，到15世纪时，线谱才渐渐定型为五线谱，由引产生了五线谱并一直延续至今，可见，五线谱的历史也算悠久。
文艺复兴时期我学到了和种音乐乐派，每一乐派都有自己独特的特点和标志，了解到了在中世纪发展起来的世俗音乐发展到文艺复兴时期产生了多种声乐体裁，并学习到了这一时期的乐器和器乐的发展。
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课程名称:《西方音乐史》
结课论文
论文名称: 印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析
学生姓名（学号）:
****:**
提交日期:2014年6月10日
2022年4月
印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析
不同于人们耳熟能详的古典主义乐派和浪漫主义乐派，很多人都不了解印象派音乐，也许是因为它乍听起来并不像人们一贯认为的那样悦耳，又也许是因为它的表达方式太过难以捉摸，它经历了一个不被理解和令人叹服的曲折过程。
德彪西正是这一伟大乐派的创始者，他创造的印象派音乐具有着划时代的革命意义，他的音乐颠覆了人们的听觉，带来了一种全新的听赏境界，而德彪西也被认为是二十世纪现代音乐的开创人物。
下面我就将自己的理解与阅读的资料融会起来谈谈我眼中的德彪西作品风格。
一、德彪西音乐风格的形成
德彪西的音乐天赋是有目共睹的，“7岁时，显示出对音乐的浓厚兴趣，深得钢琴家弗勒维尔夫人喜爱。
弗勒维尔夫人免费教他学习钢琴，直到德彪西11岁考入巴黎音乐学院后，还为他负担了大部分学费。
”但他在音乐学院上学时，虽然十分优秀，自己却深不满足。
他觉得音乐学院的教学过分保守拘古，与他内心的创新要求相去甚远。
他的内心始终向往着摆脱传统守旧思想的束缚，于是在音乐上经常做出一些特立独行的行为，比如常常在钢琴上连续弹奏一串串的增和弦、九和弦、十一和弦以及全音音阶等等，想以此寻求一种全新的听赏效果，也因此无法得到他人的理解，虽然坚持理想的过程是艰辛的，他也从未选择放弃。
后来他有机会接触到了一些格调新颖的俄罗斯作品以及与西方音乐完全不同的东方音乐，从中受到十分深刻的启发，还结识了很多印象派的诗人和画家，他们之间热烈的讨论成为他思想迸发的源泉。
逐渐的，在印象主义思潮的推动下，德彪西开辟了一个新的音乐艺术流派，他的作品中更强调音响在一瞬间给人的听觉印象，强调各个音响之间的相互对比和不断变化，并且在相当程度上模糊了在传统音乐中占突出地位的旋律轮廓线和明确的音响连接逻辑。
我阅读的书中是这样形容印象派音乐的，“印象派音乐喜欢反映微妙和难于捉摸的东西，而不喜欢堂皇、不朽的雄伟气派；喜欢暗示和隐喻，而不喜欢过分夸张、直率和毫无保留。
所以，模糊的轮廓，朦胧的色彩，不易分辨的色调变化，都是印象派音乐的明显标志；它所塑造的种种幻象、印象和气氛，都同莫奈的模糊印象、塞尚的奇异梦境、雷诺阿的美妙温柔、修拉的眩目精巧相对应。
”而显然这样的描述方式本身就充斥着一种玄幻其妙的色彩，似乎还是那么难以捉摸，更需要将这样抽象的概括具体看待。
为了能让德彪西的作品风格更加明朗化，我将选取他的几个代表作加以赏析。
二、代表作品赏析
1、《大海》
关于德彪西的《大海》究竟有多美，有个故事似乎很能说明问题，据说曾经有个人从未见过大海，但在听到德彪西的《大海》后，竟被感动得热泪盈眶，立誓一定要亲眼看看这波澜壮阔的自然奇景，结果，当他真的来到海边的时候，他却觉得真实的大海反而没办法给他带来震撼了，似乎也就不过如此。
待他旅游归来，得以再次欣赏德彪西的交响音画《大海》时，才找回当初的感觉，此时他不禁惊叹道：“哦，这才是大海啊！”可以见得，这首乐曲中饱含的情感与爆发力远远超过一般的认知，乐曲本身隐藏着巨大的鉴赏价值。
《大海》是德彪西创作的最大的一部交响音乐作品，堪称一部绚丽的音乐画卷。
这幅音画构思大胆新奇，主题贯穿全曲，管弦色彩较前更为鲜明精致，织体线条更加繁复缜密，它标志着德彪西的交响音乐创作已发展到了一个新阶段。
德彪西所描绘的大海并不是单纯的模仿其表象，他更多的是给人一种印象或情绪，每个人听后都会在头脑中呈现出一幅属于自己的大海之景，就如同有一千个读者就有一千个哈姆雷特一样。
该作品由三个不同内容的乐章组成，但每个乐章之间又有内在的联系，集中起来构成一部完整的作品。
第一乐章：《海上的黎明到中午》这一部分顺序描写了大海的潮水声。
夜幕缓慢地揭开，一丝光亮映照在海面上，随着旋律的变化，一轮红日渐渐升起，逐渐地增加了光辉，一幅开阔的大海黎明景色被生动地描绘出来。
天穹放亮，将黎明向正午推移。
海天由红呈紫，渐渐分出蓝碧。
丰富的色彩层次，在管弦精致繁复的织体结构中，得到绝妙的体现。
本乐章的整体风格从最初的宁静安详逐渐变得色彩斑斓，似乎作曲家是在用自己的彩笔在听者的灵魂中勾勒着一笔笔，又慢慢为其涂满了天空、云彩与阳光的千变万化之色，听罢内心实在充斥着一种舒畅之感，似乎就要迎来大海最生动美丽的时刻。
紧接着便是第二乐章《波浪的游戏》，音乐生动地描绘了白色的浪花拍击海岸时的情景，描写了可爱的小波浪来回动荡的音响。
海面终于不再那样寂静，它开始嬉笑玩闹，浪花翻滚，来来回回的击打着海岸，像是运用了拟人化的手法，德彪西将大海的“活泼”与“淘气”刻画的淋漓尽致，似乎能让听众将那一幅幅画面尽收眼底，精彩绝伦。
最后第三乐章《风和海的对话》翩翩而至，这一部分开始时，定音鼓的震音刻画出远方激动、飘浮着的雷声。
之后，音乐描写了海风吹到海面，引起阵阵骚乱的潮声，犹如风和海的对话。
就像一本小说进展到白热化的情节一样，乐曲迎来了真正的高潮，海面的平静终被打破，天气急转直下骤然恶化，暴风雨肆虐而至，千变万化的旋律突出了风和海的矛盾冲突，使整个乐章高潮迭起，此起彼伏，给人一种酣畅淋漓之感。
听过后内心的震撼让我觉得，这部作品描绘出的这幅引人入胜的大海波澜壮阔的景象，实在叫人惊叹，真正听懂其意境的人都会明白，德彪西带我们领略的是真正的大海。
2、《牧神午后》
《牧神午后》是一首梦幻一般的交响诗，是德彪西的第一部具有代表性的印象主义作品，可以认为，德彪西通过这一音诗而开创了一个新的时代，因而此曲被后人誉为“德彪西的第一颗管弦乐定时炸弹”。
是德彪西以象征派诗人马拉美的同名诗歌为蓝本，作出的一首音乐诗篇，又是一幅巧妙运用色彩和光线变化、笔触鲜丽动人的印象派画卷。
各种乐器都被调配出温柔的、梦幻般的音色，组合成一片颤动着的音响涟漪。
旋律中的和声效果尤为突出，使得音乐的明暗和疏密都具有千姿百态的娇柔和美感，鲜活的、清新的和声气氛中蕴藏着细腻敏感的情思，使音乐好像被赋予了一种奇妙的渗透力。
这音乐又好像把视觉、味觉、嗅觉和触觉结合在一起，散发着一种把梦幻气息和感官享受揉合起来的丰盈之美。
这整段乐曲只为描述一个如梦般的故事，即诗歌《牧神午后》，大意是通过牧神的独白，描述一幅幻想的神秘画面。
在一个懊热而倦怠的夏日午后，牧神在森林里醒来，脑子里恍惚记得自己遇见了两个美丽的山林女神，她们洁白如雪、光彩照人。
他狂热地把她们拥人怀中，可是她们不敢接受他的这种冲动的求爱，拒绝了他的拥抱。
这好像是一场幻梦，又仿佛是确实的经历——是幻是真他自己也说不上来。
森林里越来越暖和，牧神的头脑昏昏沉沉，也许这终究只是他脑子里离去了的幻影。
看到这样的故事情节，再结合乐曲一同欣赏，曲调间的起承转合，乐器与乐器间的交相辉映，似乎一切就都显得如此恰如其分了。
总而言之，在这部作品中，德彪西让不同乐器各自的音色和性能都得到了充分的利用。
它所获得的巨大成功，是德彪西将印象主义艺术特征与象征主义特征运用到音乐艺术中的一个典范。
三、总结
德彪西是一位与众不同的音乐家，他的作品不同于我们以往的认知，他的音乐是感性的语言，以色彩触动众人，带给人们无限联想，并激起心灵深处的共鸣，是完全不同于冷酷生硬和理智的艺术。
我曾经很认真的听过几首德彪西创作的交响乐，发现这些音乐的风格果然不能用常识去欣赏，就像我们欣赏梵高的画作一样，印象派这种流派单凭表面上的视觉和听觉根本捕捉不到作者心中真正想要表达的东西，很多时候我们更需要丰富的想象与联想，从不同的侧面和角度去猜测联系。
初初接触德彪西的印象派音乐，恕我愚钝，几首乐曲欣赏下来，我始终觉得晦涩难懂，于是又去搜寻了很多他人的赏析，再结合起来欣赏才有了瞬间恍然大悟的感觉，虽然听过很多西方音乐，但我现在觉得，德彪西的音乐带给我的是绝无仅有的震撼！。