钢琴演奏中音乐意义的理解及其表现途径

钢琴演奏中音乐意义的理解及其表现途径

2006年笔者见到了青年钢琴演奏家朗朗。谈话中问及朗朗：“当你演奏时，虽然没有那么多的生活经历，你为什

么却可以通过音乐表现出丰富的思想感情？”朗朗的回答是：“我是从音乐里中感受生活的。”这句话给笔者的感触很深。我们的确应该从音乐中找人生，因为音乐中本身就蕴含着作曲家赋予的情感以及对人生的理解。

在现实的教学中，能够像朗朗那样在音乐中感受生活的人毕竟是极少数。一般来说，年轻的学生往往因为生活阅历有限，综合知识缺乏，观察力不够敏锐，视野不够开阔等原因，不能完全地表达作曲家及其作品所应表现的意义。学生阅历和兴趣的增长、知识和视野的拓展需要逐渐积累，但是仅仅寄希望于学生的自然成长显然又是不足的，教育理应对学生的成长给予积极的干预。所以在教学中，教师有必要通过启发和引导学生，比较快捷地促进年轻学生理解音乐的意义，从而促进学生在钢琴演奏中提高音乐表现能力。

通过对旋律的解释来理解音乐的意义

音符是“音乐语言”中的“文字”。旋律是基于这些“文

字”按照一定关系的连接。音符这种符号不像人类语言那样直接所指而通俗易懂，却更灵活宽广。其韵味不像文字阅读那样显而易见，却耐人回味。音乐中的这种“特殊文字”给人们带来的联想，而不是“生搬硬套”。

讨论人对旋律的感受首先必须承认：在音乐活动中，每个人对旋律中音与音的关系的感受会有差别，就像每个人看到雨天的心情一样，一般可能会产生忧伤的联想和相应的情绪感受，但每个人的大脑里的具体想法却有差别。但是一般来说,人对于旋律中音符之间的关系的感受也是有一定的规

律可循的。

旋律中最小的因素――音程，按其协和程度的色彩降序排列为：（1）完全一度：完全协和、纯净的；（2）完全八度：完全协和、丰满、厚实的；（3）完全五度：协和、空旷的；（4）完全四度：协和、呆板的；（5）大六度：不完全协和、开阔的；（6）大三度：不完全协和，明亮的；（7）小三度：不完全协和，暗淡的；（8）小六度：不完全协和，柔和的；（9）小七度：不协和，尖锐的；（10）大二度：不协和，尖锐的；（11）大七度：不协和，刺耳的；(12)小二度：不协和，刺耳的。

旋律中音程的组合――和弦的色彩或色彩的联想有：（1）大三和弦：稳定、协和的、明亮的；（2）小三和弦：稳定、协和的、黯淡的；（3）减三和弦：不稳定、不协和的，刺耳

的，压抑的；（4）增三和弦：不稳定、不协和，尖锐的，扩张的；（5）属七和弦：不稳定、不协和的。①

分清了音符之间的关系，才能感受到这其中的“语言"奥妙。在这样的音乐组合里，我们应该感受到的是不同的色彩。我们把它看作是一个万花筒，有“亮”的、有“暗”的。还会想象成各种颜色：红的、黄的、蓝的、绿的、紫的、金的、白的、灰的……。

旋律的构成要求我们了解了句子的走向，同时传达整句要表现的喻意是“悲伤”“欢快”还是“忧郁”“激荡”；是“鸟语花香”还是“波澜壮阔”；是“跌宕起伏”还是“万籁俱寂”。如果不去发现音符之间的关系，不去深刻地体会和感受旋律的万千变幻，就无法联想它的色彩，无法从中揣摩作曲家在音乐作品中要表达的与色彩相关的心境。可见，帮助学生通过理解旋律中音符之间的关系，增进对作品中旋律构成的不同色彩的联想，有助于学生在钢琴演奏学习过程中对音乐意义的准确理解。

通过对结构的解释来理解音乐的意义

在钢琴演奏过程中，把握好整首乐曲的结构是决定成败的关键环节。乐曲的结构，就像人的骨架，起支撑和贯穿作用。再精致的和声，再华丽的乐句，如果没有清晰的结构作

支柱，就如一盘散沙。

作为一名钢琴演奏者，在平时练习中，无时无刻都会注意对细节的把握，比如触键、分句、音色控制等，整首作品的感情基调也会在练习过程中越发明朗。但是更为重要却又常常被忽略的是，我们要对整首作品的结构进行分析。结构上把握恰当，如剥茧抽丝，突出了整首作品的逻辑性，使音乐的表现更完整，节奏更紧凑，线条更流畅，处理更合理。

了解了曲式结构对于钢琴表演及音乐表现的重要性，下面谈谈分析的重点。

首先，观全局，明了整首作品曲式的结构。在此基础上，才能很好地安排和处理细节问题。以奏鸣曲式为例，它通常分为呈示部、展开部和再现部。呈示部提出主题和副题的调性和其他要素的矛盾，展开部对这种矛盾给予戏剧化的发展，再现部通过副部的调性回归使主部和副部的矛盾得以平和。其中，再现部不仅再现呈示部的内容，而且在调性、和声等细节上有所变化，这样的表现方式非常具有人生的哲理性。以流变（flux）著称于世的古希腊哲学家赫拉克利特的一句

名言：“太阳每天都是新的。”我们可以如此理解：每天早上都看到的是同一个太阳，但由于时间上的移动和以及人们本身的变化，人们每天看到太阳的感受却是不相同的――时间是留不住、停不下来的。宇宙中的万事万物在重复的时候，不仅具有重复性，还具有流变性和差异性。认识并且感受到

了这一特性，我们就对奏鸣曲以及类似这种形式的曲式就有了认识上的把握，这种认识有助于确定较为明确的弹奏要领，有助于学生有意识地把握呈示部和再现部的表现形式及其

内在的关系，有意识地在弹奏中体现出其中的恒常与变异。从某种意义上讲，认识并感受到了这种辩证的特性，我们就掌握了奏鸣曲以及类似这种形式的曲式的弹奏要领。

其次，为提高结构的严谨度，我们还需要掌握好乐曲的节奏。这里所说的节奏，并不仅仅标记与乐谱表面的基本节奏，而是伸缩性的自由节奏。音乐是语言，有语气，有表情，有呼吸,有顿挫。所以，演奏不能像节拍器一样死板，而需要在基本节奏基础上做到乐句或乐段在表现音乐时的合理伸缩。以浪漫派作品为例，这一时期的作品充满感性色彩和主观精神，因此加剧了古典乐派以后节奏自由度的体现。或者说，“感性”强于“理性”的出现，导致了创作形式大胆突破，体现之一即节奏的伸缩性。再比如变奏曲，为数众多风格不一的变奏部分，常让演奏者不知所措，这就要从节奏处理入手，把它们分类和归纳一下，不太容易把握的是大多每个变奏的节奏和风格上都有很明显的区别，例如，李斯特的许多钢琴作品当中很多都采用了这种形态。还有一些较复杂的作品，我们不仅要熟悉它的曲式结构，更要对其中乐句、段落上的节奏多加思考和研究。如此一来，我们演奏的作品会更精致和简练，我们指尖下流淌出的音乐会更丰富多彩。