中外美术史主题论文
浅谈中西美术教育比较研究论文
浅谈中西美术教育比较研究论文进入21世纪以来,随着国际间经济文化交流的日益频繁,西方的文化、教育、经济、哲学等先进的理论引进中国,这无疑会对中国传统的文化、教育等产生极大地冲击。
下面是店铺为大家整理的浅谈中西美术教育比较研究论文，供大家参考。
浅谈中西美术教育比较研究论文篇一中西“美术”概念及术语比较2006年第3期《读书》杂志上刊登了巫鸿先生撰写的《并不纯粹的“ 美术”》一文。
关于在这篇文章中美术一词为何打上了引号的原因，根据巫鸿先生的解释是：“‘美术’一语是近代的舶来品，有其特殊的历史渊源和含义，是否能够用来概括中国传统艺术实在值得重新考虑”。
[1] 其实，关于“美术”一词，不仅是它能否用来概括中国传统艺术值得重新考虑，而且是它能否用来概括中国当代艺术也许更值得重新考虑。
因为，不管人们是否意识到、也不管人们是否愿意承认，目前“美术”一词在我国视觉艺术领域内外所造成的混乱已是不争的事实。
所谓视觉艺术领域内的“混乱”主要是指我国当代绘画、雕塑、装置等造型艺术创作实践和理论研究或批评而言，所谓视觉艺术领域外的“混乱”主要是指大众对于被称之为“美术”的一些现当代艺术作品和现象的困惑不解和无所适从的现象和局面。
① 为此，本文将对中国“美术”概念的特定含义、中西“美术”概念及术语用法比较等方面展开分析和讨论。
一、“美术”一词在中国的特定含义我们一方面承认，今天所普遍使用的艺术分类体系及其相应的术语和概念例如“ 音乐”(music)、“美术”(fine art)、“戏剧”(theatre)、“艺术”(art)等等，基本上都是在“西学东渐”这一大的历史背景下，于19世纪末、20世纪初陆续传入中国的，可以说是西方的“舶来品”;但我们另一方面也不能否认这一事实，即在西方现代艺术分类体系及其相应概念术语传入之前，我国有着自己的传统艺术分类体系和相应的概念及术语。
② 但在“西学东渐”的大背景下，这一传统的艺术分类被强行中断，尤其是在学术研究中，西方的艺术观念、概念及其术语以一种压倒之势取而代之，而中国传统艺术分类体系、概念及其术语逐渐被人们所忘却和放弃。
中外美术史论文
中外美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同,艺术的发展是要有哲学做指导的,西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的.《中外美术史》这门课程让我了解了有关中西艺术的发展史和很多著名艺术家的背景和艺术成就，结合这门课程我对绘画大师高更作品进行了解析和研究，下面就是我对高更大师和他的绘画作品的具体介绍和分析。
保罗·高更作为后现代印象主义的杰出代表，其绘画作品有很强的个性，这种个性，这种个性来源于高更本人对社会环境所做出的反应，高更富于个性的经历创造了高更对绘画的理解，创造了十九世纪艺术的新声。
高更1848年生于巴黎。
父亲是报社的记者，母亲是家庭主妇，外祖母弗罗拉·特里斯坦曾是著名的女性革命家、航海家、作家，祖父安德烈是一位版画家，具有西班牙血统；外曾祖父是秘鲁人。
人们有时便以这种遗传性以及西班牙和秘鲁血统的混合来解释高更的性格——“一个狂热与恋爱，为了理想而甘愿牺牲自己并且强使人接受这种理想，温柔而无聊，天真而狡黠，犹豫而坚定的艺术家，一个十九世纪未开化的野蛮人”。
高更早期作品追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法。
后来多次到法国布列塔尼的古老村庄进行创作，对当地的风土人情、民间版画及东方绘画的风格感到兴趣，逐渐放弃原来的写实画法。
中外美术鉴赏结课论文
------------------------------------------------------------精品文档--------------------------------------------------------中外美术鉴赏结课论文中外美术鉴赏主要是一门对中外美术作品分析、欣赏与品鉴的课程。
通过本课程的学习，旨在使学生了解中外美术史上的优秀美术家及其代表作品，不仅拓宽知识面，同时获得美的欣赏，陶冶情操，涵养性情，提高人文素养。
以下是的中外美术鉴赏结课论文，欢迎阅读。
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德.莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。
这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。
批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。
指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而几年后艺术评论来与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。
已，了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
中外美术史主题论文
中外美术史主题论文论唐代美术试论唐代佛教寺院壁画姓名年级班级专业长沙理工大学2013年06 月13 日试论唐代佛教寺院壁画摘要唐朝寺院壁画有着悠久的历史，它是中国壁画艺术大发展的历史时期，佛教寺院是其为发达的一个类型，在唐代社会也十分推崇壁画这种艺术形式。
它不仅是历史的见证，更在人类文明历史前进的过程当中也扮演着极其重要的角色。
关键词：历史分期代表人物代表画作学术意义ABSTRACTThe Tang Dynasty temple murals has a long history ,it is the development of Chinese art history. Buddhist temple is called a type developed in Tang Dynasty, also very highly of this art form of murals. It not only is the witness of history ,but also plays a very important role in the process of history of the progress of human civilization. Keyword: historical stages, representative, representative works, the academic significance.目录中文摘要………………………………………………………（×）英文摘要………………………………………………………（×）绪论……………………………………………………………（×）1.初唐时期1.1壁画风格特点……………………………………（×）1.2代表人物及其画作………………………………（×）2.盛、中唐时期2.1壁画风格特点……………………………………（×）2.2代表人物及其画作………………………………（×）3.晚唐时期3.1壁画风格特点……………………………………（×）3.2代表人物及其画作………………………………（×）4.敦煌壁画4.1优秀画作简介……………………………………（×） 4.2学术历史意义……………………………………（×）致谢…………………………………………………………（×）参考文献……………………………………………………（×）附录…………………………………………………………（×）后记…………………………………………………………（×）绪论唐代壁画在中国壁画史和中国整个绘画史的地位都是极其重要的。
中外美术史对比史论文
中外美术发展对比史论文长安大学建筑学院2014—2015（学年）指导老师：孔凡静浅谈欧洲文艺复兴美术摘要：欧洲的文艺复习时世界历史发展中的一个重要阶段。
由意大利开始，以后席卷全欧洲的文艺复兴运动，就是欧洲新兴资产阶级继承、借鉴和利用古希腊、古罗马的古典文化，在意识形态邻域里对封建主义和宗教神学发动的一场革命。
这场革命，对于破除近千年的封建思想意识和宗教神学观念对人们的束缚，是一次伟大的思想解放运动。
它使欧洲的科学、文化出现了前所未有的繁荣。
正如恩格斯指出的，这是“人类没有经历过的最伟大的进步的变革”。
关键词：意大利、尼德兰、德国、达·芬奇一、意大利文艺复兴美术（一）意大利早期文艺复兴时期美术佛罗伦萨三位大师的出现标志着早期文艺复兴的来临。
这三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、画家马萨乔和雕塑家多纳太罗。
布鲁内莱斯基设计过一批代表文艺复兴成就的建筑，其中就有佛罗伦萨大教堂是其最早的作品。
而继承和发展了乔托的艺术传统的马萨乔，他以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画中。
经常提到的他的名作《失乐园》和《纳税钱》，画面朴实无华，人物坚定沉着，显示了文艺复兴美术的基本特色：现实主义表现手法与人文精神内容的统一。
在哥特时期，雕塑通过自由的肢体动作和新发展的心理表达，已找到一种新的贴近生活的写实主义手法。
但是，当时的雕塑仍服务于阐明超验的关系，而文艺复兴时期的雕塑家则着从人的尘世美与真的方面来表现人。
他们受古代榜样的鼓舞，创作了富有立体感和尘世坚定信念的雕塑。
哥特式人物形象说明了人渴望天国的完美，而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。
因此，多纳太罗让他塑造的像真人一样大小的青铜雕像《大卫》（图1）像赤身裸体，而过去只有亚当和夏娃，以及被钉在十字架的人和被拷打致死的圣塞巴斯蒂昂才能如此。
大卫也不再是旧约故事中的英雄，而是一个英俊的小伙子，仅戴着一顶佛罗伦萨小帽，以漫不经心的优雅姿态望着敌人的头颅。
中外美术史论文
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
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长安大学建筑学院中外美术史论文浅谈中国山水画与古典园林姓名：XX班级：XX学号：XX指导教师：XX浅谈中国山水画与古典园林作者：XX摘要一个时期的艺术会渗透到这个时期的方方面面，例如园林的营造艺术，凡属风景式园林或多或少地都具有“画意”，都在一定程度上体现着绘画的原则。
中国画与中国园林有着不解之缘，中国古典园林史表明，山水画与山水园林关系非常紧密，历代的文人、画家参与造园蔚然成风，不少园林作品直接按某个画家的笔意，某种流派的画风来造园，以画论代园论指导园林设计的手法屡见不鲜，长时间的发展而形成了“以画入园，因画成景”的传统。
现在将从两者的关系，从立意，构图，空间布局等方面的共同点来阐述山水画渗透于中国古典园林中。
分析美术与园林，两者之间的联系。
正文一.中国山水画的演变历程山水画的出现历史悠远，山水画始于魏晋南北朝，真正发展于隋唐。
隋朝时期，从创作的题材来看，出现最早的是人物画，最初描绘山川风光是作为人物画补景出现的，现在能看到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》，到了秦汉时期，着重描绘劳动生活的场面，统治阶级士大夫文化开始占主导地位；到魏晋时期，山水画逐渐有了意境，不再是具象的东西，也开始出现适中的真意深情。
山水画的发展，首先表现在隋代和唐初的大兴土木工程即宫殿、台阁的大量建筑上。
在设计建筑的时候，便要绘制大量的山水背景，出现了李思训、吴道子、王维等人。
唐末、五代、宋初产生了“百代标程”、“照耀千古”的大山水画家，如孙卫、荆浩、李成、范宽、董源等等，都是前无古人，后启来者的大画家。
这段时间的大山水画家多位是隐士，他们的山水画成就特别高。
隐遁山林的画家，自然以山水为主，所以北方的人物画、花鸟画不是特别好，而山水画出名。
他们都成功地刻画出北方地区山密浑厚、势壮雄强的特色，称北方画派。
其实五代宋初时期的南方山水画成就也不低，南唐的大山水画家董源、卫贤、赵干等成绩很高。
由于南唐的群臣都是文学和艺术上的能手，所以南唐绘画，诸如花鸟、人物、山水都达到了很高的成就。
中外美术史及作品鉴赏论文—浅谈达利
中外美术史及作品鉴赏论文—浅谈达利达利是当今著名的艺术家，也是近年来世界上最著名的英雄和文化英雄之一，他对20世纪对于艺术理论和实践上的贡献是巨大的。
随着盖尔·达利，法国形象艺术大师的诞生，现在人们都在把他当成一位模仿者，也是催生了出纽约当地一些新兴特色艺术家之一。
盖尔·达利，1904年出生于法国加来德省的巴黎，他是绘画和雕塑艺术的大师，也是形象绘画的奠基者。
达利的笔下所描绘的世界，大都是他围绕家庭和自然世界的柔美诗意，这也正是达利流融进当代艺术界，推出新花样、新术语、引领新运动的重要力量之一。
盖尔·达利几乎在每个重要的半世纪间都有他的新作品，是文化英雄的代表作品，在当今的历史中他的艺术成就，绝对可以说是全世界都仰视的。
达利在艺术影响力上无疑是具有里程碑意义的，他大胆的表达、新颖的观点，都曾引发了无数的审美和艺术浪潮，令世界可以看到新的思想及新的视觉体验。
达利的创作风格多变，从侃侃而谈的多米诺主题字画，到夸张又逼真的彩色画，它无处不体现激情朝气洋溢、富有生命力及情绪丰富的“真实幻想”世界。
最引人注目的是，他把传统和吴兴派凝在图像表达和原创中，使其成为当代艺术家最受推崇的演绎形式。
达利的作品是新语言、新意识形态的结合。
无论涉及雕塑、绘画、版画、陶瓷、建筑等，示出奇妙的想象力。
达利总是能够联系人类的情感与非物质的新概念，用简洁的语言，激发出观者的嗅觉和情绪，传达出理想和遗忘的故事。
达利也是二十世纪当代艺术家中最重要的创作家之一，也是当今时代绝对不能忽视的艺术家。
他几乎在所有争议和思想家中，都有他的声音和价值出现，他的全部创造，每一件作品都在提出新的观念，新的想法，新的主流方向，以及把握本质艺术的方法和信念。
他的作品将传统技术与现代艺术相结合，创造出一种独特的唯美风格，开创出新颖而有趣的多样化艺术表达。
达利的绘画作品像一幅画中的景色，前景布满了温暖、明亮、活泼、繁盛的生命，表现出特有的活力。
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古埃及壁画古希腊陶瓶绘画中世纪绘画作品。
宗教题材意大利文艺复兴，《诽谤》桑德罗·波提切利东汉《戈射·收获图》东汉《宴饮观舞》东汉《泗水取鼎》西汉《扁鹊水榭》中外文化对绘画的影响及空间的差异拿到一幅画我们很容易分辨出是中国画还是西方绘画。
中国画是写意，写的是理想，写的是画境、意境，更加的感性。
而西方的绘画则是写实，更加的理性，利用透视，明暗等手法使画面更加的逼真。
造成这种差异的一个重要原因是中西方文化的不同。
儒道之学是中国千百年来的传统思想，强调的是天人合一，其实在绘画上同样强调着天人合一的美学观念，自然、朴实、返璞归真为美，这个在中国画中表现得十分突出。
另外禅学思想在中国高度发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在。
一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式。
所以中国画从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。
再看西方，从早期古希腊的人本主义和理性主义到14~16世纪的文艺复兴再到之后的思想启蒙运动，西方资本世界的理性同样出现在西方的绘画之中，这使得越是画的写实越是逼真的作品越是被人们所称赞。
这些写实派认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
关于有与无的哲学观念，西方以有为本，从有到实体；中国则以无为本，从无到有。
依西方的有无观，无是无论如何也不能生有的。
你看中国写意绘画是如此的虚实相间，往往留下一片空白。
给予观者的感受是虚白上幻现的一花一鸟，一山一水，但却负荷着无限的深意。
这样看来西方画面中的有是有限的，这使得画家需要花费心思使有限的画面更加的精致，而中国画画面之外的意境与想象则是无，无穷无尽的。
中外美术史论文——宋代花鸟画
中外美术史论文--宋代花鸟画摘要：工笔花鸟画是中国传统绘画的重要组成部分，在中国绘画中有悠久的历史并且独立成科，其表现形式和手法独具特色。
宋代的工笔花鸟画经过数百年的文化孕育和艺术锤炼.成为中国工笔花鸟画发展的鼎盛时期。
它蕴含高贵的品质.精湛的手法使后来的画家无不受其影响。
花鸟画是宋代宫廷画院绘画的重要类别，在艺术上大大超越了唐代。
宋代宫廷花鸟画家极重视对动植物形象情状的观察研究，他们笔下的花果草木，务求生动逼真，合情合理，一丝不苟。
其表现精工细丽，设色浓重典雅，造型周密端庄，反映出宋代宫廷贵族的审美特征。
宋代院体花鸟画之所以能够在传神方面达到很高的境界，在于能够从自然万物中直接取得，生意趣味浓厚是其重要的特征。
关键词：宋代花鸟画工笔花鸟画折枝艺术多元性布局技法情趣中国画发展到今天，已有数千年的历史，从马王堆出土的汉代帛画，我们就已经看到了中国画的雏形，而中国花鸟画，由一开始作为人物画的背景出现，到形成一个独立的画科，经过了漫长的岁月。
到了宋代，花鸟画已经达到一个很高的境界：那么从什么角度来看待宋代花鸟画呢？宋代花鸟画的科学性及影响宋代绘画有很高的科学性，这一点从一些流传下来的画史中可以看到，宋徽宗赵估对绘画表现必须符合客观真实上，有两个著名的故事：“徽宗建龙德宫成，命待诏图画宫中屏壁，皆极一时之选。
上来幸，一无所称，独顾壶中殿前柱廊棋眼，斜枝月季花，问画者为谁?实少年新进，上喜赐绯，褒锡甚宠，皆莫测其故。
近侍尝请于上，上日：‘月季鲜有能画者，盖四时朝暮，花蕊叶皆不同。
此作者时日中者，无毫发差，故厚赏之。
’”这种对于花的观察细致人微，能分辨出花盛开时，不同的时辰，不同状态的观察能力，直到现在也值得我们学习。
“宣和殿前植荔枝，即结实，喜动天颜。
偶孔雀在其下，亟召画院众史令图之，各及其思，华彩烂然，但孔雀欲升藤墩，先举右脚。
上日：‘未也。
’众使愕然莫测：后数日再呼问之，不知所对，则降旨日：‘孔雀升高，必先举左。
中外美术作品赏析论文
通过学习中外美术作品赏析这门课程，我了解了中国历代的雕塑绘画作品和西方优秀美术作品，感受了作者的情感，同时也掌握了一些历史故事。
先从中国开始说起吧我国古代绘画，可以说是伴随着人们的生活、劳动而产生的，我们在新石器时期的彩陶纹样中已经可以领略到原始人类绘画的创造能力。
那些流畅的线条和有意味的罔形，一方面显露了原始人类的精神生活世界，另一方面也表现了他们的艺术审美趣味。
从文献记载和考古资料来看，中国古代绘画作为一种独立的艺术形式，至少在春秋战同时期就已经作为一种相当成熟的艺术形式，被广泛地应用于当时的社会生活环境之中。
据记载，周代的明堂里就绘有“尧舜之容，檗纣之像”，以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画。
发挥着“明劝戒，著升沉”的社会教育功能。
到了战国时期，大型建筑物的墙上都有内容丰富的壁画作为装饰。
楚墓出土的帛画可以使我们想象那些规模宏大、内容丰富的壁画一定会比仅仅作为死者葬具的帛画精彩辉煌。
在老师讲解的许多例子中以下几个作品给我留下了深刻的印象銮金长信宫灯西汉时期宫灯灯体为一通体鎏金、双手执灯跽坐的宫女，神态恬静优雅。
灯体通高48厘米，重15.85公斤。
长信宫灯设计十分巧妙，宫女一手执灯，另一手袖似在挡风，实为虹管，用以吸收油烟，既防止了空气污染，又有审美价值。
此宫灯因曾放置于窦太后（刘胜祖母）的长信宫内而得名。
这个作品把侍女的卑微表情刻画的生动形象。
青瓷对书甬西晋九色鹿古代，在荒无人烟的戈壁滩上，波斯商人的骆驼队因遇风沙袭击而迷路，忽然出现一头九色神鹿给他们指点方向。
九色鹿回到林中，听见有人呼救。
原来一个弄蛇人在采药时不慎落水。
九色鹿忙将他驮上石岸。
弄蛇人感恩不尽，九色鹿只求他别将遇见它的事告诉别人，弄蛇人连连答应，还对天起誓。
波斯商人到了古国皇宫，与国王谈起沙漠中的奇遇，谁知王后听了，执意要取九色鹿皮做衣裳。
国王无奈，张贴布告：捕到九色鹿者给予重赏。
弄蛇人见利忘义，向国王告密，并设计将九色鹿引入包围圈。
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰专业、班：建筑与城市规划学院艺术设计系1102班学号：U201114581姓名：丁雨晨公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。
他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。
“文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。
在这一变革中，出现了不少伟大的人物，最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，达·芬奇的艺术深沉、含蓄、富有理智、充满智慧，而米开朗基罗的艺术博大、雄伟、富有激情、充满力量，三人作画，画风迥异，各具造诣。
他们的出现，集中体现了欧洲文艺复兴时期美术的高度成就及其重要特征。
的确，作画也是一门艺术，画里透射出的有作者的个性、作者的风格、也蕴含着作者寄予的情感、透露的社会现实。
因此看画，品画也是从另一个层面去了解作者，了解作者作画时的心境，了解他所在的社会环境以及他在画里寄予的情感。
达·芬奇是意大利文艺复兴时期的一个博学者，被誉为“全能天才”，：除了是画家，他还是雕刻家、建筑师、音乐家、数学家、工程师、发明家、解剖学家、地质学家、制图师，植物学家和作家。
他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信,一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学,美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。
把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。
坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。
中外美术史教学论文
中外美术史教学论文中外美术史教学论文导语：中外美术史是各大高等院校美术专业的必修课程，目的在于让艺术类学生在了解美术历史发展的前提下，那么关于中外美术史教学论文怎么写呢？一中外美术史教学的现实状况当前我国大多数的高等院校，对于中外美术史的教授，都是分开进行的，中国美术史与外国美术史分别由不同的教师进行授课，教授的课程进度不一样。
多数高等院校的美术专业，太过于强调学科教学体系的严谨与完整，每个科目之间过分的孤立，相互之间缺少了联系。
而美术史纵向思维联系紧密，中国美术史与外国美术史之间的交叉联系太少，学生缺失了对于美术历史时间与地点上的概念，不利于学生对于同时期国内外美术发展状况的了解与分析。
很多学生对于历史上的美术发展现象与当时的时代背景之间的关系搞不清楚，对于中外历史的时间对接上不是特别清楚，整体上来说学生对于世界美术历史没有一个清晰的时间概念。
学习美术史论的时候，很多学生死记硬背，仍然达不到理想的效果。
导致这些问题的出现主要是由于中外美术史的教授内容与教授方式有关。
对于美术史课程的开设，我们必须充分认识到，美术史的课程进修的必要性，只有意识到美术史的功能意义，才能够激发学生学习美术理论的动力。
学生的全面发展，个人的文化修养与素质是必备的条件，然而美术专业的学习加强其文化艺术修养的主要途径就是对于美术史理论的研究，充分的了解历史上遗留下来的优秀美术作品，从中感悟到人生哲理，加深对人文哲学，传统艺术的理解，增强欣赏鉴别画作的能力，提升个人的审美修养。
二对于中外美术史课程的整合美术史依据历史的纵向发展为主要脉络，教师按照历史纵向发展的主线，将各个历史时期的画家、艺术作品、风格、审美特征、表达方式，集合历史背景，让学生了解各个历史时期的时代艺术、绘画特征、美术领域的发展与变化，时代变迁对于绘画艺术的影响。
另外，要考虑到美术史课程的自身特征，以及学生的实际状况，具体情况具体分析，展开对美术史教学体系的整改。
中外美术史欣赏论文
中外美术史工艺欣赏专业：工业设计班级：10-1姓名：张欣雪学号：8指导教师：陈婧中国明清时代的美术明代初年，社会经济的发展和城市的繁荣为职业画家的活动提供了有利的条件，绘画人才涌现。
其中，被称为院派和浙派的画家处于最显著的地位。
明代前期画家戴进、吴伟等人影响显著，以戴进、吴伟为代表的浙派画家，多山水、人物兼长，技法全面为文人画家所不及。
南宋以来长江下游的经济和文化不断发展，渐居全国先进地位。
明代海外贸易的中心从扬州下移到太仓和松江一带，生产变化首先在这一地区萌发。
苏州地区文化艺术发展，出现了不少学术思想和文学艺术卓有成就人物。
在炽盛文风的熏陶下，官僚文人大量贮藏法书名画、古玩器物和珍本书籍，营建私家园林，讲究饮食服饰器用。
明代中期在苏州地区形成“吴门画派”，标志文人画走向极盛的阶段。
逐渐取代宫廷绘画和“浙派”的地位，在社会上、尤其是在文人士大夫当中受到重现。
沈周、文征明和唐寅的花鸟画在艺术上有突出的创造，特别是沈周等人的水墨花鸟画。
他们运用水墨技法描绘花鸟虫鱼，草草点缀，情意已足，集周之冕的钩花点叶体，和林良的写意派，边文进的黄氏工笔一体，因描绘方法上的差异而成为明代花鸟画的三大系统，为写意花鸟画的发展作出了贡献。
而唐寅擅长画山水人物，写意花鸟绘画也有独到之处，全面的绘画功力为许多吴门画家所不及。
通过唐寅等画家不断的艺术实践和大胆的艺术创造，使文人画创作适应时代的变化，走上“雅俗共赏”、“文质相兼”的发展道路。
明代水墨写意花鸟画家当中革新精神最强、对后世影响最大的画家当推徐渭。
徐渭是一位具有创新精神的艺术家。
他极力反对摹古，力斥文坛的复古风气，文学上大胆创造的追求同样运用到绘画创作当中，建立了自己鲜明的绘画风格。
徐渭擅长水墨大写意花卉，发展了文人画以笔墨抒情写意的传统，一改吴派花鸟画自然秀润、恬静优雅的格调，形成乱头粗服、大胆泼辣、豪放雄健的画风，画作结合题诗和苍劲奔放的书法，表现画家倔强不驯的个性。
中外美术史论文
以《墨葡萄图》和《最后的晚餐》为例，分析东西方美术的特点和异同学院：美术学院班级：艺12（2）班姓名：陈前学号：12173222在绘画上，中西的艺术比较，宗白华先生说得非常透彻：国画真像一种舞蹈，画家解衣番礴，任意挥洒。
他的精神与着重点在全幅的节奏生命而不沾滞于个体形相的刻画。
画家用笔墨的浓淡，点线的交错，明暗虚实的互映，形体气势的开合，谱成一幅如音乐如舞蹈的图案。
物体形象固宛然在目，然而飞动摇曳，似真似幻，完全溶解浑化在笔墨点线的互流交错之中! 西洋自埃及、希腊以来传统的画风，是在一幅幻现立体空间境中描出圆雕式的物体。
特重透视法、解剖学、光影凸凹的晕染。
画境似可走进，似可手摩，它们的渊源与背景是埃及、希腊的雕刻艺术与建筑空间。
中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。
中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。
中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。
中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。
中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。
西方的画中,写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
在徐渭的《墨葡萄图》中，就总体审美来讲，本图以水墨画葡萄一枝，串串果实倒挂枝头，鲜嫩欲滴，晶莹透彻，形象生动，茂盛的叶子以大块水墨点成，葡萄枝则用干墨勾勒，对比鲜明，，风格疏放，不求形似，但无处不神似，代表了徐渭大写意花卉的风格，也是明代写意花卉高水平的杰作。
中外美术史对比论文---毕加索
题目：由毕加索看中外美术作者：杨方路指导老师：孔凡静摘要毕加索作为法国现代画派的主要代表，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他与立体派艺术另一先驱人物勃拉克携手作画，共同为自然界的视觉形式寻求新的定义，他们从探究多面积的物质结构出发，打破传统的体积概念的坚实，根据科学和现代思想的发展，创造出一种新的造型语言。
后世评论家认为:如果没有立体主义急进精神的刺激，现代艺术很难想象会有以后的演变。
毕加索漫长的一生硕果累累，绘画风格多变，这无不源自他那旺盛的生命力及忘我的辛勤劳动，对毕加索而言，创造与艺术与生命同义，并且指出，真正的看，是内在的感觉，要直接面对生活，以生活入画。
本文以研究毕加索及其绘画艺术为契机，探究一代宗师毕加索绘画艺术形成之根源，对其绘画语言要素及其艺术形式进行深入的分析，剖析其作品之秩序的和谐完善，并围绕其伟大创造力阐述其生命潜能的挖掘与艺术表达之关系。
关键词：毕加索、立体主义、学院派一、关于毕加索巴勃罗•毕加索（Pablo Picasso，1881～1973）出生在西班牙马拉加（Malaga），是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。
毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000件，包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。
“然而，这个伟大的天才确实已死亡的形式来到这个世界上的。
”（1）毕加索一生中画法和风格几经变化。
也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。
在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。
德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。
在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。
中西方绘画艺术论文（共1387字）
中西方绘画艺术论文(共1387字)一、中西绘画艺术特质的差异无论你的艺术造诣有多高，你就无法很清楚的看到中西方在绘画时的特质，因为我们知道，要想看清这一点首先要知道他们二者的特质是什么，当你看过中方的画展之后，你会被里面的山水画的美丽风景所迷住，好像畅游在其中不能自拔，而这时如果让你突然去看西方油画时你就会发现，这二者完全是处在不同的一个世界中，因为这二者的绘画艺术的特质不同。
无论是从色彩、形状。
还是画面的层次感来看都是不一样的，这就是二者的特质不一样的缘故。
也许从绘画艺术的角度上来说其本质是一样的，但是我们要知道他们都是有着自身的特质，这种特质就是在特定环境下所造就的艺术形式的不同。
在中国由于封建和古老的神学影响下，使得画面不能出现任何反抗的情绪体现，更加注重对美学形体的概念的描绘。
情调黯然，强调用真实的环境描写来体现自身情感，大多都是封建神学的描写，所以缺乏真实性和科学性。
对于这一点我们要清楚认识到，不能再用以前的眼光来看待绘画艺术的特质，要用一种发展的眼光去对待新事物，是中方的绘画艺术能够上到一个更新的层次中。
视觉感官使我们观察事物的唯一途径也是最直接最明确的方式。
我们都是需要用眼睛去观察事物的，用笔画出来的也是如此，都需要用眼睛去观察只有这样我们才会有审美情趣。
由于社会环境的不同，地理位置的不同，所以造就的审美感官也就不同，中方和西方在观察事物方面是存在差异的，这也就造成了二者在绘画艺术方面存在不同的表达方式。
所以我们要求同存异，兼容并蓄的对待绘画艺术的特质。
二、中西方绘画艺术形态的差异绘画艺术形态是中国与西方存在着不同的世界观和艺术观所形成的艺术意识形态，在世界观和艺术观上，中国和西方就有着自身不同的特点，例如在绘画风格上就有着很大的不同，中国在绘画上以温柔婉转为主，画风柔情，能够很具体的表现出作者的个人思想感情。
只有一少部分，有一些写实的部分，他们喜欢对一些细节进行描写，例如风景画。
怎样看待中西美术不同的发展历程作文
怎样看待中西美术不同的发展历程作文
哎呀呀，今天来和大家聊聊中西美术那不同的发展历程哟！
咱先说说咱中国的美术吧！那可是有着超级超级悠久的历史呀！从古代的那些精美的壁画、水墨画，到后来的各种流派，那真的是太厉害啦！就像一棵大树，一点点地生长，长出好多好多不同的枝桠呢！中国美术注重的是意境呀，用简单的线条和色彩就能表达出深深的情感和故事呢，是不是很神奇？就好像一首优美的古诗，虽然字不多，但韵味十足呀！
再看看西方美术呢，那也是超级精彩呀！从古希腊的雕塑开始，那逼真的造型，哇，让人惊叹不已！然后到后来的油画什么的，那色彩的运用，那细节的刻画，简直绝了！西方美术就像是一场盛大的宴会，各种美味佳肴让人应接不暇呢！
那中国美术和西方美术到底有啥不一样呢？这就好像苹果和橘子，虽然都是水果，但味道和感觉都不一样呀！中国美术就像一位优雅的仙子，轻轻一挥衣袖，就有无限的风情；而西方美术就像一个热情的舞者，尽情地展现着自己的魅力。
那我们该怎么看待它们呢？难道要比个高下吗？才不要呢！它们都是人类艺术的瑰宝呀！我们应该像欣赏不同的美景一样去欣赏它们，去感受它们各自的独特魅力呀！无论是中国美术还是西方美术，都能给我们带来美的享受和心灵的触动呀！所以呀，我们要珍惜它们，爱护它们，让它们一直绽放光彩哟！。
中外美术史论文2
论西方美术史简议古希腊与古罗马雕刻艺术姓名徐燕年级班级10227211专业包装艺术设计杭州电子科技大学新闻出版学院二零一一年六月一日摘要在整个西方美术传说中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊艺术是高贵的单纯，静穆的伟大。
罗马的雕刻艺术是师承希腊的，但与希腊相比又有其特点。
罗马雕刻艺术带有贵族的气息，人物雕刻大多以贵族、帝王为主，人物形象不及希腊生动、秀丽、而更多严竣、矜持的神情，但强调真实和个性。
关键词：古希腊；古罗马；雕刻艺术。
目录摘要 (2)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的关系 (4)1.1 古希腊与古罗马文化上的联系 (4)1.2 古希腊与古罗马的历史关系 (4)二、古希腊与古罗马雕刻艺术的区别 (5)2.1 古希腊雕刻艺术 (5)2.2 古罗马雕刻艺术 (6)2.3两者雕刻艺术区别的总简述 (6)三、古希腊与古罗马雕刻艺术的影响 (7)结语 (8)参考文献 (9)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的联系1.1 古希腊与古罗马文化上的关系对于古希腊与古罗马雕塑艺术的关系，我认为：在西方美术传统中，古希腊和古罗马文化占有十分重要的地位，可以说整个西方雕塑的传统发源于这两大文明。
古希腊是位于伯罗奔尼撒半岛上的希腊城邦的总称，在古希腊兴起的数百年岁月里，古罗马只是意大利半岛中部拉丁平原上，台伯河畔的一个小小的城市。
希腊的艺术、哲学、宗教都极尽辉煌一时。
但是到了罗马崛起之后，这时的古希腊城邦已经逐渐的衰败。
不过罗马人相对贫乏的文化背景使得他们对希腊文化非常仰慕，大量的希腊人被聘为罗马贵族的家庭教师。
大量的希腊戏剧和文学被引入罗马的文化生活。
在当时，古罗马人受过良好教养的表现就是会读写说希腊语。
1.2 古希腊与古罗马的历史关系在公元1世纪，罗马征服希腊，古罗马是古希腊国土的征服者，却被古希腊文化所征服。
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中外美术史主题论文中文题目(:论汉代美术)副标题(:简议画像石与画像砖的美学特征)姓名年级班级专业长沙理工大学设计艺术学院2010 年6 月摘要汉代的画像石与画像砖是汉代独特的造型艺术样式,艺术形式本身体现了鲜明的美学特征,兼具绘画与雕刻因素的艺术形式，体现在偶像式与情节式的图像组织方式、表达"所知"、"所感"的造型思维、流动如生的乐舞精神,这些特色使其艺术形式上充溢着张力,体现出宏大气魄和浑厚雄强的时代精神.关键词：汉代画像石;汉代画像砖;美学特征ABSTRACTHan Brick and Stone is a unique plastic arts Han style, distinctive art form in itself embodies the aesthetic characteristics of both painting and sculpture art form factors, reflected in the idol-type and plot type of image organization, expression, "the Knowing "and" the sense "of the shape of thinking, the spirit of mobility, such as music and dance students, these features make it art form imbued with tension and shows great courage and deep and strong male spirit of the times.Key words:Han Dynasty Stone; Han Dynasty bricks; aesthetic characteristics目录中文摘要 (1)英文摘要 (2)1.1.11.222.12.233.13.2结语…………………………………………………参考文献…………………………………………………附录…………………………………………………后记………………………………………………….长沙理工大学论文原创性声明本人郑重声明：所呈交的论文，是本人独立思考进行研究工作所取得的成果。
除文中已经注明引用的内容外，本论文不含任何其他个人或集体已经发表或撰写过的作品成果。
对本文的研究做出重要贡献的个人和集体，均已在文中以明确方式标明。
本人完全意识到本声明的结果由本人承担。
论文作者签名：戴雪樵2010年6 月12 日引言秦汉时期美术繁荣昌盛，各类美术品都取得了很大的成就。
由于当时的时代背景和社会风气崇尚厚葬，画像石和画像砖就是用来建造墓室或祠堂石壁的材料，是组装式壁画的部件，这是画像石与画像砖产生的一个很重要的原因。
画像石与画像砖在我国大部分地区都有分布，且容易保存，所以画像石与画像砖是研究汉代美术的重要门类和实物资料，画像石与画像砖的数量多，内容丰富，艺术手法灵活多样。
所以别具美感与特色。
本论文从多方面对画像石与画像砖进行阐述，将从画像石与画像砖的产生，发展，分布，表现形式，风格特点等来探讨。
画像石与画像砖是汉代美术的一个缩影，代表了一个时代的成就。
我们应该抱着严肃的学术态度来认真的对待它，认真的研究与学习。
画像石与画像砖的出现，标志着汉代绘画艺术的不断进步。
第一章：画像石与画像砖的背景与分布1.背景汉朝是中国统一的多民族的中央集权制的封建国家建立于巩固时期，也是封建经济，文化，艺术发展的重要时期。
由于汉朝是一个大一统的国家，因此美术也因其时代要求具有统一性和宏大性。
汉朝统治时期，崇信道术，追求长生，统治阶级认为生时要及时行乐，任情极欲，死后也要继续享乐，于是便出现了厚葬的风气，享受及墓室中满绘天上，人间的奇异豪奢图景。
汉代的思想已儒家思想为主。
所有这些政治，经济，哲学，宗教，伦理等因素均是汉代美术赖以生存和发展的背景基础，画像石与画像砖就是在这一背景下产生的。
2.分布画像石与画像砖是遗存丰富，很有特色的秦汉美术史资料。
艺术家们以刀代笔，在坚硬的石面上创作了众多精美的图像，用以作为建筑构件，构筑和装饰墓室、石阙等。
全国发现的汉画像石数以千。
据载，画像石萌发于西汉昭、宣时期，新莽时有所发展，到东汉时进一步扩大，主要分布于山东、河南、陕西、四川及其周围地区。
画像石主要发现与山东，江苏，四川，河南，陕西，山西等地；画像砖主要发现与四川，多属于东汉时期。
其分布地区多为当时政治，经济，文化中心，大官富豪聚集之地，厚葬之风兴盛，使得大量精美的画像砖与画像石艺术应运而生。
第二章：画像石与画像砖的表现技法1.表现手法汉代画像石的表现手法多样，下面我就简单的介绍几种表现手法。
1.造型画像石的造型突破了商周时代抽象化的趋向，而倾向写实。
工匠们注意从社会生活中获得素材，把客观事物用艺术的手法表现出来。
《斗牛》画面右侧有一力士，上身赤裸，牛呈狂奔逃遁状。
形象简洁，栩栩如生。
（如图）2.用线汉画像石的主要表现手法之一是线条，线或粗或细，交错运用，千变万化，粗狂而不鄙野，深厚而不凝滞，朴素而不单调，豪放而不疏散。
线与浮雕的巧妙结合，形成了自己独特的艺术特点。
从石上留下的刀痕中，我们可以看出工匠艺术家的雕刻过程，即先在平面的石料上刻出图像的轮廓线，再把轮廓线的外底子凿剥掉薄薄一层，这样形成浮雕的边缘用线，增强图像的立体感，然后在浮出的图像上用传统的阴线刻画出图像的细部，增强画面的起伏层次。
3.构图画像石的构图在两汉之中经历了早、中、晚三期的变化，早期构图主题突出，布局疏朗。
一般不加任何补白装饰。
空间没有任何补白点缀，画面的主题非常突出。
人物的神态和人物之间构成的情节非常鲜明，给人一种疏朗、明晰、舒适之感。
中期则注意空间的补白和局部装饰，这种补白并不是毫无意义的填空，而是根据内容和题材需要渲染气氛，突出主题。
如在神仙祥瑞题材的图像中，补白多是云气、仙草、山峦、林木等等，烘托了引魂升天的气氛。
晚期作品则是绝对对称的二龙戏珠，或是相对对称的二龙戏珠，或是相对对称表现的龙虎，以及其他神兽之间的追逐、决斗，空间充满了繁琐的装饰，画面虽呈现了飞动之美，却失去了率真与自然的表现，趋于呆滞、刻板2.雕刻技法1．平面阴线刻此种刻法先将准备好的石料正面，用刀剔去粗糙的表面，然后用阴线勾画出图像，这是一种拟绘画的技法，即后代常见的石刻线画拓片效果，基本上是白线条。
此种雕刻方法，仅见于南阳市赵寨汉墓（如图1），所画青龙、白虎、朱雀、人物，“万物之状具备”。
此法用线流畅，如春蚕吐丝。
图12．剔去凹面阴线刻这种刻法是先将石面用阴线刻出画像轮廓，将画像部分凿成凹面，再用阴线刻画图像细部，然后在轮廓线外剔出横竖纹底子。
有的把图像表面削得光滑，具有浮雕的效果。
此种刻法也不多见，因在粗糙底子上用阴线刻，故而图像不够清晰。
这种技法主要见于南阳市赵寨墓和南阳县杨官寺汉墓。
（如图2）图23．剔地线浮雕此法在修整好的石面上，先用阴线勾画出图像轮廓，图像部分经过加工修整后，然后将空白处全部剔掉磨平，不留铁具加工痕迹。
此种刻法多发现于唐河县出土的画像石，有其地域性的特点。
（如图3）图34．线浮雕兼阴线刻这种雕刻盛行于东汉中期，数量约占南阳画像石的三分之二，是体现南阳汉画像石艺术风格的主要成分。
此法先将图像轮廓刻出，再用粗壮的阴线勾勒图像的细部，然后将图像以外的空间部分剔成平底或横竖斜纹底。
这种不拘细微、深沉雄大、豪放古朴的特点，形成了南阳汉画像石独特的艺术风格（如图4）。
图4第三章：画像石与画像砖的题材内容1.是丰富多采的现实生活。
如迎来送往、车骑出行、迎宾拜谒、庖厨宴饮、乐舞杂技、钟鸣鼎食、六博对弈、驰逐狩猎、射御比武、飞剑跳丸、驯象弄蛇、鱼龙漫衍、吞刀吐火、捕鱼田猎、亭台楼阁、门卒侍卫等。
它广泛地反映出墓主生前拥有的各种财富资产情况，从山林田池到宅第高楼等，将这些内容都总汇起来便可构成一幅完整的庄园经济图，也是墓主所想过的前述那种生活方式的物质基础。
同样，作为一种崇尚财富的观念这也被移植到人们想象的仙境之中。
2.是垂教后世的历史故事。
汉代先民善于思想和崇拜，虽然皇家罢黜百家，独尊儒术，但在社会上新儒学占主导地位的同时，道家思想和民间宗教也十分活跃。
人们在接受君君臣臣、父父子子、忠君孝亲的伦理道德束缚的同时，在对贤君明臣、武功爵勋、贞节烈女、殉国刺客顶礼膜拜的同时，对成神为仙也充满激情，对天地山川等自然之神也是尊崇有加。
他们认为万物有灵，对从天上到地下的一切神灵都是非常敬重。
在汉画艺术中，可以看到它是无所不包的，无怪乎重迅先生要赞叹汉画艺术之“深沉博大”。
4.是雄奇瑰丽的神仙世界。
有青龙、白虎、朱雀、玄武（龟蛇相交）四神，有传说的抟士造人，炼石补天，创造天、地、人的始祖女娲，有伏羲、女娲人首蛇身相交，有玉兔捣药、神兽守鼎、西王母与东王公、有随车出行的九头人面兽－－开明兽，也有三足乌、九尾狐、灵芝、麒麟、天神羽人、奇禽异兽等。
为了死后能够得道升仙，充满想象力的先民把龙、虎、鹿等神奇动物作为升仙的骑乘工具。
这些内容的画像，表达了墓主希望死后能升仙和享受仙境生活的强烈愿望，而这种仙境生活实际上就是墓主生前现实生活的延伸和继续。
第四章：河南南阳画像石的分析。