西方声乐发展历程
巴洛克时期歌唱技术的发展
巴洛克时期歌唱技术的发展巴洛克时期是西方音乐史上一个重要的时期，它大约从17世纪后期到18世纪末。
在这个时期，音乐经历了一场翻天覆地的变革，巴洛克时期歌唱技术的发展也成为了音乐史上的一大亮点。
在巴洛克时期，歌唱技术的改进不仅在歌唱艺术上有所成就，也对后世的歌唱技术产生了深远的影响。
本文将向读者介绍巴洛克时期歌唱技术的发展。
我们需要了解巴洛克时期的音乐特点。
巴洛克音乐追求对情感和表现力的极致追求，歌唱也在这个时期受到了极大的重视。
在巴洛克时期，歌唱不再仅仅被视作音乐中的一个配角，而是成为了音乐的重要组成部分。
歌唱家们也开始在表达情感和展现技巧上有了更高的追求。
在巴洛克时期，歌唱技术经历了几个重要的发展阶段。
首先是声乐教育的兴起。
在巴洛克时期，声乐教育开始被赋予更多的重视，歌唱家们开始接受专业化的声乐培训，学习歌唱技术和演奏技巧。
这使得歌唱家们在歌唱技术上有了更大的突破和进步。
其次是发声技术的改进。
在巴洛克时期，发声技术经历了重大的改进，其中最大的突破是发声方式的转变。
在巴洛克时期之前，歌唱家们一般使用胸声发声，但在巴洛克时期，头声发声成为了主流。
这种发声方式使得歌唱家们能够更加轻松地唱出高音，也允许他们在表现力和情感上有更大的发挥空间。
巴洛克时期的音乐也开始使用更多的音乐符号来表达情感和音乐意图。
在歌唱技术上，这意味着歌唱家们需要更加灵活地运用各种技巧来表现不同的音乐符号。
这对歌唱家的技术要求也提出了更高的要求，歌唱家们在巴洛克时期也逐渐培养了更加丰富的歌唱技巧和表现能力。
另一个重要的发展是声音的色彩和表现力。
在巴洛克时期，歌唱家们开始注重发声的色彩和表现力，他们可以通过调整声音的明暗、轻重和变化来表现不同的情感。
这使得歌唱家们能够在音乐表演中展现更加丰富的表现力和音乐性。
在巴洛克时期，歌唱技术的发展在各个方面都取得了重大的突破。
从声乐教育的兴起到发声技术的改进，再到对音乐符号的更加灵活的运用和声音的表现力，这些都为歌唱技术的发展开辟了新的道路。
浅谈西欧声乐技术的发展历史
浅谈西欧声乐技术的发展历史从古典唱法、现代唱法、学派问题等几个方面，对西欧声乐技术的发展历史作了简单的介绍。
西欧声乐技术发展历史现代唱法声乐家一、古典唱法我们经常说到“美唱”这一个声乐名词，那么美唱到底是什么呢？美唱的内容有三点：（1）歌声的纯和美；（2）控制呼吸的技巧；（3）有表情的道白。
这个时代的声乐教师都是作曲家，他们按照不同学生的要求写出不同的练声曲，因为要达到歌声的纯和美，必需重视基本练习。
当时作品的装饰是多而复杂的，对于演唱灵话的技巧与呼吸的控制有高度的要求。
诗词在独唱中要求被理解，因此带来了严格要求吐字的清晰。
教学过程中先独立进行每个母音的发展，然后连合子音，然后再进一步去掌握歌词的表情。
渐强渐弱（Messa di voce）的练习是占很重要的位置。
教学开始时，慢的练习被认为基本练习。
音量的大小是次要的问题，主要的是音乐的美丽。
训练的目的，是如何让歌喉发出像笛子一样的声音。
二、现代唱法和现代声乐教学家谈到现代的唱法，我想先介绍几个现代的两欧声乐家，对他们用的方法特点作一个简要说明，然后再对西欧声乐方法作一个全面介绍。
现在先说声乐家：F.朗拜尔提（F. Lamperti 1813 1892），承继了前面提过的法里奈里的古典学派，又接受了名师克利森提尼（Cres Centini）等的传统的音乐思想。
他是当时很有名的声乐教师。
他是第一个使用腹部肌肉来控制呼吸的。
这样的方法所达到的效果是非常纯清的声音。
他写过很多的练声曲与一本歌唱艺术的论文《Treatise on the Art of Singing》。
G·B.朗拜尔提是他的儿子。
他的学生是很多的，其中不少都是欧洲最有成就的演唱家。
1879年，他离开意大利到德国去教学，给德国声乐带来了新的力量。
让我在这里介招一些关于他们父子的教学经验。
意大利人对唱歌有一句老话，它说：“歌唱的艺术就是研究呼吸。
”欧洲声乐家在这一点上都是共同注重的。
西方音乐流派
西方音乐流派高考要求：了解西方音乐不同发展时期的简要历史，以及不同音乐流派及其主要代表人物的生平、作品、贡献。
知识脉络：巴洛克时期（1600--1750）--------古典主义时期（1750--1820）-------浪漫主义时期(1828--1910)-----民族乐派音乐（1860年左右）------印象主义音乐（19世纪末20世纪初）--------表现主义时期（20世纪初）知识要点：一、巴罗克时期（1600——1750）1、音乐特点：作品大都宏伟壮观充满活力，以复杂沉重的复调音乐为主。
【复调音乐】是指将几条旋律线，按照一定的规则加以结合的一种多声音乐，这几条旋律线都具有独立意义，注重各自的横向发展，彼此形成对比或相互补充。
2、代表人物：巴赫【德】、亨德尔【德】（1）巴赫【德】：“复调音乐大师”、“西方音乐之父”。
代表作；《马太受难曲》、《十二平均律钢琴曲集》。
《马太受难曲》被称为“现存宗教音乐的顶峰”，取材于《圣经》中对耶稣受难过程的叙述。
乐曲实际上超越了宗教音乐的局限，将一股强烈的人文主义精神融入其中，宣扬为拯救人类的苦难勇于自我牺牲的崇高道德，表达出当时身处苦难境遇的德国民众的情感。
（2）亨德尔【德】：“清唱剧大师”。
代表作《水上音乐》、《焰火音乐》；二、维也纳古典乐派（1750—1820）1、音乐特点：崇尚理性,形式严谨,以简洁明快的主调音乐为主。
【主调音乐】：音乐中的几个声部注重纵向结合，其中只有一条具有独立意义的主要旋律线，其它声部是和声伴奏，起到陪衬主旋律的作用。
2、代表人物：贝多芬【德】、海顿【奥】、莫扎特【奥】。
（1）贝多芬【德】：“乐圣”。
贝多芬既是古典主义的终结者，也是浪漫主义的引路人。
第二十三钢琴奏鸣曲《热情》；交响曲：第三《英雄》、第五《命运》、第六《田园》、第九《合唱》；钢琴奏鸣曲：《悲怆》《热情》《月光》等《第九交响曲》作于1823年，共四个乐章，以德国诗人席勒的诗作《欢乐颂》作为歌词，是贝多芬全部创作的高峰和总结。
西方声乐发展历程
西方声乐发展历程一圣咏音乐是美声唱法的萌芽美声唱法起源于欧洲,它是时代发展的产物.13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐,主要以独唱,齐唱,领唱，说唱和吟唱为歌唱形式。
在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的产品，他们是有盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱。
只是比较初期的声乐表现形式。
进入“中世纪”教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样也为各种宗教的附属品。
当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》。
这就成为了最早的合唱形式。
公元590年，罗马教皇格里高利一世选编，修订配合教义的《唱经本》。
圣咏是欧洲声乐的萌芽，他要求庄严肃穆的演唱配合教学的氛围。
在圣咏音乐流行时期，从11世纪出现了世俗音乐，此后又相继出现游吟歌手，恋诗歌手，名歌手的专业的歌唱者。
他们虽无法完全摆脱浓厚的宗教色彩，但已可堪称对宗教韵的大胆突破。
二阉人歌手促使歌唱技巧发展14世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱方式，出于圣经的古训规定“妇女在教学中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均游男童声代替。
这些男童声是被阉割的男童歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。
他们的出现曾为欧洲声乐的发展做出巨大贡献。
并奠定了“美声唱法”的基础。
他们的声带及喉头不会随着年龄的增长而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，他们华丽、轻巧，明亮的声音，宽广的音域能令听众激动不已。
不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到一个较高的境界。
18世纪末，阉人歌手开始走向衰落。
三歌剧和美声唱法的产生美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响中。
当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧中为了效仿希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容，情绪变化以及语音的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。
他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色演唱自己的段落的宣叙调演唱方式。
西方音乐史分别七个阶段.
第一章古希腊古罗马音乐西方音乐史分别七个阶段：1古希腊古罗马音乐时期（公元前8世纪-公元4世纪）2中世纪音乐时期（从公元5世纪-14世纪03文艺复兴时期（15世纪-16世纪）4巴洛克时期（17世纪-18世纪中叶）5古典主义时期（18世纪中叶-19世纪初）6浪漫主义时期（19世纪初-20世纪初）7 20世纪音乐（20世纪）史前希腊和古希腊社会的发展：1迈若安及迈锡尼时期（约1650-1100B.C.）2荷马时期又称黑暗时期（约1100-800B.C.）,<伊里亚特>与《奥赛德》有荷马所撰，多利亚自然音阶。
3城邦时期（约800-500B.C.），合唱，抒情诗歌繁荣4古典时期，竞技比赛的音乐，悲剧，喜剧5希腊化时代古希腊三大悲剧作家：埃斯库罗斯-悲剧表演中引入第二个演员索福克勒斯-《俄狄浦斯》欧里皮德斯-《美狄亚》，把妇女做主角古希腊喜剧1新喜剧：不谈政治，话题严肃，表现社会风俗2旧喜剧：政治讽刺剧和社会讽刺剧毕达哥拉斯：和谐学，将音程分为协和与不和协音体系：1四音列2完整音列体系多利亚调试：能使人安静并具有力量;富于男子气，能使人变得坚强和有节制弗里几亚：使人狂放，激发人的热情副弗里几亚：容易使人丧失意志利底亚音乐使人柔和和淫荡混合利底亚音乐使人悲伤古希腊记谱法：1器乐谱 2声乐记谱古希腊是其主要乐器：1里拉 2阿夫洛斯管 3基萨拉琴（里拉琴的变体）古罗马时期概述:古罗马器乐：1图巴：一般用青铜制作，管长1.3米，分段制作，管身直2角号;管身圆古罗马的音乐观：1音乐当做一种享受2音乐的职业化倾向加强，音乐家的地位却下降3富有雄壮的气象罗马人喜欢：1笑剧：综合性的滑稽表演2哑剧：表现神话故事的戏剧舞蹈基督教音乐以单声音乐形态，附属于礼拜仪式，是作传播信仰的重要工具早期基督教音乐1使用许多犹太教音乐的旋律2混合了古希腊，东罗马，拜占庭圣咏的一些因素3各地的教堂都有各自的特色第二章中世纪音乐中世纪：通常音乐史把公元5世纪罗马帝国灭亡至14世纪文艺复兴之前这段长达一千年的历史，被认为是“黑暗时代”圣歌主要有5种：1拜占庭圣咏2安布罗斯3法国圣咏4摩差拉比5赛尔特格里高利圣咏：指罗马教皇格力高利一世之命名的天主教音乐，常称平歌或素歌功能：运用于基督教以活动，分日课和弥撒两大类格里高利圣咏的特征：1歌唱方式：独唱，齐唱，交替唱，应答唱2一般无伴奏，纯人声，以拉丁文，无明显节拍，以肃穆，节制，无世俗情欲为前提3礼拜仪式的咏唱为两类：诵经祈祷和礼拜歌曲1）音节式：一字对以音，音域一般较窄2）圣咏式：在同一高度的音上唱出相当数量的歌词3）音团式或纽姆式：一字对几个音，这是格里高利圣咏常用的方式，旋律比较流动4）花唱式：一字对多个音，少则十几个音，多则五六十个音，常见于欢呼歌中中世纪的教会调式是按圣咏的结束音（d,e,f,g），音域以及吟诵音等主要因素，对旋律进行分类而构成的。
欧洲各时期音乐史
欧洲各时期的音乐巴洛克时期1、巴罗克——一词源于葡萄牙语，意为“形状不规则的珍珠”，是十四世纪西方建筑、雕塑艺术中奇异、变形、夸张甚至荒诞的风格，音乐沿用这个词，实指巴罗克音乐用流利酣畅得多声部旋律、鲜明的强弱对比和音色的对比等。
2、巴罗克时期音乐的旋律：乐句长短不以，主题较长，无论声乐或器乐，旋律都空前的华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音节。
和文艺复兴时期的音乐一样，曲调带有形象性、色彩性的特征，引人注目的是，旋律中有明显的和声属性。
3、巴罗克时期音乐的节奏：有两种节奏——自由节奏和律动鲜明规整的节奏前者用于宣叙调、前奏曲、托卡塔，后者用于咏叹调、赋格等两种节奏在一个乐章中保持适中，这两种节奏还常搭配使用。
4、巴罗克音乐的调是：大小调体系取代教会体系。
5、巴罗克时期的和声：数字低音普遍使用，新的和声观念理论建立，已形成了完整的以主、属、下属为中心的功能和声体系，利用不协和音使调性转换，并使和声的进行富有情感的色彩，十二平均律在十七世纪的发明与和声体系的充分发展有密切关系。
6、巴罗克时期的音乐情绪：在一个乐章内保持一种基本情绪，各乐章间形成对比，乐章常是快慢交替的。
7、通奏低音——巴罗克时期特有的作曲手段，在键盘乐器的乐谱低音声部，表上明确音并表以说明其上方和声的数字，演奏者根据这种提示奏出低音和和声，而该和弦的排列有演奏者自己选择，高音声部和低音声部的分离感，也是数字底音的主要表现。
8、巴罗克时期的织体：复调织体占主要地位，写作技术达到了空前的高峰，与文艺复兴时期的复调不同，它是建立在和声基础上的对位，同时也有许多作品采用主调织体。
9、巴罗克时期的乐队结构：弦乐、管乐演奏音乐的旋律声部，古钢琴奏出通奏低音。
10、巴罗克时期的音乐体裁：声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、格局、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱合唱。
器乐：前奏曲、托卡塔、幻想曲、变奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格、协奏曲。
1.巴洛克：从大约1600年到1750年这一个半世纪，在西方音乐史上被称为巴洛克时期。
欧洲声乐发展史
威尔第1813-1901 游吟诗人《柴堆上燃起》
乐队在歌剧中表现的分量， 因此想获得较清晰的演唱 效果，演员们必须在发声 上要为扩大音量而努力提 高发声的技巧。
2016/10/8
马斯卡尼《乡村骑士》
瓦格纳的歌剧序曲 纽伦堡的名歌手 瓦格纳1813-1883
5．浪漫主义促使美声日趋完美
浪漫主义作曲家在音乐创作手法上作了许多革新，比如， 在主题的音调上加强了抒情的因素，在器乐作品中贯穿了歌 曲性的音调等。而在歌曲的创作方面，歌词大都采用名家的 诗作，诗意盎然，讲究诗词和音乐浑然—体和“诗化精神”， 要求将诗词的内涵充分地用音乐表现出来，同时，加强了伴 奏、尤其是钢琴伴奏的表现功能和作用，形成了与歌声共同 塑造艺术形象，推进高潮、揭示歌词意境，表现歌词未尽之 意的新型关系。随着以舒伯特、舒曼、布拉姆斯等作曲家为 代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起，便出现了不同于歌剧 咏叹调演唱的艺术歌曲演唱风格。
布拉姆斯1833-1897
2016/10/8
以舒伯特为代表的艺术歌曲的问世，还使欧洲的歌曲创 作进入了—个崭新的境界，在欧洲声乐艺术的发展中占有重 要的地位，并且还形成了与歌剧以及教堂音乐平分秋色的局 面。随着艺术歌曲创作的繁荣，还出现了以音乐会演唱为主 的职业歌唱家。
16世纪意大利歌剧的兴起，确立和发展了美声学派的声 乐技术和演唱风格；19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不 仅出现了与歌剧不同的演唱风格，还造就了许多专门从事艺 术歌曲演唱的歌唱家。由此可见，音乐创作的繁荣和发展， 歌曲创作手法的革新和开拓，对音乐表演和声乐演唱以及音 乐教育都起着十分重要的促进作用。 20世纪的声乐舞台可谓是百花齐放，各领风骚，多种演 唱风格与流派并存。他们的竞争带来了演唱方法的多种多样， 同时也是美声唱法日臻科学和完善的表现。
西方音乐的历史发展简况
西方音乐的历史发展简况1.中世纪音乐西方音乐的中世纪时期从公元5世纪一直到14世纪。
主要音乐形式是用于教堂礼拜歌唱的格里高利圣叹和赞美诗，中世纪后期复调音乐开始广泛传播，记谱法、唱名法和调式体系逐渐成熟。
2.文艺复兴时期的音乐15-16世纪是西方音乐历史上的文艺复兴时期。
它的起点不是意大利。
面是英国和欧州大陆偏北地区。
声乐复调，尤其是无伴奏的多声部合唱是这一时期音乐的主要风格样式。
早期文艺复兴的主要乐派有布艮第乐派和佛兰德乐派。
代表人物是奥克冈和约斯堪。
主要成就是弥撒曲、经文歌和世俗复调歌曲。
16 世纪是文艺复兴音乐成就最高的时期，世俗音乐获得了很好的发展，法国尚松(歌曲)和意大利牧歌是其中的典范。
晚期文艺复兴音乐的中心逐渐转向意大利,罗马乐派的帕勒斯特里那的无伴奏声乐复调将文艺复兴时期的宗教音乐推向顶峰。
威尼斯以圣马可教堂为中心的宗教音乐发展了庄严宏大、带有器乐伴奏的合唱音乐，预示着欧洲音乐未来阶段发展的趋势。
3.巴洛克时期的音乐1600 -1750 年，西方音乐进入巴洛克时期，复调音乐达到巅峰，主调音乐正在兴起。
以歌剧、清唱剧、康塔塔等声乐体裁是巴洛克风格的标志。
歌剧产生于意大利的佛罗伦萨，经过蒙特威尔第以及众多作曲家的努力，于18 世纪前后发展成型。
巴洛克音乐的另一个重大成就是器乐的空前发展。
重要体裁有奏鸣曲、协奏曲、组曲等，提琴作为主导乐器取代了文艺复兴弹拨乐器的地位;管风琴、古钢琴取得了很高的艺术成就。
协奏曲以弦乐为中心，伴以键盘乐器“数字低音”的合奏。
科莱里、维瓦尔第是这一时期弦乐艺术最杰出的代表。
键盘乐领域，德国的管风琴和法国的古钢琴最为著名。
法国古钢琴学派大师库泊兰的音乐特点是典雅高贵,装饰细腻,体现了音乐上的“洛可可”风格。
巴洛克晚期，音乐转向德奥。
晚期巴洛克音乐代表人物是德国作曲家J.S.巴赫和亨德尔。
4.古典主义时期的音乐18 世纪下半叶以后西方音乐进入“古典主义”时期。
古典主义时期只有半个世纪左右，影响却非常大。
西方声乐发展史
• 西方声乐艺术声乐之都——意大利在声乐 发展史上的地位举足轻重。早在十三世纪, 意大利的歌唱艺术就有了初步发展,音乐家 们在宗教合唱的基础上对格列高利圣咏进 行了修饰,开始了新一阶段的声乐创作。 • 之后的中世纪音乐表现的是宗教的风格,文 艺复兴以后,声乐艺术变成了感情的艺术, 歌唱家们逐渐开始了由理性向感性过渡,他 们的音乐以个性和感情的表现作为其艺术 理想。
• 在圣咏音乐流行的时期，从11世纪起出现 了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺 术内容的音乐形式。由于当时手工业和商 业得到了发展，城市开始出现了针对宗教 音乐的世俗音乐，它要求人们用音乐反映 生活和世俗的情感。此后，又相继出现了 游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌 唱者，他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色 彩，但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。
• 于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演 唱技巧、华丽的嗓音，穿过庞大的乐队 “音墙”，清晰地把歌声送到剧场的每个 角落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新 的高峰，所以可以说“美声”随着歌剧的 发展而得到极大的发展，是文艺复兴时期 人文主义思想在音乐艺术上的表现；它不 仅是一种歌唱技术和一种演唱网络，而且 还是一定美学原则和艺术思想的体现。
威尼斯乐派
• 在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派， 为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌 剧音乐抒情的创始人，那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的 创始人，可以说歌剧诞生在佛罗伦萨，发展在威尼斯。蒙 特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例，丰富和烘 托了独唱的气氛，他的第一部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡 契尼的《犹丽蒂契》来自于同一题材，而他写出了戏剧性 的悲剧效果。在歌剧的创作上，蒙特威尔第首先使用了减 七和弦，大胆地使用了转调和半音音阶，在乐队伴奏上， 他首创了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧 走向社会，并使其走上了花腔”——加花演唱的道路，他 们追求华丽的演唱技巧和声音效果，他们以高超的声乐技 巧出现在舞台上，引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调 和咏叹调使Bel Canto的演唱获得了更大的表现力。
欧洲声乐发展史
歌手的特殊嗓音甚至可以与小号飙 高音。历史上最著名的阉人歌手有塞涅 西诺、卡法雷利、法里内利。1994年的 金球奖最佳外语片《绝代妖姬》描述的 正是法里内利的生平故事。 除音乐以外,阉人歌手甚至引发过历 史轶事，17世纪，迷恋阉伶歌手的瑞典 克里斯蒂娜女王为了从波兰国王那里借 歌手为其表演还停止了与波兰的战争.直 到1870年，意大利宣布其为不合法后， 阉伶歌手的盛行才退出了历史舞台。 1920年，罗马教皇利奥十三世颁布命令 永久禁止阉伶歌手在教堂演唱。在这之 后最后一位离开教堂唱诗班的是 Alessando Morechi，他于1913年离开。
2016/10/8
卡契尼1551-1618
蒙特威尔第（1567-1643）
为了使宣叙调的演唱更具古希腊人在广 场上上演悲剧朗诵调的声音效果，就不能采 用声音微弱的童声和假声，而需要采用足够 气息支持，由丰厚声音共鸣，丰满宏亮而咬 字清晰真切、并富于穿透力的声音。这一时 期美声风格和技术要求都有明确的标准，包 括对歌词的理解、歌唱的呼吸、起音、连贯 性、声区与共鸣、吐字与语言等。这一时期 美声结合了圣咏、阉人歌手高超华丽的歌唱， 伴随歌剧的创始与发展，逐渐成熟并完善成 一个科学的声乐体系。
2016/10/8
19世纪意大利伟大的歌剧作家威 尔第的充满爱国主义激情的歌剧问世 ，标志着歌剧创作的新发展。由于他 成功地在咏叹调上的创作，使得对声 音的要求也进一步提高，既要有扎实 的歌唱技术，强烈的情感表现方式， 震撼人心的戏剧性，又要具有抒隋性 和流畅、灵活和柔美。
以马斯卡尼为代表的真 实主义歌剧演唱技巧又上 而瓦格纳的歌剧由于 了新的台阶。 注重乐队的配置，加重了
卡瓦利1602-1676
A•斯卡拉蒂1660-1725
西方音乐的发展过程
西方音乐的发展过程西方音乐是从十六世纪末开始，尤其是十七世纪到十八世纪产生的音乐，西方音乐的发展经历了很漫长的过程。
下面就跟随店铺的步伐一起来了解一下西方音乐的发展过程吧!西方音乐的发展过程：古罗马时间约为公元前3200年~公元400年。
这部分的音乐资料只能从考古而来，从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解，但几乎是不可能聆听与欣赏。
有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。
在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。
史诗本身既是文学作品又是音乐作品，它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。
公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。
公元前7世纪~前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。
公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。
西方音乐的发展过程：中世纪西元476年罗马帝国瓦解后，希腊、罗马文明变趋衰微。
日耳曼人统治欧洲西半部，历史上称为“黑暗时期”，也就是“中世纪时期”。
教会是当时人们的生活重心，具有政治、经济、文化的重要地位，艺术家在宗教中生存，因此当时艺术与宗教息息相关。
这时期的音乐活动受到____影响很大，音乐多以宗教仪式或歌唱颂歌为主，以功能为重，例如格雷果圣歌。
歌词多是采自圣经。
特色是旋律高低起伏变化小，缺乏和声基础，表现朴实。
对中世纪音乐贡献最大的是米兰主教安布罗斯和教皇格里高利一世。
公元390年左右，安布罗斯推行对圣歌的双声合唱，引入和声，并准许非僧侣、教士的俗人参与演唱。
是教会音乐得以发展和普及。
公元590年-604年在位的教皇格里高利一世，编出一套用于庄严礼拜的曲目，并用法律形式规定在祈祷仪式中必须有音乐，形成一整套格里高利圣咏，成为宗教创作的典范，后来又发展出记谱法，虽然尚没有小节线和五线谱，但使用高低位置记谱的方法为五线谱的发明提供了基础，这种记谱法只有四行线，每行前面有三个菱形谱号，结尾有一个菱形谱号提示下一行音高，基本是五线谱的雏形，但不能表示节奏。
西方音乐史(巴洛克+古典)
一、巴洛克音乐的一般特点1.概念：从大约1600年到1750年这一个半世纪（17世纪到18世纪上半叶），在西方音乐史上被称为巴洛克时期。
2.“巴洛克”的概念：巴洛克最初是一个贬义词，原意为“形状不规则的珍珠”，从19世纪起，艺术批评家开始不带贬义地用这个词来形容17和18世纪初的美术和建筑中的那种充满热烈而华丽的装饰性和表现性的风格，20世纪的音乐史学家开始把这个词运用于从1600年到1750年前后的音乐。
巴洛克是用来指一个时期，而不是一种风格，这个时期的一个重要的共同观念是，相信音乐的主要目的逝打动人的情感。
3.巴洛克音乐的一般特点“两种常规”：文艺复兴的复调风格为“第一常规”，自己的风格为“第二常规”风格特征：（1）巴洛克音乐的典型织体是一个严格的低声部和一个华丽的高声部，加上不大突出的和声；（重要特征：通奏低音）通奏低音:巴洛克音乐的典型织体是一个严格的低音部和一个华丽的高声部，加上不大突出的和声。
这种织体的的记谱法是由记写下来的高声部和带有数字标记的低声部构成，这种位于低声上方的数字是和声的标记，指导着演奏者即兴地填充和声。
这就是巴洛克音乐的一个重要特征，通奏低音或数字低音。
（即主调和声织体）（2）巴洛克的节奏突出两个极端：一个是准确而有规律的节拍，以强弱拍子的交替为基础这是舞蹈音乐的特点；一个是自由而无规律的节拍，它是唱声乐作品中近似语言的宣叙调和即兴的器乐作品中的特点。
（3）大小调体系出现，并且逐步建立完善的功能和声概念。
（4）记谱法到17世纪中叶开始规范，与今天的样式非常接近。
总体特征：（1）宏伟壮观、热情如火，充满活力（2）整体强调情感表现和戏剧性对比（3）细节注重装饰性，观念、手法大胆求新（4）有综合艺术的倾向二、意大利早期歌剧发展1.诞生：意大利佛罗伦萨“卡梅拉塔”1957，《达芙妮》里努契尼词佩里曲1600，《尤里迪茜》利努契尼作词，佩里谱曲，是现存最早的完整保存下来的歌剧，其中运用了单声部歌曲风格的所有类型，特别是宣叙性的风格。
西方声乐发展史
• 在阉人歌手兴起和盛行时期，不仅排挤了女声， 甚至在一定程度上几乎抢占了男声在歌坛上的地 位。阉人歌手在欧洲盛行了近两个世纪之久，还 有学校和教育机构专门训练阉人歌手。意大利著 名阉人歌唱家法瑞奈里和卡法瑞里就是阉人歌手 盛行时期的典范，他们的演唱技巧已经达到出神 入化的地步。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平 推进到了一种较高的境界。18世纪末19世纪初， 欧洲封建制度开始动摇，人们纷纷要求废除这种 不人道的歌唱现象，同时妇女们也要求冲破封建 束缚走上舞台，加上此时的男声也通过“关闭” 的唱法提高了演唱能力，因此，阉人歌手在18世 纪末开始走向衰落。
美声唱法
• 美声唱法起源于欧洲，它的产生不仅与欧 洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作 为人类文化意识形态的一部分，它同样也 是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧 洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的 声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌 韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、 说唱和吟唱为歌唱形式。
• 在人类声乐艺术的发展历史上，Bel Canto是最重要的发 展主线，Bel Canto应翻译为“美好的歌唱”，在我国一 般译为“美声唱法”。《格罗夫音乐词典》、《牛津音乐 词典》及《辞海》中都从各个角度，用各自的方法对此进 行了阐释。《辞海》说：“Bel Canto是17世纪产生于意 大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音 连接平滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点。”Bel Canto自产生以来，经历了数百年发展，已具有深刻的内 涵。它既是科学的发声方法，也代表着歌剧发展中的—个 重要的历史时代、一种音乐风格和一种歌唱风格，同时也 贯穿着规范的歌唱技能技巧的发声训练法，因此，也可视 为“美声学派”。作为科学的声乐学派，Bel Canto产生 后，经历了历史的考验，才逐渐形成了完整、系统、科学 的发声方法和演唱风格。“美声”的诞生，是有各个方面 的原因和前提的。
西方声乐发展史
西方声乐发展史第一篇：西方声乐发展史19世纪西方声乐流派及其学说的总结与归纳摘要：19世纪随着启蒙运动的蓬勃展开，在法国大革命的影响下，反封建、追求科学成了当时的潮流，法国在这方面走在最前头，巴黎也就成了当时声乐教学、声乐理论研究和歌剧演唱的中心。
所以尽管意大利在19世纪涌现了不少杰出的歌唱家及优秀的声乐教师，但19世纪美声学派的代表性人物却大多出现在巴黎。
当时的声乐研究在生理学、物理学、声乐理论方面取得了很大的进展。
一、从生理学方面对声乐研究（一）嗓音研究的先驱者17至18世纪由于科学不发达，人们缺乏生理学或物理学的知识。
当时，有极少数追求真理的医生，了更好地了解人体的构造，就不的不冒着触犯法律的危险，半夜盗尸来作解剖。
就这样，逐渐地积累了一些生理学方面的知识，开始了对嗓音胜利的初步探究。
早在1703年，法国医生杜达（Dodart）就发表了《发声原理的研究报告》（Memorires sur la Cause de la Voix）一书，提出了“漩涡”（Vortex）理论。
他认为。
当气息经过真假声带之间的喉室时，会产生气流的漩涡，因之，使喉部像吹哨子似的发出声音。
他的这种说法实际上否定了声带振动的发声的作用，把声带仅看做是吹笛、吹口哨时嘴唇作小孔吹气那样的作用。
这种假说，早在公元2世纪加伦（Galen）就曾提出过。
1741年，另一位外科医生弗兰（Ferrein）从死尸身上切除下来的喉器下面安上供气的设备，吹气做发音实验，证明了声带振动是人体发声的根本原因，从而否定了“漩涡”理论。
他所著的《论人声的形成》（Form ation de la Voix de l’Homme）一书是最早描写声带振动的著作。
（二）加尔西亚发明喉镜1854年，马努艾尔·加尔西亚发明了喉镜，这是声乐史上和医学史上一件划时代的大事。
这位声乐教师所发明的这面小小的镜子，至今仍为世界耳鼻喉科医生所使用。
喉镜的发明促进了人们对嗓音生理学的研究，同时也开创了以人体发生机理作指导的新的教学方法（机理教学法）。
19世纪欧洲声乐的发展与变迁
19世纪欧洲声乐的发展与变迁19世纪欧洲的声乐发展与变迁19世纪，欧洲经历了工业化、民主化和社会变革等重大历史事件，这些事件深刻地影响了欧洲艺术的发展。
在欧洲音乐的发展史上，19世纪无疑是一个极为重要的时期。
在这个世纪里，欧洲的声乐艺术也发生了巨大的变化，呈现出了许多新的特征。
本文将讨论19世纪欧洲声乐的发展与变革，并分析这些变化的原因和影响。
一、19世纪欧洲声乐的发展19世纪初期，欧洲的声乐艺术发展进入了一个新的阶段。
早期的歌曲主要是由作曲家创作，由歌唱家演唱。
但是，到了19世纪初期，歌唱家开始参与作曲的过程，他们开始要求作曲家为他们创作适合他们嗓音和表现方式的音乐。
德国歌唱家洛特和意大利歌唱家马里亚·马尔韦已经成为了他们时代的知名歌唱家，他们都受到了此类“歌唱家作曲”方式的影响。
在19世纪初期，歌剧也得到了极大的发展。
歌剧不仅需要有好的演员，还需要有很好的配乐。
因此，在这个时期，许多杰出的作曲家涌现出来，并且他们在歌剧领域有很出色的表现。
最出色的作曲家包括：意大利作曲家贝利尼，多尼采蒂和威尔第；法国作曲家贝多芬和加多；德国作曲家韦伯和瓦格纳等。
当然，要说到19世纪欧洲声乐的发展，就不能不提到声乐技巧的改变。
19世纪早期，嗓音的技巧主要是指：技术上的、声音的、调子的掌握，以及词意和情感的传达。
但是到了19世纪中后期，歌唱家们开始强调当时的音乐风格和歌曲的情感传达。
他们开始利用连贯性的呼吸来保持歌曲的一致性，同时也更好地控制住了音准、音量和音色。
此外，19世纪欧洲的声乐艺术家还开始关注声音的发声部位。
在过去的发声练习中，喉咙和颚骨是唯一用来发声的声带。
但是，在19世纪后期，歌唱家们开始学习如何把声音发射到前面的硬颚和鼻腔，这使得他们的声音更具有表现力和深度。
二、19世纪欧洲声乐的变迁19世纪欧洲的声乐变革包括了若干个方面。
下面就分别来看看这些变革：1.音乐剧的崛起19世纪中叶，音乐剧在欧洲迅速走红。
第1章 欧洲声乐发展简略2.3
歌剧与美声
唱法的产生 突破 传统和保守 创造
自然的宣叙调
卡契尼提出要以洪亮致远的声音演唱歌剧的要求；
蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的喧叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使得歌唱家们感
到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基础保障。
歌剧与美声唱法的产生
1637年，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第一座歌剧院
——圣卡西亚诺剧院
(Teatro di San Cassiano)
歌剧从最初的宫廷和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院，使歌唱艺术达到了新的高峰。
最具影响力的四大歌剧乐派：佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派。
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一圣咏音乐是美声唱法的萌芽
美声唱法起源于欧洲,它是时代发展的产物.13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐,主要以独唱,齐唱,领唱，说唱和吟唱为歌唱形式。
在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的产品，他们是有盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱。
只是比较初期的声乐表现形式。
进入“中世纪”教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样也为各种宗教的附属品。
当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》。
这就成为了最早的合唱形式。
公元590年，罗马教皇格里高利一世选编，修订配合教义的《唱经本》。
圣咏是欧洲声乐的萌芽，他要求庄严肃穆的演唱配合教学的氛围。
在圣咏音乐流行时期，从11世纪出现了世俗音乐，此后又相继出现游吟歌手，恋诗歌手，名歌手的专业的歌唱者。
他们虽无法完全摆脱浓厚的宗教色彩，但已可堪称对宗教韵的大胆突破。
二阉人歌手促使歌唱技巧发展
14世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱方式，出于圣经的古训规定“妇女在教学中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均游男童声代替。
这些男童声是被阉割的男童歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。
他们的出现曾为欧洲声乐的发展做出巨大贡献。
并奠定了“美声唱法”的基础。
他们的声带及喉头不会随着年龄的增长而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，他们华丽、轻巧，明亮的声音，宽广的音域能令听众激动不已。
不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到一个较高的境界。
18世纪末，阉人歌手开始走向衰落。
三歌剧和美声唱法的产生
美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响中。
当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧中为了效仿希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容，情绪变化以及语音的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。
他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色演唱自己的段落的宣叙调演唱方式。
为了是宣叙调的演唱更具有古希腊在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满洪亮而咬字清晰、真切并具有穿透力的声音。
于是就在前人演唱方式基础上，发展出了美声唱法。
卡契尼提出了要以洪亮致远的声音演唱歌剧的要求，蒙特威尔第则进一步是歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。
同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界第一座歌剧院，使歌剧从最初的宫廷和柜子的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。
这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高必然的促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能力能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的洪亮致远且富于喜剧的美声要求。
于是许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧，华丽的嗓音，穿过庞大的乐队音墙，清晰地吧歌声送达剧场的每个角落啊，征服观众。
使歌唱艺术达到新的高峰。
所以可以说美声随着歌剧二得到极大发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐上的表现。
他不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络。
而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。
透过17世纪欧洲诸多音乐学派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派，罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出他们对美声发展有重大意义。
四美声唱法发展的新时期
进入19世纪，阉人歌手这种不人道的现象逐渐被禁止。
歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式。
奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱的方式。
这是欧洲歌剧的重大转折。
为了实现男高音演唱技巧的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过两百多年的教学和长期实践探索，19世纪随着“掩蔽”出现是男声获得稳定的高音，它标志着男高音
演唱技巧的质的飞跃，并在歌剧舞台上以男角为主角的书面逐步形成。
一贝里尼、唐尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧以及法国歌剧都范阳了这一时期声乐演唱水平，被称为声乐史上的全盛时期。
19世纪意大利伟大的歌剧作家威尔第的充满爱国主义激情的歌词问世，标志着歌剧创作的新发展。
由于他成功的在咏叹调上的创作，使得对声音的要求也进一步提高。
既要有扎实的歌唱技巧，强烈的情感表现方式，震撼人心的戏剧性，又要具有抒情性和流畅，灵活和柔美。
一马斯卡尼为代表的真实主义歌剧演唱技巧又上了新的台阶。
而瓦格纳的歌剧由于注重乐队的配置，家中了乐队在歌剧中表现的分量。
因此想获得较清晰的演唱效果。
演员们必须在发声上要为扩大音量而努力提高发音的技巧。
因此，在诸多飞跃下，歌剧的发展推动了声乐艺术的发展。
五浪费主义促使美声日趋完美
19世纪初，欧洲的文学艺术出现新的潮流，这就是所谓的浪漫主义。
在浪漫主义思潮的影响下，声乐方面出现了不同于歌剧咏叹调的演唱风格。
虽然艺术歌曲的演唱同样运用美声技术，但他的演唱风格和技术要求却需因内容而有别于歌剧。
一是演唱歌曲的内容大都是浪漫主义诗人文学杰作，要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的情调，高雅的格调，就需要轻声半声，以及高音区上渐强渐弱的技术来丰富声乐的表现力。
二是艺术歌曲通常用钢琴伴奏，在声音的音量上要求控制，并与歌剧演唱强烈的音响形成了对比。
三十艺术歌曲还具有室内乐的性质。
不一表现戏剧性的激情见长，而以柔情为主。
从而形成了以多种音色、清晰地吐字等演唱特点。
以舒伯特为代表的艺术歌曲的问世，在欧洲审阅艺术发展中占有重要地位。
16世纪意大利歌剧的兴起，确立和发展了美声学派的声乐技术和演唱风格。
19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不仅出现了与歌剧不同的演唱风格，还造就了许多专门从事艺术歌曲演唱的歌唱家。
20世纪的声乐舞台可为是百花齐放，各领风骚。
他们的竞争带来了额演唱方法的多样性，同时也是美声唱法日臻科学的完善的表现。
【参考文献】
《声乐艺术美学》、《西方音乐简史与欣赏》、《西方声乐简史》等。