浅谈关于作曲的一些小技巧
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法可以因个人的风格和喜好而有所不同，但以下是一些普遍适用的原则和建议：
1. 寻找灵感：灵感来源可以是生活中的各种情感、景色、事件等等。
可以试着关注周围的事物，记录下来并深入思考，寻找创作的灵感。
2. 学习音乐理论：音乐理论是作曲的基础，了解音乐的基本元素，比如和弦、旋律、节奏等，可以帮助你更好地组织和表达想法。
3. 创造旋律和和声：旋律是作曲的核心，尝试用琴键、嗓音或其他乐器找出旋律线。
同时，和声是增添音乐深度和层次的重要组成部分，通过使用和弦和音程可以塑造作品的情感色彩。
4. 结构化作品：保持作品的结构和逻辑性可以使其更易于理解和欣赏。
尝试使用不同的乐章、主题重复或发展等手法来组织你的作品。
5. 创造独特的音色：通过选择不同的乐器和声音特效，可以为你的作品带来更丰富的层次感和个性。
6. 尝试进行编曲：把你的作曲想法进一步展开，添加其他乐器的演奏部分，调整和改进声部编排，使其更加丰满和完整。
7. 培养创作的习惯：坚持每天写作曲目，即使只是简短的片段
或想法，也能够培养创作的习惯并逐渐提高作曲技巧。
8. 听取他人的意见：与他人分享你的作品并聆听他们的反馈和建议，有助于你发现潜在的改进空间和创作方向。
总之，作曲是一种个人创作的过程，尝试不同的技巧和方法，发现适合自己的方式，并保持练习和探索的精神，才能不断提高作曲的水平。
音乐创作的基本原则与技巧
音乐创作的基本原则与技巧音乐创作是一门艺术，它通过声音和乐谱来表达情感、传递信息，给人们带来美的享受。
在进行音乐创作时，遵循一些基本原则与技巧，可以帮助创作者有效地表达自己的创作理念。
本文将探讨音乐创作的基本原则与技巧，以帮助读者更好地理解音乐创作的过程和要点。
一、音乐创作的基本原则1.情感表达：音乐创作的首要目标是表达情感。
音乐家通过音调、节奏、和弦等音乐要素来传递情感，使听众能够感受到创作者想要表达的情感。
2.创新性：音乐创作需要具有创新性，音乐家应该尝试新的和独特的音乐元素来吸引听众并展现自己的独特风格。
3.结构完整：一首优秀的音乐作品应该有良好的结构，包括引子、主题、发展和结尾等部分，使整个作品能够有机地连接起来，并且令人耳目一新。
4.平衡性：音乐创作需要在不同音乐要素之间保持平衡。
如在和声上要注意旋律与和声的协调，以及节奏与速度的平衡等。
5.个性化：音乐创作应该体现作者的个性和风格，使作品独具特色，并能够与其他作品区别开来。
二、音乐创作的技巧1.旋律创作：旋律是音乐创作中最重要的部分之一。
创作者可以通过运用不同的音程、节奏和音符组合来创作出富有吸引力的旋律。
2.和声创作：和声是音乐中的关键元素之一，创作者可以通过选择和弦、构建和声进程、进行和声转位等方式来创作和声。
和声应与旋律相辅相成，以丰富音乐的层次感。
3.节奏创作：节奏是音乐创作中不可或缺的要素，它为作品提供了稳定的节奏感和动感。
创作者可以通过改变音符时值、使用不同的拍子和节拍等来创造多样的节奏。
4.音色运用：音色是音乐中不同乐器或声音的特色。
创作者可以通过选择不同乐器、合成器以及音效等来运用不同的音色，以丰富作品的表现力。
5.动态处理：动态是音乐中音量变化的表示，通过运用不同的音量，如强音和弱音、渐强渐弱等，可以使音乐更富于变化和表现力。
6.合理运用技巧：音乐创作中还可以运用各种技巧，如模因、倒影、转位、引用等，以丰富作品的内涵和表达方式。
创作歌曲的六个方法
1.想好要写什么。
在你写歌之前，你需要考虑好这首歌是什么类型？想要表达的中心思想或情感是什么？要有一个大概的框架，这会对你的写歌进程有很大影响。
●如果你要写一首带歌词的歌，首先你需要在写歌时考虑歌词。
你可以先开始写歌词，或者写完旋律后写歌词，或者你可以二者结合。
这此将歌词置入歌曲的方法取决于你的风格与能力。
你也需要考虑音乐的风格，确保风格与歌词匹配，反之亦然。
●如果你要写的是不带歌词的背景音乐，主题音乐或其他类型的器乐，选择合适的乐器和音乐类型更能传递情感。
但也要提前规划好。
想想你为什么写这首音乐，你想传递什么样的情感。
2.乐器的使用。
如果有乐器的话，最好是边用乐器边写。
有的人可以在头脑中想象就能完成，假如他们想要知道效果如何，他们只需哼一小段就好了。
但如果是写特定乐器演奏的歌曲，会在创作的过程中运用到哪种乐器，试听效果如何，想一想你是否需求一个乐器来创作，都应该提前做出相应的计划。
通常在写歌中用到的乐器是吉他和钢琴，虽然有的人会使用某些特定的弦或乐器。
3.记录歌曲的方式。
想想你打算用什么方式把歌写下来，包括最终的格式和你的创作。
那些接受过更多音乐训练的人会想写乐谱，而那些受音乐训练较少的人可能会写出和弦。
1.创建一个基调。
在开始写一首歌前，你需要有歌曲的基本思想，基调应该是这首歌的精髓，你写的一切建立在这个基础上。
●旋律是音乐的主线，通常被认为是“可唱”的部分。
这一段曲调你可以很容易把歌词写出来。
●和弦一系列的和弦可以让你对整首歌有一个整体感觉。
如果你对旋律没有一个很好的想法或者遇到了麻烦，这是别一个比较好的方法来开始这首歌的创作。
2.创作副歌或即兴重复段。
副歌是歌曲中很容易记住的一行或几行歌词，把它想成卡在你脑海里的部分。
这种朗朗上口的曲调和歌词能够抓住听众的注意力，让人很容易记住这首歌。
即兴重复段也起到同样的作用：它是与旋律区别开来，显著而又令人难忘的音乐片段。
3.了解流行歌曲的结构。
如果你想写歌，你要明白，主导流行音乐的基本歌曲的结构或形式。
作曲基础知识与配器技巧指导
作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。
作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。
本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。
一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。
节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。
在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。
2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。
常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。
调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。
了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。
3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。
作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。
二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。
作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。
在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。
2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。
在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。
作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。
3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。
作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。
同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。
4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。
作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。
总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。
掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧音乐是人类文化的重要组成部分，而作曲和音乐制作则是创作出美妙音乐的关键要素。
在音乐行业中，作曲与音乐制作技巧的掌握至关重要。
本文将介绍一些在音乐行业中成功的作曲与音乐制作技巧，以帮助那些热爱音乐创作的人们在这个领域获得更大的成功。
一、音乐作曲技巧1. 灵感的获取音乐作曲的第一步是获取灵感。
而灵感则来源于我们周围的世界。
可以通过观察大自然、生活中的人与事物、阅读书籍或是与他人的交流中获得灵感。
在创作过程中，将自己的情感和感受融入其中，创作出有深度和内涵的音乐作品。
2. 基础理论知识的掌握作为作曲家，掌握音乐理论知识是必不可少的。
这包括音符、节奏、和弦、音阶等基本元素的理解和运用。
通过系统的学习和实践，深入理解和把握音乐的构成规律，能够使作品更加丰富多样且具备个人特色。
3. 曲式和结构的运用音乐作品的曲式和结构是决定整首作品形式和发展的重要因素。
熟悉不同的曲式类型，如复调、变奏曲、奏鸣曲等，能够帮助作曲家在创作过程中更好地组织音乐材料，使音乐作品更加有条理和完整。
4. 和声的运用和声是指不同音乐元素在音乐作品中的相对关系。
合理的和声运用可以增加音乐作品的层次感和丰富度。
通过学习和实践和声规则和技巧，如和弦进行、声部编写等，作曲家能够创作出旋律与和声和谐统一的音乐作品。
二、音乐制作技巧1. 选取适合的音色与乐器音色是音乐作品的灵魂，选择适合的音色和乐器可以使作品更加生动和鲜活。
在音乐制作过程中，根据作品风格和表达的需求，选择合适的音色和乐器，使音乐作品与听众产生共鸣。
2. 节奏与编曲的设计节奏是音乐中极为重要的元素之一，对于音乐的表达和节奏感的把握直接影响作品的效果。
在音乐制作中，作曲家需要注意节奏的合理处理，运用编曲技巧来使音乐更加丰富多变。
可以尝试使用不同的打击乐器，合理设置伴奏，使整个音乐作品更加丰满。
3. 音频处理与混音音频处理和混音是音乐制作中至关重要的环节。
通过使用各种音频处理器和混音器具，作曲家可以对音频信号进行调整、修饰和融合，以达到理想的音频效果。
教你如何作曲
作曲1.使用和弦加入经过音来作曲。
适用于先写和声进行，然后再加入旋律。
此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说，非常和谐！旋律的和声走向特别明显！但是，一般篇幅比较短小！这时候，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的分解和弦的指法。
强弱节拍的不同变化，我们可以感觉到不同的旋律的！会产生不同的创作灵感的！如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。
适用于写长段的旋律！先写旋律，后写和声！如：大调自然音阶： 1 2 3 4 5 6 7 小调自然音阶：6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。
这一点，我要重点讲一下！我们可以使用各个国家，或者各个民族的特色音阶来作曲！如：我国常用的五声音阶：大调五声音阶： 1 2 3 5 6小调五声音阶： 6 1 2 3 5和声小调音阶： 6 7 1 2 3 4 #5大佛里吉亚音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7 （Phrygian-Dominant）也有人把它叫做；弗拉门戈音阶！自然音阶的各种不同的模式：伊奥尼亚模式： 1 2 3 4 5 6 7 （Ionian）也就是大调自然音阶！多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式： 3 4 5 6 7 1 2 （Phrygian）利底亚模式： 4 5 6 7 1 2 3 （Lydian）混合利底亚模式： 5 6 7 1 2 3 4 （Mixolydian）爱奥尼亚模式： 6 7 1 2 3 4 5 （Aonian）也就是小调自然音阶！洛克里亚模式： 7 1 2 3 4 5 6 （Locrian）以上自然音阶以不同的音作为开始，向下顺次排列的方式，叫做: 旋法调！e. 减音阶： 1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶： 1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶： 1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶： 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶： 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶： 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶： 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 （Super-Locrian）l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 （Hindu）m. 吉普赛音阶： 1 b3 #4 5 b6 b7 （Gypsy）n. 匈牙利音阶： 1 #2 3 #4 5 6 b7 （Hungarian）o. 匈牙利小调音阶： 1 2 b3 #4 5 b6 7 （Hungrarian Minor）p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1q. 旋律小调音阶： 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6r. 日本音阶： 6 7 1 3 4s. 俄罗斯音阶： 6 （ b7 ） 7 1 2 3 4 （#4 ） 5 （#5 ）t. 爵士小调音阶： 1 2 b3 4 5 6 7u. 阿拉伯音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7v. 拿波里大音阶： 1 b2 b3 4 5 6 7w. 拿波里小音阶： 1 b2 b3 4 5 b6 7x. 东方音阶： 1 b2 3 4 b5 6 b7其实，简单地说，就是在你作的自然音阶旋律中，你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音，也就是半音！可以升高半音，或者降低半音！看你自己的喜好了！4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。
写歌技巧和方法
写歌技巧和方法
以下是 8 条关于写歌技巧和方法的内容：
1. 嘿，你知道吗，写歌就得像搭积木一样！先想好一个主题，这就好比是积木的底座呀！比如说你写一首关于爱情的歌，那爱情的各种滋味就是你的主题。
然后呢，一点点往上加旋律和歌词，就像给积木加上各种形状。
王菲的《红豆》不就把爱情的那种缠绵悱恻表现得淋漓尽致嘛！
2. 哇塞，写歌的时候节奏太重要啦！它就像是歌曲的心跳啊！如果节奏乱了，整首歌不就垮了嘛。
你看看那些节奏感超强的歌，比如周杰伦的《双截棍》，那节奏多带劲啊！会让你不由自主地跟着摇摆起来，这就是节奏的魔力呀！
3. 嘿呀，歌词得有画面感知道不？就像看电影似的！让听的人能在脑海里浮现出一幅场景。
比如朴树的《平凡之路》，那歌词就仿佛让你看到在公路上前行的画面。
写歌的时候多琢磨琢磨这个，肯定能让歌更吸引人啦！
4. 写歌不能光自己玩嗨了呀，得想想别人能不能懂！要和听众产生共鸣，这多关键呀！就像赵雷的《成都》，多少人听了都想起自己在某个城市的故事。
所以得站在别人的角度想想，这首歌能不能打动他们呢？
5. 哇哦，尝试不同的风格就像打开了一个个神秘的盒子！一会儿是摇滚的激情，一会儿又是民谣的温柔。
你看窦唯当年玩摇滚，那风格多独特！写歌的时候别怕，大胆去尝试，说不定就找到属于你自己的独特风格啦！
6. 嘿，旋律不是随便哼哼就成的哦！得有起有伏，就像人生的经历一样。
听听林俊杰的歌，那旋律的变化多丰富啊！得用心去编排旋律，让它像过山车一样带着听众的情绪一起起伏，这才是厉害的写法呀！
7. 哎呀，写歌的时候别忘啦情感才是灵魂呀！没有情感那就是个空壳子。
你想想那些感人至深的歌。
音乐创作技巧
音乐创作技巧
音乐创作是一个富有创造力和个性的过程。
在创作音乐时，以
下是一些有效的技巧和建议：
1. 启发灵感：寻找灵感的途径可以是广泛的。
你可以从日常生活、旅行、书籍、电影等等中汲取灵感。
尝试拓宽你的视野，保持
开放的心态。
2. 利用情感：音乐是情感的表达。
将自己的情感注入到音乐中，尝试用旋律、和弦和歌词传达出你的内心世界。
3. 实践琢磨：经常练演奏乐器和创作音乐是提高技巧的最佳方法。
通过不断练，你能更好地理解和掌握音乐的语言。
4. 借鉴他人：研究和借鉴他人的音乐作品是提升创作技巧的好
办法。
听取各种风格和流派的音乐，探索其中的创作技巧和乐理知识。
5. 创造独特性：尽可能展现出你的个性和风格。
探索不同的音
乐元素、和声结构和节奏模式，以创造独一无二的音乐作品。
6. 与他人合作：与其他音乐人合作，可以提供新的视角和创意。
合作可以带来更广阔的音乐资源和丰富的创作体验。
7. 探索技术：了解和掌握音频录制和音乐制作技术对于创作是
非常重要的。
研究使用录音设备、音频编辑软件和音乐制作工具，
以提升音乐的质量和声音效果。
8. 接受反馈：对于自己的音乐作品，接受他人的意见和反馈是
非常有益的。
从别人的角度来看待你的作品，可以帮助你改进和提
升创作水平。
9. 不断研究：音乐是一个永久研究的过程。
保持好奇心和求知欲，持续研究音乐理论、技巧和创作方法。
以上是一些建议和技巧，希望能对你的音乐创作有所启发。
愿
你的创作之路充满乐趣和成就！。
作曲的基本方法
作曲的基本方法作曲是一门艺术，通过音乐语言来表达创作者的情感和思想，创造出独特而美妙的音乐作品。
本文将介绍作曲时常用的基本方法，帮助读者了解作曲的过程以及如何运用这些方法来创作出优秀的音乐作品。
一、音乐创作的灵感来源灵感是作曲的起点，它可以来自于各种不同的来源。
有时候，灵感会突然降临，如一段旋律在脑海中浮现；有时候，灵感则需要主动去寻找，如通过欣赏他人的作品或观察自然景象来获取灵感。
作曲家可以通过培养自己的音乐素养、不断积累音乐知识和体验，以及保持开放的思维，来提高获取灵感的能力。
二、主题或基本素材的选择在确定了创作的灵感来源后，作曲家需要选择一个主题或基本素材为出发点。
主题可以是一段旋律、一个和声进行、一段节奏等等；基本素材可以是一个音色、一个和弦进行、一段鼓点等等。
选择一个合适的主题或基本素材对于整个作品的发展和结构非常重要。
三、旋律的创作与发展旋律是作品中最为突出和易于记忆的部分，是作曲家表达情感和思想的重要手段。
创作旋律时，作曲家可以根据自己的情感和创作目的，选择合适的音符、节奏和音程，创造出独特而富有感染力的旋律。
在作品的发展过程中，作曲家可以通过进行变奏、转调、重复等手法对旋律进行发展和丰富。
四、和声的运用和声是作曲中不可或缺的要素，它可以为作品增添层次和丰富度。
作曲家需要根据所选择的主题或基本素材，进行和声的设计和运用。
通过选择合适的和弦进行、进行声部编排、进行声部运动等手法，作曲家可以创造出和谐美妙的和声效果。
五、节奏与韵律的运用节奏是音乐中时间的组织形式，它能够为作品带来动感和节奏感。
作曲家可以运用不同的节奏形式、进行节奏的变化和转换，使作品更富有变化和表现力。
此外，韵律也是作曲中重要的一部分，通过合理运用韵律，作曲家可以为作品注入活力和强烈的节奏感。
六、结构与发展作曲作品需要有一个合理的结构和丰富的发展，以保持听众的注意力和兴趣。
作曲家可以通过不同的形式来组织作品，如ABACABA等形式；也可以通过进行主题的发展和转变，以及进行动态的起伏来增加作品的吸引力。
如何写歌作曲 写作技巧
如何写歌作曲写作技巧写一首好歌不是一件容易的事情，需要不断的练习和积累，本篇文章将为大家介绍一些写歌作曲的技巧，帮助大家更好的创作音乐。
下面是本店铺为大家精心编写的5篇《如何写歌作曲写作技巧》，供大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
《如何写歌作曲写作技巧》篇1写歌作曲是一种艺术，需要不断的练习和灵感的涌现。
下面是一些写歌作曲的技巧:1. 找到灵感来源：灵感是创作的源泉，可以通过生活中的经历、周围的人和事、文学作品、艺术作品等方式寻找灵感。
要保持敏感和开放的心态，记录下灵感闪现的瞬间。
2. 确定歌曲类型：在开始创作之前，需要确定歌曲的类型，是流行歌曲、摇滚歌曲、民谣歌曲还是其他类型的歌曲。
不同类型的歌曲有着不同的旋律和结构，需要在创作之前确定下来。
3. 创作旋律：旋律是歌曲的灵魂，需要在创作中着重考虑。
可以通过吉他、钢琴、口哨等方式创作旋律，注意旋律的流畅性和可听性。
4. 确定歌曲结构：歌曲的结构包括 intro、verse、chorus、bridge、outro 等部分。
根据歌曲类型和旋律来确定歌曲结构，注意歌曲结构的连贯性和逻辑性。
5. 填词：歌词是歌曲的重要组成部分，需要根据旋律和歌曲主题来填写。
注意歌词的语言表达和押韵技巧，让歌词和旋律相得益彰。
6. 编曲：编曲是将旋律和歌词转化为音乐的重要步骤。
可以通过各种乐器和音效来编曲，注意音乐的协调性和整体性。
7. 不断修改：创作是一个不断修改和完善的过程。
在创作过程中，要不断听取意见和反馈，对歌曲进行修改和完善，直到达到最佳效果。
写歌作曲需要不断的练习和积累，需要保持敏感和开放的心态，不断寻找灵感和尝试新的创作方式。
《如何写歌作曲写作技巧》篇2写歌作曲是一种创作过程，需要灵感、技巧和实践。
以下是一些建议和技巧，可以帮助你写歌作曲。
1. 寻找灵感：灵感是创作的源泉，可以来自生活、爱情、友情等方面。
观察周围的人和事，用心去体验生活，可以让你更容易找到创作的灵感。
编歌小技巧
编歌小技巧作为一名职业写手，今天我将与大家分享一些编歌的小技巧，帮助你在创作过程中更好地表达自己的情感和想法。
编歌过程分为六个步骤，分别是：确定歌曲主题、构建歌曲结构、创作歌词、选择曲调、编写旋律、编曲与制作。
首先，确定歌曲主题是编歌的基础。
一个好的主题能够让你的歌曲更具深度和内涵。
在确定主题后，接下来要构建歌曲结构。
常见的歌曲结构有ABAB、AABA、Verse-Chorus等，选择合适的结构能使歌曲更加和谐。
接下来是歌词创作。
在创作歌词时，可以运用修辞手法如比喻、拟人等，使歌词更具有表现力。
同时，保持歌词语言简练，避免冗长复杂的句子。
此外，创造意境和表达情感也是歌词创作的关键。
通过歌词，让听众感受到你的情感和意境，使歌曲更具吸引力。
在歌词创作完成后，选择合适的曲调。
了解音阶和和弦，以及它们在音乐中的运用。
接下来，根据歌词的情感和主题，利用音高、节奏和音色变化编写旋律。
同时，可以借鉴经典歌曲的旋律，发挥自己的创意，使旋律更具独特性。
当歌词和旋律完成后，需要将它们结合起来。
在结合过程中，保持协调和节奏匹配，注重音乐元素的强化。
通过反复磨合，使歌词和旋律更加和谐。
最后，进行编曲与制作。
选择合适的乐器，运用音效处理技巧，掌握混音技巧，并融入现代音乐元素。
这样，一首完整的歌曲就诞生了。
总之，编歌是一个富有创意和想象力的过程。
在创作过程中，不仅要注重歌词和旋律的编写，还要关注歌曲的整体结构和编曲制作。
通过不断学习和实践，你将掌握编歌的技巧，创作出更多优秀的作品。
作曲九大技巧
作曲九大技巧
作曲的九大技巧包括：
1. 懂得提问：作曲并非凭空创造，而是需要深入思考和分析。
提问是激发创作灵感的重要方式，通过提问可以探索不同的想法和可能性。
2. 建立动机：动机是构成主题最小单位的旋律。
在没有想出更理想的动机前，不妨用现有的动机来发展看看，边想边唱（记），或许会有新的旋律（或长或短）出现也说不定。
3. 创造旋律：旋律犹如词句，是音乐的基本元素。
在创作时，让句子变得更长的方法往往不是在后边不断的加上新的想法，而是为这个句子写上一个从句构成主从结构。
4. 理解曲式：曲式是音乐的骨架。
了解曲式可以帮助作曲者更好地安排旋律、和声和节奏等元素，使作品更加有层次感和逻辑性。
5. 运用和声：和声是音乐的色彩。
通过运用不同的和弦和音阶，可以创造出丰富的音效和情感表达。
6. 掌握节奏：节奏是音乐的脉搏。
掌握不同的节奏模式和节拍，可以让作品更加生动、有趣或充满力量。
7. 探索音色：音色是音乐的质感。
不同的乐器和声音效果可以创造出独特的氛围和情感表达。
8. 考虑演奏：作曲不仅仅是纸上谈兵，还要考虑实际演奏效果。
在创作过程中，要考虑乐器的特点、演奏者的技能水平以及演出现场的氛围等因素。
9. 不断实践：作曲需要不断实践和尝试。
只有通过不断地写作、修改、倾听和演奏，才能不断提高自己的创作技能和水平。
音乐作曲技巧
音乐作曲技巧音乐是一门艺术，作曲是其中重要的组成部分。
通过作曲，音乐家能够创造出美妙的旋律和和声，传达出情感和思想。
然而，作曲并非易事，需要音乐家具备一定的技巧和创造力。
本文将介绍一些常用的音乐作曲技巧，帮助你提升作曲能力。
一、音乐理论基础作曲不可离开对音乐理论的掌握。
首先要了解音乐的基本要素，如旋律、和声、节奏等，以及它们的各种变化形式。
此外，还要学会分析和理解不同音乐形式，如小调、大调、奏鸣曲、交响曲等。
这些基础知识将帮助你更好地运用各种技巧进行作曲。
二、旋律创作技巧旋律是作曲中最重要的部分之一。
要创作出动听的旋律，可以尝试以下技巧：1. 使用音程：选择合适的音程，如上行的主音程会给人希望和愉悦的感觉，下行的主音程则会给人哀伤的感觉。
2. 利用变化：通过改变音符的长度、音高、节奏等，使旋律更加丰富有趣。
3. 运用转调：在一个旋律中适当地使用转调，可以使作品更加丰富多样。
三、和声编配技巧和声是指多个声部之间的音乐关系，也是音乐作品的基础。
以下是一些常用的和声编配技巧：1. 搭配和弦：选择适当的和弦进行编配，注意和声的平衡和连贯，避免发生和弦压缩和和弦错位。
2. 合理运用和声规则：遵循和声学的基本规则，如避免平行八度和平行五度，注意处理好相同音等问题。
3. 注重声部之间的配合：不同声部之间的音高、音型变化要协调一致，避免产生混乱或杂乱的效果。
四、节奏设计技巧节奏是音乐中的时间性因素，对作曲具有重要影响。
以下是一些常用的节奏设计技巧：1. 运用变速：通过调整音符的长度和间隔，创造出不同的节奏变化，使作品更加有层次感和丰富性。
2. 利用和弦进行节奏设计：通过改变和弦的进行速度和节奏模式，产生不同的节奏效果。
3. 强调节奏重心：通过细微的节奏变化来强调音乐中的重要部分，增强音乐的表现力。
五、创新与实践创造力是作曲的灵魂，只有不断尝试和探索，才能创作出独具个性的作品。
同时，音乐作曲也需要注重实践，通过不断地创作和演奏，积累经验，发现自己的风格和特点。
几种作曲的方法
几种作曲的方法
作曲是一项让人愉悦的艺术创作。
它可以让你抒发自己的内心情感，与世界进行沟通。
以下是几种作曲的方法，希望能给你带来灵感。
1. 钢琴即兴。
这是一种直接从钢琴上发掘灵感的方法。
坐在钢琴前，键盘下手，尽情地演奏，感受灵感，并尝试在演奏中创作出属于
自己的音乐。
2. 使用数字序列。
用数字来代表音符，可以让作曲变得简单直观。
你可以使用一些简单的软件来生成乐曲数字序列，也可以手动编写。
通过不同的数字组合，你可以创作出独特的旋律。
3. 利用色彩。
音乐与色彩之间有着很大的联系。
试着将不同的色
彩与乐器进行对应，并将色彩作为作曲时的灵感来源。
例如，黄色可
以代表欢快的音乐，蓝色可以代表沉静的音乐，红色则可以代表激情
的音乐。
4. 利用人物故事。
尝试从人物故事中获得灵感。
你可以从自己的
生活中寻找灵感，将人物特征和情感表现转化为音乐语言，创作出你
自己的曲目。
总之，作曲是一个充满创意和想象力的过程。
无论你选择哪种方法，都要尽情发挥你的灵感，全情投入创作之中，将声音转化为音乐，创造出属于自己的独特作品。
音乐：作曲技巧分享--11种学习作曲法
音乐：作曲技巧分享--11种学习作曲法
在学习一些东西的时候，总还是有一些经验可供大家来学习参考，而使大家更容易掌握这些新知识，在这里小编为大家整理了11中作曲的方法，同学们可以借鉴参考。
以下是11种作曲的方法，希望对大家有用。
1、全部靠灵感做曲就是说那些从小就有做曲天赋的人他们可以随口唱即兴创作的东西
2、特定环境做曲法就是在特定的环境下回有灵感贝多芬捕捉灵感的方法比较“正统”，他在作曲前，喜欢郊野散步;莫扎特在玩桌球时，最易生“音乐感”这就是特定环境做曲法作曲法
3、和弦走逝做曲法不用多说了这个网站上高手多的很比我要讲的清楚
4、混合音乐作曲法把很多音乐或者很多歌混合起来听听出另外一种音乐一种属于自己的音乐
5、混合理论做曲法比如说、一首歌C 1 3 5 我们下一个和弦动机应该去用理论的东西来安排 G 啊因为他的和弦构成音是 5 7 2 根据5度音的关系很合理
6、想象做曲法就是说给你一段音乐要你写出下一段用自己的感觉这个是可以培养出来的然后看看这段音乐和你弹出来的有多差距经过反复的训练就可以自己写自己的音乐了 7.逐级提升做曲法就是写的时候把音乐逐步提升音高比如说以C 1 3 5 我们起调1 那么我们写的高潮可以是 5就是这里写法
8、按各种不同的乐器音阶来做曲就和用吉他做曲是一样的主要是注意它的音域
9、变奏做曲法就是把一段音乐经过变奏填上词就是一首歌了
10、剪接做曲法把自己觉得有用的音乐剪接起来就可以了但是要注意风格调子 ==一些问题
11、积累做曲法把平时无意弹出来的东西记下来然后拼起来就可以了依然要注意风格和调式。
歌曲作曲的一般技巧
歌曲作曲的一般技巧作曲当然要遵守音乐的规律，但各人的方法和技巧又有不同之处。
如，有的人习惯先有词后作曲，也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。
有人先作一个总体的构思然后再动笔，有人完全按照感觉来写，认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。
但我看，要创作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法还是不能没有的。
这里为大家讲解一下基本的创作技术问题。
一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。
乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。
歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。
要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。
二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。
段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似形式。
对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。
但这也不是绝对的。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写得好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
解读作曲中的韵律协作与编写技巧
解读作曲中的韵律协作与编写技巧音乐是一种语言，它通过旋律、和声和节奏来表达情感和思想。
而作曲则是音乐创作的过程，作曲家通过巧妙地运用韵律协作与编写技巧，创造出美妙的音乐作品。
本文将解读作曲中的韵律协作与编写技巧，带您深入了解音乐的奥秘。
韵律是音乐的灵魂，它决定了音乐的节奏和节拍。
在作曲中，韵律的协作是非常重要的。
首先，作曲家需要选择合适的节奏和节拍来表达自己的音乐理念。
不同的节奏和节拍可以传达出不同的情感和氛围。
例如，快速的节奏和强烈的节拍可以表达出兴奋和激情，而缓慢的节奏和柔和的节拍则可以表达出宁静和温柔。
作曲家需要根据自己的音乐主题和情感来选择合适的节奏和节拍，以达到最佳的音乐效果。
其次，作曲中的韵律协作还包括旋律与节奏的相互配合。
旋律是音乐的灵魂，它是作曲家表达情感和思想的主要手段。
在作曲中，作曲家需要根据旋律的特点来选择合适的节奏。
例如，如果旋律是快速的，那么作曲家就可以选择快速的节奏来增强旋律的力度和活力；如果旋律是缓慢的，那么作曲家就可以选择缓慢的节奏来强调旋律的柔和和舒缓。
通过旋律与节奏的协作，作曲家可以使音乐更加生动和有感染力。
除了韵律协作，编写技巧也是作曲中不可或缺的一部分。
编写技巧包括和声、转调和变奏等方面。
和声是指不同音符之间的音程和音符的排列。
通过巧妙地运用和声，作曲家可以创造出丰富多彩的音乐效果。
例如，和声可以通过音程的变化来表达不同的情感；和声还可以通过音符的排列来创造出和谐的音乐结构。
作曲家需要深入理解和声的原理和技巧，并灵活运用于自己的作品中。
转调是指将音乐作品中的音调移至其他音调上进行演奏。
通过转调，作曲家可以改变音乐作品的音色和情感。
例如，将一个悲伤的音乐作品转调为大调，可以使其变得明亮和欢快；将一个欢快的音乐作品转调为小调，则可以使其变得沉重和悲伤。
转调需要作曲家对音乐理论和音乐结构有深入的了解，并能够准确地选择合适的转调方式。
变奏是指对音乐主题进行多次改变和发展。
无基础的人如何作曲
无基础的人如何作曲导言音乐作曲是一门需要专业知识和技巧的艺术形式。
然而，即使没有任何音乐基础，也可以通过一些积极的学习和实践，开始自己的作曲之旅。
本文将提供一些方法和建议，帮助那些没有音乐基础的人开始作曲。
一、了解音乐基础知识虽然本文的主旨是教授无基础者如何作曲，但是对音乐基础知识的了解仍然是至关重要的一步。
首先，建议了解音符、音阶和调式的概念。
通过学习音符及其对应的音名和音符长短的表示方法，你将能够开始构思自己的音乐旋律。
音阶则是一组有序的音符，了解它们的配置和关系将有助于你探索各种不同的音乐风格。
此外，掌握调式的概念也非常关键，调式决定了音乐的基调和情绪，不同的调式会对作曲产生不同的影响。
二、熟悉乐器和音乐理论了解乐器和音乐理论是无基础者作曲的关键。
选择一个乐器并且熟悉其基本原理和演奏技巧。
无论是钢琴、吉他还是其他乐器，熟悉乐器的特点将使你更容易理解和创作音乐。
此外，学习音乐理论是非常有益的，它将帮助你理解音乐结构、和弦进行和节奏模式。
可以通过自学、参加音乐课程或请教乐器老师等方式来提高对乐器和音乐理论的认知。
三、倾听和分析音乐作品通过倾听和分析各种不同类型的音乐作品，可以提高自己对作曲的理解和感知。
这样做将帮助你了解不同的作曲技巧、结构和曲式，启发你的创作思路。
试着挑选一些你喜欢的音乐作品，聆听它们，并确保关注曲调、和声、节奏和情感表达等方面。
通过分析这些音乐作品，你将学到很多有关作曲技巧和风格的知识。
四、实践和创作实践是无基础者作曲过程中至关重要的一部分。
通过实际动手创作，你将能够将之前学到的知识和技巧付诸实践，并逐渐培养出自己的创作风格。
开始时，可以从简单的旋律和和弦进行开始，逐渐增加复杂性。
试着制定一些小的目标，例如创作一段简短的旋律或者填写几句歌词。
不要害怕犯错误，作曲是一个不断学习和提高的过程。
五、获取反馈和学习作为无基础者，获取他人的反馈和学习是非常重要的。
请他人聆听你的作品并提供反馈，这将是一个宝贵的学习机会。
作曲的万能公式
作曲的万能公式嘿，咱来说说作曲这事儿，你可别以为作曲是啥高深莫测、只有大师才能干的活儿。
其实啊，作曲也是有一些“万能公式”可以借鉴的。
我先给你讲个我自己的经历吧。
有一次，我去参加一个朋友的家庭聚会。
聚会上，大家都玩得挺开心，突然有人提议，要不咱们现场来个小创作，每个人都出点力，弄个简单的小曲儿。
这可把大家难住了，一个个面面相觑。
这时候，我就站出来说，别怕，咱们可以试试一些基本的方法。
咱先来说说旋律这一块。
旋律就像是曲子的灵魂，得让人一听就记住。
比如说，重复就是个很有用的招儿。
你想想那些流行歌，好多都有重复的段落，像“啦啦啦，啦啦啦”这样的，简单又好记。
还有啊，旋律的走向也有讲究。
一般来说，往上走会让人感觉兴奋、激昂，往下走呢，就可能有点悲伤、深沉。
你就拿“哆咪嗦”和“嗦咪哆”来对比，感觉是不是完全不一样？节奏也是作曲的关键。
快节奏能让人热血沸腾，像跑步的时候听那种动感的歌，脚步都跟着轻快起来。
慢节奏呢，则能营造出一种舒缓、宁静的氛围，适合在晚上一个人静静欣赏。
我记得有一次我在公园里散步，听到一首节奏很慢的曲子，那感觉，就好像整个世界都慢下来了，我能细细品味每一朵花的绽放，每一片叶子的飘动。
和声就像是给旋律穿上漂亮的衣服，让它更加丰富多彩。
简单的和声进行，比如常见的 I-IV-V-I ，能给曲子带来稳定和和谐的感觉。
复杂一点的和声变化，则能增加曲子的层次感和新鲜感。
再说说调式。
不同的调式会带来不同的风格和情感。
比如大调通常听起来比较明亮、欢快，小调就相对忧伤、神秘一些。
就像阳光明媚的日子和阴雨绵绵的时刻，给人的心情完全不同。
还有音色的选择，那也是相当重要。
钢琴的清脆，吉他的随性，小提琴的悠扬，每种乐器都有自己独特的魅力。
就像上次我在一个音乐会上，听到一首用古筝演奏的曲子，那声音，仿佛能把我带到古代的江南水乡，真是美极了。
总之啊，作曲虽然没有绝对的万能公式能保证你创作出惊世之作，但掌握这些基本的方法和规律，至少能让你迈出第一步。
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浅谈关于作曲的一些小技巧之一作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。
也有一些人完全按照感觉来写。
诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。
小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。
小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
流行歌曲创作：1：先有词后有曲。
2：先有曲后有词。
这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
一：倒影。
就像你在河上，看到河里自己的影子。
如：33345 33321在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律，不会很散。
二：模进。
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。
旋律线条也要完全一致。
如：3323 2212自由模进则没有这个限制。
如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）三：重复。
重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。
（注意，重复也是同度模进）四：对格。
艺术都是相通的。
在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。
在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。
放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如：123 312 234 465大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。
在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。
大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
1：疏密有致。
在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。
这样眼睛才不会累。
同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
2：有深有浅。
国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。
同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
六：变音。
变音一般而言就是升降音符。
用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。
一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。
一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。
我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。
在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。
罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。
七：关于调式的运用。
在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。
但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高，降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。
乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。
第九品啊，我到第四品就要用假声了。
呵呵。
好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。
呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。
调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。
一首歌前面如果是小调，后面改用大调。
前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。
可以让听众耳朵一亮。
但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。
举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结尾)，副歌部分也是小调，就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。
还有罗大佑的你的样子，主歌是B小调，副歌转成#C小调(好象是，具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念，如果主歌部分是天使的话，那么副歌就变成魔鬼了，简直不是一首歌，好象是两首歌拼出来的，但能拼成他那样，也是高手中的高高手了。
张国荣的共同度过，相信大家一定听过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者(是个小日本，名字忘记了)，连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。
不敢想象，如果这首歌一个调从头唱到尾的话，5分钟的时间，大家恐怕就要睡着了。
转调在间奏里也用的比较多，还有离调，但这是遍曲的范围，要说的话，一年也说不清楚。
所以这里就不详细说了。
只是一点，如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调，否则歌手不能唱了。
调性也乱了。
还有一个很有趣的现象，在很多书中，几乎99%的音乐书里，都说结尾一定要5级和声转到一级和声，就是C调的话，结尾一定要从G到C才可以。
不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
大家可以试试。
关于调式还有很多，印度音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶。
更难唱。
光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音，我本人也不是很懂，所以各位就马马虎虎看看算了，也希望懂的人进来说说。
我就不献丑了。
八:关于段落段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似。
简单地说，对比就是前面比较舒缓，后面比较高昂。
前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上来的话，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显的看到。
一般副歌部分总是比较高潮。
而前面总比较缓慢。
但这不是绝对的。
任何艺术创作都不是绝对的。
你也可以安排整首歌都是一个样子，写的好的话，也是可以的。
一段体大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写的好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等，大家可以听听看。
在音乐里的作用嘛，括号里都写了)，关于起承转合的东西，下一讲再说把。
这里插一句，有一个很有趣的现象，数学里面有黄金分割点，大概是四分之三左右（０.６１８）。
按照美学里的观念是最完美的点。
同样道理，也可以用到音乐上来。
一首三分钟的歌，在黄金分割点上，大概２分多钟的时候，总是一个歌最最好听的时候，很多高潮部分，也是一首歌最最精华的部分，９０％以上，总是在黄金分割点的时候出现。
在编曲上尤其是这样。
黄金分割点，也是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。
在我们平时聚会时，一半已经过去，再聊一会儿，就是最容易起高潮的时候。
打麻将也是这样，差不多要结束时，往往就是翻翻最多的时候.........天那，我说到哪里了？怎么说到麻将上去了？对不起对不起。
我们重新回来。
九:关于乐句。
乐句，顾名思义，就是句子。
在文学中，有诗词歌赋，规定了字的格式和数量，在音乐里，名字就差了些，没有那么好听。
幸好也没那么多的规定。
一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。
还有不规整的三句式的，如张宇的用心良苦就是三句式的。
还有五句的，六句的，七句的，比较少。
四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。
开头就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。
第二句就要发展了，具体发展因人而异，具体手法可以看上篇。
第三句就是转，是主歌部分最精华所在，转的好不好，就是一个歌好不好了。
很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。
前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条，呵呵。
用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。
实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。
十：关于曲和词的结合。
１切忌倒句。
汉字有本身的发音，１２３４声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中，这是最最最最忌讳的，我这里用了四个最，可见非同小可。
怎么说呢，大家可能还是一团雾水。
我举几个例子把。
我以前读书的时候，老师就讲，有一个写词的，写了句：雨天，我把你画在窗上。
本来是很优美的，雨天有雾气，作者用手指把思念的人的样子画在窗上。
很美的感觉。
请注意，窗是第一声。
可后来写曲了，那个作者写成旋律，一唱，大家都听成：雨天，我把你画在床上。
床上？在床上画思念的人，那不变成自慰了？郑秀文有一首歌，名字忘记了，歌词里有句是：你是我的主打歌，写曲的也用了倒音，把原本汉字的发声全部取消掉了，很容易让人听成，你是我的猪大哥。
事实上，我一开始听也以为是猪大哥了。
２：风格一样。
词的感觉明明是摇滚的，曲子却写成民谣的，那听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，那感觉多别扭？齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，从新填上词唱，感觉总不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，一定不好。
有倩女幽魂大家一定听过，曲子非常典雅的五声音阶。
如果把词改成ＨＩＰ－ＨＯＰ的说唱，大家可以想象要有多难听就有多难听。
十一，最高境界。
鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦（大概这个意思），就是说，好的文章，你一个字都不能增减。