从后印象派画家中体会生命的呼唤
关于油画《呐喊》的美术赏析
美术鉴赏关于《呐喊》的赏析《呐喊》（挪威语：Skrik），是挪威画家爱德华·孟克（Edvard Munch）1893年的作品。
这幅画是表现主义绘画风格著名的作品。
作者介绍爱德华·蒙克（Edvard Munch，1863年12月12日－1944年1月23日），挪威表现主义画家和版画复制匠。
他对心理苦闷的强烈的、呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
童年蒙克，1863年12月12日出生于挪威雷登（Løten），在克里斯蒂安尼亚（现在的奥斯陆）长大。
是画家雅各布·蒙克（Jacob Munch）和历史学家彼得·安德烈·蒙克（Peter Andreas Munch）的亲戚。
蒙克的母亲劳拉（Laura Cathrine Bjølstad）在1868年死于肺结核，母亲过世后年幼的蒙克由父亲单独抚养。
其父患有精神疾病，他向孩子们灌输了对地狱根深蒂固的恐惧观念，他一再告诉孩子，如果他们在任何情况下以任何方式犯罪，就会注定被投入地狱，没有任何宽恕的机会。
父亲在蒙克青年期去世（1889年），另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲在1877年也死了。
蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病，蒙克自己也是体弱多病。
在五个兄弟姐妹中，只有兄弟安德烈结过婚，但婚后不过数月也过世了。
眼见双亲和手足接二连三地死去，严重打击了蒙克的精神与情绪，接踵而至的悲伤对其是深度的精神折磨。
因此，死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处，这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。
蒙克在晚年说到：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使，且持续的伴随我一生。
”青年时期1879年，蒙克为了成为工程师而进入工学院念书。
然而身体的健康不断出现问题，让他中断了学业。
1880年蒙克为了成为画家而离开工学院。
隔年他考进了奥斯陆皇家艺术和设计学院，他的老师是雕刻家朱利厄斯·米德尔顿（Julius Middelthun），以及自然主义画家克里斯蒂安·克罗格（Christian Krohg）。
马蒂斯生命的欢乐赏析
马蒂斯生命的欢乐赏析马蒂斯（Henri Matisse）是20世纪著名的法国画家和雕塑家，他以其独特的艺术风格和对色彩的运用而闻名于世。
他的作品充满了生命的欢乐，每一幅画作都散发着活力和光芒。
马蒂斯的生命就像他的作品一样，充满了欢乐和活力，他的艺术作品也成为了他生命中的一部分，展现了他对生活的热爱和对美的追求。
马蒂斯生于1869年12月31日，在法国北部的一个小镇上。
他从小就展现出了对艺术的天赋和热爱，但他的父母却希望他成为一名律师。
然而，马蒂斯坚持了自己的选择，他前往巴黎学习艺术，并在那里开始了他的艺术生涯。
在巴黎，他受到了印象派和后印象派画家的影响，尤其是梵高和高更。
这些画家的作品对马蒂斯的艺术风格产生了深远的影响，同时也激发了他对色彩的独特理解和运用。
马蒂斯的画作充满了对生活的热爱和对美的追求。
他喜欢用明快的色彩和简洁的线条来表现主题，他的作品中充满了活力和动感。
他擅长描绘室内场景、人物肖像和静物，每一幅画作都散发着生命的欢乐和活力。
他的作品中常常出现一些明快的颜色，比如橙色、黄色和蓝色，这些颜色让人感到愉悦和轻松，仿佛置身于一个充满阳光和快乐的世界中。
马蒂斯的生活也充满了欢乐和活力。
尽管他在艺术上取得了巨大的成功，但他从未停止对美的追求。
他喜欢旅行，喜欢探索不同的文化和风景，他的旅行经历也成为了他作品中的灵感之源。
他曾经在摩洛哥度过了一段时间，那里的鲜艳的色彩和独特的风土人情对他产生了深远的影响，这些元素也开始出现在他的作品中。
除了绘画，马蒂斯还涉足了雕塑和装饰艺术。
他创作了许多雕塑作品，这些作品同样充满了生命的欢乐和活力。
他喜欢用简洁的线条和流畅的曲线来表现主题，他的雕塑作品也展现了他对美的追求和对生活的热爱。
马蒂斯的生命就像他的作品一样，充满了欢乐和活力。
他对生活的热爱和对美的追求成为了他作品中最重要的元素，他的作品也成为了他生命中最重要的一部分。
他的作品散发着无与伦比的光芒和活力，每一幅画作都让人感到愉悦和快乐。
对法国印象派大师莫奈油画《睡莲》的艺术评论
对法国印象派大师莫奈油画《睡莲》的艺术评论【摘要】法国印象派大师莫奈的油画《睡莲》被认为是印象派艺术的代表作品之一。
这幅作品展现了莫奈独特绘画技巧和内心世界的深度。
通过细腻而独特的笔触和色彩运用，莫奈创造出了充满情感和意境的画面。
观赏者在欣赏《睡莲》时，常常会被作品中所蕴含的宁静、神秘和美感所打动。
这幅作品不仅影响了后世艺术家的创作，也成为艺术史上的经典之作。
莫奈通过《睡莲》展现出了他独特的艺术风格和主题，使得这幅作品成为了印象派艺术的杰出代表之一。
【关键词】法国印象派，莫奈，油画，睡莲，艺术评论，细腻，独特，色彩，笔触技巧，情感，意境，艺术风格，主题，观赏者，印象派艺术，代表作品，绘画技巧，内心世界，经典之作，影响，后世艺术家.1. 引言1.1 对法国印象派大师莫奈油画《睡莲》的艺术评论莫奈的油画《睡莲》被誉为印象派艺术的杰作之一，这幅作品展现了艺术家对自然的独特感悟和表现。
《睡莲》以其细腻的描绘和独特的色彩运用著称于世，给人一种轻盈、自由的感觉。
莫奈以他独特的笔触技巧，将睡莲花瓣的柔软质感和水面的倒影表现得栩栩如生，让观者仿佛置身于花团锦簇、清澈见底的池塘之中。
莫奈在《睡莲》中运用了大量的蓝色和绿色，这些色彩给作品带来了一种静谧和清晰的感觉，同时也传达出一种柔和的情感。
作品中的色彩变化和光影效果，让人感受到一种超脱尘世的美感，使观者在欣赏中沉浸于一种心灵的宁静与安详之中。
莫奈通过《睡莲》展现了他对自然的细腻观察和对情感的表达，使作品更具魅力和深度。
《睡莲》是莫奈艺术创作中的经典之作，它不仅展现了他独特的绘画技巧和对自然的感悟，同时也影响了后世艺术家的创作。
这幅作品成为了印象派艺术的代表作品之一，留下了不可磨灭的艺术印记。
2. 正文2.1 莫奈的《睡莲》所展现的细腻和独特之处莫奈的《睡莲》是一幅富有细腻和独特之处的艺术作品。
观察这幅作品，我们可以看到莫奈通过精细的笔触和丰富的色彩层次，刻画出了水面上漂浮的睡莲花朵和倒影，展现出深厚的立体感和逼真的细节。
对法国印象派大师莫奈油画《睡莲》的艺术评论
对法国印象派大师莫奈油画《睡莲》的艺术评论【摘要】莫奈的油画《睡莲》以其独特的艺术风格和技巧吸引着观众的目光。
在这幅作品中，莫奈运用了丰富的色彩，灵活地运用不同的色调和色彩渐变，展现出一种绮丽的色彩效果。
光影效果的处理也十分出色，通过细腻的描绘和用色，使得画面充满了生动感和动态感。
作品中所表现的主题是生活中的美好与宁静，通过描绘睡莲的细致和典雅，表达了对自然之美的讴歌。
画面构图上，莫奈将睡莲的倒影和花朵巧妙地结合，构成了一幅富有层次感和节奏感的画面。
细致入微的艺术技巧更是让人惊叹，每一处细节都展现出莫奈的精湛技艺。
莫奈的油画《睡莲》以其独特的艺术表现方式和精湛的技巧，向观众展现了一幅充满生机和静谧的自然景象。
【关键词】莫奈、油画、睡莲、艺术评论、颜色运用、光影效果、主题表达、画面构图、艺术技巧、结论。
1. 引言1.1 莫奈油画《睡莲》的艺术评论莫奈油画《睡莲》展现了印象派艺术风格的巅峰之作，被誉为世界艺术史上的经典之作。
这幅作品以其绚丽的色彩、动人的光影效果和深刻的主题表达深深吸引着观众。
莫奈运用了大量的浅色调和柔和的色彩，使整幅画面显得轻盈柔美。
他巧妙地运用色彩的对比和变化，营造出一种如梦似幻的氛围。
光影效果也是莫奈的一大特色，他通过精确的色彩层次和明暗对比，使画面更加生动立体。
主题方面，《睡莲》表现了艺术家对自然的热爱和对生命的敬畏，展现出一种深邃的思考和内省。
画面构图精准而富有层次感，艺术技巧娴熟而精湛。
莫奈油画《睡莲》以其独特的艺术语言和深刻的情感表达，成为了印象派艺术的代表作之一，深深地触动着观众的心灵。
2. 正文2.1 颜色运用莫奈油画《睡莲》中的颜色运用是其作品的一大亮点。
莫奈运用了大量的柔和的色彩，主要以蓝色、紫色、绿色和白色为主调，营造出一种清新、宁静的氛围。
睡莲的花瓣呈现出淡淡的粉色和紫色，细腻而柔和，给人一种梦幻般的感觉。
水面的颜色则以青绿色为主，与睡莲花的颜色形成鲜明对比，使整幅画面更加生动。
莫奈的总结
莫奈的总结1. 莫奈的背景与生平莫奈（Claude Monet）是19世纪末、20世纪初法国著名的印象派画家。
他于1840年出生在法国巴黎郊区的小镇上，并在年轻时展露出对艺术的浓厚兴趣。
莫奈在绘画上的才华逐渐显露，他于1860年进入巴黎的绘画学校学习，并与其他杰出画家如雷诺阿等人结识，进一步磨炼自己的技巧和风格。
2. 莫奈的风格与特点莫奈的最大贡献之一是推动了印象派绘画的发展。
印象派是19世纪末艺术界的一股重要力量，它着重捕捉光影、色彩和瞬间的变化，追求短暂、流动的印象，并将之忠实地呈现在画布上。
莫奈在这一方面做出了独特的探索和创新，他以自然风景和户外场景为主题，尤其喜欢描绘水景。
莫奈在绘画中注重光线的变化和反射，通过勾勒出相邻色块间的相互关系，以强调空气中的光线和颜色的变化。
他采用了短小的筆觸和大面如斑点的色块，使形象与光线的变化更加接近，也营造了一种模糊、朦胧的效果，创造出了一种表现主义的情感力量。
3. 莫奈的代表作品莫奈的代表作品中，著名的包括《印象·日出》、《睡莲》和《干草垛》等。
这些作品代表了莫奈在色彩和光线运用上的独特见解和技巧。
《印象·日出》是莫奈最为著名的作品之一，它是印象派运动的起源，也标志着莫奈画作风格的奠定。
这幅画展示了日出时分的渔船和海上的光线变化，以及水面上倒映的斑斓色彩。
莫奈通过短小的笔触和大胆的色块，表现了光线在海面上跳动的效果，创造出深深的视觉印象。
《睡莲》系列是莫奈晚年的代表作之一，系列作品中，莫奈将他对水面光线和色彩变化的研究发挥到极致。
他以日本庭园里的水塘中的睡莲为题材，通过不同角度和光线条件下的描绘，以及画面中不同色块的相对关系，展示了水面光线和自然界的变幻迷人之美。
4. 莫奈的艺术思想与影响莫奈的艺术思想影响了世界艺术史的发展。
他提倡用色彩和光线来表现瞬间和自然的变化，追求生动和感性的表达，改变了人们对于传统绘画的传统观念。
莫奈的印象派作品在当时遭到了一些批评和争议，但随着时间推移，他的作品逐渐被艺术界接纳，并对后来的艺术家产生了巨大的影响。
名画《呐喊》中的人原来不是在呐喊
名画《呐喊》中的人原来不是在呐喊【摘要】名画《呐喊》曾被误解为描绘一个在呐喊的人，实际上描绘的是一个面容扭曲的人在尖叫。
艺术家爱德华·蒙克的创作初衷是表达内心的痛苦和绝望。
蒙克解释称，他听到了大自然的尖叫，而不是人类的尖叫。
专家认为这幅作品象征着蒙克在经历心灵挣扎时的内心世界。
蒙克表示他的创作灵感来自于在一次散步中，他感受到了大自然的无声尖叫。
重新解读《呐喊》，我们可以更深刻地理解这幅作品背后隐藏的含义——揭示了人类内心深处的痛苦和孤独。
名画《呐喊》并不是描绘一个在呐喊的人，而是表达了人类的精神状态和社会现实，呐喊的是大自然和人类内心。
这幅作品背后的深刻含义让人思考生命的意义和内心的真实情感。
【关键词】名画《呐喊》、人物身份、误解、背景、场景、实际含义、艺术家爱德华·蒙克、创作初衷、解释、专家探讨、真实含义、创作灵感、重新解读、深刻含义。
1. 引言1.1 名画《呐喊》的背景名画《呐喊》是挪威艺术家爱德华·蒙克的代表作之一，也是世界著名的现代艺术作品之一。
这幅作品创作于1893年，是蒙克生涯中最为著名和具有影响力的作品之一。
《呐喊》描述了一个人物站在桥上，两只手捂住双耳，嘴巴大张，表情扭曲，仿佛在发出痛苦的呐喊。
这幅作品背后的情感和象征意义令人震撼。
蒙克在《呐喊》中表现出了对人类生存状态的关注和探索，展现了人类在现代社会中所受到的痛苦和困惑。
作品中的人物被孤独、恐惧和绝望所困扰，呈现出一种无法言说的内心困扰和痛苦。
这种情感与现代人的精神状态息息相关，引起了人们对于作品真正含义的思考和探讨。
名画《呐喊》的背景故事也增添了作品的神秘和吸引力。
在一次蒙克与朋友散步时的经历中，他看到了一种奇特的天气现象，风起云涌，大地仿佛在呼喊。
这种景象直接刺激了蒙克内心深处的情感，激发了他创作这幅作品的灵感。
通过草图和多次的创作尝试，蒙克最终完成了这幅具有震撼力和深刻内涵的作品。
1.2 误解的起源误解《呐喊》的起源可以追溯到该画作首次展出时，人们对于画中人物的姿态和表情产生了错误的解读。
意蕴深远的赏析
意蕴深远的赏析赏析是对艺术作品进行深入分析与解读的过程，在此过程中，我们能够深刻理解艺术作品的内涵和表达方式。
不同的艺术形式都蕴含着独特的意蕴，让我们一同来欣赏几个意蕴深远的艺术作品。
1. 油画《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是世界上最负盛名的油画之一，在意大利画家达·芬奇的笔下，这幅画作充满了神秘与数不尽的意蕴。
首先，蒙娜丽莎的微笑给人一种神秘的感觉，仿佛她隐藏了什么重要的秘密。
加之画中她神情安详，安静而又充满智慧，使观者感受到了内心世界的深度。
这幅画作向我们展示了真实与虚幻之间的微妙平衡，同时也引起了人们对美的追求与思考，使观者更好地思索人性与存在。
2. 音乐作品《命运交响曲》贝多芬的《命运交响曲》堪称经典中的经典，它以其宏大壮丽的曲调和丰富多样的音乐符号在音乐界享有盛誉。
这部交响曲以命运为主题，通过音乐的张力与对比，描绘了人们在命运面前的抗争。
从开头的震撼力，到中间的狂热与欢愉，再到结尾的曙光与希望，这些音符传达出了人类命运无常而又顽强不屈的精神。
音乐是一种超越语言的艺术，通过音乐，观者可以感受到深邃的情感和思考人生的意义。
3. 文学作品《1984》乔治·奥威尔的《1984》被公认为是一部具有深刻意蕴的文学作品。
这部小说以虚构的极权主义社会为背景，探讨了权力与个人自由之间的关系。
通过描述主人公温斯顿·史密斯在极权主义社会中的挣扎与反抗，奥威尔向我们揭示了个人在权力面前的渺小与无助。
《1984》通过细腻而严峻的描写，引发了人们对于自由、真理与人性的思考，使我们更加珍视个人的独立思考和自由选择。
4. 戏剧作品《哈姆雷特》莎士比亚的《哈姆雷特》堪称戏剧领域的经典之作。
这部悲剧作品描绘了主人公哈姆雷特在复仇与道德之间的挣扎。
作为一个杰出的戏剧家，莎士比亚通过精湛的剧本和人物塑造，展示了人类的复杂心灵和矛盾情感。
《哈姆雷特》通过对复仇、犯罪和道德的思考，引发了观众对于人性的深刻思考与探讨，使我们思考人类行为的原因与后果。
世界名画《呐喊》赏析
在这幅画上�蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、 绿色的树以及红色的天�都被夸张得富于表现性�但并没有失去其色彩大致的真实性。全画 的色彩是郁闷的�浓重的血红色悬浮在地平线上方�给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的 紫色相冲突�这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色�重复出现在孤独者的衣服 上。而他的手和头部�则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。
画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线�与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明 对比。整个构图在旋转的动感中�充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一 声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受�把凄惨的尖叫变 成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法�或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能 量的图像化表现相联系。蒙克在这里�将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑�转化为一种令 人信服的抽象意象。如此�他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。
挪威画家爱德华蒙克�EdvardMunch�1863—1944��堪称二十世纪表现主义艺术的先 驱。他出生于挪威洛顿。童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下不可磨灭的印记。这使他 早年画下了许多以疾病与死亡为主题的作品。他曾在克里斯蒂安尼�今奥斯陆�工艺美术学
美的发现高中作文800字5篇
美的发现高中作文800字5篇生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。
同学们，让我们仔细品味生活，去发现真正的美吧!下面是小编为大家整理的关于美的发现高中作文800字，希望对您有所帮助!美的发现高中作文800字1在巴塞罗那有许多令人心迷的我们寻找美的答案，如同让生活更加绚丽，让平淡的生活因为我们的态度更加美好!建筑，其中有个最为生动名为巴特罗公寓的建筑就诞生于伟大的建筑师安东尼·高迪之手。
一位女士有幸搬人后，却百般抱怨这奇异的建筑怎么也容不下她的一架钢琴。
这时我想巴特罗公寓的构型的确独特新颖，却不知高迪怎么解决这位女士的疑难。
而高迪给了她一句话的回答：您可以改拉小提琴!我想这位女士一定当即会笑出声来，不但怨气全无，说不准真会试着拉拉小提琴呢!现实中有丰富多彩的答案可以回答女士的抱怨，而我们为何不从中选取一些美的答案使生活更加生动呢!当爱迪生的实验室被一场大火一焚而尽时，他的儿子非常难过，也想尽力安慰父亲。
而爱迪生却对着壮观的火势说道：幸好一把大火把我过去的错误一一烧尽，我又可以重新开始啦!如果是我，也许我会气愤，也许我会气馁，而看到爱迪生的话，我觉得我浑身充满气力啦!人生也许就可以看作是一段寻求答案的历程，一个场景，一段遭遇。
我们付之于答案，各人的答案不尽相同，如果我们怀着欣赏的目光，涂之以美丽的答案，生活想必更加地美好，让人充满向往。
不久前一次放学我被迫不能骑车回家，等了一会儿公汽也没有着落，于是我就干脆步行回家。
其实这在我很自然，我也似乎特别钟情于步行，尽管路途“遥远”。
一路上我不自觉地左顾右盼，的确平日匆忙回家，何时顾及身边的看似单调的景致。
不自觉地我还哼起了一首久违的老歌，心情越发觉得舒畅。
倒是有人好奇地投来目光，也许觉得我这种年龄背个大书包轻闲走路的人很少见吧。
最终我花了50分钟才步入家门，出了一身汗，可感觉却无比的好。
我想当时我可以气冲冲地搭“的士”赶回家，甚至打电话向家长求援，但是我很庆幸自己给平凡的生活点缀了一滴“美的答案”，使我多年以后仍可回味那段50分钟路程上平凡又似乎新奇的一点一滴。
印象派作品赏析
印象派作品赏析美术鉴赏论文hpu chang姓名：学号：学院：专业班级：授课老师：在后印象派中，最重要的艺术家是梵高。
梵高的画是印象派写实主义的反动。
印象派客观地看这个世界，而梵高则不在乎正确地描写。
不过他的涂色法多少是由印象派演变来的，他喜欢印象派画家所表现的色光效果。
他使用厚涂大笔触．让颜色看来如要爆炸似的，或如漩涡般打转。
梵谷的作品是激烈的个性反映，不安而神经质，对于表现主义和野兽派都有影响。
他在自己的作品中，表现出他自己以及他的生活、内心感受。
他的作品，不论是静物《向日葵》、人物自画像《割了耳朵的凡高》、室内画《夜间咖啡馆》，还是风景画《星夜空》，都充满了他对生命的热爱，诉诸了他内心强烈的感情，不仅是他的投影、他的分身，有时候甚至于赤裸裸地说明了他自己。
凡高给人们留下的最深刻的印象是什么？是他画的《向日葵》。
塞尚曾提出过一个观点：“艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩，而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。
”那么赏析这幅画之前，我还是查了下梵高的生平经历。
在梵高一生中，悲惨、痛苦、混乱和贫困与他如影随形。
他从27岁学习绘画，很长时间并没有获得成功，没有人买他的画，甚至没有人欣赏和赞扬他的画。
梵高的艺术道路短暂而辉煌，他27岁学习绘画，37岁去世。
在短短的10年中，他从一个默默无闻的人成为一个伟大的、里程碑式的、世界性的画家。
然而，梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎而已。
在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。
可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕。
转折点发生在梵高去世的前一年，即1888年，在这一年的2月，梵高到了法国南方的阿尔，那是一个阳光明媚的地方。
梵高一生最重要的艺术作品，都是在生命的最后一年，在阿尔炙烈的阳光下完成的，《向日葵》就是这期间的作品。
向日葵就像太阳，那浓烈的黄色调是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，但同时也似乎寓意着一种苦难，一种深重的苦难。
被爱者赋予了生命的意义作文600字初中
被爱者赋予了生命的意义作文600字初中全文共9篇示例，供读者参考被爱者赋予了生命的意义作文600字初中篇1沧海桑田，四季转变，日复一日，年复一年。
世间万物不断变化着，花开花落，一切都是那么短暂。
我坐在窗前，看着泛黄的树叶被风儿带落；看着曾绿油油的草地变得光秃；看着鸟儿划破长空向远方飞去。
不禁产生疑问：生命的意义是什么呢？我尝试着去寻找答案。
家中一个身形中等，衣着并不华丽，身材也不算苗条的忙碌着的身影——我的母亲，吸引了我的注意。
她每天按时按点的做每一件事，在家、学校、菜市场之间来回穿梭，不厌其烦的过着三点一线的生活，毫无怨言。
妈妈的生命意义会是什么呢？我上前去询问。
她笑了：“生命的意义就是尽心尽责啊，我用心尽自己的责任照顾你们，让我们生活的舒适，你们都可以安心的去做自己想做的事，这以后你会明白的。
”我似懂非懂。
川流不息的马路，熙熙攘攘的人群，每个人都有自己的目标都在做自己喜欢的事。
一位身材高大，腰杆笔直的交警站在马路中央，我向他走近，在他换岗休息之余，我问道：“您好，请问您觉得生命的意义是什么呢？”“生命的意义在于为人民服务！”他的回答掷地有声。
是啊，他们无论风吹日晒，严寒酷暑，都坚守在自己的岗位上，雷打不动，为的就是保证人民安全。
可是为什么跟妈妈说的不一样呢？我内心充满了疑问。
很多时候我会想：这样胆小且庸俗的我，生命是不是没有意义呢？随着年龄的增长，知识的增加，经历的丰富，见证了老师尽心地教书育人，农民辛勤的劳作，清洁工不辞辛劳地工作……内心的疑问逐渐消失。
每一个人，每一的份职业，以及世间的万物都有自己的使命和生命的意义，或许，我的生命的意义就是学习，珍惜以及成长。
被爱者赋予了生命的意义作文600字初中篇2标题:被爱者赋予了生命的意义我有一个很好的家庭,爸爸妈妈都很爱我。
虽然他们工作非常忙碌,但无论多晚回家,都会亲自为我做好吃的晚饭,并细心询问我一天的学习生活情况。
每次有不懂的地方,他们都会耐心解答,直到我彻底理解为止。
《月亮与六便士》读后感集锦15篇_1
《月亮与六便士》读后感集锦15篇《月亮与六便士》读后感1无需多言，看书名便可知晓，这是讲理想与现实、原始蛮荒与世俗的故事。
男主人公原型是法国画家高更，虽然不认识，查了下原来是与梵高并列的后印象派巨匠。
都说艺术家都特别有个性，小说主人公思特里克兰德显得比一般艺术家更甚。
能够放弃原本圆满的家庭、原本稳定的工作和生活，思特里克兰德就是个追求自我的、追求艺术的变态狂魔。
他可以不惜一切代价，宁愿忍受着饥饿、疾病和世人的唾弃去追寻心中的那个世界。
但是他是幸运的，在塔希提他有了爱塔的相伴，最终完成了一直向往的那个世界的绘制。
是要月亮还是六个便士？每个人心中都有一个月亮，但是没有艺术家的那种狂野与执着，奔波、劳碌，终被社会大潮所融化。
小说最后耐人寻味，思特里克兰德在英国的儿子成为一个牧师，还获得了勋章，上过前线，认识了不少朋友，取得了不错社会地位，对比想像到爱塔的儿子未来生活的状态，作者好像是在表达，文明带来了进步与荣耀，很少有人会坚守心中的那份理想，随波追流，变得虚荣与功利，原始蛮荒虽然落后，但是却自由而真实。
这是我的理解。
《月亮与六便士》读后感2先蔑（xi）视（huan）一下作者吊人胃口地开篇，也着实抓住了读者一探究竟的读欲，故事并不复杂或者跌宕起伏。
书中讲述斯特里克兰跳出四平八稳的中年生活，毅然决然以一封纸书的方式抛妻弃子，而原因却“仅仅”为了画画。
在其颠沛流离的画画过程中，他罔顾周围一切朋友的劝诫，对帮助他的人恶语相向，视恩德为尘埃，不知好歹又自私冷血。
如此“三观不正”的人设令人咬牙切齿。
随着故事的进展，一个能够脱离现实束缚和本欲的桎梏的灵魂逐渐明晰而夺目，也就不那么令人生厌，虽然最终死于疾病，甚至其艺术作品亦所剩无几，有了点自食恶果的嘲讽。
而之前的那些人日常看似“体面”、“高贵”的人却总是在世俗的淫威中投下虚伪的影子。
这也佐证了斯特里克兰自我超然的难得。
如此一来，卑鄙与高尚，邪恶与善良，仇恨与热爱，真的可以并存于同一颗心灵中。
艺术作品评论文章范文赏析与探讨
艺术作品评论文章范文赏析与探讨《艺术作品评论文章范文赏析与探讨》艺术作品是人类智慧和创造力的结晶，具有独特的审美价值和表达方式。
本文将就一件经典艺术作品进行赏析与探讨，探讨其艺术价值、表达意义及与观众的互动关系。
本次选取的艺术作品是莫奈的《睡莲》系列之一。
莫奈是19世纪末期法国印象派画家，他以其独特的观察力和敏感性创作了许多令人称道的作品。
《睡莲》系列是他晚年的代表作之一，以其独特的色彩和构图展现了水中花卉的细腻之美。
首先，让我们欣赏这幅《睡莲》。
画面中，一朵鲜艳的睡莲盛开在水面上，绽放出迷人的色彩。
细心观察，可以看到水面上投下微妙倒影，增添了画面的层次感和立体感。
莫奈运用了淡雅的色彩和柔和的笔触，使睡莲看起来宛如梦境中的存在，给人一种平静、宁静的感受。
从艺术角度来看，莫奈以其独特的印象主义风格塑造了这幅作品。
印象主义注重对自然的直接感受，追求反映光线、色彩和气氛的变化。
莫奈通过捕捉睡莲与水的交互关系，以及光线的变化，表达了自然的流动之美。
他运用了大胆的色彩和流动的笔触，创造了一种朦胧、模糊的效果，使观众感受到自然界中独特且瞬息的美感。
此外，莫奈的《睡莲》作品还展现了画家与观众之间的互动关系。
观众在欣赏这幅作品时，往往会被其独特的构图和梦幻色彩所吸引。
画面中的睡莲散发出一种宁静和和谐的氛围，给人带来一种内心的平静感。
观众可以通过欣赏这幅作品，与画家共同感受到大自然的美好，感受到内心深处的宁静与寂静。
此外，莫奈的《睡莲》作品还具有一定的象征意义。
睡莲作为一种纯洁的花卉，通常被视为爱、幸福和宁静之象征。
通过描绘睡莲盛开在水中的画面，莫奈传递了一种超越现实的美好愿景，表达了对和平与宁静的追求。
同时，睡莲也可以看作生命力的象征，它在污浊的水域中生长并绽放出绚丽的花朵，给人一种希望和勇气。
综上所述，莫奈的《睡莲》作品以其独特的印象主义风格、细腻的色彩和构图，展现了水中花卉的独特魅力。
通过欣赏这幅作品，观众可以与画家共同感受到自然的美妙，体验内心的宁静与愉悦。
月亮与六便士读后感通用15篇
月亮与六便士读后感通用15篇月亮与六便士读后感1刚开始读《月亮与六便士》觉得读不下去，说是故事，情节并不够跌宕起伏，说是传记好像也没有传奇人物该有的色彩。
所以，像我这种读惯小说，追求故事情节的人很难耐下心去看。
但最后会发现这是一部带给我们更多思考的著作。
毛姆的《月亮与六便士》是以法国后印象派画家保罗·高更为原型创作的小说。
它讲述了本来家庭和谐、工作稳定的查尔斯·斯特里克兰突然有一天决定抛妻弃子，远走异国他乡学习画画。
作者没有写故事的主人翁为什么做出这样的决定，连他的妻子斯特里克兰夫人面对丈夫的行为也惊慌失措，没有察觉任何征兆，或许真正的原因只有斯特里克兰自己知道。
斯特里克兰放弃舒适的生活来到巴黎，住在一个简陋、脏乱的房间里。
即使他每天沉迷画画，尽情的创作，可是他的作品并没有得到多少认可，除了一个人，德克·斯特洛夫。
斯特洛夫和斯特里克兰一样热衷于画画，并且总是能精辟、绝妙的评论一幅画作，但是自己的画作水平却始终得不到认同。
他是唯一一个真诚赞赏斯特里克兰画作，无条件支持他的人。
即使斯特里克兰无情的'抢了他的妻子、无数次嘲笑他、讽刺他、侮辱他的画作，最后他依然选择原谅斯特里克兰，因为他认为斯特里克兰是最伟大的画家。
他曾经说过：“一百年以后，如果还有人记得你和我，那是因为我们认识查尔斯·斯特里克兰。
”最后事实证明斯特里克兰确实一个天才，他开创了艺术的新时代，这在他死后得到了极大的认可。
在斯特里克兰辗转来到他最后的栖息地，在这里他找到他梦寐以求、唤起他创作激情和灵感的地方，塔西提岛。
“有时候，一个人偶然来到某个地方，他会神秘的感觉，这正是他始终怀想的栖身之所。
这是他一直在寻找的家园，他会在这从未见过的场景中，在他从不认识的人群中定居下来，就好像他生来就熟悉这一切。
在这里，他终于有了着落。
”在这里他深居山林，有善良的阿塔陪伴他，照顾他。
从此他可以没有任何顾忌的（虽然他从来也不会顾忌任何事）的进行他的创作。
爱德华·蒙克《呐喊》
爱德华·蒙克《呐喊》文章摘要：《呐喊》是挪威印象派画家爱德华·蒙克的代表作之一。
本文从其作者，色彩，构图等方面进行赏析。
关键词：爱德华·蒙克印象派存在主义呐喊导语：《呐喊》是挪威印象派画家爱德华·蒙克的代表作之一。
画面的主体是在血红色映衬下一个极其痛苦的表情，红色的背景源于1883年印尼喀拉喀托火山爆发，火山灰把天空染红了。
画中的地点是从厄克贝里山上俯视的奥斯陆峡湾，有人认为该作品反映了现代人被存在主义的焦虑侵扰的意境。
爱德华-蒙克（Edvard Munch，1863年12月12日－1944年1月23日）是挪威表现主义画家，堪称二十世纪表现主义艺术的先驱。
他出生于挪威洛顿，童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下不可磨灭的印记。
因此蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型，抒发自己的感受和情绪。
这种对心理苦闷的强烈的、呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
存在主义（英语：Existentialism），是一个哲学的非理性主义思潮，它认为人存在的意义是无法经由理性思考而得到答案，以强调个人、独立自主和主观经验。
其最著名和最明确的倡议是萨特的格言：“存在先于本质。
”他的意思是说，除了人的生存之外没有天经地义的道德或灵魂。
在20世纪中它流传非常广泛，其哲学思想还延续到了60年代兴起的人本主义。
《呐喊》描绘了一个面容近似骷髅的人，他双手捂住耳朵，站在一条看不见首尾的公路桥上，似乎由于惊吓而大声呐喊。
画中的背景源于1883年印尼喀啦卡托火山爆发，画中的地点是挪威的奥斯陆峡湾。
画家以版画的方式，把红、蓝、绿、赭石的色线，组成流动的河水与天空的形状，造成—种游动与飘忽的动态，给人以不安感，似乎是一场“恶梦”的再现。
它象征着“世纪末”人们的彷徨情绪。
在这幅画中，蒙克主要运用的色彩有蓝色、红色、黄色、墨绿色。
后印象主义画家亨利卢梭的作品介绍
后印象主义画家亨利卢梭的作品介绍后印象主义画家亨利卢梭的作品介绍亨利卢梭用那纯真无瑕的眼睛去观察世界和感受生活的真谛，这使他的画具有强烈而鲜明的个性。
以下是店铺精心整理的亨利卢梭的作品，希望能帮到大家了解。
亨利卢梭的作品亨利卢梭是法国后印象主义画家，也是法国成绩斐然的伟大画家，亨利卢梭作品中比较有代表性的是《战争》、《我本人·肖像·风景》、《梦》，他用纯真充满幻想的眼睛去看待世界并感知生活的真谛，这使他的作品充满了天真质朴并且具有强烈的个性。
亨利卢梭作品中常常表现出一种充满原始的幻想风情，他生活在专属于他自己的想象世界里，也正如他自己所说，梦是他作品创作的源泉，支配着他看待不同事物的触觉，自1891年起卢梭创作了很多鲜明的幻想风格的作品，且作品的主题形态不一各有所长，这是他长时间去公园等地所激发出的特殊灵感。
亨利卢梭作品《梦》，是他去世前最后一幅伟大的杰作，这幅作品诠释了他的追求与不拘一格的创作风格，画面中卢梭将他的初恋情人画在长椅上且置身梦幻的热带丛林中，在这片丛林中，奇花异草林立，大象和各类禽鸟隐藏在森林深处，月光下悠然自乐吹奏长笛的黑人，营造出了一种带有神秘气息的异国风情之境，有评论家曾问他为什么画面是这样组成的，他回答：这是长椅上的少女梦到自己在热带丛林中的场景。
所以画中的各类飞禽乃至人物，都只是少女的梦中情景。
卢梭在画中营造的迷人且奇幻的境界，正是借用了梦境超脱现实的荒诞，给观众呈现出难以诉说的感动。
亨利卢梭的艺术特点亨利卢梭是法国后印象主义画家，也是法国成绩斐然的伟大画家。
主要作品有《乡村婚礼》、《税卡》、《梦》。
亨利卢梭艺术特点最显著的是天真和质朴，但是拥有一颗纯洁心灵的他，却激起了想要伤害他的人和嫉妒他的人的敌视心理，来自四面八方的嘲笑、愚弄也伴随他的一生。
但他对各种捉弄甚至是伤人自尊的玩笑，都能够泰然处之，他并不是艰难的去战胜痛苦，而是不以痛苦为痛苦，坦诚天真中透露着强大的自信，是那颗纯洁心灵的庇护者。
蒋勋：印象派和后期印象派
蒋勋：印象派和后期印象派印象派主张到户外去，在阳光下直接描绘景物，强调以瞬间的印象作画，努力去捕捉大自然色彩、光线及气氛和现场感，将视觉、听觉等官能全方位打开。
绘画在照相机发明后，需要寻求新的表现方式和用武之地，印象主义为西方现代绘画别开生面。
后来，野兽派、立体派、超现实主义，都从印象派那里汲取过营养。
19世纪中叶，工业革命在欧洲蓬勃发展。
工业化带来城市化，城市成为时代中心。
城市让生活更美好，中产阶级起来了，人们向往城市，从乡村流向城市。
早期印象派画家大都诞生在1840年前后，刚好赶上这一潮流，成年后，都像采蜜的蜜蜂一样扑向巴黎这样的文化艺术中心。
城市中产阶级兴起了，有了全新的生活；休闲的音乐厅、咖啡厅流行开来；个人从日常劳作中得到解放，尤其是女性得到了解放。
烦琐累赘的服饰也变得简单轻快，适合画家出门户外写生。
在印象派画家那儿，绘画跟度假联系在一起。
工业革命带来对科学的崇信，人类对自然有了审视的底气和审美的机能。
此前的写实主义突出客观，绘画在照相机发明后，需要寻求新的表现方式和用武之地。
印象派认识到色彩因为光而产生，对光的研究和表现特别注重。
印象派主张到户外去，在阳光下直接描绘景物，强调以瞬间的印象作画，努力去捕捉大自然色彩、光线及气氛和现场感，将视觉、听觉等官能全方位打开。
色彩是质料对光的反射，没有光就没有色彩。
印象主义画家因光分为橙红黄绿蓝靛紫七色，没有黑色，他们就一反传统绘画，改用有亮度的青、紫等色来画阴影。
印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，近看印象派绘画作品时，是许多不同色彩的凌乱的点；远观时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人的感觉出乎意料。
1874年，莫奈、雷诺阿等年轻画家在巴黎组织自己的画展，莫奈的《日出·印象》被嘲讽，展览会也被谑称为“印象主义的展览会”。
“印象派”这个绰号不胫而走。
印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，鄙弃当时流行的传统、历史、神话及宗教题材绘画，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画。
类似人性的枷锁的成长型名著
类似人性的枷锁的成长型名著1、《人性的枷锁》《人性的枷锁》是英国作家威廉·萨默塞特·毛姆所著长篇半自传体小说。
小说通过叙述主人公菲利普从童年时代起的三十年生活经历，反映了一个青年的痛苦、迷惘、失望、挫折和探索，以及逐步摆脱种种枷锁，寻找生命意义，走向成熟，获得精神解放的历程。
开头破晓了，天色灰蒙蒙的，十分昏暗。
空中悬着浓厚的阴云，寒气逼人，预示着马上就要下雪了。
屋里有个孩子正在睡觉，一个女仆走了进来，拉开窗帘。
她向对面的房子，一幢带有门廊的拉毛粉饰房子，呆呆地瞅了一眼，然后走到孩子床边。
2、《德米安彷徨少年时》《德米安彷徨少年时》诺贝尔文学奖得主赫尔曼·黑塞代表作。
出版时引发巨大反响，媲美《少年维特之烦恼》。
你我之辈着实是孤独的，但我们还有彼此。
在黑塞的作品中找回自己。
一旦我们触了事物的另一面，我们就注定会走上一条不再平凡的道路。
世界上任何书籍都不能带给你好运，但它们能让你悄悄成为你自己。
——赫尔曼黑塞开头我的故事始于我不满十一岁那年，当时我正就读于小城里的拉丁语高中。
3、《第三个女人》《第三个女人》是显克维支十九世纪八十年代写的两个爱情中篇小说。
亨利克·显克微支（H。
Sienkiewica，1846－1916），波兰十九世纪著名的批判现实主义作家。
1896年，显克维支又完成了反映古罗马暴君尼禄覆灭的充满异国情调的长篇历史小说《你往何处去》，1905年他因这部作品荣获诺贝尔文学奖。
开头他一生下来又瘦又小、又羸弱。
那些围在产妇床边的女邻居们，看到母子这样的虚弱，都摇起了头。
铁匠老婆西莫诺娃，是个最聪明的女人，她便安慰起病人来：“把蜡烛拿来，”她说，“我在你们床头点起蜡烛，看来你们是毫无希望的了，我的大嫂。
你们要到另一个世界去了。
赶快去把神父找来，请他宽恕你的罪过。
”4、《约翰·克利斯朵夫》罗曼·罗兰的代表作《约翰·克利斯朵夫》是一部通过主人公一生经历去反映现实社会一系列矛盾冲突，宣扬人道主义和英雄主义的长篇小说。
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４５对造型要素理智的思考。
他力图表现纯粹客观的秩序，挖掘自然物象背后的“纯粹的实在”。
为了这一纯粹，就要排除个人的情感、意念和个性的冲动。
他写了《造型艺术与纯粹造型艺术》。
这本小册子散发着冷静、执著和理智的光辉。
之后，他便渐渐地走进了垂直线和水平线的交叉世界中，进行着深邃的理性思辨。
他在１９１３年画出了他的第一幅没有物象元素的作品：《椭圆形构成》。
随后，他在一篇文章中写道，阳刚之气是由竖直走向所表达的，阴柔之气则需从海洋的平卧的线条中领略，而艺术家的特权就在于能够同时传达男性和女性的规范。
这种理智的思辨使他成为“风格派”杂志《风格》上最活跃的理论家，并完成了他的“新造型主义”。
他主张艺术应该在两种对立之间保持平衡——即在艺术家直接表现客观世界的欲望和艺术家的自我表现之间保持平衡，只有“平衡”才能创造运动的和谐，并揭示出真实的存在。
或者说，组成事物的结构不是物体本身，而是它们之间的关系；他们的构成关系就是用抽象的垂直线和水平线来组成简略的几何形体。
一切构造的基础在于水平与垂直的骨架。
这种充满科学精神的理智与康定斯基的“内心冲动”形成了鲜明的反差。
三、两条生命线并行不悖两条不同的生命线似乎已使两人的抽象绘画背道而驰而格格不入。
然而事实上，两人却能够始终共同引领抽象主义绘画向前发展而并行不悖。
康定斯基虽然执著于表现内在的冲动，但是，在画面技术上的研究（如在《点、线、面》中的研究）也不乏蒙德里安的理智的科学精神。
而蒙德里安晚年在美国所创作的绘画中也已流露出对晚年生活的热情与喜悦（如《百老汇爵士乐》等）。
当然，两人还有共同的哲学基础——神秘主义和科学基础——试验心理学。
１９３２年，蒙德里安加入了在巴黎成立的“抽象、创造”团体，康定斯基也从德国赶来加入，并且两人迅速成为了这一团体的核心人物。
虽然这一团体随着世界大战的爆发而告瓦解，但两人的这次相聚似乎也暗示了他们艺术上的交汇。
他们共同完成了视觉艺术的革命，使抽象运动普及世界。
参考文献：［１］［俄］瓦・康定斯基．论艺术的精神［Ｍ］．上海：上海人民美术出版社，１９８７［２］鲍诗度．西方现代派美术［Ｍ］．北京：中国青年出版社，１９９３［３］何政广．康定斯基［Ｍ］．石家庄：河北教育出版社，１９９８［４］何政广．蒙德里安［Ｍ］．石家庄：河北教育出版社，１９９８作者简介：刘明明，海南大学园艺园林学院园林系教师西方绘画艺术从希腊、罗马美术，到在封建基督教笼罩下的中世纪基督教美术，再到伴随资产阶级诞生的文艺复兴美术，经历了革命洗礼的１７、１８、１９世纪……仿佛婴儿蹒跚学步，在磕磕绊绊中逐渐成从后印象派画家中体会生命的呼唤文／周亚莉编辑：张子晴塞尚、梵高、高更三位具有代表性的后印象主义画家，处在绘画历史最辉煌的地位，他们受人们的关注不仅仅是因为他们创作了开创２０世纪绘画先河的作品，更重要是他们非凡的人生经历，在绘画中体现出自身对生命的呼唤，挖掘绘画的本质意义，达到人、画合一的崇高境界。
长、进步。
众多的艺术家继续着前辈的道路，把绘画艺术演绎得绚烂多姿。
他们的生命因绘画而得以延亘至今，被后世传颂。
这是因为他们的创作是对生命的呼唤，是生命的结晶。
后印象派画家塞尚、梵高、高更尤其让我体会到这种强烈的生命。
他们是创新的代表，是自我的代表。
他们的出现，使西方绘画艺术跳跃了一大步，为现代艺术的奇花异草开拓了一片簇新的领土。
大凡是社会动荡时期，皆是伟大艺术产生之时，塞尚、梵高、高更所处的时代，正值法国经历普法战争，资产阶级夺权，无产阶级跃跃欲试的不稳定时期，在这种社会大变革的形势下，新的事物不断涌绘画美学４６现，推动社会的前进。
印象主义在１９世纪科学技术的推动下，对光和色的运用发挥得淋漓尽致。
后印象主义是从印象主义中发展起来的艺术潮流，后印象主义画家受印象主义画风影响，但是不满足其法则，他们另辟蹊径，从各自不同的角度，探讨艺术表现的本质。
塞尚试图将印象主义模糊的作品变得更加清晰和牢固，想画出接近博物馆的持久性的艺术；梵高用鲜明、对比的颜色和扭动的条状笔触，以抒发自己强烈的个性；高更则认为自然主义是个错误，艺术家应表现自身原始的、本能的、自由的精神，他的色彩和线条具有象征的意义。
他们所具有的共同的思想倾向和艺术特点是反对自然主义和印象派对瞬间效果的关注；不满现状，要求改革，不满足于对客观事物的描摹，要求表现事物内在的实质；不满足于对人的行为和人的环境的描绘，要求揭示人们的灵魂；不满足于对暂时现象和偶然现象的记叙，要求展示永恒的品质。
他们深受伯格森的知觉主义和弗洛伊德精神分析学说的影响，强调表现“主观的现实”亦即表现艺术家“自己”。
要问世界上什么能打动我？一株墙角的小草，一只暴风雨中的海鸥，一棵屹立于风雪中的松柏，一只缓慢爬行的蜗牛……它们虽不起眼，却蕴含着自己的生命，感动着我。
后印象主义大师塞尚、梵高、高更，都具有各自不同的人生经历，但最大共同点是对绘画的热爱、执着，用尽一生与绘画结缘，其中饱含了无尽的生命故事。
塞尚是个真性情的人，做律师和银行家都不可能称职，聚财的事他是干不来的。
不幸的是，他在艺术方面也很奢侈，他武断地把一切艺术分为“结实的”和“软弱的”，当然，他属于“结实的”，他年青、爱动、生气勃勃、无拘无束。
他热爱艺术大师，每天到卢浮宫临摹大师们的作品。
他特别崇拜威尼斯画派，那些带有浓艳色彩的威尼斯画家的作品，比大自然还要美。
所以，画大自然，画得比大自然更美，成了塞尚的职责。
他努力思索着，从德拉克鲁瓦以及他的始祖威尼斯诸大家那里悟到了色的错综变化，从库尔贝（法国现实主义绘画的开创者）那里找到自己性格中固有的沉着，从印象派的单一“变幻”为本的自然中搜求一种更为固定，更为深入，更为沉着，更为永久的生命。
塞尚站在他自己的时代思潮上为二十世纪的新艺术行奠基礼。
塞尚是被现代人称为“现代绘画之父”的人物，然而，曾几何时，塞尚是那么不被人理解，过着被世人唾弃、诋毁的艰苦生活。
每个妇女看到他的浴女，总是切齿痛恨，说这位拙劣的画家，毁坏了她们美丽的肉体。
还有人说，塞尚是个缺乏想象力的人，在他的风景画中总有些潜在的，他永远无法抓住的东西。
稍稍懂得艺术之道的人悄悄地说，他连一个普通制图员也不如。
大小报刊杂志，都一致认为他是一个变相的泥水匠，他是个“不会画画的人”……在人们看来，这些诋毁足以令人消沉、颓废下去。
可是，塞尚具有永不消逝的激情，有坚强的勇气，只要能满足他艺术的创造欲，不管被人怎样污蔑，他始终坚信“走自己的路，让别人说去吧”。
１９０６年塞尚在野外写生，淋了雨回家，发了一晚上热，翌日支撑起来在家中作画，忽然倒在画架前面，人们把他抬到床上，从此不起。
他是这样一个专注、伟大的先驱者——用生命作画，生命也终结于画作前。
如果说塞尚的艺术人生是一部伟大人物的叙事小说，那么梵高就是一部悲剧的武侠小说。
梵高是个本性纯净、善良的人，却与社会形成对立且无法妥协的矛盾状态，他从事美术商，但无法违心地欺骗顾客。
到偏远的煤矿区当传教士，把自己的一切都周济给当地的病人，甚至衣服，床位。
这些慈善行为受到了教会的斥责，使他对基督教产生了怀疑：这是富人的宗教，与贫困的人们没有关系。
终于有一天，梵高拿起了画笔，在这条适合他，属于他，能够自由创作的领域里开始了他的人生追求。
他的绘画都是随心所欲的，没有生命的东西他不去画，因此，梵高的绘画没有受到任何画家的影响，只有他在巴黎时从德拉克洛瓦的艺术思想及当时风靡法国的日本版画和印象派的色彩中找到了令他激动的养料，他的艺术只表现本人的感情和意志。
梵高的悲剧人生在于他几乎做任何事情都没有成功过，生意上的失职，情场上的失意，上帝对他的抛弃，与朋友高更的绘画美学４７分裂，生活上的困窘，所有的不顺使他精神分裂，最终在１８９０年，开枪自杀。
他把所有的苦闷都侵注于艺术的道路上，在创作中，他用全身心的情感溶化所有的苦难，使之形成了他艺术创作的灵感源泉；他投入百分之二百的精力，创造出了魅力无比、光芒四射的艺术作品。
但是在当时，他那任性的，主观的、不遵循常规的绘画手法，使他的作品始终无人问津。
他生前唯一卖出的一幅作品《红色葡萄园》，也是买主看在他弟弟的情面上购买的，可怜的他得知自己的作品被卖出了４００法郎后，高兴地对弟弟说：“你相信吗？我的画在我死后，至少可以卖到５００法郎”。
然而，他何曾想到，他的作品售价现今已成为世界之最。
这是悲哀，艺术家的价值往往在死后得以体现，他短促的一生仿佛是上帝有意派来馈赠人类的，不管怎样，这样的结果也会使梵高在天之灵和他生前所受到的一切苦难得到某种慰藉。
相对于梵高崩溃的人生，高更要舒适得多了。
在他３４岁以前，生活基本是正常、完美的。
他生活安定、居住华美、婚姻幸福，作为业余画家，他的油画作品《威洛里森林的风景》入选沙龙艺术展，并在１８７９年到１８８２年的四年中，连续参加了四届印象派联展。
这一些与梵高是那么的截然相反。
但是，他的伟大之处就在于优越的生活阻止不了他对艺术的向往、膜拜，他不让自己的人生就这样草草了事，他不让自己埋葬在资产阶级精致但是虚伪、空虚、纯粹物质性的生活方式下。
通过对资产阶级生活状态的透彻了解使他最终成为了资产阶级的“叛逆者”。
１８８３年，放弃了股票经纪人的职位，又从体面的生活环境中“自我放逐”到偏远的、穷困的、原始人居住的环境中，并且在那里找到了人生的乐趣。
高更的这些有悖凡人的行为源自于他试图摆脱资产阶级的生活方式与都市文明束缚的愿望，这种愿望与他那种玩世不恭的性格以及对人生的思考都有一定关系。
并且，他把这种态度带入到他的绘画创作中，极力反对代表上流社会趣味的学院派艺术。
他认为学院派精致化的艺术仅仅是从感官出发的艺术，在不断描摹细节的过程中，艺术家丧失了他们的野性、冲动以及本能，最终变得沉闷与乏味并丧失了自我。
他希望重新恢复绘画的精神性要素，也就是那种“原始的、本能的、暗示的力量”。
这种看法奠定了他艺术的整个基调与他的发展方向。
１８９０年（梵高逝世的同年），高更尊重自己的感受，只身来到太平洋上的法属殖民地——塔西提岛，和当地土著人生活一起，并与一土著姑娘同居。
这时期是他走上艺术职业后最快乐的日子，三年中，创作了大量的表现当地生活的作品。
１８９５年再次来到塔西提岛，继续孤闲的艺术生涯。
高更之所以为高更，乃是因为他表现自我性格方面的执着。
高更是个在思想上有预见性的画家，他认为艺术家的责任，是善用自然而非在它面前卑躬屈膝，模仿自然的理论是大错特错的。
高更坚持，每一幅画的每一部分，都应该充满了绘者的个性。
例如在拉斐尔的画里，每一笔都换作“拉斐尔”，而卡洛斯・杜兰的画，即使是一幅风景画，也好像裸体画般淫荡。
但与此同时，也有些基本的又很有根据的法则，画家一旦掌握之后，便可据以运用以简化绘事。
艺术家应能善用这些法则使之迁就自己，为自己役使。