戏剧美学论文
戏剧的审美价值与美学观念
戏剧的审美价值与美学观念戏剧作为一种艺术形式，具有独特的审美价值和美学观念。
它通过舞台上的表演、对话和情节，向观众传达情感、思想和人生哲理。
戏剧不仅是一种娱乐方式，更是一种文化的传承和思想的表达。
在戏剧中，我们可以感受到人类情感的真实性和复杂性，同时也能够体验到艺术的魅力和力量。
首先，戏剧的审美价值体现在它对人类情感的真实描绘上。
戏剧通过人物形象的塑造和情节的展开，将人类的喜怒哀乐以及各种复杂的情感状态表现得淋漓尽致。
观众在观看戏剧时，往往会被剧情所吸引，与剧中的角色产生共鸣。
通过对人类情感的真实描绘，戏剧能够让观众更好地理解和体验生活中的各种情感，从而引发内心的共鸣和思考。
其次，戏剧的审美价值还体现在它对人类思想的表达上。
戏剧作为一种艺术形式，不仅仅是为了娱乐，更是为了传递思想和启发观众的思考。
在戏剧中，经常会涉及到一些深刻的社会问题和哲学思考。
通过对这些问题的探讨和思考，戏剧能够引发观众对社会现象和人类行为的思考，从而促使他们对自身和社会的认识和反思。
戏剧不仅仅是一种娱乐方式，更是一种思想的表达和交流的媒介。
此外，戏剧的审美价值还表现在它对艺术的魅力和力量的展现上。
戏剧是一种综合性的艺术形式，它融合了音乐、舞蹈、舞台美术等多种艺术元素。
通过舞台上的表演、音乐的伴奏和舞美的设计，戏剧能够给观众带来视觉、听觉和心灵上的享受。
观众在欣赏戏剧时，往往会被舞台上的美丽景观、动人的音乐和精湛的表演所吸引。
这种艺术的魅力和力量能够让观众感受到美的存在和艺术的力量，从而提升他们的审美情趣和艺术修养。
综上所述，戏剧作为一种艺术形式，具有独特的审美价值和美学观念。
它通过对人类情感的真实描绘、对人类思想的表达以及对艺术的魅力和力量的展现，向观众传达情感、思想和人生哲理。
戏剧不仅仅是一种娱乐方式，更是一种文化的传承和思想的表达。
通过欣赏戏剧，我们能够感受到人类情感的真实性和复杂性，同时也能够体验到艺术的魅力和力量。
浅析美学中的喜剧美和悲剧美（美学论文范文）
浅析美学中的喜剧美和悲剧美一、浅析喜剧美喜剧是戏剧的主要体裁之一。
它指以可笑性为外在表现特征的一类戏剧。
在喜剧中，主人公一般以滑稽、幽默及对旁人无伤害的丑陋、乖僻，表现生活中或丑、或美、或悲的一面。
由于喜剧表现的对象不同，艺术家的角度不同，手法不一致，所以，喜剧可划分出不同的类型。
其中包括讽刺喜剧、幽默喜剧、欢乐喜剧、正喜剧、荒诞喜剧与闹剧等。
一般说来，讽刺喜剧以社会生活中的否定事物为对象。
欢乐喜剧则强调人的价值，提倡个性解放，反对禁欲主义，在欧洲文艺复兴时期形成一股强大的思想潮流。
正喜剧从表现生活的否定方面变为表现生活中肯定的方面，笑不再用来针砭人的恶习、缺点、卑下，而主要用来歌颂人的美德、才智、自信。
荒诞喜剧则把人生最深层的苦难与将死扭曲，送进颠倒的喜剧王国。
而闹剧一般属于粗俗喜剧之列，即通过逗乐的举动和蠢笨的戏谑引人发笑而缺少深刻的旨趣意蕴。
我们可以从以下几个方面来认识喜剧的特点。
在感受上的特点是笑；在内容上的特点是“可笑性”（值得笑），指内容上的虚伪、滑稽和愚蠢。
（单纯的高兴开心不是喜感）；在结构上的特点，是喜剧有一个对“可笑”表示笑的旁观者。
旁观者要对“可笑”表示笑，那他必须具有某种超越性。
历史上第一个提出“鄙夷说”来解释喜剧的，是亚里士多德，他认为，喜剧是我们对有弱点的对象的一种鄙夷的态度所形成的。
英国经验主义哲学家霍布斯提出喜剧的本质是一种“突然的荣耀”，他认为，笑的情感是在见到旁人的弱点，却突然想到自己在这方面的优点时，所引起的一种“突然的荣耀”的感觉。
随后是失望说和“乖讹说”。
“失望说”是德国哲学家康德的观点，他认为，可笑的事物大半是不伦不类的配合，我们根据通常的事理所做的期望或预料是如此，而结果却不是如此，甚至正好与预期的、期望的相反。
这个时候就会产生笑。
因此，笑是期望失落的表现。
当然，这种期望的失落不至于过渡严重，才能引起笑的效果。
持“乖讹说”的代表人物，是叔本华和斯宾塞，所谓“乖讹”，就是不合常理、不协调，这些不合常理、不协调的对象，在那些按照正常的规律作判断的人眼里，就构成了可笑的对象。
戏剧美学的本质研究论文
戏剧美学的本质研究论文戏剧美学的本质研究论文这一常识，也关乎对于戏剧本体的理解，即戏剧的本体，既不是作为境遇的一个侧面的冲突，不是作为载体的人物，而是戏剧的情境。
第二个层面，我们在这里所理解的戏剧情境，其重心也并是如谭霈生先生所言的由动机而引发的，而是确定了戏剧之所以是戏剧，并且承载了戏剧与现实之间关系的那种戏剧情境。
这个层面的戏剧情境就不再是惯常理解的戏剧的诸种元素之一，而抬升成为戏剧的本体。
第三个层面，戏剧中的动作要素，与生活现实之间的关系是通过戏剧情境进行传导的，戏剧对于行动的摹仿是情境限定之下的摹仿，是戏剧情境的最终表达方式。
要言之，戏剧艺术是生活现实的情境投射，投射所凝结成的戏剧情境，通过戏剧动作被呈现出来，进而使得戏剧自身具备了现实与艺术之间的普遍价值，并实现和完善着这种普遍价值。
这种普遍价值，究其根本也是所有艺术形式的普遍价值，那就是真、善、美。
如同所有的艺术形式一样，戏剧存立的根基正是以其自身的方式，追寻着这种普遍价值，即求真、求善和求美。
今天的我们，时常在刻意躲避着对于普遍价值的探讨，以之为凌空蹈虚，可是任何背离了普遍价值的艺术形式，都注定流散成技术手段的堆积。
在诸种艺术样式中，戏剧与现实之间的依存度最高，荣辱兴衰皆系于此。
戏剧情境作为脐带，勾连于两者之间。
设若以求真为标尺，戏剧的任务就不仅仅在于一个戏剧情境应当如何通过其内部的动作、人物、矛盾冲突等内部元素来实现，而应当归结为如何选择戏剧情境。
有时候，对于现实的背离是刻意的。
音乐剧《妈妈咪呀》正在国内巡回上演，这是一次音乐剧的本土化尝试。
而这种“本土化尝试”又是怎样完成的呢:为了制造“中式幽默”，翻译组把一些原版台词用中国观众中的流行语表达。
“哦，我的上帝”变成了“饿滴神啊”，“什么”改成了“给力”……这种语言上的改动无疑会招徕本土观众的熟悉笑声，可是《妈妈咪呀》的恋爱情境又能够与中国人当下的恋爱情境对接吗?或许，这部戏的成功正在于凭借异国情调的轻松映照中国婚恋艰危的现实，借以消解现实的苦楚而赢得了票房。
推荐优秀的中国戏曲美学论文欣赏(共4篇)
推荐优秀的中国戏曲美学论文欣赏（共4篇）本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！第1篇：浅谈中国戏曲美学特点一、中国戏曲的概念中国戏曲又被称为中国传统戏剧，（中国现代戏剧还包括了20世纪引进的西方戏剧形式，如：话剧）。
中国古典戏曲是中华民族文化的一个重要组成部分，是我国的国粹，它以富于艺术魅力的表演形式，为历代人民群众所喜闻乐见。
而且，在世界剧坛上也占有独特的位置，中国戏曲与古希腊悲喜剧、印度梵剧并称为世界三大古剧。
二、中国戏曲的美学特征分析（一）中国戏曲的综合性中国戏曲是一门综合化的艺术，它其中包括文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术。
并将这些元素完美的结合在一起。
约有三百六十多个种类。
1.与音乐的结合在戏曲音乐结构中，声乐部分是它的主体。
中国戏曲有很多传统剧目，其所以能在舞台上久唱不衰，主要得力于其中脍炙人口的唱腔。
其中比较著名的唱腔有：昆腔、皮簧腔、梆子腔。
这些唱腔都被人们所熟知。
中国传统美学思想认为人声歌唱比器乐伴奏更为亲切动人，更易唤起观众的理解与共鸣。
戏曲音乐刻画人物形象，主体依靠声乐，即优美的唱腔与动人的演唱。
戏曲中无论演唱的是曲牌还是板腔，都可以分为抒情性唱腔、叙事性唱腔和戏剧性唱腔。
抒情性唱腔的特点是字少声多，旋律性强，能够抒发内在的感情；叙事性唱腔的特点为字多声少，朗诵性强，适用于叙述、对答的场合；戏剧性唱腔多为节拍自由的散板，节奏的伸缩有极大灵活性，因而长于表现激昂强烈的感情。
这三类曲调的交替运用，构成了戏曲音乐变化多端的戏剧性。
2.与文学的结合（1）剧本的故事性中国戏剧优美的唱腔及综合的表现手法，引起各个朝代文人墨客对其的兴趣，很多优秀的剧本都是由很多民间小故事编写而成，文人们把自己的所见所闻转化成一个个动人的故事，然后编成剧本，使听众在欣赏戏曲的过程中，也能够感受到剧本的文学性。
谈京剧艺术论文（5篇范例）
谈京剧艺术论文（5篇范例）第一篇：谈京剧艺术论文浅谈京剧艺术摘要：在文化快速流通和变更的新时代，传统文化的延续和发展日益成为人们谈论的话题。
近几十年来，戏曲艺术逐渐从市民文化娱乐的主流地位趋向边缘化。
京剧也同样如此，但是当今京剧艺术的发展也涉及对传统文化的传承与保护，是一个值得深思和研究的问题。
通过从京剧艺术表现手法、京剧伴奏乐器、京剧行当、京剧中的优秀人才等多方面多角度向大家介绍了我国国粹京剧,为适应时代的发展，特提出我国京剧改革发展的思路，希望国粹京剧有更好的发展。
关键词：京剧；表现手法；重要作用；发展道路京剧，又称“京戏”、“国剧”、“皮黄”，由“西皮”和“二黄”两种基本腔调组成它的音乐素材，也兼唱一些地方小曲调（如柳子腔、吹腔等）和昆曲曲牌，可以说京剧集我国戏曲之大成，植根于中华民族文化的沃土，凝结着中华民族的民族性格、民族精神，承载着中华文化的血脉和精华，充满了无限的艺术魅力。
1790年，江南安徽戏班应召进京为乾隆皇帝祝寿，从此在北京、天津安顿下来。
经过十几年的演变，成为一个由徽剧、汉剧、昆曲、秦腔、京腔和民间曲艺综合而成的崭新剧种。
它以西皮、二黄为主，字正腔圆，当时人们根据这一新兴剧种的唱腔，直呼其名为：西皮二黄。
它于1840年前后形成于北京，盛行于20世纪三、四十年代，现在它仍是具有全国影响的大剧种。
它的行当全面、表演成熟、气势宏美，是近代中国汉族戏曲的代表，素来有中国“国粹”的美誉之称。
直至2010年11月16日京剧列入“人类非物质文化遗产代表作名录”。
一、京剧简介（一）京剧艺术表现手法唱、念、做、打是京剧表演的四种艺术手法，也是京剧表演的四项基本功。
“唱”指演唱，唱功中，行腔转调、发音吐字均有一定要求。
“念”指具有音乐性的念白，二者相辅相成，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“歌”。
“做”指舞蹈化的形体动作，做工包括手、眼、身、法、步，都是要经过严格的训练。
“打”指武打和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“舞”。
戏剧论文戏曲电视剧中美学
戏剧论文戏曲电视剧中美学一、双重文化背景对戏曲电视剧产生交叉影响戏曲电视剧是在戏曲与电视这两种独立的艺术形式的基础上发展而来的一种新的艺术品种,尽管有着自己的独立特性,但在更多层面上还是这两种艺术形式的整合和融合,还是受到戏曲文化和电视文化的双重影响。
(一)戏曲文化的影响中国的戏曲艺术已有近千年的历史,是中华民族文化生活的一个极为重要的组成部分。
它的表现范围非常广阔,举凡社会的政治、经济、思想、宗教、伦理、道德、习俗等各个领域,几乎都是它的艺术再现的对象,有着非常丰富的表现内容。
而且,戏曲艺术还是一种综合性的艺术形式,文学、音乐、舞蹈、曲艺等各个艺术门类,都被其融入自身,因此戏曲艺术还具有非常充分的表现形式。
这样一种有着强烈的开放性和吸引性的文化形态,是处于经常性的变化和发展之中的。
这些特点使得戏曲的社会影响力远大于其他艺术种类,具有更高的艺术地位,成为一种重要的社会文化现象。
它总是能通过自我机制的调整实现艺术的更新,从而找到发展的契机。
这种可变性和适应性对于戏曲电视剧的发展产生了至关重要的影响。
“戏曲文化具有全民性,它以不同的方式或方法满足社会各阶层的审美需要。
”[3]戏曲从本质上说是一种通俗艺术,是以全社会为欣赏对象、以通俗化为标志的大众艺术,具有极其广泛的群众性。
戏曲艺术的这一特点也决定了戏曲电视剧的艺术基调,即群众性和通俗性,而这也正是电视这一大众传播媒介的突出特点。
除此之外,由于各地区存在方言也即语言差异,不同地区观众的审美需求也必然各有特色,中国戏曲现在仍存留有三百多个剧种就是最好的证明。
这种以剧种方式而存在的戏曲文化的多样性,使得戏曲电视剧成为了一种带有鲜明地域文化色彩的电视艺术,也使得它的丰富和多样成为可能。
(二)电视文化的影响孟繁树先生认为,“所谓电视文化,可以概括为伴随着电视这种新的社会传播媒介而出现的一种现代的文化生活方式。
这是一种世界性的文化现象,其浸润所及,几乎遍布世界的任何一个角落。
美学与戏剧表演艺术的相关性探究
美学与戏剧表演艺术的相关性探究戏剧表演艺术是一门综合性的艺术形式，它融合了文学、音乐、舞蹈和视觉艺术等多种元素，通过演员的表演来传达情感、展示人物形象和讲述故事。
而美学则是研究艺术美和审美体验的学科，探究艺术作品的美感和艺术价值。
本文将探讨美学与戏剧表演艺术的相关性，从不同角度分析戏剧表演艺术中的美学元素。
首先，戏剧表演艺术中的美学元素体现在舞台设计和布景上。
舞台设计是戏剧表演艺术的重要组成部分，通过舞台布景的设计来营造出特定的场景和氛围。
舞台上的道具、灯光和音效等元素都是为了增强观众的感官体验和情感共鸣。
例如，在一场悲剧中，舞台的布景可能会采用昏暗的灯光和阴郁的色调，以突出剧情的悲伤和压抑。
这种舞台设计不仅能够吸引观众的注意力，还能够通过视觉和听觉的刺激来引发观众的情感共鸣。
其次，戏剧表演艺术中的美学元素还体现在演员的表演技巧和表演风格上。
演员是戏剧表演艺术的核心，他们通过表演来塑造角色形象、传达情感和展示剧情发展。
演员的表演技巧和表演风格对于戏剧的观赏效果起着至关重要的作用。
一个优秀的演员需要具备良好的声音、肢体和表情表演能力，能够准确地传达角色的内心世界和情感变化。
同时，演员还需要根据不同剧目的风格和题材，选择合适的表演方法和风格，以符合剧情的需求。
例如，在喜剧中，演员可能会采用夸张的表演手法和幽默的台词来引发观众的笑声，而在悲剧中，演员则需要通过细腻的表演来展示角色的痛苦和挣扎。
此外，戏剧表演艺术中的美学元素还体现在剧本和剧情结构上。
剧本是戏剧表演艺术的基础，它通过文字来构建角色形象、塑造情节和表达主题。
一个优秀的剧本需要具备合理的结构和富有艺术感的语言，能够引发观众的思考和情感共鸣。
剧情结构则是剧本中的重要组成部分，它通过情节的起伏和冲突的发展来吸引观众的注意力和情感投入。
剧本和剧情结构的设计需要考虑到观众的审美需求和情感体验，通过艺术手法来创造出戏剧的美感和观赏价值。
最后，戏剧表演艺术中的美学元素还体现在观众的审美体验和情感共鸣上。
当代戏曲的美学观照论文.
当代戏曲的美学观照论文2019-12-09戏曲艺术是中华国粹，当代戏曲的命运令人关注。
本文从戏曲美学的角度出发，探讨当代戏曲的生存发展：当代戏曲是既不会消亡也难以辉煌的边缘化艺术，其存在状态是通过精品创造营造边缘风景。
创造精品的根本美学精神，是以古典美学为魂魄，实现古典神韵与现代风采的完美融合，古典神韵是创新的根基。
精品创造的基本美学方式，是以接受美学为引领，达到文本创作与舞台创造的整体美，文本创作是整体美的核心。
历经千年的中国戏曲，是风华绝代的艺术奇葩，是人类戏剧的一个奇迹，是博大精深的文化遗产。
传承戏曲文脉，营造当代梨园，是文化建设的崇高使命。
本文从戏曲美学的角度，对当代戏曲的几个关键问题作以下辩证思考。
一、主流艺术与边缘艺术经过上世纪八十年代的短暂复兴，戏曲艺术很快跌入低谷。
于是出现了关于戏曲命运的大讨论。
一种是悲观的“夕阳论”，认为戏曲艺术已夕阳西下风光不再，只能成为博物馆艺术。
另一种是较为乐观的“涅��论”，认为戏曲艺术可以经过文化重构，嬗变为风姿绰约的现代戏曲。
经过二十多年的实践检验，戏曲艺术虽然谱写出了一些崭新的篇章，出现了一些引人瞩目的优秀作品，但总体上没有扭转被主流文化边缘化的趋势。
实践证明，戏曲艺术的当代命运，只能是边缘化生存与发展。
这是艺术发展规律的必然结果。
艺术发展的基本规律，是一个时代与一个时代的主流艺术。
以中国古代文艺为例，在文学方面：先秦《诗经》与楚辞――汉赋――唐诗――宋词――元曲――明清小说;在戏剧方面：宋南戏――元杂剧――明清传奇――清末地方戏。
戏曲是中国封建农耕文明和市井文化的产物。
其思想意蕴和美学风貌都是封建时代文化基因的体现。
当代是科学技术迅猛发展的后工业文明时代。
在这个世界一体化的地球村时代，以大众文化为背景，以文化产业为依托，以文化市场为取向，以现代科技为支撑的影像艺术，是不以人的意志为转移的主流艺术。
网络与荧屏成为文化艺术传播的主要平台;传统纸质图书与期刊，以及舞台和银幕乃至收音机等文化传播媒介黯然失色。
戏曲赏析论文(范文8篇)
戏曲赏析论文（范文8篇）中国的戏曲文化是源远流长和博大精深的,戏曲是一种非常独特的艺术形式，主要包括音乐舞蹈、表演艺术、美术杂技等，戏曲赏析对于欣赏戏曲有着重要作用，本文整理了8篇"戏曲赏析论文范文";，供戏曲专业学者参考。
戏曲赏析论文（范文8篇）之第一篇；从欣赏角度看戏曲演员与观众的关系摘要：中国戏曲毕竟发展了上千年, 而且在广阔的空间有着无以数计的演出, 而不同的观众在不同的环境, 更不可能完全按照同一种欣赏模式, 面对剧目的水平与演员表演的水平都必定存在巨大差异。
可以想见, 除了重于鉴赏的观演关系之外, 中国戏曲观众对于国剧表演, 也自然会有心醉神迷的欣赏。
中国戏曲的表现形式, 是把中国人的生活方式, 用传统的审美方法, 通过舞台来表现的一种艺术形式。
从欣赏角度看戏曲演员与观众的关系, 就有它自己的方法, 这种戏曲演员与观众的关系是和舞台审美相关联的。
本文着重谈谈戏曲表演中戏曲演员与观众关系的问题, 也是戏曲表演艺术和审美受众相结合的问题。
关键词：中国,戏曲,演员,观众,欣赏中国戏曲之所以能够持续发展, 并且受到社会普遍的欢迎, 决不是因为它能够给某些"内行";提供表现他们智力上与艺术鉴赏力上高人一等的机会, 更是因为它确实有可能给众多入迷的观众, 提供情感上的满足。
这就是说, 观众们欣赏国剧, 除了在许多场合习惯于用非常挑剔的眼光去寻找演唱时的缺点以外, 也仍然会有相当一部分观众, 是以投入的情感, 倾注于戏曲欣赏活动中的。
中国戏曲的表现形式, 是把中国人的生活方式, 用传统的审美方法, 通过舞台来表现的一种艺术形式。
从欣赏角度看戏曲演员与观众的关系, 就有它自己的方法, 这种戏曲表演中戏曲演员与观众的关系是和舞台审美相关联的。
戏曲表演丰富多彩, 这里, 应该特别谈谈戏曲表演上一个最重要的问题, 即戏曲演员与观众关系的问题, 也是戏曲表演艺术和审美受众相结合的问题。
当代戏曲的美学观照论文
当代戏曲的美学观照论文•相关推荐关于当代戏曲的美学观照论文戏曲艺术是中华国粹，当代戏曲的命运令人关注。
本文从戏曲美学的角度出发，探讨当代戏曲的生存发展：当代戏曲是既不会消亡也难以辉煌的边缘化艺术，其存在状态是通过精品创造营造边缘风景。
创造精品的根本美学精神，是以古典美学为魂魄，实现古典神韵与现代风采的完美融合，古典神韵是创新的根基。
精品创造的基本美学方式，是以接受美学为引领，达到文本创作与舞台创造的整体美，文本创作是整体美的核心。
历经千年的中国戏曲，是风华绝代的艺术奇葩，是人类戏剧的一个奇迹，是博大精深的文化遗产。
传承戏曲文脉，营造当代梨园，是文化建设的崇高使命。
本文从戏曲美学的角度，对当代戏曲的几个关键问题作以下辩证思考。
一、主流艺术与边缘艺术经过上世纪八十年代的短暂复兴，戏曲艺术很快跌入低谷。
于是出现了关于戏曲命运的大讨论。
一种是悲观的“夕阳论”，认为戏曲艺术已夕阳西下风光不再，只能成为博物馆艺术。
另一种是较为乐观的“涅槃论”，认为戏曲艺术可以经过文化重构，嬗变为风姿绰约的现代戏曲。
经过二十多年的实践检验，戏曲艺术虽然谱写出了一些崭新的篇章，出现了一些引人瞩目的优秀作品，但总体上没有扭转被主流文化边缘化的趋势。
实践证明，戏曲艺术的当代命运，只能是边缘化生存与发展。
这是艺术发展规律的必然结果。
艺术发展的基本规律，是一个时代与一个时代的主流艺术。
以中国古代文艺为例，在文学方面：先秦《诗经》与楚辞——汉赋——唐诗——宋词——元曲——明清小说;在戏剧方面：宋南戏——元杂剧——明清传奇——清末地方戏。
戏曲是中国封建农耕文明和市井文化的产物。
其思想意蕴和美学风貌都是封建时代文化基因的体现。
当代是科学技术迅猛发展的后工业文明时代。
在这个世界一体化的地球村时代，以大众文化为背景，以文化产业为依托，以文化市场为取向，以现代科技为支撑的影像艺术，是不以人的意志为转移的主流艺术。
网络与荧屏成为文化艺术传播的主要平台;传统纸质图书与期刊，以及舞台和银幕乃至收音机等文化传播媒介黯然失色。
戏剧舞台美术设计论文(全文)
戏剧舞台美术设计论文一、色彩构成色彩是舞台布景中不可缺少的重要调剂手段，通过不同色彩配置方案能营造出各种变幻莫测的视觉效果。
它在戏剧舞美设计中的作用有两点：可以描绘生活的真实感及实现对环境情调的塑造；可以表现不同的情感意蕴，以紧扣观众的心弦。
舞台美术中的色彩构成是利用色彩属性上色相、明度、纯度的差异，通过对比与调和来完成搭配，并由此产生不同感官的视觉效果。
不同的色彩搭配会形成不同的视觉风格，这是由于色彩的冷暖、动静、软硬等视觉差异造成的，依据这些就能通过对色彩的不同配搭来形成高贵与朴素、典雅与明快、隐晦与活泼、粗糙与细腻、甜美与酸涩等诸多形式风格。
此外，构成的意义还在于利用色彩的过渡及推移变化形成节奏和韵律感。
从总体上看是通过色彩对比突出人物，揭示故事矛盾与冲突，通过调和完成整体风格的呈现。
色彩构成在舞台美术中更重要的是对色彩情感心理的刺激作用。
众所周知，由于色彩视觉经验带来的色彩心理差异，再加上色彩的冷暖错觉、进退错觉、轻重错觉、膨胀与收缩错觉、华丽与质朴感等，这些都最终会对观众心理产生超越客观的心理传递。
当我们将这些视觉感受上对应的色彩方案与人物内心、故事情节、主题宣泄相呼应时，其演出的效应必将会无限地扩大。
需要注意的是，在戏剧舞台美术的色彩构成应用中应把握好以下几点：1.舞台色彩的配置应与剧本的体裁风格相吻合；2.主要人物（演员）应用对比的手法来在色彩上凸显；3.为渲染舞台气氛，表现人物情绪波动及情感变化，色彩的变化也应与剧情展开配合；4.应注意人物服饰、化妆与布景、道具、装饰物等之间的色彩层次关系；5.色彩的对比与调和可通过属性改变来完成，也可通过形状、比例、方向等来调节实现。
二、光构成戈登·克雷：“灯光是舞台上的画笔，灯光是舞台上的灵魂。
”没有光就没有所谓的视觉世界，舞台上的一切都得靠光得以呈现，光在舞台上会制造出魔术般的奇幻效果，故舞台灯光对戏剧的整体演出效果起着举足轻重的作用，让鲜活的表演者与没有生命的舞台环境实现了统一，为表演艺术提供了一个灵动流淌的时空。
戏曲艺术论文
戏曲艺术论文戏曲艺术论文你是学艺术戏曲的吗?那么你知道戏曲艺术的毕业论文怎么写吗?以下是关于戏曲艺术论文，欢迎阅读!戏曲艺术论文【1】戏曲艺术论文发表戏曲的美学特征摘要院中国古典美学关于艺术创作的意境追求包含着虚实相生的深刻哲理，我国道家学派的奠基人老子就曾认为艺术最完美的境界就是虚与实的统一，虚实相结合的境界深深影响了中国的传统艺术，包括诗歌、书法、绘画、戏曲及音乐，甚至在建筑方面也有所影响。
虚实相生的境界是有别于西方艺术的最大特征，也体现了中华民族的民族精神和审美意趣。
在这里我选取了中国传统艺术中的戏曲，从这里入手来介绍“虚实相生”的美学特征。
关键词院戏曲美学特征虚实相生戏曲是中国传统的戏剧形式，是包含文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及人物扮演等各种因素的综合艺术。
戏曲的美学特征可以有很多种概括方法，可以从不同的角度、方面来进行叙述，只要是符合戏曲艺术历史发展与现实发展的真实状况，有独立的理论体系就可以成立。
在这里主要总结一下几个美学特征:一、戏曲的综合性戏曲是包含音乐、诗歌、舞蹈与表演艺术在内的综合的艺术，其中音乐、诗歌、舞蹈与表演艺术在艺术分类中是属于不同艺术门类，具有相对独立性，戏曲的综合性就是分析戏曲如何将各个矛盾因素组合凝聚在一起，构成特殊的存在。
二、规则程式和即兴创作的统一在戏曲中，对动作身段、文学体制、音乐唱腔、舞台美术等方面都有具体的要求。
戏曲是由不同的艺术家来演绎完成，在这个过程中就必定存在艺术家的二度创作，不同的人会有不同的诠释方式，这就是在即兴表演中的“自由”成分。
三、雅俗对立和雅俗共赏从戏曲发展中两条不同的发展途径谈谈古典戏曲艺术家的美学追求，以及戏曲艺术与观众的关系。
中国戏曲，起源于原始歌舞。
追溯戏曲发展的历史，我们不难发现最初戏曲都是与民间活动相关，都才进入宫廷表演，在民间要求戏曲艺术的通俗性，在宫廷就讲究一个“雅”字，这就势必造成两条发展路线。
四、虚实相生虚拟和写实本是一对矛盾体“，虚实相生”就是分析它们在戏曲艺术中，如何不断发展、融合以构成的新的和谐的状态。
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戏剧：戏曲电视剧的中的美学
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一、双重文化背景对戏曲电视剧产生交叉影响
戏曲电视剧是在戏曲与电视这两种独立的艺术形式的基础上发展而来的一种新的艺术品种,尽管有着自己的独立特性,但在更多层面上还是这两种艺术形式的整合和融合,还是受到戏曲文化和电视文化的双重影响。
(一)戏曲文化的影响
中国的戏曲艺术已有近千年的历史,是中华民族文化生活的一个极为重要的组成部分。
它的表现范围非常广阔,举凡社会的政治、经济、思想、宗教、伦理、道德、习俗等各个领域,几乎都是它的艺术再现的对象,有着非常丰富的表现内容。
而且,戏曲艺术还是一种综合性的艺术形式,文学、音乐、舞蹈、曲艺等各个艺术门类,都被其融入自身,因此戏曲艺术还具有非常充分的表现形式。
这样一种有着强烈的开放性和吸引性的文化形态,是处于经常性的变化和发展之中的。
这些特点使得戏曲的社会影响力远大于其他艺术种类,具有更高的艺术地位,成为一种重要的社会文化现象。
它总是能通过自我机制的调整实现艺术的更新,从而找到发展的契机。
这种可变性和适应性对于戏曲电视剧的
1。
不可儿戏的戏剧美学特征探究论文
不可儿戏的戏剧美学特征探究论文不可儿戏的戏剧美学特征探究论文戏剧哲学本体论意义上的荒诞化《不可儿戏》里包含着耐人寻味的讽刺和幽默，造成幽默的一个重要因素是名字“Earnest”。
它原意（earnest）为认真，又与人名埃内斯特（Earnest）同音（故余光中先生在《不可儿戏》中，将“埃内斯特”翻译成了“任真”）。
剧中的两位女主人公关多琳和西西里都想嫁给叫这名字的人。
两位男主人公杰克沃尔辛格和亚吉能蒙克里夫都有用假名出游的嗜好。
杰克为了来伦敦玩乐和会见他心爱的关多琳，就对受他监护的西西里说他去伦敦是为了照管他那放荡的兄弟“任真”。
当亚吉能得知西西里不仅美貌，而且对杰克虚构的“任真”很感兴趣时，他就用任真这个假名去乡下看她。
杰克和关多琳也先后来到了乡下。
于是围绕着“任真”这名字发生了许多误会。
在剧本中，关多琳的理想就是去爱一个名叫任真的人，任真这名字是绝对叫人放心的，并且是一听到这个名字时，就知道自己命里注定是要爱他的。
当杰克担心自己“万一”不叫“任真”关多琳真就不爱他时，关多琳的回答是：“啊！这显然是一个玄学的问题，和我们所了解的现实生活的真相，根本不相干。
”并且对“杰克”这个名字评价道：“杰克？……不行，这名字就算有一点韵味，也有限得很。
说真的，杰克这名字没有刺激，一点儿也不动人心弦（……）无论什么女人嫁了叫约翰的男人，我都可怜她。
这种女人只怕一辈子都没有福气享受片刻的清净。
只有任真这名字才真的保险。
”存在主义哲学家萨特认为，“存在先于本质”，一个人出生时一无所有，人的本质是后天造就、形成的。
人的名字也只是一个为了便于区别的符号，“任真”只是一个代词，杰克可以是任真，亚吉能也可以是认真。
那么“任真”到底是谁？这是一个如同哲学的终极问题“我是谁”一样难以回答的问题，亦是人类有史以来，便不断寻求揭开的“谜”。
究竟人是一个物质的人，追求的是感官的满足享受，抑或是可满足于精神价值或宗教思想的追求？王尔德在其一生中都致力于修改传统的自我观念，反对把自我看成是一个固定的身份。
戏剧艺术的呈现 作文(精选3篇)
戏剧艺术的呈现作文（精选3篇）第一篇：戏剧艺术的魅力戏剧是一门古老而又充满活力的艺术形式，通过演员的表演、舞台的布景以及故事情节的发展，将观众带入一个虚构的世界中。
在这个虚构的世界里，人们可以感受到各种情感冲突，思想碰撞，以及生活的深刻意义。
戏剧艺术的呈现需要多方面的配合和努力。
首先，演员需要具备扎实的表演技巧，能够准确把握角色的性格特点，并通过表情、动作、语言等方式将角色栩栩如生地展现出来。
其次，舞台的布景和道具也是不可或缺的元素，它们能够为故事情节提供视觉上的支持和衬托，增强观众的沉浸感。
最重要的是，剧本的质量至关重要，一个精彩的剧本能够引发观众对人生、社会以及价值观念的思考，让他们在欣赏戏剧的过程中获得心灵上的启迪和满足。
戏剧之所以能够深受人们喜爱，除了它独特的艺术魅力外，更在于它所蕴含的思想和情感。
正如莎士比亚的名言所说：“全世界就像舞台，我们都是其中的演员。
”戏剧的舞台上上演着人生的喜怒哀乐，观众无论是从主角还是配角的身份去体验，都能够收获不同的心灵共鸣。
因此，戏剧艺术的呈现不仅是演员们的表演，更是一场关于生命、梦想和人性的思辨之旅。
在我看来，戏剧艺术的呈现是一种奇妙的体验，它让我们能够从不同的角度去审视和理解世界，激发我们内心深处的激情和智慧。
无论是作为演员还是观众，我们都应该珍惜并尊重戏剧这一文化传统，让戏剧继续传承下去，为人类的精神追求和审美需求提供源源不断的滋养和启发。
第二篇：戏剧艺术的拓展与创新戏剧艺术作为一种古老而又永恒的艺术形式，一直以来都在不断拓展和创新。
随着时代的发展和观众需求的变化，传统的戏剧形式已经无法完全满足人们的审美和情感追求，因此，戏剧艺术必须不断进行改革和创新，才能赢得新的生机和活力。
在当今社会，随着科技的进步和多样化的文化融合，戏剧艺术也应该顺应潮流，采用更加多元化的表现形式和内容题材。
例如，结合影像艺术和舞台表演，创造出更加丰富多彩的戏剧效果；同时，借助互联网和社交媒体平台，开拓戏剧的传播渠道，吸引更多的年轻观众；此外，还可以将传统剧目进行重新解读和改编，注入当代社会背景和人文关怀，使之更符合现代人的审美和思想需求。
从美学角度浅析越剧中的美
2014.10越剧是中国戏曲第二大剧种，发源于浙江嵊州，流行于江浙一带，也在全国和世界范围内广为流传。
越剧长于抒情，唱腔优美动听，表演真切动人，唯美典雅，极具江南灵秀之气，多以“才子佳人”题材的戏为主。
在众多经典云集的中国戏曲剧种中，每一类都有自身孕育的文化历史背景和特有的传统风情，形成了各自的特色和独到之处。
豫剧的酣畅淋漓展现了中原人的大气风范，秦腔的苍劲悠扬展现了西北人的豪爽脾性。
而江南自古有着深厚的文明积淀，独特的方言和淳朴的民风育了昆曲、越剧、淮剧、沪剧等等南方特有的剧种，在百年来的发展和成长中，这些南方代表剧种之间相互融合、互补其长。
又随之各有千秋，各具特色。
而曾经一度繁荣鼎盛，至今在全国仍拥有广大爱好者的越剧更是以优美婉转的腔调，含蓄而动情的曲词，通俗易懂的情节，流传千古，家喻户晓。
一.以才子佳人为主要题材的越剧剧本故事钟爱越剧几年来，对这个独特剧种最强烈的感受，始终是它的温婉唯美。
越剧的著名代表剧目有上百出。
“私订终身后花园，落难公子中状元”不无肤浅地概括了诸多越剧剧目故事主题、情节主线。
从当代越剧的四大代表剧目《梁山伯与祝英台》《红楼梦》《西厢记》《祥林嫂》便可看出，越剧剧本故事多是才子佳人题材，而且以悲剧见长。
再没有那种戏剧比越剧更令人缱绻悱恻，至性至情，唯美迷蒙了。
越剧的戏词婉约清丽，有道是“越剧如处子，黄梅如村姑”。
越剧戏词不似昆曲略显拟古生涩，也不同于黄梅戏的乡土气息浓厚，她恰似一首淳朴真挚的婉约词，在缠绵曲折的越胡声中向观众娓娓道来。
家喻户晓的经典剧目《红楼梦·天上掉下个林妹妹》演员短短几句唱词就将宝黛初逢的场景完美呈现在观众面前：“天上掉下个林妹妹，似一朵青云刚出岫。
只道他腹内草莽人轻浮，却原来骨骼清奇非俗流。
娴静犹似花照水，行动好比风扶柳。
眉梢眼角藏秀气，声音笑貌露温柔。
眼前分明外来客，心底却似旧时友。
”还有《梁祝·十八相送》中祝英台的唱段：“青青荷叶清水塘，鸳鸯成对又成双。
中国古典戏剧中的美学研究
中国古典戏剧中的美学研究【摘要】：在庞大的中国古代美学史体系中，戏曲可以说是一枝独秀的有着不可替代的地位，在中国古代戏曲研究中又以美学大师李渔的戏剧理论造诣最高。
在本篇论文中我对于中国古代戏剧美学的特点与发展情况进行分析又将其与现代戏剧艺术加以比较，旨在认清戏曲艺术与我们日常生活中审美的关系并对当代戏剧艺术创作给予建议。
【关键词】：古典戏曲;美学一、戏曲的定义与美学戏曲是中国优秀的传统文化之一，我认为戏曲也是美学的集成。
因为戏曲是通过音乐、舞蹈、服饰、装饰、演员表演以及舞美，灯光等等许多部分共同达到的美来让观众感受人物的精神世界，戏曲是中国传统的戏剧形式，在形式上戏曲就是包含文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技以及表演艺术各种因素在内的综合的戏剧艺术。
美学大师王国维将戏曲艺术归纳为以歌舞演故事。
也就是说它把歌舞与文学紧密结合在一起。
在南杂剧以前，都是歌就是歌，舞就是舞。
但是经过几百年的发展，戏曲终于达到了歌舞的完美结合。
相对于中国古代戏曲，在西方相对应的就是音乐剧与歌舞剧表演，从上世纪以来，西方艺术也想把歌舞结合起来，也一直在寻找歌剧与芭蕾舞的契合点，因此音乐剧就是在这种背景下诞生的。
中国的戏曲通过艺人的总结归纳、创造，形成了一道一道的程式。
每种艺术都有自己的程式，比如说中国传统书法艺术，用什么样的笔墨纸砚，都是有讲究的。
日本的歌舞剧中，歌舞演员就只负责跳舞，样式太简化、单一、机械。
称不上一门综合性的艺术。
而中国的戏曲中，无论是动作还是声段，唱或念，都要复杂很多，也具有更强的美感。
我觉得中国戏曲是最美的艺术，但是也是最难的艺术。
因此也有“台上一分钟，台下十年功”的古话。
因为戏曲里的每个角色都需要琢磨，需要学习，每个角色每个人物之间的气质完全不同。
所以我们千年积累下来的程式很重要，这种程式，我认为也可以理解为每一门艺术中的规律。
其实艺术遵循的就是“无法之法”。
遵循艺术的规律，同时进行创作，不局限不束缚，但都必须在尊重规律的前提下进行。
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戏剧美学
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试论道家美学思想对中
国戏剧的影响
一言中国的戏曲具有“大美”的特质。
本文主要
本文从中国传统的道家之“妙”、儒家之“和”、佛家
影响影响下之“意境”说为切入点来看这三种思想影下戏舞响响下戏曲舞台表演呈现出来的美的。
2012/6/7
试论道家美学思想对中国戏剧的影响
一、虚实相生的空灵美
中国的传统文化源远流长，博大精深。
道家思想的“有无相生”、“大音希声、大象无形”的哲学观点，深刻地影响着艺术领域的审美倾向。
《庄子·天地》中“虚乃大”、《老子》第三十八章中“大以虚为主”的哲学观点被戏曲领域广泛吸收和利用。
戏曲表演当中的虚拟性和假定性，正是从另一层面体现了表演“虚乃大”的艺术品性。
戏曲表演讲求“生活真实”和“艺术真实”的高度统一。
戏曲舞台艺术以音乐、舞蹈为主要元素，其节奏性、程式性是生活的变形，是在真与非真、似与非似之间讲求“神似”而不是力求“形似”。
例如在戏曲中表演拥抱、亲吻，只需演员相互搭肩即可，无需把生活中的亲密动作直接搬上舞台。
粤剧《再世红梅记》中，有些演裴生和李慧娘的演员把脸相互贴在一起写恋情，反而影像效果。
丢弃写意的美学精神，直接写实，反而显得很假，也不符合观众的审美。
正如明代戏曲理论家梦梦生阐述戏曲艺术的特征是“偏要在真人前弄假，却能使人认假成真”。
盖叫天也说，“和生活对照，戏，本来是假的，何必怕假。
”有时还“非假不可，非假不真，非假不美。
”犹如舞台上，几个龙套就代表千军万马，一个圆场行千里路。
阿甲先生把它叫做“团团转”，这种咫尺千里的空间转换，就是通过假定性的东西，来反映生活内在本质的真实。
象这样的例子，戏曲表演当中不胜枚举。
戏曲的虚拟，还有象征性虚拟、对自然环境的虚拟，和对时间形态的虚拟等多种。
例如昆曲《桃花扇》中，用水旗象征人在水中，用马鞭的扬动表示策马前行。
对景的虚拟，如赣剧《荆钗记》的《雕窗·投江》二折，钱玉莲为了抗拒婆婆逼婚而逃出家门时，用剪刀撬窗的方形舞蹈动作，虚掉了窗的实体；她到江边后，用手撩拨着前进的动作，虚掉了芦苇，用听到犬声而惊恐后退的动作，虚掉了犬；当她投江后，有用长达七尺的水袖不断舞动着，宛似滚滚激流，以此虚掉江。
类似《荆钗记》这样用演员的舞蹈动作虚拟周围环境和景物的戏曲表演中比比皆是。
时象，即对时间形态的虚拟，如京剧《三岔口》中，两个人物在灯光如昼的舞台上，以摸黑打斗的身段表现当时的时间正处于伸手不见五指的黑夜，如果观众看不到演员摸索、搏斗的动作和吃力凝视的眼神，又怎能知道这是在黑夜？戏曲当中的虚拟，有时还通过夸张、变形等手段，为的是表现人物内心的情绪和心理活动。
达到一种“贵乎其真，又不必果真，却见技艺之精，超乎其真”的虚实相生的效果，使“不果真”的形象比“果真”的生活原型还要真实动人。
如川剧《射雕》中，小姐与意中人相视发呆，丫鬟唤他们，两人都“不醒”，丫鬟似看到他们两人的眼睛，由一条无形的线连着。
丫鬟竟可以“弹”和“拉”这跟线，以至两个情人的身体随之晃动。
这段传神的表演，用眼神的呆、身体的晃动、丫鬟俏皮的虚拟动作，艺术地反映了恋爱中的人物的真实情态。
这都是戏曲当中的虚实结合所体现出来的美。
综上所述，戏曲当中虚与实的相辅相成，似乎吸收了中国传统绘画的构图方法，讲究“空灵”和“留白”，戏曲表演中的“计白当黑”的原则的运用，使实处对于生活内在本质表现很准确，同时，使虚处更耐人寻味，有一种空灵含蓄、游动变化之美。
二、“乐而不淫、哀而不伤”的中和美
“中和”，中，指心无偏奇；和，和谐，中节，合乎节度。
孔子以他的“中庸”哲学思想为基础，提出了艺术地最高审美理想——中和美，他认为，文艺的最高审美理想就是能使人内心趋于平静，并唤起庄敬和睦与仁爱的感情，从而对恢复周礼、协调人际关系，维护社会的法度和秩序，产生巨大的作用。
孔子说“《关雎》乐而不淫，哀而不伤”是言其和也。
这种审美理想，就要求中国的戏曲要讲适度、讲和谐、不走极端、喜怒哀乐皆有节制，悲欢离合相反相成。
体现在戏曲表演中，则要求演员的表演要“合于雍容度”“举步发音，一钗横，一带场，无不曲尽其致。
……其浓淡简繁，折衷合度。
”总之，艺术包含的情感，必须是一种有节制的、有限度的情感。
过分刺激感官的图景，在台上都要尽量避免，从而使人物形象具有审美价值。
如表演悲哀的哭，演员只需眼中噙泪，用水袖把脸一挡就可以了，不必真的涕流满面。
演员在舞台上的感情表现要做到“乐而不淫，哀而不伤。
”从而显示出一种温柔敦厚，和谐宁静之美。
戏曲表演的中和美，还体现在“以调和情”上。
即音乐与剧情、人物心理相契合，达到一种和谐、圆融之美。
如张君秋《望江亭》中【南梆子】的旋律。
“观此人容貌相似曾相见”这句唱腔，“观”字的旋律延长后，有个附点在唱“此人”，表现她既想打量这个少年，又不好意思的情感；又如“我本当允婚事穿红举案”中，“我本当”之后的弹拨乐伴奏，借入越剧的旋律，“允婚事”开始，旋律转散意式，显得有所滞疑，最后“举案”又进行了一个较长的尾腔，表现她既向往爱情又犹豫不觉得思想斗争。
这两句唱腔旋律灵活，为塑造人物形象而选择与其相称的唱腔节奏，可谓“以调合情”了。
二者的结合和统一，很美。
戏曲表演所体现出来的中和美还有很多，例如演员亮相时，眼睑下垂呈30度至45度，不直瞪观众，眼神也随头部向身体相反方向，以达到一种对称、均衡的感觉。
又如身体造型成一定的弧度，都与“中和”、“圆”的审美心理有关。
戏剧是通过剧中人物的行动反映生活的艺术，行动是戏曲舞台演出的生命线，所以舞台表演就要“疯要疯的美，醉要醉的美，伤要伤的美，死要死的美，丑要丑的美”一切表演都体现出中和美的原则。
三、情景交融的意境美
意境，是中国古代美学的独特范畴，它认为艺术的最高境界是“境生于象外”，王国维说“语明白如画，而言外有无穷之意”。
戏曲作为一门艺术，也讲求出于实、表于幻的意境美。
中国戏曲演出的“虚实相生”，即戏曲表演的虚与实、情与景的结合所产生的空灵感，为意境的生成提供了必要的条件。
这里讲的舞台上的“空灵”，并非空无一物，一人，而是如何以虚做实，传达出具有广大典型的意义来。
意境之所以为意境，就是看情与景、意与境的统一，能否形成特定的审美机制和显现特定的审美形态，传达出广大典型的意义。
“落笔便定”的特
定形象与“触则无穷”的象外象或意外意相加，方能构成完整的意境。
意境的特征正在于，它既是直接的，又是间接的，既确定又不确定，既是形象的，又是想象的。
因而它既具有特定形象的直接性、确定性、可感性，又具有想象的流动性、开阔型、深刻性。
我国传统戏曲深受“意境”理论的影响，体现出了一种广阔、朦胧、邈远而无穷的美感。
唱作为戏曲表演的主要手段之一，他的基本含义是交代情节，揭示人物的内心矛盾，刻画人物性格，所谓“曲也者，达其心而为言者也。
”（张琦《衡曲尘谈》）它同样具有“超以象外，意象欲生”“象外之象、景外之景”、“韵外之味、味外之旨”的美学特征。
例如昆曲《牡丹亭·惊梦》中的唱词：原来姹紫嫣红开遍，似这般都付与断井残垣。
良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院！……朝飞暮卷，云霞翠轩；雨丝风片，烟波画船……锦屏人忒看的这韶光贱。
这首曲子，可看作是一首情景交融的小诗，实的部分是姹紫嫣红，云霞翠轩；雨丝风片，烟波画船等，这些是实的客观存在，意境的稳定部分。
《西厢记》长亭一折“碧云天，黄花地，西风紧，北雁南飞。
晓来谁染霜林醉，总是离人泪。
”情绪是看不见摸不着的东西，此两折却用少而精的导向力极强的画面传达出了一种一种广阔的、朦胧的、邈远而感伤的、愁肠万种的情绪，这就是意境美的魅力所在。
凡被寓于有意境的戏曲作品，都是可以让观众回味无穷的。
比如昆剧《牡丹亭》中，杜丽娘和柳梦梅幽会时，舞台上出现的十二月花神撒花的舞蹈场面，表现了封建的礼教抑制不住人的正常情感要求，即使是在梦幻中，也要冲破他的藩篱，体现了汤显祖“情之至，是生者可以死，死者可以生”的主题。
再如龙江剧《荒唐宝玉》中，贾宝玉将手帕旋转飞升，飞进天幕上部的“空洞”，造成宝玉在梦幻中“以石击天”的意象，隐喻他反封建伦理的叛逆精神，震撼了封建王国的“天”。
戏曲表演正是通过这些夸张调度，诱发观众“象外之象”的遐想。
观众通过调动自己的感官去联想和想象，而获得了一种超然象外的独特的感受，主题和剧本的思想内容得到了揭示、升华。
一言以蔽之，中国的戏曲具有“大美”的特质。
除本文提到的三种美学思想外，戏曲表演还体现了阴柔美、阳刚美、悲喜结合等美学思想，此不赘述。
本文主要从中国传统的道家之“妙”、儒家之“和”、佛家影响下之“意境”说为切入点来看在这三种思想影响下戏曲舞台表演呈现出来的美的。