美术术语中民族审美意识的缺失

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审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是指对美的感知能力和鉴赏能力,是人们在审视事物时所产生的美感和审美趣味。

每个人的审美观都不尽相同,因此我们常常可以看到有人对某样事物感到美好,而另一些人却对同样的事物感到无感甚至反感。

这种差异性是由于个体的文化、教育、生活经验等方面的差异所致。

当谈到审美的缺失时,我们可以看到一些人对美的辨认能力存在着一定的不足。

这种不足主要表现在以下几个方面:审美的缺失可能源于个体的主观偏好和消费品味。

有些人对某些特定的审美标准不敏感,或者过于追求流行、庸俗的审美标准,忽视了一些具有独特艺术魅力的事物。

一些人可能只追求时尚和外表,却无法欣赏传统艺术或者是某种独特风格的作品。

审美的缺失还可能会导致对艺术作品的误解。

有些人可能只看到了作品表面的美丽,却无法理解作品背后的深刻意境和思想内涵。

这种表面浅尝辄止的审美观导致了对作品的片面理解,进而影响了对作品的欣赏和评价。

审美的缺失还可能导致对艺术创作的误导。

一些人对艺术作品的理解和创作能力不足,无法准确表达自己的审美观点,或者无法将自己的审美观念转化为具体艺术作品。

这种审美的缺失不仅限于欣赏观念的局限,还可能妨碍个体的艺术创作能力的发展。

针对审美的缺失,我们需要进行审美的重构。

这种重构主要表现为以下几个方面:我们需要通过艺术教育来培养人们的审美能力。

艺术教育可以帮助人们了解和理解各种不同的艺术形式和艺术思想,从而增加对美的辨识能力和鉴赏能力。

通过艺术教育,人们可以接触到不同风格、不同时期的艺术作品,拓宽审美视野,从而更好地欣赏和评价艺术品。

我们需要加强艺术评论和研究的力度。

艺术评论家和研究者的工作对于推动审美重构至关重要。

他们可以通过对艺术作品的深入剖析和研究,帮助人们更好地理解作品的内涵和艺术手法,从而提高审美观的水平。

他们的评论和指导也可以帮助艺术家更好地表达自己的创作理念和审美观点。

我们需要鼓励个体表达自我独特的审美观。

每个人都有自己独特的审美观,这种观点的表达和分享对于审美的重构非常重要。

美术术语中民族意识的缺失——透视与游动空间、素描与白描术语的反正

美术术语中民族意识的缺失——透视与游动空间、素描与白描术语的反正

和中国人游 动的空间意识是联系在一起的

明代董其昌 “ 石分三面”的理论,也不是西 方人三度空间的分面法,意思是指看石头的 时候,不要一个角度固定地去看它 ,要从石
成独有的审羹体系,对于传统艺术中的画面
结构有直 的指导意义。中国哲学思想往往 接
把宇宙天地看怍一个 命体,认为#中每时 每刻都会产生新的变化。于是 画家就要对 事物的各个酝进行详尽的描绘,这样做使人
要 用基督 教的教义来评判其行为。结果以讹 级差变化和平行线集中的规律 ,创立了透视 随 意转动一 下,透视 关系就随之改变 。皮之 『讹 ,直 到夸天仍有许 多美术上的学 术词汇 学。透视学到 目前为止仍是西方绘画应用最 不存,毛将 焉附? “ 点透视 ”是很荒 谬的 专 散
被误 用.导致 }念 上的混乱 比如透视与游 广泛的解决空间问题的重要手段之一。除形 说法 ,前提都不存在 了,还有下画家要固定一个视点观察物象 , O
散点透视说法的词 条.众说纷纭 。近 些年,
我参加过 不少研究生毕 业的答辩 会,许多论 文都 引用 散点透 {的理 论解释中国山水的空 见 间关 系.这实在是谬误 ! 《 辞海 》对 透视一 词是这样 解释 的: “ 视是根据 光学 和数学 透
界.而是 四维 的,即有时 间流动性 的I 既念
(《 易》 ). “ 周 仲观宇 宙之 大,俯察 品粪 之 盛 (《 兰亭序* )。这 种天人合一 的理 念 ,不会满 足单一 的时空 观,不是视觉 的直
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实景写生的传统;而中l 鸟画H是游历以后的
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高中生美术学习中审美能力的缺失及应对策略分析

高中生美术学习中审美能力的缺失及应对策略分析

高中生美术学习中审美能力的缺失及应对策略分析作者:戴小燕来源:《科教导刊·电子版》2017年第11期摘要伴随着素质教育的不断推进,在高中美术教育机制建构体系中,教师不仅仅要引导学生了解美术理论和实践技能,也要从教学层面提高学生的审美能力,从而提高学生的综合性美术素养,确保学生在了解美术艺术价值的基础上,体会美术带来的美感。

本文对高中生美术学习中审美能力的缺失和其原因进行了简要分析,并集中阐释了应对的措施,旨在为美术教师提供更加有价值的教学建议,以供参考。

关键词高中生美术审美能力缺失对策中图分类号:G642.0 文献标识码:A审美能力对于美术学习来说具有非常重要的作用,是学习者体会美学深度的基本能力,教师在实际教学结构建立过程中,要结合高中生学习特征和心理特征,建立健全系统化的教学模型,确保学生能和教师之间建立更加有效的互动,在提高学生参与度的基础上,从学生的美术能力培养机制出发,进一步结合教学现状,提高美术审美能力教学的教学效果。

1高中生美术学习中审美能力的缺失1.1教材编排结构存在问题在美术新教材编写过程中,将高中美术课程的内容进行了细化分解,结合新课程标准,美术鉴赏模块、绘画雕刻模块、设计工艺模块、现代媒体艺术模块以及书法篆刻模块是其教学中的重点部分,相对应的,教材的教学目标和教学流程也主要围绕这五个方面进行铺设和开展,整体教学安排以及总体教学体系也较为单一化。

因此,在高中生美术学习审美能力培养方面,对其产生影响和制约的最根本因素就在于课程的基本编排结构。

第一,在课程的编排体系中,美术鉴赏模块本应是最重要的部分,然而,整体内容的联系缺乏紧密度,衔接性和互补性都存在问题,鉴赏能力培养的完整性也并不乐观,就导致整体管理教学体系存在较为严重的问题,在课程设置结构中,相关模块相对独立,相互之间没有很好地进行有效联动,就导致学生无法形成完整的鉴赏模型和网络,在不同美术作品中无法寻找到美术的通性,无法结合共同特征展开艺术鉴赏,也就导致整体高中生美术学习审美能力培养项目存在严重的漏洞。

论当代中国画创作中“真”的美学性的缺失

论当代中国画创作中“真”的美学性的缺失

27设计理念探索一第十三届美展刚刚过去,立即引来了许多观众的诟病。

包括上一届全国美展同样出现了展览的多幅作品与照片几乎完全一样的现象,甚至到了与照片丝毫不差的地步。

很明显,这是运用了现代投影的技术。

中国画成了自然界的搬运工、成了自然界的复制品,这种作品就是运用中国画的工具表现出一张超大的照片,在视觉上着实有冲击力,极具视觉效果,可是却震撼不了人的内心,原因何在?中国画的当代艺术性变成了视觉的冲击力,而不是打动心灵的绘画。

唐张璪言:“外师造化,中得心源。

”外师造化的结果是心灵的感悟,画面充满的是心的感受、感悟。

清代石涛语:“夫画者,从于心者也。

”心,对一个画家来说就是灵魂,就是生命。

而当下的中国画的趋势却是徒有造化之表,在做表面性的文章,是平面的技法造型发展而背离了艺术本体,更无写意精神。

为什么大家对此趋之若鹜呢?因为自然表象的形质容易表现,画家内心的空洞,精神的匮乏。

而透过现象的本质难以把握,这个本质就是物象之“真”。

这种现象对于中国画的发展具有很大的危害性。

首先是中国画的发展方向问题,这会使得中国画朝着表象的、浅层的视觉发展,失去中国绘画的精神实质而转向重技法、表现逼真而没有精神的、文化的洗练。

笔法越来越琐碎而不凝练,对物象的表达越来越具体细微而无概括,从而是一张精致的没有画家灵魂的、没有文化内涵的“照片”式的图画。

其次,中国画如此重形式而轻内容也会带来意识形态向着浮夸方向发展。

形式主义由于没有内在的约束而对形式越发夸张和极致,不断满足视觉感官带来的新鲜感而又不断地在形式上翻新,形式带来的视觉满足在时间上很短暂,为了满足视觉的新鲜又会使得画家不断地在形式上做尽文章而忽视中国画的精髓。

我们看中国画的经典之作,传颂千年,绝非是形式而是其中蕴含的精神风貌和文化内涵。

中国画犹如中国的诗词,言尽而意不止,而不是画尽自然。

画完了,画,也就完了。

中国画的技法与内容也从来不是分离的。

“真”的美学性在艺术形式上的表现就是一种概括的手法,是一种凝练、是对自然的提炼,也就是中国画的写意。

美术教学中的文化艺术素养与审美意识培养

美术教学中的文化艺术素养与审美意识培养

美术教学中的文化艺术素养与审美意识培养近年来,艺术教育在我国教育体系中日益受到重视,艺术课程也成为学生学习中不可或缺的一部分。

然而,仅仅注重技巧的传授远远不够,培养学生的文化艺术素养和审美意识,才是我们应该关注和重视的方向。

本文将探讨在美术教学中,如何培养学生的文化艺术素养和审美意识。

首先,文化艺术素养是艺术教育的基石。

学生的文化艺术素养直接关系到他们对艺术作品的理解和欣赏能力。

因此,我们在美术教学中,应该注重培养学生的文化修养。

这不仅包括对传统文化的传承和发扬,还包括对当代文化的了解和认识。

在传统文化方面,我们可以通过教授经典艺术作品,如古代绘画、书法、篆刻等,来引导学生对传统文化的理解和欣赏。

通过学习传统艺术,学生可以了解到我们民族的独特之处,深入体验到中华文化的博大精深。

在当代文化方面,我们可以结合学生的生活实际,教授一些现代艺术作品,如当代绘画、摄影、装置艺术等。

通过学习当代艺术,学生可以更好地了解社会的变化和发展,增强对当代文化的认同感和理解力。

其次,审美意识是培养学生艺术素养的核心。

审美意识是指能够辨别美和丑、善和恶的能力。

在美术教学中,我们应该注重培养学生的审美意识,让他们具备欣赏艺术作品的能力。

首先,我们可以通过讲解艺术作品的背景和创作过程,引导学生了解作品背后的意图和构思。

通过深入探讨,学生可以逐渐培养出品味艺术的眼光和能力。

其次,我们可以组织学生进行艺术作品的实践与创作。

通过自己亲手制作艺术作品,学生可以更加深入地理解艺术创作的过程和艺术家的思想。

同时,他们也能够感受到艺术创作的乐趣和成就感。

此外,我们还可以引导学生参观艺术展览和美术馆。

通过亲身接触优秀的艺术作品,学生可以感受到艺术的力量和魅力,进一步提高他们的艺术鉴赏能力。

最后,为了更好地培养学生的文化艺术素养和审美意识,我们应该注重培养学生的批判性思维和创新能力。

批判性思维是指学生能够对艺术作品进行细致入微的分析和评价。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是人们对美的感知和鉴赏能力。

在现代社会,审美已成为人们生活中不可或缺的一部分。

随着社会的变迁和人们审美观念的多元化,我们也不得不面对审美的缺失和重构。

本文将探讨审美的缺失与重构,分析这一现象对我们的影响,并提出相应的改进措施。

一、审美的缺失在当代社会,审美的缺失已成为一种普遍现象。

现代人对美的认知存在误区。

由于受到社会、媒体等因素的影响,很多人对美的定义和标准存在偏差,过分追求外在的美而忽视内在的美;审美观念的多元化也使得人们的审美能力逐渐减弱。

人们对于美的定位趋于模糊,无法准确分辨美与丑;审美的缺失还体现在人们的鉴赏能力不足。

现代社会人们对于艺术、人文等方面的鉴赏能力不足,缺乏对美的深度领悟和欣赏。

二、审美的重构针对审美的缺失,我们需要进行审美的重构。

我们要从传统文化中寻找美的根源,弘扬传统美学观念,培养人们对于美的正确认知。

从儒家、道家、佛家等传统文化中汲取美的灵感,传承中华民族的审美精神,促使人们从内心深处感受美;我们要通过教育的力量培养人们的审美情感和鉴赏能力。

在学校教育中,要加强对艺术、音乐、文学等方面的教育,引导学生正确理解美,并培养他们对美的感知和鉴赏能力;我们要通过媒体和社会的引导,树立正确的审美导向。

社会各界应该积极引导公众树立正确的审美观念,丰富群众的审美生活,提高人们的审美素养。

三、审美的意义审美的重构具有重要的意义。

美是人们心灵的精神食粮,通过审美的重构可以满足人们对美的需求,培养人们的审美情感,陶冶人们的心灵,提高整个社会的文明程度;通过审美的重构可以激发人们的创造力和想象力,为社会发展注入新的活力。

艺术、文学等方面的创作,都源自于对美的追求,通过审美的重构可以激发人们的创造力,推动社会进步;审美的重构还可以促进文化的传承和创新。

传统的美学观念融合现代的审美观念,可以使得中华民族的审美文化更加丰富多彩。

四、审美的改进措施审美的缺失与重构是一个长期的过程,需要全社会的共同努力。

美术教学中学生审美能力低的解决方案

美术教学中学生审美能力低的解决方案

在提倡素质教育的今天,学生的审美水平也逐渐受到重视。

不能想象一个素质极大的人,艺术审美水平却贫乏低下是什么样子。

有时候在课堂中学生会因为无知而好笑,就像一位老师列举的在欣赏《米洛斯的阿芙洛蒂德》时,有的同学提出“她是男的还是女的?”的问题,引起局部同学的哄笑,这个问题是事老师不曾想到的,学生的美术知识贫乏,更谈不上去欣赏了。

随着新课改的持续深入,新课标已打破了传统的过于注重美术专业知识和技能的教学框架,力求表达素质教育的要求,以学习活动方式把美术课程分为“造型?表现、设计?应用、欣赏?评述?综合?探索”四大学习领域。

增强学习活动的综合性和探索性,注重美术课程与学生生活经验紧密随着社会的持续发展,我们美术教师要科学地通过各种途径为学生创造用多种感官去接触外界事物的机会,从而更有效地提升学生的审美水平。

审美意识是将伴随学生一生的重要的视觉意识。

对学生实行审美教育,不是一朝一夕就能够完成的,而是一个长期的潜移默化的过程。

所以,在平时的教学实践中,我注意从以下几方面入手,使美术教学更充分地发挥其审美效能。

一、在课堂中感受美小学美术课程是学校实行美育的主要途径。

所以,我们要充分利用美术课实行审美教育,让学生在教学过程中感受美。

1、感受美于欣赏中 2、感受美于绘画中在美术绘画课堂上,教师往往为了达到教学目标而实行示范,结果,学生的美术作品大都与教师的类同。

这不但遏制了他们各自不同的美术表现方式而且抹杀了学生的个性。

我非常注重在绘画教学中培养学生的创新意识,在创新的过程中实现创造美和感受美的双效统一。

孩子是一朵需要悉心浇灌的花,是一支需要点燃的火把。

教师要擅长利用绘画创作教学点燃学生的审美热情,在创作中持续丰富自己的审美感受。

3、感受美于制作中美术手工课堂,能够较大限度的挖掘学生内在的创造潜能,提升审美表现力,在师生交融互动的过程中迸发出灵感的火花,最终体验着不同的成功所带来的不同感受。

二、在现实生活中体验美世界是个美丽的大花园,处处充溢着美。

关于美术学专业生传统文化缺失的成因分析及对策研究

关于美术学专业生传统文化缺失的成因分析及对策研究

关于美术学专业生传统文化缺失的成因分析及对策研究新世纪中国美术已面对着和上世纪八九十年代完全不同的文化语境与学术命题,这意味着新时期美术进入世界当代多元文化格局中对于民族艺术的自觉和民族艺术当代性以及民族艺术在世界文化格局中自主意识的构建。

在这种大的文化环境下中国的美术教育应着力探索和研究中国开放的文化心态中对民族文虎精神的坚守与开拓。

怎样认知与开拓传统文化是对高校带有师范性质的美术学专业学生教学过程中一个尤为重要的课题。

标签:美术学;传统文化;缺失中国传统绘画历经数千年已形成为独具鲜明民族特征的绘画体系。

回顾历代卓越的艺术成就,不难发现中国传统美术之所以在世界美术范畴中独树一帜,是因其从内容到形式都充满了中国传统文化的精神内涵。

中国传统绘画语言是中国传统绘画美学思想的最充分和最集中的表现。

从先秦时代到清代末期,中国传统绘画语言积累了极其珍贵的资源和经验,并不断发展完善,从而形成了自身独具特色的绘画美学思想体系。

然而,近代新文化运动,特别是“西学东渐”让中国人的文化意识逐渐转向了西方,中国传统文化对美术的作用也曾受到质疑。

当前,在多元文化形式的冲击下,我们的美术教育仍然受到绘画风格转型、中国传统绘画意识淡化等一些问题的困扰,审美价值取向逐步出现偏差。

新一代绘画者和有着继承优秀传统责任感的带有高校师范性质的美术学专业方向的学生,对传统文化知识的了解境况让人堪忧。

通过对当前部分高校美术学专业学生的实际调查发现,在美术学专业教学中存在着一系列有关传统文化培养的问题。

本文作如下分析和研讨。

一、以技法课程为例看美术学专业生传统文化培养上的缺失表现1.轻学养,重技能。

美术学专业生大都将来从事美术教育工作,职业特性决定他们要学养与技能并重。

所谓学养,即艺术内在的精神文化内涵。

“外师造化,中得心源。

”唐代张璨作画主张是对艺术内在学养的最早阐释。

绘画是一门综合艺术,不单讲究技法,而且更重修养,要对画论、画史等知识都有较高的要求。

审美能力培养在美术教学中的缺失及其重要性

审美能力培养在美术教学中的缺失及其重要性

审美能力培养在美术教学中的缺失及其重要性发表时间:2012-05-22T11:20:16.420Z 来源:《时代报告(学术版)》2012年2月(上)供稿作者:李怡轩[导读] 素质教育的全面推行,对美术鉴赏教学提出了较高的要求。

李怡轩(渭南师范学院艺术学院陕西渭南 714000)中图分类号:G642 文献标识码:A 文章编号:41-1413(2012)02-0000-01摘要:生活中到处都有着审美的运用。

如何提高审美能力成为了当今人们讨论的焦点。

审美能力一般是指审美主体在审美活动中发现、感受、判断、评价和欣赏美的能力,是在审美实践活动中,经过审美对象反复作用于审美主体而逐渐获得并不断丰富和发展的一种"特殊本领",大致可分为审美感受能力和审美鉴赏能力。

其中,最重要的是培养审美鉴赏能力。

关键词:美术教学;审美能力;审美教育;美术赏析审美是人类掌握世界的一种特殊形式,指人与世界(社会和自然)形成一种无功利的、形象的和情感的关系状态。

审美是在理智与情感、主观与客观的具体统一上追求真理、追求发展,背离真理与发展的审美,是不会得到社会长久普遍赞美的。

审美能力是个人所具有的与进行审美活动相关的主观条件和心理能力。

审美感受以“视、听”两种感官为主,而在这方面并不是每个人都一样的。

在这里,先天的条件,以及后天的训练都起着很大的作用。

审美教育是美术科目的一个内容系列,是在义务教育阶段美术课程中“欣赏、评述”学习领域的基础上更高层次的扩展与延伸。

美术鉴赏与美术欣赏,都是人对美术作品与美术现象所产生的情感活动与思维活动,这种活动的完整过程包括对美术作品与美术现象的感知、想象、情感体验与理解。

而鉴赏则必须高于一般的欣赏水平,“是判断美的一种能力”,是对美术作品的鉴别和欣赏。

所以,在美术鉴赏教学中,老师要善于精心挑选一些典型的有代表性的优秀作品,引导学生进行赏析,通过美术作品中“善”的因素,对学生进行形象化的道德品质教育和思想政治教育。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美,是指对于美的敏感和体验,具有一定标准和规则的心理过程。

在人类社会中,审美是与文化、艺术、美学等密切关联的概念,代表了一个文化传统和时代背景下人们对美好的追求,对美学价值的肯定和确认。

然而,随着现代化进程加速,大众审美观念和文化消费方式也面临着一些挑战。

在这个背景下,如何重构审美,成为了一个重要课题。

首先,审美的缺失主要表现为既定美学标准的僵化和缺乏多元性。

在以往的传统审美观念中,对于美的定义通常是局限于经典艺术作品和一些特定文化传统的规范,从而忽视了其他文化中的美感和表现方式。

例如,在中国传统审美中,“雅”、“俗”的划分思维固化为一种刻板印象,过分追求“雅”而忽略了“俗”,对于大众审美带来了很大的限制。

此外,在某些情况下,外在形式和表象过分强调,反而掩盖了内在的审美价值。

这些标准和规范,已经不再符合现代多元文化和富有变化的审美需求。

接着,重构审美需要多维度的探索和创新。

如今,世界上文化和审美的融合越来越密切,千百年来的不同的艺术和文化都发现了新的形式,新的意义。

在这一进程中,我们应当保持开放的心态和创造力,努力在传统审美和时代审美之间找到平衡点。

一方面,需要发掘传统文化和艺术的真正美学价值,让传统与当代相得益彰,并开拓新的、更为多元化的审美领域。

另一方面,也需要对多种文化,包括当代、流行、民俗等,尊重和理解它们的审美价值和个性,打破传统美学观念的局限,为审美文化注入新的生命力。

总之,审美的缺失和重构是一个长期而复杂的过程,需要我们持续努力。

重要的是,我们需要发掘、尊重和包容各种不同的美学形式,坚持多样性并持续开拓、创新。

通过这种方式,才能构建更加丰富多彩的审美文化,为人们提供全新的美学体验,激发人们的内心反应和创造力,实现个人价值和社会进步。

对称饱满与倚斜残缺——中日民族审美意识分歧根源研究

对称饱满与倚斜残缺——中日民族审美意识分歧根源研究

对称饱满与倚斜残缺——中日民族审美意识分歧根源研究——26——理念探索对称饱满与倚斜残缺——中El民族审美意识分歧根源研究文/王倩中国历来的器物设计,基本上都以"对称饱满"为基本特色.而日本人在艺术中尽量避免"对称和饱满",在遇到功能要求左右对称的物体时,也尽量采用非对称性的设计手法.中国人对"对称饱满"的执着和热爱,一方面是由于人的形体左右对称这一生理特点所决定,另一方面是文化与政治所决定的.长期的农耕文化和以儒家为基础的伦理观念,导致了一种追求圆满尚全忌缺的审美要求.而日本的地理格局导致了自然灾害较多,日本人对这种巨大的且根本无法预防的自然灾害感到束手无策,因此开始祈求自然神灵的保护.日本人对自然中的万事万物怀有景仰之心,在日本人生活中,也是处处仿照大自然,避免对称公正的造型和格局.日本对"倚斜残缺"的偏爱,还有一个至关重要的原因是日本文化的很重要的特点——"物哀美".同属于东方文化体系的中日两国,在艺术风格上有很多大的相似之处.但细观中日两国的装饰图案的特征,我们会发现,中国人喜欢"对称饱满"的图案和设计,而El本人却对"空灵残缺"的图案设计更感兴趣.我们看中国历来的器物设计,基本上都以"对称饱满"为基本特色.在陶瓷设计上,我们可以看到凡具有代表性的典型的优秀的陶瓷造型,都以对称,均衡的方式存在.在建筑中,更是将"对称"这一特色运用得淋漓尽致.从故宫到四合院的布局,无不是沿中轴线发展的空间布局.在装饰图案中,也是以对称和饱满为欣赏对象,如双喜临门,天赐五福等.中国把对称发挥到了极致,且影响到了文学作品的题材形式,例如对联及骈体文要求的其实都是对称.这种工整的对仗给人以强烈的感染力.而日本人在艺术中尽量避免"对称和饱满",在遇到功能要求左右对称的物体时,也尽量采用非对称性的设计手法.如在桃山时代建造的京都高台寺里,存放着一个被当年丰臣秀吉使用过的柜子.尽管它是对称的观音式双开门,却有意在双门上描绘了不对称的图案,以此来打破对称的形式.Ⅲ在茶具的设计上,几乎各国的茶具都是圆形的,有着一定的对称性,而唯有El本的茶具不以"正圆饱满"为美,而以姿态歪斜扭曲者为上,认为歪曲,扁瘪更富有情趣.所谓"乐烧",就是故意捏制变形的茶具.El本人觉得这样的茶具才耐看才有韵味.El本的建筑物除了在模仿中国的城市规划时或忠实模仿中国的时期采用了"对称性"结构,其他大多都是以"非对称"为主.在日本人的生活中,各式各样的设计似乎都下意识地避开对称.根据人类学家的研究认为,人对对称性有一种与生俱来的需要.因为人是高等脊椎动物,人的形体本身就是左右对称的, 因此人看到对称的结构或者形状会自然而然地产生一种偏爱, 对称给人以美和秩序,而且这种秩序可以带来一种稳定感,由此人的安全感也得以产生.达尔文曾指出,我们的眼睛对对称的和有规则反复的东西具有天生的喜好.所以说,人对一种基本的生理的,或者说一种物种对稳定安全的需要,决定了我们对对称性的喜爱.可以毫不夸张地说,对某些作品而言,对称性起着支配的作用,正是这种以重复为特点的对称机制造就了艺术的伟大.圣?奥古斯丁认为"建筑物细部上的任何不必要的不对称都会使我们感到很不舒服".I3]中国人对"对称饱满"的执着和热爱,一方面是由于人的形体左右对称这一生理特点所决定,另一方面是文化与政治所决定的.中国长期的农耕文化和儒家为基础的伦理观念,使中国的社会以家为单位,这种文化导致了一种追求圆满,尚全忌缺的审美要求.而且受儒家思想的影响,中华民族提倡谦和好礼,端正大方的行为规则.这些思想反映在造型中,就是追求完整与美好.先秦哲学家苟子在《乐论))里曾说过,"不全不粹不足以谓之美".中国人乐天安命,悠然自得的人生观,也导致了对圆满喜庆的追求,喜欢看上去花团锦簇,热烈美好的完整与富贵气,避讳残缺失衡.中国西周王城洛邑应该是中国建筑首次大规模运用对称眭设计.目前城市遗址已荡然无存,但通过西周时期的着作《考工记,我们可以大致推测出此城的建筑结构."匠人营国,方九里,旁三门,国中九经,九纬,经涂九轨,左祖右社,面朝后市",这种规划本质上是中国传统世界观和礼制思想的体现. 它一开始就具有明显的象征意义,如王宫及行政中心位于城市的中心,代表了集权,执中不偏不倚的中庸之道和奉天承运的意思;城市方正,功能布局井然有序,代表了秩序与和谐;主建筑依中轴线分布,体现出男左女右,文左武右,南重北轻的阴阳五行概念;还有城门高低,主路宽窄等体现出礼教中的等级观念等.可以说,在宫殿建设中运用极其广泛的对称,中轴线等,其实都是在为"皇权"服务.在以儒学为主体的中国传统政治文化结构中,为了突出处于中心地位的王权,统治者在生活的各个方面都注意强调"君权至上观念"和"臣民观念".这种政治观念对中国人的对称观的形成起着非常重要的作用.在各种因素的共同作用下,对称观念深入了每一个中国人的内心,各种人为的对称现象在我们的生活中俯拾皆是.但绝对对称规整的构图又使人觉得呆板和单调,容易引起观者的倦怠,使人觉得索然无味.阿恩海姆曾说过:"在大多数人眼里,那种极为简单和规则的图形是没有多大意思的,相反,那种稍微复杂点,稍微偏离一点和稍不对称的,无组织性的图形, 倒似乎有更大的刺激性和吸引力."在某些时候,"残缺的美"反而比完整的美更生动,更富于感染力,可以说,正是由于"残缺"所造成的空缺和留白,才更能刺激和诱发观者的想象力,创造力. 这种"残缺的美"有着更广阔的审美空间.格式塔心理学代表人物魏特海默认为,人在视知觉过程中,总是有一种追求事物结构整体性或完形性的特点,这称为知觉的整体性或完形.因此真正富有感染力的格式塔是不完全的.正是因为这种不完全的格式塔, 才特别激起了知觉主体要求把它恢复到应有的完整,对称,和谐的冲动,从而大大增强了审美感受以及兴奋度.中国画中的"留白"意境可以说就是对这种审美欣赏规律的认识和驾驭.但这种"留白"除了在中国画中有大量的运用外,在其他艺术领域内却较少涉及到,不似日本将倚斜和残缺美运用到了极致.那么,日本形成这种审美观的原因是什么呢?从地理环境上来说,日本是位于亚洲大陆东岸外的太平洋岛国.这种地理格局导致了日本自然灾害较多,诸如地震,海啸,火山爆发等无法抗拒的灾难会频频光顾日本.日本人对这种巨大的且根本无法预防的自然灾害感到束手无策,因此开始祈求自然神灵的保护.let本对自然中的万事万物怀有景仰之心,认为其中依附着不可捉摸的神秘力量.日本着名学者梅原猛曾经指出过:"日本最初的神灵信仰是一种自然信仰,~座山,一棵树,一块石头都可以被认为是神或者神栖息的地方."_5这些原始的日本信仰在目前日本人的生活中仍有着不可低估的作用.作庭记"石为主体,我为客体"的造园理念淋漓尽致地体现了日本人对自然的敬畏和尊重.他们对自然近乎是一种完全臣服的态度,可能会为了给自然增彩增色而在那个地方建一座亭子,以此来美化这一处自然景观;他们厌恶颜色的鲜艳对比,其理由之一是认为不自然,最喜欢的色调便是雨水过后,瓦片被淋湿所显现出的一种大自然所赋予的微妙的色调.在日本人生活中,也是处处仿照大自然,避免对称公正的造型和格局.我认为这并非如一些研究者所认为的那样,中国文化不如日本文化那般重视自然.英国人李约瑟在中国的科学与文明一书中曾说:中国人如此热衷于"人不能离开自然"这一伟大思想原则,这是任何其他地域文化都不能相比的.只是在造型价值取向中,中国人对圆满完整的崇尚与喜爱以及中国礼教与皇权的约束占据了更重要的地位.而日本对"倚斜残缺"的偏爱,还有一个至关重要的原因是日本文化的很重要的特点——"物哀美"按约定俗成的说法,日本传统艺术的质感是雅致和精巧,但那是附着在其形态上的看面,剥离其看面,日本传统艺术的质感理念探索——27——随之渐显,那便是悲.自然环境的恶劣,使日本人内心充满了不安定感,形成了日本人内心深处的危机意识,觉得"世无定数".伤逝的物哀情调成为了日本文化的重要特点."日本国民性的特点……更爱残月,更爱初绽的蓓蕾和散落的花瓣儿,因为他们认为残月,花蕾,花落中蕴藏着一种令人怜惜的哀愁情绪,会增加美感.这种无常的哀感和无常的美感,正是日本人的'物哀美'的真髓".吉田兼好指出:"不完整的事物更有意义","无论任何事物,圆满,完美都是不好的,保留着残缺的状态反而更有情趣".川端康成认为:"悲与美是相通的","艺术的极致就是死灭".这种"物哀美"使日本人更加喜欢残缺的美,不圆满的美,有遗憾的美.表现在日常生活中,便是处处避免"对称饱满".日本的家具多采用非对称的造型设计,相比于代表中国特色的"明式家具",这种家具更具有自由活泼的特点.日本习惯将严格对称的形态稍稍偏离视觉的中心,由静态变为动态,由单调变为生动,由冷漠阴沉变为活力四射,非对称被视为日本设计艺术的独有的特质.他们试图打破对称与圆满的程式化,表现出对非对称之美的迷恋『8_.被奉为日本茶道的核心茶具——天目茶碗,其制作工艺的最大特点是使釉在器皿上自然流动,形成了一个个不可重复的图案.日本茶室的设计,为了避免左右对称就故意将走道设计成弯曲的,而舍弃了从路程最短的直线距离.在走道的周围有计划地铺上大小不规则的自然山石,特意将茶室设计成左右不对称的格局.日本的插花也不似中国以花团锦簇为美,而以自然简朴灵秀幽玄为美.就连Et本料理,也刻意避免对称规整的布置,而大多采用自由倚斜的格局."物哀意识"几乎渗透到了每一个日本人的心灵深处,影响着他们的生活方式与思维方式.日本基于"物哀","幽玄"意识的禅宗美学也是日本人喜"残缺"的一个重要体现.一种审美意识的形成有一个过程,其中有诸多因素错综复杂地参与和影响.注释:【1】曹炜.中日居住文化[Mj上海:同济大学出版社,200244页[2】刘华杰对称科学与艺术[J]中华读书报,2001—2-28【3】转gl自:沈小峰自然辩证法范畴论【M]北京:北京师范大学出版社, 1990129—1j0页[4】薛凤旋中国城市与城市发展理论的历史[J]地理,2..2(06)[5]诸神流窜:论日本《古事记》【M]北京经济日报出版社,1999159页【6】李书敏日本传统艺术第1卷序言【M]重庆:重庆出版社,2007 [7】李娜日本人[州北京东方出版社,200872页[8]伍斌味禅风和日本艺术的文化特征【M]北京:北京理工大学出版社, 2008165页参考文献:【I】伍斌味禅风和日本艺术的文化特征【M]北京理工大学出版社,2008 【2】鲁道夫?阿恩海姆视觉思维【M]光明日报出版社,1986作者简介:王倚,南京师范大学美术学院研究生实习编辑:李鹏辉。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是人们对美的欣赏和理解能力,是人类文化和艺术的重要组成部分。

在当今社会,审美的缺失已经成为一个普遍现象。

人们对美的认知能力逐渐下降,审美品味也逐渐走向了低俗化和肤浅化。

我们需要重新审视审美的价值,并开展相关工作进行审美的重构。

审美的缺失主要表现在以下几个方面:一是审美认知退化。

随着信息爆炸和快节奏生活的影响,人们对美的认知能力逐渐下降。

许多人对于艺术、文化和自然美景的欣赏能力变得迟钝,容易满足于肤浅的审美享受,而缺乏深度的审美体验。

二是审美品味低俗化。

大众媒体和商业文化的影响下,人们对审美的追求逐渐走向了低俗化和商业化。

许多人更倾向于追求流行的、商业化的审美,而忽视了高雅的、纯粹的审美价值。

三是审美情感消磨。

人们对美的追求渐渐变得功利化和功利主义化。

审美情感被现实利益和功利心态所消磨,人们很少有时间和精力去沉浸于艺术、文学和自然美景中,从而失去了审美情感的真挚与深刻。

面对这些问题,我们需要进行审美的重构:一是加强审美教育。

学校和社会应该加强对美的教育,培养人们的审美能力和品味,让他们能够更好地欣赏和理解艺术作品、文化传统和自然美景。

二是推广高雅的审美文化。

传播高雅的文化艺术作品和价值观,引导人们追求真善美,培养高尚的审美情感和品格,使审美追求回归到高尚和纯粹。

三是创造有益于审美的社会环境。

社会应该创造良好的文化氛围和社会环境,让人们在日常生活中接触到更多美的事物,激发他们的审美兴趣和热情,让审美成为生活的一部分。

审美的缺失已经成为一个普遍的问题,需要我们共同努力进行审美的重构。

通过加强审美教育、推广高雅的审美文化和创造良好的社会环境,我们可以重振人们的审美能力,让美成为人们生活的重要组成部分,提升人们的审美品味和情感境界。

这不仅对个人的精神世界有益,也对社会的文明进步和文化建设有着重要的意义。

希望我们能够共同努力,重塑美的面貌,让审美成为我们生活的一部分。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美,是指人们对美的认知和感受。

在人类文明发展的历史长河中,审美一直都是人们追求和追逐的对象。

随着社会的快速发展和文化的多元化,审美的缺失问题也日益凸显。

审美的缺失不仅表现在人们对美的认知上,也反映在人们的行为和态度上。

面对这一问题,我们需要从多个角度去重构审美观念,让美成为我们生活的一部分,让审美重回人们的生活。

审美的缺失主要体现在对美的认知上。

在当下社会,虽然人们接触到的美的形式很多,但是很多人的审美观念却被快速消费文化和商业化所左右。

重视外貌的审美观念导致很多人忽视了内在美、精神美的追求,使得审美趋于肤浅和功利。

现代社会的审美标准也趋于单一,使得人们追求的审美范围受到限制,缺乏多元化和包容性。

这种审美的缺失导致了人们对美的认知受到困扰,审美的价值和意义也逐渐被淡化。

除了对美的认知,审美的缺失还表现在人们的行为和态度上。

在当下社会,审美已经不再只是一种感受和认知,而是被商业化和利益化所左右。

在追求审美的过程中,很多人变得浮躁和功利,只看重眼前的效果和外在的形式,而忽视了审美背后的内涵和情感。

碎片化的审美形式也使得人们对美的感知变得短暂和肤浅,审美的充实和深刻感逐渐消失。

在这样的背景下,审美的缺失不仅影响了人们的行为和态度,也改变了审美的本质和内涵,使得人们对美的感知越来越空洞和虚无。

面对审美的缺失,我们需要从多个方面去重构审美观念,让美成为我们生活的一部分,使得审美重回人们的生活。

我们需要从教育入手,培养人们的审美情感和审美意识。

通过美术、音乐、文学等艺术形式的教育,让人们接触到不同形式的美,培养人们的审美情感和审美品味,使得审美成为人们生活中不可或缺的一部分。

也可以通过课外活动和社会实践来培养人们的审美情感,让美成为人们生活中的一种文化追求和情感体验。

我们也需要多元化审美观念,打破审美的单一标准。

在当下社会,审美的标准往往只局限于一种形式,使得人们的审美范围受到限制。

为了重构审美观念,我们需要打破审美的单一标准,让不同形式的美得到充分的展示和发展。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是指对美的感受、评价和追求的能力和活动。

它是一种主观的心理活动,在不同的文化和历史背景下会有不同的表现形式和价值观。

随着现代社会的发展,审美的缺失问题逐渐凸显出来,需要进行重构。

审美的缺失主要体现在对价值的片面追求上。

在商业化的社会中,人们往往只关注产品本身的形式和功能,而忽视了其内在的美感和艺术价值。

当代艺术市场的繁荣,很多作品更注重商业利益而非艺术价值,导致审美标准的偏离。

在追求时尚和潮流的过程中,人们常常盲目追求新颖和独特的东西,而忽视了传统和经典的价值。

这种追求短暂和唯利是图的审美观念,使人们失去了对日常生活中的美好事物的感知和认识。

审美的缺失还表现在大众审美的扩散和模糊上。

随着科技进步和信息化的发展,大众审美的边界变得模糊起来。

人们通过大规模媒体和社交网络接触到各种各样的审美观念和文化产品,导致大众对于美的标准和价值的判断变得混乱和模糊不清。

与此商业化和市场的推动也加剧了审美标准的扩散,造成了审美的呆板和同质化。

人们越来越难以从众多的审美选择中找到自身的审美特点和价值取向,导致审美的缺失和混乱。

为了重构审美观念和修复审美缺失,我们需要回归到人文关怀和内在素养。

培养审美的敏感性和能力很重要。

要通过多样化的审美体验和教育,培养人们对于美的感知和理解能力,增强审美意识,提高审美标准的自觉性和准确性。

传承和发扬传统文化是重要的重构审美的途径。

要通过传统文化的学习和传承,让人们更好地认识和理解传统的美学观念和价值,引导和影响审美观念的形成和发展。

建立健康的审美生态环境也是重要的一步。

要通过加强艺术教育和文化产业的发展,提供优质的艺术品和文化产品,为人们提供更多的审美选择和满足,推动审美标准和价值的多元化发展。

审美的缺失问题是一个复杂的社会现象,它涉及到个体的审美能力和活动,以及社会的审美观念和价值体系。

为了重构审美,我们需要培养人们的审美素养和能力,传承和发扬传统文化,营造健康的审美生态环境。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是一个人对美的感知和欣赏能力,是一种对美的态度和情感。

在当代社会,审美的缺失已经成为一个普遍现象,人们对美的认识和欣赏能力逐渐丧失。

审美的缺失不仅仅影响了个体的心灵世界,也影响了整个社会的文化风貌。

审美的重构成为当代社会亟待解决的问题。

审美的缺失表现在许多方面,其中最为突出的是审美观念的淡化。

在当代社会,商业文化和快餐文化已经成为主流,人们对于美的追求变得浮躁和功利。

他们只关注外在的形式和表象,而忽视内在的品质和价值。

这种审美观念的淡化导致了人们对于艺术和文化的理解变得肤浅和狭隘,审美情感变得单薄和贫乏,审美能力逐渐丧失。

审美的缺失还表现在审美品味的低俗化。

在当代社会,娱乐产业盛行,大众文化蔓延,低俗的审美品味成为潮流。

人们对于极端、恶搞、恶俗的事物感到兴奋和快感,审美品味下降。

这种低俗的审美品味不仅破坏了艺术和文化的净土,也使整个社会文化的品位下降。

审美的缺失还表现在审美能力的退化。

在当代社会,人们对于美的认知能力退化,审美能力下降。

他们无法欣赏高雅的艺术和文化,只沉迷于琐碎和庸俗的事物,审美能力变得肤浅和贫乏。

这种审美能力的退化导致了人们对于美的追求变得功利和功利,缺乏内在的情感和沉思。

审美的缺失给整个社会文化带来了危机和挑战,需要进行审美的重构。

需要强调审美教育。

审美教育是培养人们的审美情感和审美能力,是提升整个社会的审美素养。

通过审美教育,人们能够培养对美的感知和欣赏能力,理解和欣赏高雅的艺术和文化,提高审美品位和品位,使美成为人们内心的需要和寻求。

需要注重审美的培养。

审美的培养是提升人们的审美情感和审美能力,是塑造人们的审美品位和品味。

通过审美的培养,人们能够塑造高尚的情操和品格,提高审美品位和品位,注重内在的品质和价值,使审美成为人们的精神追求。

需要倡导高尚的审美品味。

高尚的审美品味是对美的高度追求和珍视,是对于艺术和文化的珍视和敬畏。

通过倡导高尚的审美品味,人们能够提高对美的欣赏和理解,塑造优秀的文化品格和风貌,营造高雅的社会文化环境。

论当代中国画教育中传统文化的缺失

论当代中国画教育中传统文化的缺失

论当代中国画教育中传统文化的缺失中国画是中国传统的艺术形式之一,它承载着中华文化的精髓和深厚的历史底蕴。

随着时代的变迁和社会的发展,当代中国画教育中传统文化的缺失问题愈发凸显。

这不仅影响了学生对于中国画真正意义上的理解,也在一定程度上损害了中国画这一文化遗产的传承和发展。

当代中国画教育中传统文化的缺失主要体现在教学内容的单一化和时代局限性。

许多绘画教育课程过分强调技法的即时性和实用性,而忽略了对于传统文化的深入挖掘和研究。

学生在学习中国画的过程中,往往只是停留在表面的技法和功用上,缺乏对于中国画深刻内涵和文化意蕴的感悟。

由于传统文化中的价值观和审美观与当代社会存在较大差异,许多学校的中国画教育更倾向于教授古代画家的作品和技法,而对于当代艺术发展的探索和引导则不足。

当代中国画教育中传统文化的缺失还表现在师资力量的不足和内容更新的滞后。

随着社会的不断进步和文化的多元化,传统绘画教育的教师队伍多数缺乏对于当代艺术发展和国际视野的了解,缺乏对当代中国画的全面认识和研究。

他们往往流于形式和陈旧的传统,忽视了当代艺术思潮和表现形式的更新。

这导致了中国画教育内容的滞后和孤立,也使得学生难以对当代中国画有更深入的了解和认识。

当代社会快节奏的生活方式和社会环境的变迁也为传统文化的传承带来了一定的压力。

随着现代技术的迅速发展和大众传播媒体的影响,许多年轻人更倾向于接触流行文化和西方艺术,而忽视了中国传统文化的价值和意义。

这也进一步削弱了当代中国画传统文化的影响力和吸引力,使得传统文化在当代中国画教育中的地位逐渐被边缘化。

面对当代中国画教育中传统文化的缺失问题,我们需要采取一系列的措施来加强传统文化的传承和发展。

应加强对于传统文化的挖掘和研究,注重传统文化在中国画教育中的地位和作用,使得学生能够在学习中国画的过程中感受到传统文化的魅力和底蕴。

加强对师资力量的培养和更新,建立起符合当代艺术发展需求的教师队伍,为学生提供更为全面的中国画教育。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构审美是人们对美的欣赏和感知能力。

在现代社会中,审美已经成为了人们追求的一种精神追求和生活方式。

随着社会的进步和发展,审美的缺失也逐渐凸显出来。

审美的缺失不仅体现在个人的审美观念和品味上,还体现在社会文化的发展和传承上。

我们需要对审美的缺失进行重构,提升个人和社会的审美素质,更好地享受美的享受和传承美的文化。

审美的缺失主要表现在人们的审美观念和品味上。

随着社会的快速发展和信息的爆炸,人们的审美观念也随之发生了变化。

传统的审美观念逐渐被新的审美观念所取代,人们对美的定义和看法也变得多样化和个性化。

这同时也导致了审美的碎片化和混乱化,人们对美的标准和认知变得模糊和不确定。

很多人在审美选择上缺乏自信和判断力,盲目追求时尚潮流,而忽略了自身的审美需求和情感体验。

社会文化的发展和传承也受到了审美的缺失影响。

在现代社会中,商业化和市场化的影响使得大众文化无孔不入,审美标准也趋向于单一化和片面化。

传统的文化和艺术作品在新的市场环境中难以获得应有的重视和传承,很多优秀的艺术品和文化遗产被淡忘和边缘化。

这在一定程度上导致了审美的匮乏和贫乏,影响了人们的审美品味和文化素质。

我们需要对社会文化进行审美的重构,提升传统文化的价值和地位,推动审美观念的多样化和包容性。

那么,面对审美的缺失,我们应该如何进行审美的重构呢?个人需要重视自身的审美素质和品味培养。

在追求时尚和潮流的要注重对传统文化和艺术的了解和体验,提升自己的审美情感和认知水平。

可以通过参观美术馆、欣赏音乐会、阅读经典文学等方式来丰富自己的艺术修养,提升个人的审美素质和品味水平。

也要学会独立思考和自主选择,不盲目追求时尚,而是根据自己的喜好和情感来进行审美选择。

社会应该加大对文化和艺术的支持和保护力度,推动传统文化的传承和创新。

政府和社会组织可以通过各种方式来支持艺术家和文化机构,提升传统文化的传播力和吸引力。

也要加强对文化产业的管理和监督,防止商业化和市场化对传统文化的侵害和扭曲。

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构

审美的缺失与重构
中国文化有着深厚的审美传统,数千年的历史中涌现出了一批优秀的文化传承者和艺
术家。

但是在现代社会中,我们面临着一些审美缺失的问题。

观念的更新换代,文化的多元,都对人们的审美产生了影响,我们需要对审美进行重构。

首先,互联网时代带来了不同于传统审美的视觉文化,但是这些文化多是流行文化和
过时的审美,强调“被看到”和“炫耀”的效果,而非艺术性和思想性。

因此,我们需要
回归传统审美,追求文化的独特性,尊重艺术家们对于艺术“中道”的探索,以及对于时
代的思考与应对。

其次,观念的更新、科技的进步和人们的生活方式都在改变人们的审美观念。

我们应
该积极地寻找、接受和尝试新的审美,表达属于自己的审美情怀。

同时,我们也需要保持
一个自由、开放、包容的心态,相信自身的判断能力以及审美决策的自主性。

最后,我们应该推崇高雅的审美和文化,以文化为基础来进行审美的重构。

人们应该
尊重和追求卓越艺术和文化,将它们与现代生活中的日常情感融合,建立起一个更加开放、多元化的变革性的审美观。

在未来的审美重构中,我们应该不断地探索、尝试,找到适合自己的审美途径,建立
起一个更加自由、开放、多元的审美观,同时还需要保持对于文化、传统和高尚文化的尊
重和推崇,以达到一个协调发展、公正公正性的价值判断。

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刘海粟《龙华春色》,水彩画,原作不存,发表于《美术》1919年7月第二期,上海图画美术学校发行透视与散点透视、素描与白描的批判绘画领域中,简单地用西方人的学术和审美观念来衡量或解释中国传统绘画的情况普遍存在,以误传误,直到今天仍有许多理念、学术用词的误用和概念上的混乱。

厘清其中的内涵、返璞归真,对中华民族审美自信的回归有重大意义和学术价值。

20世纪初叶,中国“五四”运动,直接喊出了“打倒孔家店”的口号,一夜之间“科学”一词变得非常时髦。

人们往往直接用西方人的观念来衡量或解释中国画,结果驴唇不对马嘴:明明是一个佛教信徒,却硬要用基督教的教义来评判。

结果以误传误,直到今天仍有许多美术上学术词汇误用,导致概念上的混乱。

比如:散点透视和白描等于素描说,即是其中的两对。

透过现象,我们看到的,正是民族审美意识的缺失。

散点透视说的批判搜“百度”,会跳出近80万条散点透视的解说。

不少研究生毕业答辩及许多美术论文等都引用散点透视的理论解释中国山水画的空间关系。

这实在是谬误!《辞海》这样解释:“透视是根据光学和数学的原则,在平面上用线条来图示物体的空间位置、轮廓和光暗投影的科学。

”的确,透视是基于物理学理论基础上,与照相机镜头的成像原理完全一致的方法。

最早由15世纪意大利画家马萨卓等人以光学和数学为基础,建立起一整套适应观众位置的成像方法,即通过计算的可以准确地表现出一切描绘物都与人的视点相适应的空间现象。

透视的发现,成为当时西方绘画的主要特点。

这,意味着人更进一步接近周围的世界。

因此,他们的绘画从哥特晚期开始,在解释客观自然空间的感受方面,科学地总结了相同物体近大远小,级差变化和平行线集中的规律,创立了透视学。

到目前为止该方法仍是西方绘画最广泛的解决空间问题的重要手段。

除形的空间关系外,还有色彩透视空间,即近处鲜明、远处灰暗、近处清晰、远处模糊、近处暖、远处冷……强弱渐次的变化。

根据西方人的理论,所谓透视,就是画家要固定一个视点观察物象,也就是说作者站的位置必须不动,将透过玻璃后看到的物象描绘下来。

因此,透视,实际上是人类的眼睛对世界物象歪曲的认识和反映。

因为我们的眼球是圆的,火车车厢明明每节都一样大小,但在人眼里产生出近大远小的变化。

所以透视的前提必须是定点的,甚至头部随意转动一下,透视关系就随之改变。

而散点透视的意思是有多个透视点,皮之不存,毛将焉附,前提都不存在了还有下文吗?其实,中国人对世界的“看”法是全方位的,不是西方人三度空间的定点看世界,而是四维方式,即有时间流动性的概念。

中国哲学思想中,往往把宇宙天地看作一个生命体,每时每刻都产生新的变化,“仰则观象于天,俯则观法于地”、“仰观宇宙之大,俯察品类之盛”,这种天人合一的理念,不会满足单一的时空观,不是视觉的直接感受,而是包容天地的大空间,涵盖了中国人的文化心理。

画家的视线从自然束缚中解放出来,不受时间和空间限制。

古今变迁,四季交替,东西南北等都可以在同一幅画面中得到表现。

古人讲的“写生”不是拿着画板固定在一个地方面对面地画对象,而是游历式的。

早晨从山脚下开始,中午到山腰,晚上到山顶,把一天旅行所得综合的结果。

北宋画家郭熙提出的“高原、平远、深远”,并不是西方人的焦点成像方法,而是一种观察方法。

因此在中国画的山水画中,山里山外的小桥流水,山上山下的茅屋寒舍,山前山后的老屋牧童,这些物象须画家多次观察才能看到,即所谓“山形步移”和“山形面面观”的理论,然后把“每远每异、每看每异”的数十百山的形状绘制于一山。

人在山中饱游沃看,视点在游动之中,所得之山,不唯一侧一面之观,然后得全山于胸中,所谓“胸中之壑”,得山水作画,展纸之间,已心游无外,入隽淡而得超越。

这是得三种象度观察和体味的方法。

所谓高远者,从山中看山壑,观山高,这是空间的上下关系;深远者,从前山看后山,窥山背之景,这是空间的前后关系;平远者,从近山看远山,望远景,这是空间的远近关系。

三远法总括中国绘画者“看”之所得,将山水活化于心胸,如造化般生成。

稍后的韩拙《山水纯全集》补充了郭熙的三远,成阔远、幽远、迷远,步移面观,视线上下兼顾,左右流转,俯仰万象,表里俱察。

观者不满足目极无穷,而是在流转顾盼中目识心记。

这是中国人在艺术活动中,视知觉映像与表象活动相交织的观察物象的独特方法。

明代董其昌“石分三面”的理论,也不是西方人三度空间的分面法,意思是指看石头的时候,不要一个角度固定去看它,要从石头的三个方向去看它。

因为其出处源于因为其出处源于五代荆浩的《山水节要》:“石分三面,路看两歧……此画体之诀也。

”因此,问题的实质是东西方看世界的方式和方法的不同,换句话讲,中国人的游动空间意识,综合了众多不同的视点,把它们有机地联系起来,反映事物的多面性和画家多次观察的过程,画面空间中也反映出了时间的变化。

这种游动空间的观察,以展示空间气氛见长,既可上下、鸟瞰一切,又可东西平行移动,创造出多方位的空间效果,唤醒人们在心理上获得不可言状的种种视觉感受。

达到远看大势,近看局部,发人深思的目的。

宋人苏轼有诗云:“横看成岭侧成峰,远近高低各不同”,说的就是中国人在观察山势风光之时是动态式的。

唐人李贺也说:“遥望齐州九点烟,一泓海水杯中泻”。

这种高度凝练和概括的观看世界之方式,其实在中国最早陶器上的图案分布上就有体现,即在特定的形制上表现连续游走的物象,呈现空间流动的意识形态。

从汉代画像砖上《官吏出行图》、《收获》、马王堆的帛画及隋展子虔的《游春图》、五代荆浩的《匡庐图》、宋代张择端的《清明上河图》等古人的作品中可以都得到印证。

流变,此乃中国传统绘画时空观最真实的写照。

在这种时空观指导下所构建的画面,有极强的象征性和时间的流动性,属于散落式布局,体现出了中国人游记式的浪漫情调;而松竹梅兰四君子的花鸟画中四季不同的景观也可以在一幅画面中呈现,更寄托了中国画家精神性的主体意蕴,这就是时间性的流变结果。

画家的思想能够驰骋宇宙,遨游太空。

咫尺之图可“卧游”千里之景。

以小观大、以有限表达无限。

中国人这种空间建构的方式与其哲学、文学、戏曲等联系在一起,形成本民族的审美体系。

西方人的风景画与中国人讲的山水画并不完全是称谓上的不同,因为山水不单纯指自然景观,它是天与地的代称。

孔子云“仁者乐山,智者乐水”,是对自然的崇敬和相溶,“山川与诸神遇而迹化也”。

老子《道德经》说,“人法地,地法天,天法道,道法自然”,西汉董仲舒提出“天人合一”的理论,更直接影响了六朝以来的山水画的发端,魏晋以来,山水画作为具有独立语言的特殊性形式,走向有思想的士大夫阶层,成为对自然认识观的载体。

而在具体的表现方法上“远观其势,近取其质”,强调气势上的观察和体验。

画家和自然不是被动关系,而是互动关系,是将自然间的无序变成画面上笔墨的有序。

张璪说“老僧三十年前来参禅时,见山是山,见水是水;及至后来亲见知识,有个人处,见山不是山,见水不是水;而今得其体歇处,依然见山是山,见水是水”。

画家在与自然的不断融合中,达到“天人合一”,讲求的是可望、可行、可游、可居,是畅神的体验,人与物同游,是移动空间的方法,属于动态关照。

作画者居高临下,全局在握:不断生成,不断流变,充满哲学意味。

中国人对待自然的态度是包容与和谐:寄情自然,随遇而安。

由此产生了中国传统的山水画的概念,因此,与西方人的风景画在内涵上有诸多区别。

总之,与西方绘画以客观世界存在为依据,如实追视、逼真表现的定点透视完全不同,中国传统绘画以浪漫主义的空间意识处理画面,将自然界的深度转换成平面布置式的意象空间。

东晋时期顾恺之提出的构图理论:“置陈布势”,如同将军指挥千军万马式的阵地布置,是服从于画面的组合性而不是符合相似性的创作方法。

为了与此手法相一致,中国画家在对待对象和空间关系时将形色和光影减到最低程度,与东方人诗性气质一脉相承,以更为轻松、自由的方式看待世界,将画面达到理想配置,是大一统的时空观念在起主导作用。

比如手轴长卷,边展边看,充满动感和神秘感,在时间的流逝中观者与画家同感四季交替、交叠。

“时空”在画家的带领下变得丰富多彩、扑朔迷离,并不像西方风景画一目了然。

比如五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》和周文矩的《重屏会棋图》等,将人物安排在一个具有象征性的虚拟空间之中,突破现实场地的约束。

正因如此,中国画有很强的平面性,将线型墨色乃至大小空白的分布都有在平面相互配置的功能,诗书画印也成为结构的一部分,同时起到调整平面关系的作用,呈现笔墨和装饰之美。

白描就是素描吗《论语·八佾》有“绘事后素”的说法,有人又牵强附会,认为这就是老祖宗提出的“素描”概念,又是荒谬之极。

百度上有这样的解释:“尽管中国高校正统的素描教学比西方晚了近200年,但值得骄傲的是早在2000多年前我们的老祖宗就在《论语》中提出‘绘事后素’的见解,《考工记》也提出‘凡画馈之事后素功’的理论。

可见世界上最早提出素描学说的是我们的文明古国。

”原文是:“子夏问曰:巧笑倩兮,美目盼兮,素以为绚兮。

何谓也?子曰:绘事后素。

曰:礼后乎?子曰:起予者商也,始可与言诗已矣。

”“‘绘画之事后素功。

’谓先以粉地为质,而后施五彩,犹人有美质,然后可加文饰。

”朱熹集注:“绘事,绘画之事也;后素,后於素也。

”从上下文的看“绘事后素”,可以直译为:先有绘画用的白底才可以在上面作画,这里的“素”当白色讲。

孔子以此比喻“礼后”的,他认为仁是礼节仪式的内容,仪式是仁的外在形式。

这一段文字其实质讨论的是文与质的问题,“素”是质,“绘”是文,文是表现实质的。

可见,这与西方人的“素描”风马牛不相及,完全是牵强附会!事实上,素描是20世纪初从西方引进我国的一种美术教学概念和方法,是以古希腊“模仿说”为思想指导,以科学精神为参照标准,以写生为训练形式,辅以解剖学、光学、色彩学、物理学等手段,建立起的明暗调子、整体观察、素描空间等模式和学院的教授方法。

正是物理性的思维,西方绘画观念也由此出。

据古罗马普林尼《博物志》第35章记载,最早提出素描概念的是公元前5世纪一位古希腊画家宙克西斯(Zeuxis),他以明暗法在绘画上对光影进行呈现和利用,使明暗成为表现立体感的方法,从而大大推动了欧洲古代的绘画技巧。

中国古代尽管有画院制度,但没有素描和色彩教学。

绘画学习的方式是师傅带徒弟,口口相授,并以临摹作为学习的主要手段。

尽管从广义的角度讲,凡是单色画都可称素描,但在内涵上有本质区别。

西方素描强调的是观察和写生时对明暗层次表现的一种手段和方法,是手、眼、心三者配合训练的主要途径,有自身一整套的学术体系和规范。

由于素描的浓淡让人联想到隐蔽着的东西,深浅变化暗示出立体性,是西方人空间意识的觉醒。

是一种“意识转化”,是“看”的技能之一。

因此,素描更深层的含义是观察方法的正确实现,也就是要学会整体性思维:科学地理解世界、分析世界和表现世界。

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