当代架上雕塑展示研究

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对现代雕塑新观念

对现代雕塑新观念的探索内容摘要：现代雕塑的发展，是人们在不断的空间探索中完成的。

而新观念的出现为“现成品”雕塑艺术的产生的提供了可能性，社会经济和商业文化的发展又促进了“现成品”雕塑艺术的发展，现成品艺术又区别于装置艺术，从西方工业产品的应用一直到中国现成品艺术的波普化，日常化和大众化经历了中西文化的裂变和融合的过程。

关键词：现成品、波普化、观念、超现实主义、达达主义中图分类号：j3 文献标识码：a 文章编号：雕塑艺术的产生有深厚的历史的、文化的渊源。

但雕塑的发展离不开对空间、材料和新观念的不断探索。

人类最早雕塑只能运用自然材料，如黏土、木头、石快、骨头等。

后来陶器的出现，意味着人工材料的出现。

冶金技术发展，金属材料的应用，对雕塑起了重要的作用。

到现代，随着科学技术的日新月异，新材料、新工艺的出现和使用，产生了许多新的雕塑方式，令人目不暇接。

电脑，计算机、激光等也引进了雕塑领域，使雕塑的范围更加宽泛了。

艺术发展的无极限及艺术多元化的并存，使雕塑艺术与其他艺术方式的边界变得更加模糊。

随着现代雕塑的发展，艺术家们对雕塑空间形式的兴趣更浓了，从静止的到活动的，从对追求文化意味到表现一种观念，所以现在雕塑艺术包含了众多既要有主要以现成品为材料的波普艺术，也包括了活动雕塑、大地雕塑、金属雕塑、甚至电视雕塑（视像艺术）等，同时也有应用传统材料结合观念因素的架上雕塑的一席之地，观念因素对雕塑的介入是当代艺术发展的必然逻辑。

在人类艺术创造越来越注重观念因素的当代及后世，拘泥于材料的物理特性，对创造的思维绝对是一种束缚。

（一）观念艺术的介入之源，理所当然地要回溯到杜尚那里，马塞尔·.杜尚是一个声称对观念本身比对最后完成的作品更感兴趣的法国青年艺术家。

1913年他完成了20世纪雕塑的两项重要的革新——活动雕塑和现成品雕塑。

可惜他并未追究活动雕塑的各种可能性，他的“现成品”则影响后来的新达达主义，超现实主义以及波普艺术。

关于架上绘画与现代设计的差异性分析

的产品。
同时要考虑各种方面的因素，要寻找最佳的表达方法，要把自
己的感觉翻译成大众能够理解的有效视觉语言。如香港著名的国际平面设计大师靳埭强先生所言：设计异于绘画的地方 “
三、上绘画与现代设计的关联架
文中讲的“ 架上绘画” 是纯艺术的一种，就是指放置在画
２１年９月００Ｓｏ２ ຫໍສະໝຸດ ｅ．００文海艺苑
ＵＴＥＲＡＲＹＧＡＬＬＥＲＹ
关于架上绘画与现代设计的差异性分析
汪洪洋
（昌工程学院，西南昌３０９）南江３０９
摘要：架上绘画与现代设计是有差异性的，现代设计不同于架上绘画作品的是，现代设计是一种与特
现代设计者所担任的是多重角色，需要知己知彼，又需要教育体系奠定了基础。在两者的结合上，靳埭强先生就是最好的证明，他把现代设计思想和中国传统水墨有机结合，出了设计的民族特色，突
经典。
再次证明了“ 民族的就是世界的” 他人，你事实上是“ 出卖 ” 感情的人。认识和把握市场，有助于从而立足于国际设计之林，画家与设计师都需要有很高的绘画功底和艺术素质，具
此设计师的工作要与社会价值相联系，与人的需求相联系。
有高水平的审美情趣，追根溯源二者往往是彼此间相互渗透，
四、语结
架上绘画更强调主观情感的表达，艺术家可以完全按照相辅相成。
自己的欣赏方式，体现强烈的自我意识与自我表现，侧重更
于自身风格和精神内涵的呈现与现代设计最大的不同就是绘代设计要小很多，艺术家的创作空间更为自由。这方面，印后象主义巨匠梵高无疑是最具典型的代表意义。梵高的创作无疑是极具个性化的，个性的作品中能看处他的狂妄不羁和苦

超现实中的现实——关于杨明雕塑

超现实中的现实——关于杨明雕塑易英雕塑在当代艺术门类中构成了⼀种⾮常复杂的语汇,在功能与审美之间，它显⽰出⽐其它门类更⼤的包容性。

对传统雕塑语⾔的挑战来⾃建筑、装置和绘画。

杨明的雕塑也是如此，不过他是⼩⼼翼翼地⾛在雕塑与绘画之间，他是以架上雕塑的形态来陈述绘画性的问题。

在西⽅美术史中，⾃⽶开朗基罗以后，雕塑⽇益绘画化，到19世纪末这种绘画性已被视为学院主义的堕落。

诞⽣了罗丹及其后的现代主义的雕塑语⾔纯化。

于是,雕塑的绘画被⼈遗忘了。

波普艺术和装置艺术的出现，宣告了现代主义形式主义规范的解体，随着这种解体，当然也引发了雕塑语⾔的多元化问题，事实上，语⾔不再是⼀种障碍和标准，关键在于怎样有效地表达当代⽂化的主题。

杨明雕塑的绘画性实际上是⼀种隐藏的陈述性，把个⼈对⼈⽣的感受直观地表现出来。

他的作品排除了雕塑的⼀般性功能，只突出了他所要陈述的东西。

但是他的陈述并不是编⼀个通俗的故事，捏⼏个泥⼈互相做戏，⽽是⽤个⼈的话语来表达个⼈的情绪，在简单的形式中创造了⼀个超现实的境界。

如果从形式上看，杨明的雕塑很容易类⽐达利的超现实主义，甚⾄可以设想他是在以独特的技术来模仿达利的绘画效果。

但是杨明似乎没有达利那种象征主义的隐喻和晦涩，不想在潜意识中追问⼈的⽣存这种哲学式的问题。

在他的作品中与雕塑语⾔最为接近的那⼀部分是⽆环境⽆背景的形的独⽴性，他通过这种语⾔表达了⼀种孤独和困惑，⼀种个⼈的⽣活境遇，或者个⼈在⾯对他的环境时的所感。

这是⼀种逃避深刻的深刻。

他的作品有很多⾮常⽣活化的标题，如《黄昏Ι》和《午》等，这不是在有意寻找什么象征性的主题，只是为了塑造⼀个形象，借助于⽣活中的记忆和印象让形象显现出来。

因此，我们看他的作品时没有那种精神的压⼒和意义的感召，只是让同样的印象和记忆来获得对作品的同情。

我们可以从他的作品中想黄昏⼣照下的⽼⼈，和颠沛于⼈⽣途中的旅⼈。

这是⼀种最普通的经验。

但是杨明⼜不是⽤波普式的⼿段来复制⽣活（这种⼿法⽬前在⼀些青年雕塑家中很流⾏），他通过⼈的造型营造了⼀个超现实的⽓氛，暗⽰了⼈在特定精神空间中的状态。

当代陶瓷雕塑现状与发展趋势研究

当代陶瓷雕塑现状与发展趋势研究当下陶瓷雕塑伴随着时代艺术背景及工艺发展逐渐变化，早期先锋雕塑家加入现代陶艺运动，带来了艺术新审美、新观念的注入，拓宽当代陶瓷雕塑审美及对材料工艺重新重视，在艺术创造领域的探究与思辨不断发生，陶瓷雕塑亦脱离过往亦步亦趋的传统守成模式，呈现出当下陶瓷雕塑发展的新气象。

一、现代陶艺运动的兴起拓宽了陶瓷雕塑的审美现代陶艺运动在上世纪80年代对陶瓷材质和陶瓷属性进行了重新审视，冲击了传统陶艺的固化审美。

在现代陶艺运动影响下，陶瓷雕塑艺术家开始不满旧时精美娇饰的固定框架，转向探索由陶艺运动引发的对泥感知觉的重视，由此拓宽陶瓷雕塑审美表现及审美语域，其主要的表现为两点，第一为对陶瓷材料语言架构中肌理审美进行的广泛探求；第二为对作品整体塑形中残缺美的理解运用。

现代陶艺对泥感知觉的重视，影响陶瓷雕塑更注重造型中的徒手成型方式，常用泥条成型、泥板成型、泥片成型，重溯雕塑造型过程中对泥感的认知。

虽在唐宋时期已有泥感成型的方式，现代陶艺运动引发作品中的泥感呈现，也与宋代出土的雕塑不谋而合，但其弱化了过往陶瓷雕塑中模具代替的手段，更注重对泥料本身知感及材料属性的表达方式，同时探究更多地对泥料随机性的把控，显现出泥料在成型过程中所焕发的独特美感，由此拓展陶瓷雕塑美感形式的前提，引发陶瓷雕塑后续追求“肌理美”“残缺美”的美感形式。

肌理美，是指材料在作品中以裸露或半裸露出规则或不规则纹路的重复，形成独特美感。

这种肌理最初衍生自陶瓷泥味的追求，泥料肌理无限性的表达方式丰富了作品表现力，泥性材料的试验性、不可确定性，也促发陶瓷雕塑家致力探求陶瓷材料肌理与雕塑造型的契合关系。

其后逐渐发展，也不乏发展出对釉色美感肌理的丰富呈现形式，在釉料与泥料肌理冲突、碰撞、融合中，形成众多不同形式的“肌理美”陶瓷雕塑作品。

残缺美，由于肌理效果的出现，以及徒手泥感追求，打破旧时陶瓷工艺中光洁面的审美局限及审美标准，雕塑整体造型上亦发生新的美感探索——或多或少在造型过程中留下残缺部分，这种“残缺”是肌理美感和泥性材料本身所带来摘要：本文对当代陶瓷雕塑的现状与发展趋势进行浅谈分析，由现代陶艺运动拓宽陶瓷雕塑审美开始，至陶瓷材料发展的多样化融合、工艺手段不断地创新的趋势下，当代陶瓷雕塑呈现出强大的实验性，并从工艺美术转向艺术化的意识形态追求，从传统共性审美逐渐走向个性审美多元化发展趋势。

谢常勇：“架上”盛开青铜之花

谢常勇：“架上”盛开青铜之花文/王庆梅Xie Changyong: Bronze Blooms Flourish on the Easel有人说，绘画语言是画家的心灵写照，必然折射出心灵的气质。

出生于1969年的谢常勇，是一个专注油画语言魅力、对油画语言革新有强烈愿望的画家。

这从谢常勇艺术创作的经历中可窥见一斑。

谢常勇自幼喜欢画画，1989年进入四川美术学院油画专业，师从著名油画家、四川美院院长庞茂琨先生。

这一年，恰巧赶上教育模式改革——从更关注油画技艺到艺术家创造欲望的启迪、呵护和守望，这为谢常勇日后创作中不断探索与尝试，提供了强大的底气和能量：绘画首先是一种技艺，但又不仅仅是一种技艺，它需要的是画家多向度的探索和整个生命的投入。

1993年，从四川美院毕业的谢常勇来到乐山，至今已有20多年。

20多年间，他除了课徒授业尽教师本分外，就潜心创作等待完美谍变。

他从未放弃对艺术的虔诚践行和独立思考，每一幅作品，或风景，或人物，均承载着他多年来的梦想和执着。

“梦回”系列是谢常勇比较早期的作品，致力于追求古典唯美又浪漫感伤的格调。

他以细腻写实的笔调，独特的画面构成，将女性与自然、女性与历史陈迹并置，客观上消解了画面的情节性和叙述性，以自我的情感逻辑将画面的表现性推向了极致，具有鲜明的个人风格。

成熟的画家，在审美取向上往往是多元的。

谢常勇在抒写自己唯美感伤和神秘梦境的同时，也展开了另一类画风的探索，这就是“青铜的辉光”系列。

然而，探索谈何容易，创新何其艰难。

这需要画家不断突破，寻求新的表现语言。

说起谢常勇，知之者不多，但要说他的青铜风格油画，有人则会恍然：“哦，是他！”这或许就是绘画语言的魅力,令人记忆尤深。

就如说到画虾，人们会想到齐白石，说到画竹，自然是郑板桥，而画马，则是徐悲鸿了。

在油画界，将唯美古典与斑驳青铜融合的相得益彰的，则非谢常勇莫属了。

由是，他的画无论摆在哪里，总是一眼就能被认出来。

8月16日-20日，谢常勇带着他的精品之作来到泉城，在荣宝·京行艺术馆举办十艺济南·书画泉城“青铜的辉光”油画作品展，与济南人一起分享他的青铜艺术之美，给这片文艺沃土注入新的元素与希望。

“架上雕塑”的创作及发展趋势

“架上雕塑”的创作及发展趋势作者：陈戈阳来源：《速读·中旬》2019年第07期◆摘要：随着雕塑艺术形态的多元化发展，“架上雕塑”受到的冲击和考验是巨大的。

在“当代性”已发生且不可逆转的当下，“架上雕塑”的创作是否具有一定的局限因素、其发展方向及审美是否仍占据雕塑艺术的主要地位。

本文将先阐述“架上雕塑”的概念，随后再从“架上雕塑”的创作现状去思考它的未来发展。

◆关键词：“架上雕塑”；创作；发展趋势一、“架上雕塑”的概念（一）概念界定“架上雕塑”，由学院派雕塑创作理念的密切维系。

早在上世纪中叶，“架上”一词便成了保守的代名词，而且顾名思义，“架上雕塑”即为在轴架上完成的雕塑。

由雕塑家在支架上完成雕塑，作品不会依附于外界建筑体，作为艺术作品表达雕塑家的认知并且能够单独存在的雕塑。

历史早期的“架上雕塑”一般以写实具象的造型为主。

“架上雕塑”一般不依附于其他物体而独立存在，因为“架上雕塑”的体量相对城市雕塑来说，比较小方且方便移动，所以受到公共环境因素的制约小。

“架上雕塑”的创作风格比较明显，探索性很強，所以每个“架上雕塑”作品往往包含创作者对于这个世界的看法，以及他对情感的认知、关系的探索、技法的表达等等，也正是因为如此，“架上雕塑”能够充分展现雕塑家的艺术修养。

与此相对的便是“非架上”。

然“非架上”往往是指装置艺术、行为艺术、数字艺术、新媒体艺术等等。

这些艺术门类的边界趋于模糊，并且“非架上”的本质是要走出传统架上雕塑艺术以支架为承托的关系，形成崭新的、独立的体系。

（二）“架上雕塑”创作的主要特征“架上雕塑”的创作有个很突出的特点，就是和雕塑者之间的关联度高。

“架上雕塑”作品往往都是充满了这个雕塑者个人的风格、情趣和意志，也就是说，一件架上雕塑作品的艺术气息越浓郁，说明越雕塑者融入的思想和才情越丰厚。

和城市里常见的城市雕塑不同，我们探讨的架上雕塑的创作是雕塑者的艺术，更能体现其情绪、情感及创作意图和技法的展示，也更具个人风格，也正是如此，架上雕塑的概念并没有一个学术界的官方规定，而是一个约定俗成的雕塑类别。

架上雕塑的名词解释

架上雕塑的名词解释在艺术世界中，雕塑被视为一种创造性的艺术形式，常常通过石材、木材、金属等材料来表现艺术家的创作理念。

然而，随着时间的推移，一个新的概念逐渐崭露头角，引起了广泛的讨论和关注――架上雕塑。

那么，什么是架上雕塑？为什么它成为当代艺术的一个重要方面？让我们深入探讨这个话题。

首先，我们需要了解什么是架上雕塑。

与传统雕塑相比，架上雕塑通常是指那些摆放在架子、台子或展示架上的三维艺术作品。

它们可以通过各种材料制作，如陶瓷、塑料、玻璃、纸张等。

与在地面上安置的雕塑不同，架上雕塑在高度和立体感上有很大的变化，使观众可以通过各种角度来欣赏并理解艺术家的创作意图。

架上雕塑逐渐成为当代艺术的一个重要方面，有几个原因可以解释这一现象。

首先，架上雕塑使得作品更具可观赏性和触及性。

观众不需要弯腰或仔细观察，他们可以轻松地欣赏到摆放在架子上的作品。

这种便捷的观看方式促进了艺术作品与观众之间的互动，使得艺术更加普及和接地气。

其次，架上雕塑还提供了更多的创作空间和自由性。

与地面上的雕塑相比，架上雕塑更容易被移动和重新摆放。

艺术家可以在设计作品时更加自由地选择材料和构图。

此外，由于作品不受地面限制，艺术家可以更大胆地创造引人注目的形式和结构。

此外，架上雕塑还在一定程度上打破了传统美术界的约束，为艺术家提供了新的表现方式。

虽然雕塑一直以来都倾向于被视为较为稳定和稳重的艺术形式，但随着时代的变迁，现代艺术探索新的方式来打破传统的界限。

架上雕塑赋予了艺术家更大的自由，使他们能够突破常规的创作形式，以一种独特而前卫的方式表达自己的内心世界。

最后，架上雕塑还为观众带来了与艺术作品互动的机会。

观众可以在艺术品前走动，并从不同角度来观察，这种参与感给予了观众更多的思考和体验的空间。

而且，架上雕塑通常是明显悬浮、自立的，这种独特的展示形式也会吸引许多人的注意力，增添了参观展览的趣味性。

总之，架上雕塑是一种令人振奋的艺术形式，通过引人注目的展示方式和与观众的互动，为人们带来了新鲜的视觉体验和思考空间。

大型雕塑结构设计实例分析

ａｄｄｓｇｈｕｄｂｅｆｒｅ．Ａｃｏｄｎｏｔｅｔｐｃｌｐｏｅｔａｄｔｅｏｊｃｉｅｏｅｓｃｐｒｏｍａｃ，ｍｏｅｎｅｉｎｓｏｌｅｐｒｏｍｄｃｒｉｇｔｈｙｉａｒｊｃｎｈｂｅｔｖｆｓｉｍｉｅｆｒｎｅｒａａｙｅａｅｂｅｅｆｒｄｆｏｓｖｒｌｎｌｓｔｎｕｅｔｅｓｆｔｎｉｎｓｆｔｅｐｏｅｔｎｌｓｓｈｖｅｎｐｒｏｍｅｒｍｅｅａａｇｅｏｅｓｒｈａｅｙａｄｆｔｅｓｏｈｒｊｃ．
ＫＥＹＷＯＲＤＳ：ａｇｃｌｔｒ；ｃｍｐｉａｅｉｈｒｓ；ｓｉｍｉｅｆｒｎｅｂｓｄｄｓｇｌｒｅｓｕｐｕｅｏｌｔｄｈｇ — ｉｅｅｓｃｐｒｏｍａｃ－ａｅｅｉｎｃ
１工程概况
工程设计
大型雕塑结构设计实例分析
赵广名刘子龙齐煜王洪柱黄杰郭会强万叶青
（械工业第四设计研究院，河南洛阳机摘４１３）７０９
要：于大型雕塑的形态复杂多样，结构受力状况也随之变化，此，塑的结构设计无法直接遵循现行设混凝土部分框支剪力下
３２
收稿日期：０２— ２一Ｏ２１０１
钢结构２１０２年第‘ 第２４期７卷总第１８期５
ＡＮＡＬＹＳＩＦＴＨＥＴＲＵＣＴＵＲＡＬＳＯＳＤＥＳＩＧＮｏＦＬＡＲＧＥＡＢＵＤＤＨＡＣＵＬＰＴＵＲＥＳ

英国当代主要公共雕塑及雕塑家的调研-最新年文档

英国当代主要公共雕塑及雕塑家的调研一、英国当代公共雕塑简介英国的当代公共雕塑应该从第二次世界大战结束后的亨利?摩尔的雕塑开始，随后涌现出了一批雕塑作品。

雕塑不仅摆放在城市的公共广场、街心花园和街道两侧，而且还出现在广阔的乡间绿地和高地上。

亨利?摩尔（Henry Moore）和安东尼?戈姆利（Antony Gormley）都是公共雕塑的倡导者和实行者。

当然，女雕塑家爱丽莎贝斯?弗瑞克（Elisabeth Frink）也是一位杰出的代表。

大多数英国的公共雕塑是临时决定的，一方面由地方文化委员会决定，另一方面由一个特别委员会决定。

虽然在英国全国有许多的艺术团体，但没有真正的政府机构来计划安排环境或公共雕塑。

英国没有执行城市雕塑许可证的系统。

但英国有一些组织，公共艺术发展基金（PADT）是其中的一个，它委托并监督公共雕塑的安装。

这些艺术组织和基金会大多数是私企的，但英格兰艺术委员会的一些资金来源于政府。

在英国具有意义的标志性雕塑是安东尼?戈姆利（Antony Gormley’s）在盖特塞特的《北方的天使》（见图1）。

另一个是受马克?沃林格（Mark Wallinger）委托建在欧洲隧道――伦敦线上的艾贝斯费特（Ebbsfleet）。

在伦敦特拉法加广场的第四基底项目是目前展现一些艺术家的很好的范例。

近年来，在英国比较有影响的雕塑家中，安东尼?戈姆利是数第一位的，当然，还有爱丽莎贝斯?弗瑞克、布鲁斯?麦考林、菲利普?金、安东尼?卡罗、理查德?迪肯、安尼士?库伯和雷切尔?怀特里得等人。

二、雕塑家亨利?摩尔亨利?摩尔是20世纪英国最杰出的雕塑家之一，也是世界上最具影响力的艺术家之一，其雕塑不仅对英国的雕塑，同时也对西方的雕塑起到了承上启下的作用。

亨利?摩尔对雕塑最大的贡献是把架上雕塑推到了绿地、室外，使雕塑进入了公共空间。

亨利?摩尔曾经说：“雕塑是一种露天的艺术。

它需要日光、阳光，对我而言，自然是它最好的状态和补充。

谈当代“具像表现”绘画思潮

文艺评论
谈当代具像表现”绘画思潮 “
豪必斯（宁夏大学７０２）５０１
干脆对本身发了问。可杜桑现代艺术的反叛在其追随者那里恰恰得到的是肯定。以生活日用 ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ堆积、摆放的装置艺术，以大众消费形象为媒介的波普艺术，以个人或团体行动为主的行为艺术，以自然为媒体的大地艺术，以及光效应艺术、人身艺术，涂鸦艺
至今，在西方它仍属少数人所为。而对于中国美术界而言，则是在１９年４由中国美术学院（浙江美院）聘请旅法著名９３月原画家司徒立为客座教授，举行了为期四周的现代具像表现绘画讲习班。司徒立先生系统地介绍了当代具像绘画基础方法论，为国美的教学改革留下了积极而开阔的思路。司徒立先生凭着他特有的东方血统和气质，赋予其作品以诗一般的浓度和神秘的形而上的象征意义，他画中十分透澈的结构分析，令人不难看出他对塞尚绘画的深入研究，已经达到豁然贯通的意境。使他作品的取材、意念和表现决定了他那种严谨的崇尚风格，也就是当今西方画坛历经不衰的 “ 现代的崇尚风格具像绘画 ”。后虽然身处现代之中，却自始至终不被潮流所左右，坚持对传统的学习进行架上具象绘画。如巴尔蒂斯、洛佩斯、斯潘赛等人。让我们从德兰说起，因为有人说他是首先对现代主义进行反思者。作为野兽主义内部除马蒂斯之外的二号人物德兰积极投身于野兽主义，而且他还是早期立体主义的奠基人之一。适时诗人沙洛蒙赞许他为现代主义的 “ 准时间器 ”。在加入野兽主义标后的第二年（９６），德兰便脱离了野兽派。而后加入立体主１０年义。不久，他又再次抽身而走，并重新去卢浮宫，临摹古代大师的作品。于是德兰的画面重新回到了传统的具像绘画上来。关于自己脱离现代主义这一事实，德兰宣称： “ 们的错误在于在某我种程度上害怕描摹生活，并远离现实 ” 。德兰的行为现代派内部称其为 “ 变 ”。毕加索曾言道： “ 战使很多人走上了岐叛二途。 ”此话使我们品味。贾科梅蒂，瑞典人。早年在巴黎全身心投入表现主义、超现实主义之中。１３年前后，他看到文艺复兴大师卡拉瓦乔的大型９５回顾展之后，毅然地回到了具像绘画上。时正值现代主义盛典，他却开始了对桌上的一苹果进行多次写生，回归视觉的直观。由此开始了他终生的具像绘画写生及雕塑工作。同德兰一样，起此举，令很多人感到不满，甚至受到了当时文学家超现实主义发起人普鲁东的嘲笑。贾科梅蒂喜欢塞尚，视其为少数能够打动自己

架上雕塑的困境与当代转换

］作者所必须要钻研的题．同时，对于架卜雕塑在当代礼会背景下的一异化象，我ｆ『Ｊ也应当报以警惕尤ｆｆｌ，架Ｉ：雕塑几乎意味着展厅术，公共雕塑义大多意咪着官方艺术，许多术家追逐利，迎合潮流，背弁了Ｊ雕的水真与价所往水史将就架Ｉ雌塑现今仃在的儿种现状进行探讨，以此引起我们的反思
、
架上雕塑与刻板的艺术教育
几人荚院雌系教学主要ｆＩ１壤础教、
今，
和创作闪大范』纠构成坫硎｛教学训练主要址人体造型ＩＪＩｌ练、材料研究、Ｊ儿１Ｔ于段以及术论的、：习针对造圳练，一派观点认为造Ｊ石 ¨ ；址创作的前提．和创作
２０１５・１０
架上雕塑的困境与当代转换
◇钱之英
摘
要：架上艺术的概念最早源于架上绘画，现今在国内被约定俗成地理解为代表具有独立审美价值的传统
纯艺术，如国油版雕等，然而对其涉及范围的界定向来非常棘手。因为 “ 架上 ” 的理论概念要求与 “ 架下” “ 非架上 ” “ 观念 ” 等对立，但这里面并不能排除少量的重叠部分。艺术家兼批评家刘骁纯提道： “ 架上艺术指绘画、雕塑等艺术门类，非架上艺术指装置、行为等艺术门类。两者之间只能大体区分而没有封闭的疆界。今天的架上是开放的架上。” 因此，对于架上艺术的探讨必须人为地有所限定，否则谈论架上艺术便失去了支撑。关键字：架上艺术：架上雕塑；困境；转换

现代廊架设计研究报告

现代廊架设计研究报告现代廊架设计研究报告一、引言现代廊架是指以钢结构材料为主体，通过一系列构筑物的组合而成的建筑体系。

它通常用于连接建筑物之间，形成连续的通道，并提供遮阳、避雨等功能。

本报告旨在对现代廊架设计进行研究和分析，以探讨其设计原则和发展趋势。

二、现代廊架设计原则1. 结构稳定性：现代廊架设计应注重结构的稳定性，通过合理的结构设计和优化，确保廊架能够承受外力的作用，保证使用安全和使用寿命。

2. 空间布局：廊架设计应考虑使用者的需求，合理布局廊架的大小、高度和宽度，以提供舒适的通行体验。

3. 材料选择：现代廊架的材料多为钢结构，因其轻巧、强度高、施工方便等优点，但在材料选择上，还需要考虑环保性、耐久性等因素。

4. 中性设计：廊架设计应尽量采用中性设计风格，以适应不同建筑风格的廊架需求，并与周围环境协调一致。

三、现代廊架设计发展趋势1. 轻量化：随着工艺和材料的不断改进，现代廊架越来越向轻量化发展，以减少材料的使用和施工的难度。

这可以通过改进钢结构设计和采用新型材料等方式实现。

2. 智能化：现代廊架设计将越来越注重智能化功能的应用，例如利用传感器和自动控制系统进行自动开关、调节照明和通风等。

3. 可持续性：在现代廊架设计中，可持续性已成为重要的设计原则。

设计者需要考虑能源利用效率、环境保护等方面，以实现廊架绿色可持续发展。

4. 美学设计：现代廊架设计逐渐注重美学设计，追求独特、具有艺术性的形式。

通过雕塑、装饰和灯光等设计手法，使廊架成为建筑物的一部分，与周围环境和谐相融。

四、案例分析上海外滩外白渡桥是一个典型的现代廊架设计案例。

该廊架采用了轻量化的钢结构设计，结合玻璃和金属材料，以弧形造型展示了现代与传统元素的结合。

廊架的顶部设置了雨水收集系统，实现了可持续水资源利用。

此外，该廊架还通过照明和灯光设计，增强了夜间的美学效果。

五、结论随着城市建设的不断发展和改善，现代廊架的设计也在不断创新与改进。

中央美术学院2020年硕士研究生招生专业目录-专业学位

康蕾副教授
05 意象油画研究
石煜副教授
06 当代绘画表达方式研究刘小东教授
07 油画观念与表达研究
刘商英教授
08 具象油画研究（油画观念与表达）
陆亮副教授
09 油画语言研究
申玲教授
10 意象油画研究（中国形象的发现与表达）
裴咏梅副教授
11 抽象油画研究（油画观念与表达）
刘刚教授
12 抽象油画研究（抽象艺术语言的呈现方式）
1.美术史论 2.面试
①101 思想政治理论②203 日语或 204 英语二 ③703 速写（人物）、创作（写意） ④803 白描写生（工笔）、书法
1.美术史论 2.面试
①101 思想政治理论②203 日语或 204 英语二 ③703 速写（人物）、创作（写意） ④803 白描写生（工笔）、书法
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1.美术史论 2.面试 1.美术史论 2.面试 1.美术史论 2.面试 1.美术史论 2.面试 1.美术史论 2.面试 1.美术史论 2.面试
1.美术史论 2.面试
1.美术史论 2.面试
1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备） 1.美术评论 2.黑白木刻语言转换（工具自备）

雕塑作品分析整理

中国雕塑：中国古代雕塑艺术的主要内容内容分别是陵墓雕塑（包括地上的纪念性石刻与墓室随葬俑）、宗教雕塑、民俗性及其他内容的雕塑。

著名的佛教造像雕塑家有东晋是的戴奎。

唐代著名雕塑家有杨惠之，被称作“塑圣”。

四大石窟及其特点。

佛教雕塑各时期特点：（北魏造像秀骨清俊，睿智的微笑，暗含着对恐怖现实的蔑视，对人生荣辱的淡忘和超脱世俗之后的潇洒与轻松；西魏、北周造像的温婉和淳厚，沉醉于对现实生活的追求和对佛国世界的向往；隋唐造像丰满细腻；宋代造像衣纹写实，面貌庄重。

真实的反映了各个时代艺术家对美好生活的无限向往和审美取向。

）早期佛教雕塑的手法明显受印度影响。

山西大同云冈石窟最引人注目的第20窟主佛，创造于北魏初年，佛像面部菱角分明，平直的鼻梁与额面成为一体，鼻子向侧面和下面的转折也概括平直，整个神像显示了庄严、肃穆、超人的美。

而创作于北魏后期的陕西天水麦积山石窟23号窟中的佛像，造型手法明显趋于圆润，额部与浅浅的眼窝转折关系淡化，消除了眉梢的表现，鼻子圆鼓，嘴的造型更趋向于写实，明显接近了汉人形象的特点。

罗汉形象进入中国，就穿上了汉式僧衣。

宋元之后，罗汉的形象越来越平民化，明清时期的罗汉雕像逐步失去了早期神像那种超凡脱俗的气象，吸引我们的已经不是神像的“神性”了，而是人像的“神情”了。

课本中涉及的石窟年代：北魏初年的大同云冈石窟；北魏后期的甘肃天水麦积山石窟；唐代的洛阳龙门石窟，卢舍那大佛主要雕塑作品及其年代：三星堆青铜面具三星堆遗址是一处距今5000年至3000年左右的古蜀文化遗址，即从新石器时代晚期延续至商末周初，是上个世纪我国最重大的考古发现之一。

1998年1月，被国务院公布为“全国重点文物保护单位”，现已被列入世界文化遗产重点保护名单。

在三星堆遗址，出土了许多青铜人面具，共出土人面具20余件，分大、中、小三型。

这些以纵目面具为代表的青铜面具群，是三星堆文物中最有特色同时最具精神文化内涵的文物之一，它们是中国时代最早和出土规模最大的面具群体。

论中国当代艺术的发展现状

论中国当代艺术的发展现状作者：陈晨刘金婷来源：《青年文学家》2011年第11期摘要：中国艺术的门类现在丰富多彩传统的国画油画版画雕塑，再加上书法艺术，装置艺术，行为艺术都活跃在舞台上。

中国当代美术的发展可以说是空前繁荣的，呈现出了不同于以往的丰富性和多样性。

关键词：艺术门类；发展状况；多样性随着世界政治经济科技的飞速发展，人民生活水准的不断提高，艺术品收藏热，投资热方兴未艾，尤其值得关注的是近些年来中国已经逐步代替纽约成为世界最大的艺术品市场。

很多海外的艺术学子纷纷归国发展，不像若干年前学艺术就要抱着朝圣的心态出国才有前途。

当下特别是崇尚手工性技术性的架上绘画，在中国生长的枝繁叶茂，从事创作者成千上万。

北京，上海，广州等地画廊林立，生意兴隆。

作品价格在拍卖纪录中更是成绩喜人，使摄影，多媒体等新兴科技艺术门类要将绘画取而代之的态势充分化解。

使我们依然相信人类天马行空的想象力用双手传递出才最真实最纯粹也最有感情。

中国艺术的门类现在丰富多彩传统的国画油画版画雕塑，再加上书法艺术，装置艺术，行为艺术都活跃在舞台上。

作为艺术门类中“重型武器” 的国画油画,在东西方文化融合碰撞的新世纪，早已是新旧更替了好多风格流派。

从上个世纪三十年代老一辈的艺术家的作品里就已经出现了源于西方超现实主义的影子，玛格丽特，达利，米罗等人也早就被人们所熟知。

曾经作为很新鲜很前卫的野兽主义绘画，到了此刻，被人们看做是落后的乏味的东西，取而代之的是“超现实主义”。

时至今日，超现实主义对中国艺术家的影响依然深刻和有效，极大地加强了作品的冲击力和想象力，使艺术家不再拘泥于科学的透视，空间，比例以及自然规律的匡囿，使艺术家始终保持一种对抗平凡的世俗生活的激进主义姿态和勇气，并在此基础之上可以自由演绎相应的时代语言。

超现实主义表现形式和绘画语言使人们的理想得以实现和升华,使思想的光芒能够更突出的闪耀。

在今天全世界，尤其是西方的发达国家已经没有人能够把绘画作为主流艺术加以关注的时候，如何准确理解超现实主义带给架上绘画生命力的作用，如何使我们的绘画实践者们充分利用超现实主义的理念更好的创作出符合科技发展的时代的特征的绘画作品,是我们非常有必要去探讨研究的。

架上泥塑人体雕塑中包含的内在因素

架上泥塑人体雕塑中包含的内在因素作者：侯智源来源：《文艺生活·中旬刊》2017年第06期摘要：随着人们生活水平的不断提升，人们对于雕塑艺术的追求热情也越来越高。

雕塑作为一种造型艺术，主要由雕、刻、塑三种创作手法。

雕塑在在实际创作过程中会受到多种因素的影响，因而深入分析架上泥塑人体雕塑中所包括的内在因素就十分必要。

关键词：架上泥塑人体雕塑；内在因素；分析中图分类号：J314.7 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）17-0025-01随着我国社会和经济的快速发展，人们在物质生活丰富的同时，逐渐关注到精神文化生活。

很多人们逐渐开始追捧雕塑艺术。

雕塑是一个充满创造力的艺术，综合运用雕、刻、编等手段，对材料进行充分加工，从而展现出作者的情感和想法。

架上泥塑人体雕塑所包含很多内在因素，如材料、动态、比例、空间、形体及情况等，这些因素都会直接影响一个雕塑的艺术特征，因此，深入分析这些影响因素就十分必要。

一、架上泥塑人体雕塑的内在因素1.材料。

世界万物的组成方式多种多样，如，在燃烧过程中会产生热和光，水在流动过程中会产生美和柔和，阳光在照射时会产生温暖和光亮。

而架上泥塑人体雕塑是一种三维空间的实体，其也是由实体材料组成。

泥土具有很多自身的性质，如取材容易且具有很好的可塑性，也是雕塑的重要原材料。

在雕塑过程中使用泥土，可以成为架上泥塑人体雕塑的重要载体，雕塑专家可以结合自身的技法和感情，将泥土材料雕塑成具有较高艺术价值的雕塑作品。

2.动态。

自然界的物质是一个动态变化的过程，这种变化也充满着一定的规律。

人类作为万物之灵，人类充满着多种肢体语言也充满着神奇。

雕塑专家可以通过泥土原材料，使得架上泥塑人体雕塑充满着各种各样的动态，通过形态的不同而表现出不同的韵律。

在架上泥塑人体雕塑中，一条腿是放松而一条腿围重心腿，这种动态形式是最为常见和普遍的。

这种动态可以呈现出人体更好的韵律美感。

架上泥塑人体雕塑不仅可以展现出这种动态的韵律，同时可以依靠这种语言特征表现出更好的精神世界。

冰雪艺术的创新思维

冰雪艺术的创新思维【摘要】雕塑是人类最古老的艺术文明,而冰雪艺术对雕塑的发展给古老的艺术文明增添了更大的魅力与活力,本文阐述了冰雪艺术与雕塑的关系及其创新。

【关键词】雕塑;造型艺术;冰雪艺术;创新引言:雕塑是人类最古老的艺术之一,它的历史几乎和人类的历史一样漫长。

我们的先民在与石头打交道的过程中,不仅打造了用来谋生的劳动工具,还创造了具有审美意义的雕塑品。

冰雪雕塑艺术是兼具艺术家灵慧与大自然神奇的结晶,它以其独特的质感魅力与表现形式使这一年轻的艺术名扬天下。

近年来,冰雪雕塑艺术在我国得到了空前的发展。

1.雕塑艺术概况雕塑是指以立体视觉艺术为载体的造型艺术。

雕塑是造型艺术的一种。

又称雕刻,是雕、刻、塑三种创制方法的总称。

指用各种可塑材料或可雕、可刻的硬质材料,创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象,借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

1.1中西方古代雕塑造型特点中国古代较少纯粹的雕塑艺术品,这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。

西方雕塑发源于古代希腊,古希腊人重视人体,将神塑造成完美的有血有肉的人。

他们崇拜神,也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。

为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。

如此形成传统,在西方世代相传,成为一种纯粹的雕塑艺术。

中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教,都不同于古代希腊。

中国远古时期重礼教,尊鬼神,艺术重心倾向于工艺美术,在礼器、祭器上发挥艺术天才,并且同样也形成传统,影响深远。

从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑,在历代都占有主流地位。

它们分为两大类,一类是纯粹的工艺品。

一类为建筑(包括陵墓)装饰雕刻。

1.1.1中国古代雕塑特点(1)中国古代雕塑的装饰性相当突出。

(2)中国古代雕塑具有明显的绘画行。

(3)中国古代雕塑的另一个特点是意象性。

(4)中国古代雕塑语言精练。

(5)中国古代雕塑风格往往体现了中国古代哲学精神。

中国美术馆的雕塑收藏

中国美术馆的雕塑收藏“20世纪中国美术作品的国家收藏研究”国家年度课题“课题报告”之一中国美术馆1995年新建现代化藏品库，2000年正式启用，按照国际规范要求的库房使用面积达2800 平方米。

目前，列入国家“十一五”规划纲要的中国美术馆的新馆建设工程正在进行中，其中收藏功能得到较为充分的论证，在原有新馆建设工程规划基础之上，将再增加画库和与藏品有关的使用面积1500平方米，以应对现在不断加大的收藏力度和由于艺术家创作形式的变化而导致的不断加大的收藏难度，新增库房使用面积数倍于已经处于超饱和状态的现有中国美术馆画库。

中国美术馆将会成为名符其实的国家美术收藏中心。

就雕塑收藏而言，这里主要是指架上雕塑。

作为造型艺术的一种，雕塑是指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），以及可铸造材料（如铁、铜、玻璃、陶瓷等）创造出具有一定空间的可视可触的艺术形象，借以反映社会生活和表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。

传统的观念认为雕塑是静态的、可视的、可触的三维物体，通过雕塑诉诸视觉的空间形象来反映现实，因而被认为是最典型的造型艺术、静态艺术和空间艺术。

随着科学技术的发展和人们观念的改变，在现代艺术中出现了反传统的四维雕塑、五维雕塑、声光雕塑、动态雕塑和软雕塑等。

在更高的层次上认识和表现世界使雕塑艺术逐渐突破三维的、视觉的、静态的形式，向多维的时空心态方面探索。

因此，现代雕塑收藏遇到来自方方面面的挑战，架上雕塑的概念日益模糊，三维乃至多维创造的形式日益丰富，材料原本作为雕塑形态的媒介，如今却成为雕塑的本体语言日益为雕塑家所看好、所使用，等等，都在改变着雕塑收藏的状态。

而“20世纪中国美术作品的国家收藏研究”这一课题面对的研究对象主要仍然是指传统意义上的架上雕塑。

鸡鸣以后 张一波 55cm×31cm ×28.5cm 1984年［收藏分类号：1 ］一、中国美术馆的雕塑藏品概况2005年中国美术馆典藏部开始了全面细致的清库工作。