《水彩画的欣赏与实践》

《水彩画的欣赏与实践》课程学习指导石增琇1、课程背景介绍水彩画，源自西方，成熟于英国，传播在欧洲。

十六世纪以来，一些描绘优美动人的风景画，在英国广为流传。

欧洲工业革命以后，出于对喧嚣的城市文明的反感，歌颂大自然、赞美乡村生活和田园风光的水彩画受到人们的欢迎。

许多画家也都在创作草图和绘画中广泛地使用水彩。

十九世纪末，水彩画对印象派产生很大的影响。

自印象派和印象派之后直至二十世纪的许多绘画流派的大师们，也都留下了大量精美的水彩画作品。

二十世纪以来,欧洲、美洲、亚洲举办的水彩画大型展览层出不穷。

水彩在中国一经传入便很快的被国人所接受和欢迎。

经过了百余年的发展，无论是少儿习画，还是专业培训；无论在中小学的基础教育，还是在高等美术院校，水彩画教育蔚然成风。

经历了几代画家们的努力、探索，创造出绚丽的中国水彩画艺术，贯通古今，融会西中。

随着时代的发展，在我国社会主义建设的各个历史时期，水彩艺术家们始终用手中的画笔在歌颂着祖国的伟大，山川的秀丽；歌颂着生活的美好，劳动的光荣。

改革开放以来，中国的水彩画重新崛起。

特别是最近十年，随着全国美展和全国性水彩画的大型展览的举办，水彩艺术得到了空前的发展、提高与繁荣，同油画、中国画、版画、雕塑并驾齐驱。

本课程使用的教材是以广东美院等十五个艺术院校合编的《水彩》为基础，结合我自己实际教学中的一些体会，进行了编撰。

今后还要根据大家的实际需要不断的改进、充实、提高教材的质量，使教材更加完善。

2、课程内容介绍本课程主要从六个章节，详细地介绍水彩艺术的发展历史、主要技法、训练方法及要点和国内外水彩画家的作品赏析，从宏观到具体技巧；从欣赏到亲自动手，为学习者提供了较为全面的知识和指导。

基本内容包括：概论部分介绍了水彩画的特点及表现语言、水彩画发展简史及水彩画在绘画训练中的作用与地位。

色彩基础知识部分讲解了色彩学原理和在绘画中的应用。

水彩画的材料与技法部分介绍了水彩画的工具与材料、水彩画的技法在水彩画中的基本应用知识。

水彩画写生的方法与步骤部分较为详细的讲授了水彩静物、风景、人物、半身、全身像以及人体的写生方法与步骤。

水彩画创作部分讨论了有关水彩画创作的相关问题。

在水彩画欣赏的章节中，对国内外及天津的水彩画家和他们的作品做了简介。

3、课程学习方法的指导本课程的学习主要分为两种类型。

第一种是专业型。

作为专业的美术教员再继续教育的提高进修中对水彩的学习使用，是较为全面的系统学习。

学院可按部就班的进行。

1-3年的教师，可选一至三章内容。

4-10年的教师可选四至六章的内容。

11年以上的教师视需要选修全科的任意部分（水彩静物、风景、人物、半身、全身像、人体的写生和创作）。

第二种是入门型。

其他学科的学员队水彩艺术从了解、学习、欣赏等角度出发，接触水彩画。

可根据自己的具体情况选修一至三章、六章的部分章节或全部内容。

4、课程内容要点①内容要点及概述第一章概论第一节水彩画的特点及表现语言一、水彩画的特点二、水彩画的表现语言(一)、水色韵昧水彩画的“韵”，既指水色交融的“节奏韵律”，也指因画面形神妙达所产生的“气韵”、“神韵”及带给欣赏者的无穷“韵味”。

水彩画的“韵”，离不开水彩画的重要媒介——水。

水的轻盈、透明和流动性，色彩的透明感，使画面构图的形式结构、章法体势更容易产生一种音乐的节奏韵律美，故水彩画又有“小夜曲”之称。

这种韵律美，或通过线条的粗细、构图的疏密来表现，或通过干湿交融、色彩浓淡来达到。

同时，水彩画所产生的“韵”，不仅仅包含节奏之韵，更为重要的是水的不确定性及水色交融后在画纸上所产生的意想不到的多样性，让欣赏者产生丰富的联想，从而获得“言有尽而意无穷”的审美趣味。

（二）、纸、笔效果第二节水彩画发展简史水彩画是人类劳动的产物，是从原始社会就已经开始出现的艺术形式之一。

但水彩画真正发展成为独立画种，则主要是通过英国水彩画家们的努力来完成的。

18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。

因此，人们把英国作为水彩画的发源地。

被称为“英国水彩画之父”的保罗.桑德比(Paul Sand- by,1725-1809)，在绘制大量的地形画过程中，把从纪录性为目的的地形画，推向表现自然的欣赏性风景画。

在色彩上突破前人的局限而追求真实的光色效果，显示了水彩画表现阳光和空气的能力，将色彩与水彩画的表现技巧向前推进了一大步。

威廉.透纳(William Tumer,1775-1851) 使英国水彩画达到繁荣的顶峰。

他既以油画著称，又是水彩画史上的巨匠。

他在色彩与空气表现技巧方面作了大量的尝试和革新，他的画解除了线条与淡彩的束缚，使水彩走入色彩表现的新境界，形成异常独特的风格，成为水彩画发展史上的转折点。

19世纪末20世纪初，法国画家塞尚(P.Cezanne,1839-1906)的绘画表现手法则对后世影响极深。

他认为自然不只是表面的，而有它的深度。

他在水彩画上的留白，表现了白色本身机能上的感觉，他的分面笔触，高度概括又准确肯定，具有深刻的推理，给予后世水彩画家许多启发。

同时，现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为20世纪以来新崛起的“水彩画王国”。

流派纷呈，画家众多，每年举行一次的画会年展，推动着水彩画的进一步繁荣和发展。

我国水彩画的起源，可以上溯到5000年以前的新石器时代。

魏晋南北朝时期，佛教传入中国，水彩画表现手段更为完善。

明清时期，西学东渐，西方水彩画传入中国。

有不少英国水彩画家来到中国。

西洋水彩画的性能特点与中国传统绘画的艺术情趣所具有的异曲同工之妙，使西洋水彩画很快得到国人的欣赏、接纳，并为一些画家借鉴。

水彩画在我国的艺术园地逐步成长并有了很大发展。

鸦片战争后，上海开办土山湾国画馆，系统地传授西洋绘画技法，引进水彩画，为我国培养了最早的西洋画人才和最早的水彩画家。

清末名家任伯年所画册页，明显吸收了不少水彩画技法。

徐泳清所著《水彩画风景写生法》，可谓我国最早的水彩画理论技法书籍。

民国初，在蔡元培的倡导和扶植下，我国出现了一批依照西方美术教育的模式进行教学的美术学校，以写生的方法传授素描、水彩画、油画。

1912年创办上海美术院(上海美专前身)，刘海粟、潘思同等担任水彩画教学。

1918年成立国立北京艺术专科学校(后改为北平艺专)，担任水彩画教学的有灵法鼎、李毅士等。

1928年国立中央大学艺术系成立，李叔同、徐悲鸿等从事西画教学。

同年，在杭州成立国立艺术院(后更名为国立杭州艺术专科学校)，林风眠、吴大羽在此任教……这些学校培养出了一大批杰出的水彩画画家，如陈秋草、李剑晨、李有行、王肇民等，中国水彩画的发展出现了第一个高潮，水彩画家队伍不断扩大，作品风格日趋多样化。

新中国成立后，在“百花齐放、百家争鸣”方针的指引下，水彩画蓬勃发展。

画家们深入生活，用水彩画来反映新中国的新面貌，写实风格得以确立，奠定了中国水彩画重写实的传统模式。

改革开放后，随着中西文化交流的增加，中国水彩画再次崛起。

中国水彩画家在吸收西洋传统技法精华的同时，将自己深厚的传统文化、哲学观念、生活体念融合其中，不断探索，寻找着水彩画发展的新方向，水彩画逐渐从单一的传统模式向多样的现代形态转变。

第三节水彩画在绘画训练中的作用与地位一、通过水彩画的训练掌握色彩规律及绘画方法水彩画是以水与色的交融而形成的画种。

它主要借助于光在物体上产生的明暗关系和色彩变化来进行物体的塑造，是真实客观地对事物的形态、色彩和特征作深入刻画的绘画形式。

长期以来，人们通过水彩对客观事物的造型与色彩等因素和艺术表现法则进行全面认识和研究，水彩画成为色彩的科学表现的典范。

二、水彩画与其它画种的联系与区别三、大胆探索、不断创新，是水彩画不断发展源泉和动力在表现风格上，水彩画还应不断追求色彩的丰富，光影的变化，装饰的趣味，水的淋漓，塑造的极至等等。

只有敢于探索，勇于实践，破除现有的观念和模式，才能发挥水彩画的所有功能，推动水彩画的繁荣和发展。

第二章色彩基础知识第一节色彩原理第二节色彩基础知识第三节色彩在绘画中的应用第四节色彩写生的基本方法第五节水彩画特有的表现方法一、水彩画的观察方法二、水彩画的着色程序三、水彩画的用笔第三章水彩画的工具材料第一节水彩画的工具与材料第二节水彩画的技法技法是在绘画实践中所形成的，是画家准确表达创作意图，塑造画面形象的一种绘画语言。

通常干湿两种画法都结合在一起使用，随着技法的演变和工具材料的更新，实验性的绘画创作将材料运用到极致，作者将情感与技法融入作品中，获得特殊的艺术效果，使水彩画产生了新的生命力。

一、水彩画的基本技法(一)干画法干画法是指前一遍色彩干透后，再进行多次重叠与覆盖的作画方法。

干画法在行笔运色过程中笔触与水迹明显，不需要水色衍接，运用色块和色块之间的衔接塑造形象。

用笔干脆利落，边线分明，是干画法的一种技巧。

包含叠加法、留白法、枯笔法和并置法。

(二)湿画法湿画法是在湿润的纸上或尚未干透的色层上再上一遍色彩的作画方法。

画面的色彩在未干时相互流动，形成水色交融、湿润柔和的效果。

包含湿重叠法、破色法、湿接法、晕染法和沉淀法。

二、水彩画的肌理运用表现不同物体质感的肌理效果，是水彩画的特殊技法之一，其目的是提高水彩画的表现力。

肌理是由颜料或各种相关工具材料通过各种不同的手段而形成的各种不同的画面效果，这种制作方法通常指用笔以外的工具帮助完成的特殊手段。

我们将水彩画中形成的各种肌理方法归纳为两类：一种是运用工具在画面上产生的特殊效果，称之为工具肌理；另一种是其他材料与水彩颜料的混合产生的肌理效果，称之为材料肌理。

第四章水彩画写生的方法与步骤水彩画写生的题材非常广泛,就写生对象的类别而言,可以大致分为静物写生、风景写生、人物写生和人体写生。

水彩画写生的意义在于画家通过直接面对事物和大自然,从而对大自然与生活进行深入的体验、观察和理解,加深对色彩的认识,为学习水彩画提供训练的机会。

水彩画写生的表现手段、形式和风格千变万化,但必须区别于水彩画创作,要遵循忠实于对象的原则,要善于观察对象,将观察之所得,用心灵去感悟,提炼取舍,从而提高水彩画的表现能力。

第一节水彩静物写生的方法与步骤静物写生在色彩和构图上,有着特殊的要求。

由于水彩画颜料自身的特点,作画过程一般遵从由浅到深、由湿到干、由整体到局部的作画全过程的原则。

对不同物体的特征、质感、重量感、色彩关系、空间和明暗关系等,必须有比较准确的表现。

既要有高度的概括,又必须有深入、生动的刻画,要有感而发。

通过观察体验,把获得的形体感受,通过线条、明暗、色彩,以及相应的渲染和笔触加以表现,做到“形神兼备,以形写神”。

在写生中,我们必须解决的首要问题是观察方法的问题。

无论对象是简单还是复杂,都必须作或长或短的观察体验和理解,找出具体、明确的形象特征,在大脑中形成强烈的印象,对比例、透视、明度、质感、重量、体积、空间都有明确的认识,然后才能胸有成竹,有效地表现对象。