西方绘画史论文

“一个老天看上的人”

对于威尼斯画派的巨匠维切里奥·提香，被誉为世界美术教育奠基人乔尔乔·瓦萨利曾说过：“他是一个老天看上的人。”的确他拥有着世人渴求的一切荣誉、地位、权利还有长寿。有人说他是对金钱和地位“贪得无厌”的色彩大师，也有人说他像法国的伏尔泰一样，对权势躬身下拜，在皇室贵族的微笑中享受恩赐；也像伏尔泰一样对宗教和道德不屑一顾，在享乐主义的思想下尽享风流。但这一切对提香来说是那么自然，那么理所当然，以至无论在当时还是在今天人们始终对他的尊崇多于对他的嫉妒和批判，更无法改变他文艺复兴兴盛期最杰出的“色彩大师”的光荣称号。

威尼斯出现象提香这样在色彩上如此热情饱满的绘画大师，是有一定的社会基础的。文艺复兴发展到16世纪，人性的解放和追求现世幸福的享乐主义思想已根深蒂固。威尼斯经济发达，人们在经济优异的条件下，对自由与入世哲学的兴趣日趋强烈。被称为“油画之父”的提香更放纵了这种思想在绘画上的表现，借希腊神话题材以表现人生的欢乐与享受，正符合一部分人在长期神学思想禁锢下产生的逆反心理。他在绘画时从不设计草稿，而是凭借感性和饱满的色彩来表现生命和肉感的官能效果，这种官能效果和享乐主义的追求，不仅在当时得到了社会现实的认可和王公贵族们的欣赏，而且也使上帝对提香特别垂青，给予他普通人连想都不敢想的社会地位。

1516年，年轻的提香首次获得了施展才能的机会，绘制了一幅威尼斯有史以来最大的木板祭坛图《圣母升天》，在这幅画中，提香汲取了佛罗伦萨巴托洛米欧的对位法原则、米开朗基罗人体造型及画面强烈的戏剧性，开始表现出脱离贝利尼和乔尔乔涅代表的威尼斯旧传统，创作自己的风格体系。

提香为了让人们一进入教堂，视线就被祭坛上巨大的场景所吸引，所以将画幅设计得很大,分上下两部分。上部分是升天的圣母被众多的天使们簇拥，在一片金色的光线中徐徐上升，下部分比真人尺寸还要大的众人们，用夸张的肢体语言、惊讶的表情把观者的视线引向圣母，与他们一道亲眼验证天父迎接圣母的神迹出现。这种效果的确具有说明力：庞大、色彩绚丽、动作张扬，在距祭坛很远的地方就能感受到画面的冲击力，是初次看到这幅画的教堂修教士们都感到惊慌失措。

这幅作品不仅为提香威尼斯首席画家的地位，更重要的是使他成为了文艺复兴画家中最伟大的一位。他没有达·芬奇的科学兴趣，或是米开朗基罗对宗教与诗的热忱。他也不像拉斐尔那样既是画家、建筑师又是一位古迹管理者。然而，提香的意义在于他是真正的现代绘画的创始者，因为他是首度挖掘出油画特质的全部可能性，并认为绘画中色彩高于其他造型手段，他让画面笔触具有了活力，为粗糙的画布带来了生机；他发展了乔尔乔涅对油画材料的关注，调节出浓郁厚重深沉的暗色调。

之后的提香主要以世俗委托为中心，完成了许多重要作品，并使肖像画发展为最具绘画性的个性作品。在《教皇保罗三世》肖像画中，提香采用了四分之三肖像画与侧面姿势，这是拉斐尔首次在肖像画使用的样式。他把进入画面的所有物件都引入色彩构图范围内。相同色调脸部肤色的亮度最强，依靠色调的渐变与多变的笔触，处理不同的质感：绒面袍、白布衣、青筋的手、椅、胡须。而保罗三世的个性与权威又通过他瘦长的手指与精明瘦削的脸孔、投向观众的锐利目光传达出来。同样，他把景色与神话融入威尼斯传统中，带动了诗画的发展。

在经典之作《神圣与世俗的爱》中，象征圣、俗两种爱情的女性分别坐在水池两边，但她们二者到底谁圣谁俗？从画面上看，两位女性一个身着盛装，一个赤身裸体，按照古典艺术的标准，裸体代表的是至高无上的纯洁、神圣，因此右边的那位裸体女性代表着神圣的爱，而着装妇女代表世俗的爱。神圣之爱的形象似乎更为优秀，这是因为她斜身高坐于水池边上，

体态优雅，右手扶住池边，左手高举香炉，前倾的头部和眼神凝视对面的姐妹，似乎有种超凡脱俗的精神世界，人文主义理解的神圣境界也是这样。她娇丽的肉色与身后艳红的披风相映衬，形成色彩鲜亮而体态健康的女性形象，这历来被誉为文艺复兴艺术中理想主义女性美的典范。画中背景山水也根据不同人物作了不同安排，例如靠近神圣之爱这边是宁静开阔的平野海滨景象：教堂的高塔若隐若现，海塘滩涂和灌木，羊群自由自在，远处白云青岚，既符合神圣之爱向往海阔天空的意境，也刻画了威尼斯常见的一角美景。世俗之爱的旁边是夕阳余晖下的丘陵寨堡，表现出人间城郭园圃的风光，切实符合了世俗的情境。山林草地上还有两只兔子，陪衬出世俗妇女的象征意义。这些风光都以清丽、丰富的色调来表现，并和前景的泉石树木完美结合，色调浓淡调谐，人物与风景描绘相互照应。画家力图统一对自然和世俗的爱，从而创造了一个和睦、博爱的理想主义世界。不仅深层的反映出当时人文主义学者提倡的古典知识，也表现了威尼斯人对风景画的热衷，和对婚姻中性爱的赞美。

《圣母怜子图》是提香晚年的画作，是他所有作品中唯一色彩阴暗并带有恐怖色彩的作品。提香没有完成这幅画就离开了人世，他的弟子完成了此作。也许晚年的提香意识到自己行将就木，所以画了这幅充满恐惧和死亡意象的画。历史上，这幅画曾被解释为是提香的精神性遗言。在画像的右侧的人物被人物是提香的自画像，他犹如注视着正在接近自己的死亡一样注视着死去的基督。

瓦萨利说，在意大利，没有人能和提香的绘画天才相比，无论是拉斐尔或是达芬奇都赶不上他。1576年的威尼斯大瘟疫，人们在北部海岸提香的别墅中找到了他，和死亡捉迷藏的游戏结束了，他在99岁时终于向死神屈服了。

寿命长达近百岁的提香的艺术生涯几乎贯穿了整个16世纪，提香是宗教、神话、历史题材的画家，也是同时代多数名人的画师，他擅长运用色彩，在威尼斯绘画的全盛时期称雄画坛。他的作品主要是肖像画、宗教画和神话题材的绘画。可以说，他的肖像画是整个16世纪威尼斯社会的一面镜子。他的作品壮丽热情、想像力丰富、色彩强烈、笔调奔放，敢于对色彩加以大胆的运用，并且对冷暖色精于理解，同时主义对色调关系微妙而准确的把握，对日后欧洲绘画艺术的发展影响很大。

对于很多人对他“贪得无厌”的评价，我认为他只是为获得绘画自由而明智的选择了将那些权势者握在手中，成为自己的崇拜者。提香成为欧洲最受欢迎的画家，豪宅、名誉、地位、极高的报酬都为他所拥有，但这一切都不能与他拥有自由支配自己的艺术权利相比——他的名望足以让他按照自己的意愿选择绘画的主题，从来没有哪位艺术家能拥有如此的自由。他是极其幸运的，研究他的种种后不得不承认他的确是老天看上的人。