对中国画的理解

传统的魅力与现代的冲击——浅谈对国画的理解
国画，顾名思义，就是中国绘画。

它是汉族传统的绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。

国画也叫宣画，即用颜料在宣纸、宣绢上的绘画，是东方艺术的主要形式。

近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。

它依中华民族特有的审美趋向及因此而产生的艺术手法而创作。

中国画起源古代，象形字，奠基础；文与画在当初，无歧异，本是一个意思。

.我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。

文字与画图初无歧异之分。

它是中华民族历史发展中不可或缺的文化，也是灿烂的中华文明最杰出的艺术产物。

古往今来出现了许多国画大师也留给我们大量精美的作品。

斗转星移，沧海桑田，但是国画这块瑰宝却始终如新，一代又一代的艺术家们为它痴迷。

随着现代社会的到来，不少年轻的艺术家们找到了国画的新的表现形式和手法，在传统国画的基础上不断创新。

传统艺术与现代艺术在这个进步的时代华丽的撞击在一起了。

传统的国画表现形式以笔墨为主，讲究“骨法用笔”，追求笔精墨妙的艺术效果。

强调墨分五色，墨分为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五种。

在意境上，传统中国画，不管是工笔还是写意，都尚写意。

讲究气韵、追求意境。

写形是为了传神。

齐白石说“太似则媚俗，不似则欺世，似与不似之间”，讲究传神达意的方法，着重体现画面所传达的精神、意境。

体现出一种强烈的儒家风范，温文尔雅却胸怀天下，古朴豪放却意义深刻。

而随着时代的进步和发展，出现了一批杰出的现代国画艺术家，他们在传统国画的基础上融合了西方绘画中对光影、虚实、体积构成的研究成果，创作出一批批精美的化作，如徐悲鸿，李可染。

齐白石等等都是为世人敬仰的画家。

融合型的现代中国画，丰富了中国画的技法和表现空间，在这一点上是有意义的。

在这里我并不是来对传统和现代吹毛求疵的，作为一名学油画出身的美术教育工作者，对于艺术的向往和追求使我不仅对西方油画也对咱们博大精深的国画艺术有深深的景仰，闲暇时也会翻开画册，提笔临摹。

我今天写这些，主要的原因在于个别学生对于国画艺术的不正确理解，觉得国画很“古老”。

当然这也不是在说所有的人，主要是前些日子在和学生交流时，我问他们以后想学什么专业，大家的回答大多数都是设计啊，油画啊之类的，而想学国画的寥寥无几，大家一提到国画不由自主的就想到白发苍苍的老爷爷。

我不禁在想：这是为什么呢？不管是传统的国画也好还是现代的国画也好，是一种艺术表现形式，是我国文明历史的珍贵财富，时代在进步中国画也在进步，它不再拘泥于传统的流派体系，而是在越来越多的艺术大师的创新下出现一个又一个新的体系，而每一位大师都是在扎实的传统国画基础上另辟蹊径，开陈创新，给人们带来一副又一副叹为观止的艺术作品。

国画，作为一种艺术表现形式，承载了灿烂辉煌的中华文明，是厚重的历史长河中一颗璀璨的艺术明珠，我们不能为了接受新式的画法和教育就遗忘他。

国画是我们中华民族的瑰宝，我们的国粹。

千百年来国画一直在不断发展，而其传统的艺术精髓仍一脉相承，永葆其强劲的生命与活力，并在此基础上不断创新。

至今，钓鱼台国宾馆、人民大会堂都悬挂着大幅国画。

名家名作还作为国宝赠品在外交活动中起到国际文化交流的重要作用，这是因为国画表现的是中国人的精神、气质和中国人的思维方式与世界观。

国画中的梅、兰、竹、菊，被称为“四君子”。

梅,表现出凌寒斗雪的铮铮傲骨；兰，表现出生于幽谷，不取媚于人的崇高美德；菊，表现了不畏寒霜，不怕艰苦的高尚情操；竹，象征着高风亮节的清雅风范，这些，正是中国人最崇尚的精神品格。

国画的核心在于笔墨功夫。

所谓“书画同源”，也就是说，国画必须以书法的笔墨功夫来表现作品的精神。

中国的汉字，几千年来不断发展变化，但不论哪个时代，何种字体，都可以超越时空，起到记录、保存和交流思想、文化的作用。

然而，汉字一个主要的特点是具有审美价值。

汉字成为一种书法艺术，这在世界上是少有的。

国画必须运用中国书法的毛笔和墨汁，才能表现出笔墨的苍劲与骨力以及笔飞墨舞的潇洒神
韵，这既是书法的气质与精神，也是国画的艺术魅力之所在。

最后，我想说的是不管是传统的也好，现代的也罢。

国画始终是中华民族的文化传承和艺术宝藏，它需要新一代的人来继承和发扬光大，要以进步的眼光来看待中国画艺术，它在传统和现代的冲击下仍保持起特色和神韵又不失古法和灵魂，这是非常不易的。

国画并不“古老”相反，它在不断的积淀和时间的磨砺后越发的光彩照人，散发无穷魅力。

艺术永远年轻！
我对中国画的理解
中国画按内容分，主要有人物画、山水画、花鸟画三大类。

战国时，中国已经有了比较成熟的人物画，唐朝时达到了顶峰。

著名的人物画家有顾恺之、吴道子等。

山水画是表现山川美景的画种。

它产生于秦代，隋唐时成为独立的画种，宋代达到了很高的水平。

著名的山水画家有李思训、王维、唐寅等。

花鸟画画的是自然界中的花卉、鸟兽、鱼虫。

南北朝时出现了花鸟画，宋代走向成熟。

著名的花鸟画家有擅长画花鸟的朱耷、擅长画竹子的郑燮、擅长画鱼虾的齐白石等。

中国画按画法分，主要有工笔画和写意画。

工笔画的特点是按照事物原来的样子，一笔一笔画得非常细致，尤其注重细节的描绘；写意画是一种概括、夸张的画法，要求用简单的笔墨画出事物的神韵，虽然笔墨简单，但意趣生动，表现力特别强。

一幅国画作品，除了图画以外，还有诗文和印章。

因此，中国画是诗、书、画、印相结合的艺术。

它的艺术成就和民族风格早已受到世界人民的赞誉。

中国画不仅能美化人们的生活，而且能给人们带来高雅的情趣和艺术享受。

中国画是中华民族之骄傲，以我国所特有的绢、宣纸、毛笔和墨，绘景抒情形成独特艺术风格，屹立于世界艺术之林，是前人给我们留下的丰厚遗产。

随着时代的发展中国画在村料与表现内容上也具有新的发展。

中国画追求的最高境界是绘画作品的意境之美和笔墨之美。

追求意境，这和中国诗词的发展息息相关。

“大漠孤烟直，长河落日圆”从这句诗中让人看到一幅壮丽的画。

同样一幅画也是一首诗，是作者内心的渲泄。

祝允明说过“绘事不难于写形而难于得意，得真意而点出之则万物之理，挽于尺素间矣，不其难哉。

”创意难，意在何处?意在反映万事万物里所包含的某种道理，所以中国绘画特别强调画家对客观对象的主观能动精神，倘若画家在其作品中真的把握住客观对象的本质，则绘画的境界即显出很高的审美特征。

《易"系辞》中的说的“立象以尽意”所以对中国画的学习应是“取法乎上，而气韵不可学”在意境方面人人都可以向更高的格调攀登，当然这需要提高作画者各方面的修养。

中国画与西洋画最大不同在于我们用线条来表现，它的每一点每一笔都有表现力。

一代宗师潘天涛所绘的画中，可看到许多线条组合的画面，几乎每一点每一线都可成为一张精彩的画，使人百看不厌。

虚实问题对于中国也比西洋画重要。

中国画的“虚”为留白，西洋画则仍为色彩。

从一定程度上讲，留白比填色更难。

这一切的种种都是前人留给我们的丰厚遗产，我们应为此感到骄傲。

中国画不可能自己成就自己,需要学术思想的帮助。

学术思想对书画的艺术本质和风格的形成起了关键作用，儒家思想使书画贴近民众,使国画一直存在着理性精神，国画严格按照礼学观念去构建，把书中有画，画中有书给予理性秩序的概括，强调主观的由情而发的“心境”；老庄思想使书画表现出一些尽显才智、尽显虚无飘渺的唯美倾向.老庄的审美方式是独特的，强调对自然和自身的体验，强调抒情性，在笔墨的处理上有着极大的自由度和自主性。

虽然儒道两家分别从理性、感性，一正一反，一出一入的不同侧面入手，但为何能在书法中协调起来，就是因为在笔墨表现“情境”的“意象”性质上是一致的。

儒道思想的特有气
质、人生理念和思维方式决定了书法的意象境界，超越了感性与理性的对立，使书画成为了一个被直接把握的、直观的、原初经验性的美之现象。

虽有图解之嫌，但儒道思想提升了书法的题旨和内在意蕴，使其扩大了“感觉”的范围和空间，并形成了自己的特点但是，当今中国社会的各个领域,确切地讲应该是一个非常浮躁,非常喧嚣的世界.一切一起都使人感觉到了急功近利,见利忘义.中国画的领域也是如此,面对这样一个物欲横流的世界,很少有人可以静静地在那里探索什么笔墨的奥妙,也很难去做.都巴不得今天学一天中国画,明天就可以去卖钱,明天就是大师了.
中国画是寂寞之道,讲究凝神定气,波澜不惊.非宁静无以致远,非淡泊无以明志.不是依靠浮躁之气而产生发展的，如果真的是这样，那么中国画讲究的儒家道家佛家三位合一的境界又在哪里？
近代以来，徐悲鸿、林风眠等老一辈中国画家不断吸取西方美术元素中的写实主义、现代主义手法，对中国画进行创新发展，使他们笔下的中国画形成了不同于传统中国画的新面貌，并逐渐占据了当今中国画的主导地位。

为适应新的形势，当今的中国画也必须不断创新。

虽然中国画毕竟是不同于西方绘画的独立绘画品种，它以笔墨来写意，有自己独特的创作与欣赏品格。

但是中西方美术之间可以对话交流、互相借鉴，同样也决不能因此丧失中国画自己的特色与地位。

正如前面说过中国画的许多优秀之处是西画所无法比的。

无论怎样都不应失其民族性，否则这艺术便毫无价值。

不少人常说改革开放的时代，国画也要开放，也要中西结合，对于这观点我认为流于肤浅。

开放是要开放的，结合当然也是必要的。

但这个中西结合该如何个结合法呢?长期以来中国绘画的意境、气韵都是西方人所无法理解的，是中国绘画的经典之处。

中西方的生活环境、文化传统不同，人的思想情感当然不同，所以这个意境是不适于中西结合而讲的。

有些人甚至去极力模仿西方一些大师，勉强的搬到自己画上，凑成所谓的“中西结合”这种结合我认为是不可取的。

所以，我觉得目前为止这个结合可从材料上去考虑在不变其本质前提下更新。

或在原有的勾、皴、擦、点染手法上进一步扩展。

中国画从古发展到今在不觉中已形成一种程式化，今天我们应突破这一程式，吸收西方绘画优秀的东西。

“笔墨当随时代”中国画面临的更大一个课题便是内容上的问题。

传统的中国绘画有雄伟壮丽的山水景色，同时有崇山峻岭，残山幽峪，喜欢在大自然中修身养性。

时代的生活方式、节奏在改变，中国画也须扩大题材范围，去表现新的审美情趣。

中国画——历史留下的丰厚遗产，值得我们继承发扬。

中国画存在的问题，需要我们进一步研究。

中国传统绘画的主要种类。

中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。

近现代以来为区别于西方输入的油画（亦称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称国画。

它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。

中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛；工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。

技法可分工笔和写意两种，富于传统特色。

中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

国画可分为人物画、山水画、花鸟画三种。

1 、人物画
（1）人物画的历史进程：
我国的人物画，历史悠久。

据记载，商、周时期，已经有壁画。

东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出"以形写神"的主张。

唐代闫立本也擅长人物画。

还有吴道子、韩斡等等。

都为人物画做出了卓越的贡献。

唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。

（2）人物画的画法和表现方法：
要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。

画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。

2 、山水画
（1）山水画的历史进程：
山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。

自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。

尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，是自然风光之美，欣然跃于纸上，其买相同，雄伟壮观，气韵清逸。

（2）山水画的组成：
山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等.
3、花鸟画
（1）花鸟画的介绍：
中国花鸟画多姿多彩，引人入胜。

它与山水、人物画并列为中国绘画艺术的专门学科。

花鸟画就广义讲，应包括花鸟、禽兽、昆虫、鱼介等。

（2）花鸟画的画法和表现主题：
花鸟画的画法大致可分为二类：
（一）工笔花鸟；
（二）写意花鸟；
昆虫亦有工、写之分。

表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。

他和山水一样，有悠久的历史。

花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。

表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等。