我喜欢活着，呼吸，甚于喜欢工作达达主义100年

我喜欢活着，呼吸，甚于喜欢工作达达主义100年
“我喜欢活着，呼吸，甚于喜欢工作。

我不觉得我做的东西可以在将来对社会有什么重要意义。

因此，如果你愿意这么看，我的艺术就可以是活着，每一秒，每一次呼吸就是一个作品，那是不留痕迹的，不可见不可思的，那是一种其乐融融的感觉。

”
——马塞尔·杜尚
马塞尔·杜尚
1916年3月16日，现代文学流派达达主义在法国诞生。

其是20世纪西方文艺发展历程中的一个重要流派，是第一次世界大战颠覆、摧毁旧有欧洲社会和文化秩序的产物。

达达发展历史
达达的“起源神话”围绕诗人及理论家雨果·巴尔这个人及其1916
年2月在苏黎世镜子胡同开张的伏尔泰酒馆而展开。

这家酒馆最初是以巴尔此前曾经旅行并寄居过的城市，即慕尼黑和柏林的酒馆为原型而设计的。

像那些地方的酒馆一样，伏尔泰酒馆提供各式各样的节目表演，从街头歌谣的吟唱到以突出的表现主义模式创作的诗歌朗诵，应有尽有。

在酒馆里，那些和巴尔一样旅居国外的早期同伴包括其女友兼酒馆演员埃米·亨宁斯，罗马尼亚诗人特里斯坦·查拉、艺术家马塞尔·扬科，阿尔萨斯诗人兼艺术家汉斯／让·阿尔普（他这两个可以互换的名字反映了他的法／德双重国籍），以及阿尔普的伴侣、出生于瑞士的纺织设计师和舞蹈家苏菲·达厄贝。

不久之后，德国诗人理查德·许尔森贝克加入其中，后来加入的还有德国作家瓦尔特·塞纳、德国的实验派电影制片人汉斯·里希特以及瑞典的实验派电影制片人维金·埃格林。

马塞尔·扬科，《伏尔泰酒馆》，布面油画（已丢失作品的照片），1916年。

虽然这个团体在伏尔泰酒馆上演的表演活动最初十分传统，但很快它们就变得富有挑衅性了。

查拉这样回顾1916年6月一场特别声名狼藉的表演：
面对密密麻麻的拥挤人群……我们要求享
有以不同颜色小便的权利……嚷出诗歌——在
大厅里喊叫、打斗，第一排同意第二排宣称自
己无能。

其余人大声喊叫：谁是最强的？大鼓
被抬了进来，许尔森贝克与200人对峙。

伏尔泰酒馆的艺术活动种类繁多，从诗歌朗诵和舞蹈表演一直到汉斯·阿尔普极端简化的几何图形拼贴，后者常在表演中间展出。

这说明达达主义者平等看待视觉艺术和文学作品，这一态度基本上是19世纪类似浪漫主义和象征主义的文化运动以及未来主义和表现主义的遗产。

但是这一团体一直无法具备明确的艺术判断力以及反抗性的文化精神；他们最终在受到其他事物影响的同时，也会受到社会和政治现实的影响。

他们之所以选择苏黎世是因为这是个中立的地方，而他们自己的祖国则正陷于第一次世界大战的深渊之中。

在其他地方爆发战争的同时，苏黎世的达达主义者们认为战前的艺术多半是颓废的。

这一看法很重要。

如果说油画和铜铸雕塑已经变成上层阶级闺房中的内部装饰，那么达达主义者将会用纸张或现有的物品组装出新的结构。

如果说诗歌原本被视为传达细腻情感的工具，那么他们就把它拆碎，引导它成为含混不清的话语和咒语。

作为一个团体，他们因为憎恨艺术的专业化而团结在一起，把自己看成是文化的破坏者，但他们反对的未必是艺术本身，而是艺术为人性的某种观念而服务的方式。

尤其是阿尔普，他在文章中将把战前的艺术与自我中心主义及对人性的过高评价等同起来。

他在后来的写作中将说出达达主义者的共同感觉：
出于对1914年世界战争无谓杀戮的厌恶，
我们在苏黎世献身于艺术。

当枪声在远方发出
持续而低沉的隆隆声时，我们竭尽全力唱歌、
绘画、拼图、写诗。

我们在寻求一种基于基本
原则的艺术来治疗时代的疯狂，寻找一种可以
在天堂和地狱之间恢复平衡的事物的新秩序。

但是达达的到来将代表什么？让我们重新回到“达达”一词，其起源让人十分费解，因为每个团体的不同成员都宣称他们在不同的情况下发现了这个词，似乎正是该词的十足开放性吸引了他们。

《逃离那个时代》是雨果·巴尔写于达达年间的日记，现在是研究苏黎世达达运动的重要原始资料之一。

巴尔在其中回忆道，在伏尔泰酒馆活动了几个月之后，团体成员开始意识到他们需要一个集体出版物，以及随之而来的某种标签：
查拉一直在为这本杂志操心。

我提议称它
为“达达”，该提议被接受了……达达在罗马
尼亚语中意为“是的，是的”，在法语中则意
为“木马”和“竹马”。

对德国人来说，它意
味着愚蠢的天真、生育的快乐以及对婴儿车的
全神贯注的痴迷。

然而，许尔森贝克却回忆说，他在和巴尔一起快速翻阅词典时发现了这个词。

看到它，他深受触动，感叹道：“这个孩童发出的第一个声音表达了一种原始感，它从零开始，是我们艺术的新生。

”重要的是，巴尔强调这一概念的国际流动性，把它看作是一种文化世界语，
而许尔森贝克则强调破裂和新生的观念。

这两种态度都是达达的重要组成部分。

除此之外，这个词又自相矛盾地代表既是一切又什么都不是。

它相当于是把肯定和否定荒谬地混合在一起，是一种伪神秘主义。

艺术是枯萎的宗教，而达达诞生了。

——以上资料出自英国戴维·霍普金斯《达达和超现实主义》，译林出版社
时隔100年，我们从马塞尔·杜尚、汉娜·霍克、马克·夏加尔、马克·恩斯特、弗朗西斯·毕卡比亚等的代表作中，看看这信奉“破坏一切”的流派的轨迹。

1
——马塞尔·杜尚《泉》《泉》（Fountain）是马塞尔·杜尚1917年的作品。

这是他称为“现成物”（也被称为“实物艺术”）的作品之一，因为他使用了早已存在的物品——这个作品用的是小便兜（小便斗），命名为“喷泉”，有“R. Mutt”的签名字样。

杜尚把这件作品提交给一场艺术展作为挑衅。

这件作品，以及提交这件作品的行为，被认为是20世纪艺术的一个重要里程碑。

首次展示后不久，《泉》就遗失了。

根据杜尚的传记作家卡尔文·汤姆金斯（Calvin Tomkins）的说法，最有可能的猜测是史提格利兹把它当成垃圾丢了，杜尚早期的现成物作品通常都落得这样的下场。

2
——马塞尔·杜尚《带胡须的蒙娜丽莎》与《泉》一样著名的恶作剧是杜尚1919年回法国后所搞的若干幅“带胡须的蒙娜丽莎”。

在达芬奇那件举世闻名的《蒙娜丽莎》彩色复制品上，杜尚用铅笔给这位美人加上了式样不同的小胡子。

于是，美人的神秘微笑立即消失殆尽，画面一下子变得稀奇古怪、荒诞不经。

《L.H.O.O.Q, Mona Lisa with moustache》是这批“带胡须的蒙娜丽莎”中最为有
名的一幅。

3
——马塞尔·杜尚《下楼的裸女》《下楼的裸女》曾被讥为“木材厂大爆炸”。

杜尚的这幅作品被认为是未来主义的先驱之作。

在这幅作品中，人们看不见什么裸女，也没有完整的楼梯，只能见到一些看来杂乱无章的线条。

杜尚后来把这幅画送交第28届独立画展时，被评委拒绝，说它超出了人们所能忍受的限度。

它曾在美国军械库展览会露过面，被当时一些人讽刺为“木材厂大爆炸”。

4
——汉娜·霍克《用达达餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》
在这件《达达用餐刀切除德国最后的魏玛啤酒肚文化纪元》中，汉娜·霍克展示了这些综合的主题，艺术家以一种似乎偶然的方式，将有选择性的剪切照片混合排列在一起。

霍克将她的照片出现在右下角，与一张欧洲地图饼子在一起，展现了妇女解放的进步。

霍克意识到妇女与达达都必须撼动社会，她创造出了这种信仰的有力的视觉宣言。

分裂与碎解，霍克的照片拼贴机智地反映了魏玛德国多样化的社会断面，展现出她作为女权主义达达先锋的面貌。

5
——汉娜·霍克《为聚会而生》霍克同时期的一些男性将她视作下等艺术家，而她忍下了这些刺耳又小气的批评，持续创作并举办展览。

面对艺术界对女性的偏见，她写道：“他们一直以来只将我们女性艺术家看做是迷人、有天分的业余爱好者，而拒绝承认我们实际的职业地位。

在三十年前的德国，成为一位女性艺术家还是很不容易的。

'
6
——马克·夏加尔《我与村庄》《我与村庄》是夏加尔初到巴黎的成名作。

画面的背景是典型的俄国农舍和教堂的塔顶，里面有“我”、牝牛、开花的树等。

这既是艺术家记忆中的故乡风景，也是他心灵中的故乡。

画面采用了立体主义的分割法，所有的物象都被分割成了不同的形状组合在一起。

一个人与乳牛的侧面脸庞构成了画面的主要组合部分，他们好像正在亲切对话，充满了温馨和默契的神态。

7
——马克·夏加尔《生日》夏加尔忘记了自己的生日，贝拉却在那天清早去市郊采花。

她换上过节的长裙，飞奔到夏加尔的住处，让他闻闻泥土的芬芳。

“只要一打开窗，她就出现在这儿，带来了碧空、爱情与鲜花。

从古老的时候起直至今日，她都穿一身白衣白裙或者黑衣黑裙，翱翔于我的画中，照亮我的艺术道路。

”
8
——勒内·马格里特《恋人》马格利特在1928年以恋人为题画了几张“隔着面纱”的《恋人》。

因为无法看清对方，恋人之间的情感就变得更神秘浪漫。

但是马格利特为什么会想要这样来表达男女之间的情感呢？
有一种说法是马格利特潜意识受到母亲自杀的影响。

马格利特在14岁那年，母亲投河身亡，那晚马格利特跟着大人到岸边去认尸，母亲被捞起来的时候，长睡衣刚好翻起来覆盖住脸部，这个景象对一个十几岁的少年来讲恐怕一辈子都忘不掉。

死亡的画面似真似幻，或许
现实的痛苦来得太突然，反而有做梦般的不真实感。

9
——勒内·马格里特《错误的镜子》《错误的镜子》作于1928年，描绘了一只人的眼睛，及投射在这只眼睛视网膜上的蓝天白云。

在马格里特看来，人的眼睛只是一面错误的镜子，因为它所得到的只是自然的幻影，而不是自然本身。

世界上没有眼睛看得见的“真实”，因此绘画的“真实”只是图解了人眼睛的幻觉而已。

这真是一个让人颇觉怪诞的理论。

在马格里特作品中，梦幻的感觉并不由于变形和歪曲，而是由于不可思议的奇怪并置所产生的冲突。

事实上，超现实主义者所追求的那种“痉挛性的美”就隐藏在那种精密真实的场景的表皮之下。

10
——马克·恩斯特《掴打年幼耶稣的圣母》大概只有超现实主义的前锋马克·恩斯特才敢颠覆传统，把一向神圣美善的宗教主题画得如此惊世骇俗：圣母玛利亚竟然丢掉端庄优雅的形象，用力地掴打光着屁股的小耶稣。

很不巧的是，这幕打人的荒谬剧，还被窗子后面的三位超现实派大师给看到了。

这三位目击者是布雷顿、艾莒雅还有恩斯特自己。

布雷顿是画家，艾莒雅是诗人，三位都是超现实主义运动的成员，恩斯特自己既能画又能写，是达达主义和超现实主义的一名大将。

11
——马克·恩斯特《人不知其所以然》毕卡比亚从崇拜印象主义转到热中立体主义，是他在巴黎美术学院和装饰美术学校学习时期的事。

1911年，他参加了立体派一个小组，作“黄金分割试验”，后来又加入德劳内等人的“俄耳甫斯主义”（或称“奥弗斯立体主义”）。

12
——弗朗西斯·毕卡比亚《亚当和夏娃》作者灵感来自于希腊神话中俄瑞斯忒斯和伊莱克特拉（雕像造型可参见第110期科普利《拉尔夫·伊扎尔夫妇》），兄妹联手为父亲阿伽门农复仇，杀死了母亲和她的情人。

弗洛伊德据此故事还创造了伊莱克特拉情结（Electra complex），也称恋父情结，与俄狄浦斯情结（恋母情结）相对应。

《透明画》系列之一，多图层的叙事方式呈现梦幻般的品质，赋予古典主义题材新的寓意，兄妹身上重合的神秘笑脸给人无限遐想，
此创作方式启发了不少后来的艺术家。

13
——弗朗西斯·毕卡比亚《奥泰缇》中间躶体女人为主导，她仰头向天，双臂举起跪在地上，头顶站着一匹飞马（Pegasus，希腊神话中的珀加索斯，从美杜莎被割下头颅的血泊中诞生），右侧一只大手指向裸女（如米开朗基罗在西斯廷教堂穹顶创作，上帝创造亚当时的手势，参见第3期）。

颜料和清漆的层叠，让表面呈现水灵灵、似现非现的仿古氧化效果。

14
——曼雷《安格尔的小提琴》作者曾以职业时装摄影和人像摄影为生，同时开始抽象摄影的技术实验，以摄影领域中不知疲倦的摄影技术试验家著称。

这是一张广为流传的作品，采用了叠印的方法，将一对小提琴的符号放到了女性酷似提琴的背影上。

作品不仅证明了曼雷在摄影技术实践上的创新能力，也显示了作为一个优秀摄影家所具备的视觉敏感和意识。

这个摄影女模特是著名的'蒙巴那斯的吉吉'
15
——曼雷《玻璃眼泪》这张裁剪过的照片，看起来像一幅电影剧照，它展示了曼雷对电影叙事的兴趣。

模特的眼睛和她那涂过防水睫毛油的睫毛都向上看，引起观者的好奇：她在看哪里？她为何如此忧伤？
这张照片是艺术家和他的助手兼情人李·米勒（Lee Miller）分手后不久创作的。

曼拍摄了大量的作品“使她破碎”，以此作为对离开他的爱人的报复（类似的作品还有《坚不可摧的对象》）。

16
——吉恩·(汉斯)·阿尔普吉恩·(汉斯)·阿尔普同时兼画家、雕刻家于一身，是现代艺术中引人注目的人物。

吉恩·(汉斯)·阿尔普出身在法德交界的斯特拉斯堡，从小受两个不同民族的文化熏陶。

他曾先后在魏玛美术学校和巴黎的朱理安学院学习，第一次世界大战之前举家迁往瑞士，在随后的日子里经常往返于巴黎、瑞士、慕尼黑
和科隆等地，与现代派艺术家有广泛的交往。

17
————吉恩·(汉斯)·阿尔普20年代初吉恩·(汉斯)·阿尔普与杜尚、恩斯特等人还在巴黎掀起过一场更大规模的达达派运动，给“达达派”历史留下了自豪的一页。

阿尔普曾对吉恩·(汉斯)·阿尔普的艺术观作过这样的解释：“艺术像是从人的机体内生发出来的一种果实，像是从一棵植物上落下来的果实，像是从母亲体内生下来的一个婴儿。

”可见他同强调艺术是需要真诚的，可惜人们在他的大部分作品中并不能感受到这一点。