西方音乐史
西方音乐史名词解释
西方音乐史名词解释西方音乐史是指西方世界中音乐的发展和演变的历史。
以下是一些与西方音乐史相关的重要名词解释:1. 古典音乐(Classical music):古典音乐是指源自欧洲古典主义时期的音乐,大约从18世纪中期到19世纪末期。
它以它对称、和谐、对位法和较为规范的音乐形式为特征,作曲家包括贝多芬、莫扎特和海顿等。
2. 巴洛克音乐(Baroque music):巴洛克音乐是指大约从17世纪后期到18世纪初期的音乐,它以装饰性复杂、宏伟和宗教意义为特点。
巴赫和韦瓦第是巴洛克音乐的代表作曲家。
3. 浪漫音乐(Romantic music):浪漫音乐指19世纪音乐的风格,它强调个人情感、唯美主义和自然的表现,同时也注重对乐器的技术和音色的探索。
肖邦和舒伯特是浪漫音乐的代表作曲家。
4. 声乐(Vocal music):声乐是指以人声为主要演奏工具的音乐形式。
在西方音乐史中,在中世纪和文艺复兴时期,宗教圣歌和合唱曲是最重要的声乐形式。
5. 交响乐(Symphony):交响乐是指由管弦乐团演奏的四个乐章的大型乐曲。
贝多芬、莫扎特和海顿写作了许多重要的交响乐作品。
6. 管弦乐(Orchestral music):管弦乐是指由管弦乐团演奏的音乐。
它包括弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器等不同类别的乐器。
7. 协奏曲(Concerto):协奏曲是指由独奏乐器和管弦乐团共同演奏的音乐作品。
独奏乐器与管弦乐团之间的对话和竞技是协奏曲的特点。
8. 轻音乐(Light music):轻音乐是指通俗音乐,常常用于娱乐和放松。
它包括爵士乐、流行音乐和电影配乐等多种风格。
9. 篇章(Motif):篇章是音乐中的一个小节或乐句,其被重复使用以创造主题或主要动机。
10. 复调(Polyphony):复调是指多个独立的声部同时演奏,它是巴洛克音乐中的一种特色。
11. 调式(Tonality):调式是指西方音乐中音乐中心音和音乐结构的关系。
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上存在着各种不同的流派和类型的音乐,每个流派和类型都有着不同的特点和风格。
以下是西方音乐史上的几个主要流派:
1. 古典音乐:古典音乐是指欧洲的传统音乐,主要流行于16世纪至20世纪初。
古典音乐的特点是曲风高雅,结构复杂,旋律多样,力求完美的和声、旋律和节奏。
2. 巴洛克音乐:巴洛克音乐是古典音乐的第一阶段,其流行时间大约是从1600年到1750年。
巴洛克音乐的特点是运用大量的装饰、复杂的和声和节奏,并且经常使用大型合唱、交响乐、管弦乐队等形式。
3. 古风音乐:古风音乐源于古代中国的音乐,但是在现代被重新发掘和创造。
古风音乐的曲风优美、清新,往往包含古代文化和文学的元素。
4. 爵士乐:爵士乐起源于美国,主要流行于20世纪。
爵士乐的特点是具有丰富的节奏感和即兴演奏技巧,旋律多样,节奏变化多样,能够表现人的情感和精神状态。
5. 摇滚乐:摇滚乐起源于20世纪中期的美国,是一种较为激烈、富有活力和创意的音乐流派。
摇滚乐的特点是吉他声音强烈,使用电子器材,高强度的鼓点和歌唱,能够表现出年轻人的激情和反叛。
6. 流行音乐:流行音乐是指目前全球最为流行、接地气的音乐。
流行音乐的特点是简单易懂,旋律优美,歌曲主题基本都是情感和爱情等主题,通过流行歌曲和MV的形式呈现。
7. 电子音乐:电子音乐是一种主要运用电子音响技术的音乐流派,广泛应用于舞蹈音乐、电影音乐、游戏音乐等领域。
电子音乐的特点是使用合成器和计算机软件创造出独特的音响效果,曲风多样,能够表现出现代社会的科技感和未来感。
西方音乐史
一、填空题1.古希腊乐器主要有弦乐与管乐两类。
其中最重要的是拨弦乐器里拉琴。
自文艺复兴以来,它已成为音乐艺术的一种象征。
阿夫洛斯管是管乐器的代表。
2.古希腊人音乐社会实践活动很丰富,但在他们的艺术活动中,音乐尚未成为一门独立的艺术,演唱和演奏时还要结合诗、舞,形成诗、舞、乐“三位一体”的综合艺术表演特征。
3.古希腊的音乐体裁多和诗歌、文学有关,在演奏时多采用琴来伴奏。
如史诗、悲剧、喜剧、独唱抒情诗、竞技比赛中的合唱与舞蹈音乐、颂歌等,尤以史诗、抒情诗、颂歌、悲剧最为重要。
4.三大悲剧:埃斯库库罗斯《被缚的普罗米修斯》;索福克洛斯《俄狄浦斯王》;欧里庇德斯《美狄亚》5.四音音节在不同音高上可以构成七种不同的调式,这些调式分别以古希腊的几个重要的不同区域的氏族部落命名,它们是维多利亚调式、弗里几亚调式、利第亚调式、混合利第亚调式及各种变体调式。
6.古希腊的音乐美学思想,主要体现在和谐论、净化论和模仿论三个方面,主要代表人物分别为毕达哥拉斯、柏拉图、亚里士多德。
7.经文歌的定义:两个声部都有歌词的克劳苏拉就被称为“经文歌”,后来还增加到三个声部。
8. 9世纪时,“纽姆普”被普遍使用。
这种记普法只是用一些符号简单的标示音调的大致音高与长短没有节奏标记。
11世纪时,圭多在前人的基础上总结出了四线普,并得以普遍的使用。
为五线谱的形成奠定了基础。
13世纪时,音乐理论家弗朗科,既能标示音高又能指示节奏比例时长的“有量记普法”,并著《有量歌曲艺术》。
使中世纪的记谱法得到完善。
9.中世纪方言歌曲最重要的成就得益于法国游吟诗人的创作。
南部游吟诗人一般被称为“特洛巴多”北部游吟诗人则被称为“特洛威尔”。
10. 14世纪的意大利音乐相对同时期的法国音乐而言更富有世俗生活的情趣,它的主要世俗复调歌曲题材有:牧歌、猎歌和巴拉塔。
11文艺复兴时期是指从15世纪上半叶至1600年近二百年的历史时期。
“文艺复兴”的法文原意是“复活”与“再生”。
西方音乐史完整版
晚期的古典主义音乐
总结词
晚期的古典主义音乐是西方音乐史上最后一 个重要的阶段,它标志着古典主义音乐的逐 渐衰落和浪漫主义的兴起。
详细描述
在晚期的古典主义音乐中,作曲家们开始尝 试突破传统形式的限制,探索更为自由和个 性化的表达方式。这一时期的代表人物包括 约翰·施特劳斯、安东·布鲁克纳和理查·瓦格 纳等,他们的作品在音乐史上留下了重要的 印记。
世俗音乐
流浪艺人
中世纪时期的街头艺人,他们表演的世俗音乐对后来的民间 音乐和艺术音乐产生了影响。
法国的香颂和意大利的麦地那
分别代表了法国和意大利的世俗音乐,这些音乐形式在当时 非常流行。
音乐理论
纽姆谱
中世纪早期的记谱法,用横线表示音 的高低,是现代五线谱的前身。
音阶与调式
中世纪的音乐理论家开始对音阶和调 式进行系统化研究,为后来的音乐发 展奠定了基础。
详细描述
法国巴洛克音乐在歌剧、室内乐和键 盘音乐等领域有着重要的地位。吕利 的歌剧《阿尔西斯特》和拉莫的《和 声学》都是法国巴洛克音乐的经典之 作。
英国音乐
总结词
英国巴洛克音乐以其独特的旋律和丰富的和声而著称,代表作曲家有珀塞尔、普塞尔和塔利斯等。
详细描述
英国巴洛克音乐的代表作品包括珀塞尔的歌剧《狄多与埃涅阿斯》和普塞尔的《奥菲欧》等。这些作 品在旋律、和声和戏剧表现等方面都有着较高的艺术价值。
03 古典主义音乐
早期古典主义音乐
总结词
早期古典主义音乐是西方音乐史上的一个重要时期,它标志着音乐从巴洛克时期的过度,逐渐走向了更为简洁、 清晰和优雅的风格。
详细描述
早期古典主义音乐的代表人物包括约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿马多伊斯·莫扎特和路德维希·范·贝多芬等。这些作曲 家在创作中强调了旋律的优美和和声的和谐,同时也注重了形式的平衡和结构的清晰。
西方音乐史各时期特点及其代表作
5、古典主义音乐时期(18世纪中叶-19世纪初)
• (1)格鲁克(Christoph Willibald von Gluck 1714- 1787)是德国作曲家。 代表作品《奥菲欧与犹丽狄 西》(1762年) 及《阿尔希斯特》(1767年)
• (2)弦乐四重奏:所谓“弦乐四重奏”即由笫一小提 琴、第二小提琴、中提琴、大提琴组成,这是古典 音乐时期最重要的室内乐形式。
• (2)协奏曲是莫扎特在歌剧以外成就最突出的一方面。他确立了18 世纪古典协奏曲的结构范式,确定了第一乐章中“双呈示部”和“华彩段” 的形式,并为当时几乎所有的乐器创作了杰出的协奏曲,为近代协奏 曲的发展做出了重要贡献。
• (3)完善了维也纳古典乐派奏鸣曲三个乐章的套曲形式。
• (4)在交响乐中,强调奏鸣曲式中主、副部之间的强烈对比,加强 展开部的不稳定因素,预示了后世交响乐发展的思路。
(2)由来 :康塔塔于1600年前后诞生于意大利,最早使用 康塔塔这个词的是意大利作曲家阿·格兰迪(A Grandi, 1575~1630)。
(3)两种形式 :通常康塔塔分为两类:一类是在家庭社交 场合表演的小型的康塔塔(小到可以是一首咏叹调),称 室内康塔塔;第二类是大型的,带有合唱和管弦乐队伴奏 的,在一个特定重要场合的康塔塔。
(3)浪漫主义时期音乐家及其代表作
舒伯特、门德尔松、 肖邦、李斯特、比才等。
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• 2、二重奏
• 3、三重奏 如:(1) 钢琴三重奏: ⑵ 弦乐三重奏: ⑶ 竖琴三重奏:
• 小提琴 中提琴
小提琴
长笛
中提琴或小提琴
大提琴
钢琴
大
提琴
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上的几个主要流派西方音乐史上有许多重要的流派,这些流派在不同的时期和地区都有不同的发展和影响。
下面将介绍几个主要的流派。
1. 古典音乐:古典音乐是西方音乐史上最重要的流派之一。
它起源于18世纪,经历了巴洛克、古典、浪漫等时期的演变。
古典音乐以其规范的乐曲结构、复杂的和声和丰富的情感表达而闻名。
著名的古典音乐作曲家包括巴赫、莫扎特、贝多芬等。
2. 流行音乐:流行音乐是指流行于大众中的音乐。
它起源于20世纪初的美国,精选了爵士乐、摇滚乐、电子音乐等多种风格。
流行音乐的风格多样,适应了时代的变迁和音乐技术的发展。
著名的流行音乐流派包括摇滚乐、流行舞曲、嘻哈音乐等。
3. 爵士乐:爵士乐起源于20世纪初的美国,它是一种以即兴演奏为特色的音乐形式。
爵士乐吸收了非洲音乐、布鲁斯音乐、乡村音乐等元素,传达了独特的情感和表达方式。
爵士乐的早期代表人物包括路易斯·阿姆斯特朗、艾拉·菲茨杰拉德等。
4. 摇滚乐:摇滚乐起源于20世纪50年代的美国,它是一种快节奏、强烈节拍和高质量吉他演奏的音乐。
摇滚乐以其叛逆的形象和对社会现象的批判而受到年轻一代的喜爱。
著名的摇滚乐流派包括摇滚乐、重金属音乐、朋克音乐等。
5. 古典派:古典派是18世纪末至19世纪初的一种音乐风格,其特点是形式严谨、和声丰富和情感表达丰富。
古典派的代表人物包括莫扎特、贝多芬等。
古典派对后来的音乐发展起到了重要的影响。
6. 进步摇滚:进步摇滚是20世纪70年代末至80年代初的一种音乐风格。
它以复杂的音乐结构、长篇音乐作品和独特的音乐元素著称。
进步摇滚的代表人物包括皇后乐队、创世纪乐队等。
7. 电子音乐:电子音乐起源于20世纪中叶的德国,它利用电子设备产生和处理声音。
电子音乐以其前卫的音响效果和独特的旋律而受到人们的关注。
著名的电子音乐流派包括Techno、House、Trance等。
西方音乐史知识点
西方音乐史知识点第一章古希腊、古罗马音乐一、古希腊音乐古希腊文化是西方文明的渊源。
与古希腊的哲学、文学、科学、建筑、美术和戏剧一样,音乐也是古希腊文化的一个重要组成部分。
虽然古希腊流传下来的音乐作品很少,但是丰富的文字记述和雕刻向人们描绘了古希腊音乐文化的风貌。
在漫长的西方音乐历史中,古希腊音乐文化精神不断地影响和启发着后世的人们。
神话是古希腊艺术的丰富土壤,在古希腊神话中音乐是极富魅力的。
阿波罗不仅是太阳神,也主管音乐。
半神半人的底比斯国王安菲翁用琴声的魔力修筑了底比斯城堡。
色雷斯的歌手奥尔菲斯以音乐的魅力拯救出地狱中的妻子尤丽狄茜,后又得而复失。
这个故事体现出古希腊神话的人性特征,它被近百次地谱写成歌剧。
缪斯(Muses)是分别掌管文艺和科学的九位女神的统称,而“音乐”(music)一词还是由缪斯演化来的,足见在古希腊人眼中,音乐是与人类追求真和美的活动密切相关的。
西方最早的弦乐器是里拉琴(Lyre),又称诗琴。
神话中的众神的使者赫耳墨斯在龟壳上蒙上牛皮,支起两只羚羊角,架横木拉起琴弦便发明了里拉琴。
从文艺复兴开始,在西方的文学艺术中,里拉琴一直成为音乐的象征。
里拉琴后来演变成形状较大的基萨拉琴(Kithars)。
古希腊的管乐器是阿夫洛斯管(Aulos),一种芦管制成的单管或双管的竖笛。
里拉琴多用于独唱伴奏,史诗弹唱,它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。
而在崇拜酒神的仪式中,及后来的酒神合唱和雅典悲剧合唱中,阿夫洛斯都是重要乐器。
在西方现代文化观念中,里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐,已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。
前者平静而节制,后者狂喜、放纵。
古希腊的哲学家们对音乐的论述,对于西方音乐发展有重要的影响和启发。
毕达哥拉斯把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系,因而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。
然而他对弦长比例与音乐和谐关系的探讨已经带有科学的萌芽。
西方音乐史简介
西方音乐史简介一、古希腊罗马时期时间约为公元前3200年~公元400年。
这部分的音乐资料只能从考古而来,从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解,但几乎是不可能聆听与欣赏。
有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件,但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就,古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究,这被后人视为西方音乐之源。
在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。
史诗本身既是文学作品又是音乐作品,它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。
公元前776年,古代奥林匹克运动会开始举行,在比赛时常伴有音乐,后来产生了音乐比赛。
公元前7世纪~前6世纪,斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段,使音乐得到了进一步的发展。
公元前146年后,古罗马征服希腊后,它的文化主要受益于希腊,同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。
二、中世纪时期中世纪时期中世纪Medieval(476年至1450年左右)从公元476年,Goth人入侵意大利,西罗马帝国灭亡,到文艺复兴间的长长一千年被称为中世纪.后来,文艺复兴时期的人文主义学者把这一时期称为歌特(Gothic)时期。
宗教音乐是这一时期的主体,并确定了根据八个调式系统对曲调进行的分类,及从纽姆谱(neumes)逐渐发展为精确的音高记谱法(Pitch notation).另外,从原始的单音音乐过渡到复调音乐的尚松(chanson)大量出现,乐器的发明与制作的进展也是该时期的重要特征。
三、文艺复兴时期文艺复兴时期Renaissance(1430年至1600年),非宗教的人文主义兴起,明确摆脱中世纪经院哲学的枷锁,欧洲音乐文化趋于统一,声乐、器乐表演艺术水平大为进步.复调音乐开始步入黄金期.记谱法已由字母法和符号法转为二线谱、四线谱直至五线谱。
16世纪后期,在意大利诞生了最早的歌剧。
西方音乐史概述
一、古代希腊和罗马音乐概述:古希腊文化艺术的繁荣期和音乐的成就:我们对古代音乐状况的了解主要是间接地通过文字记载、瓷器等历史遗迹所提供的资料。
公元前8世纪以来,希腊社会结构发生了重大变化,氏族部落演化为城邦制,雅典、斯巴达等重要城市崛起。
公元前6到4世纪古希腊的文化艺术空前繁荣。
歌唱、抒情诗、器乐演奏和有音乐伴奏的戏剧等发展到很高水平,围绕着它们展开的各种公众比赛,竞技活动丰富多样。
音乐理论成就:古代希腊的音乐哲学,以及关于音律、音阶、调式、记谱等理论主要产生于这一时期。
(一)、古希腊音乐的特点:单声部音乐,有自然音类型以及自然音与各种变化音(半音或小于半音)混合的旋律风格,音乐同舞蹈、诗歌紧密结合,歌唱时可以有乐器伴奏,用字母记谱,歌词往往是当时一些重要的诗篇。
(二)、常用乐器:里拉和阿夫洛斯管(三)、音乐理论:两个方面:1、音乐材料和构成方式的理论,它涉及音程、音阶、调式等方面的内容2、关于音乐的本质的理论,它涉及哲学、艺术美学等方面的问题。
毕达格拉斯认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例,音乐与宇宙天体存在类似,因此音乐可以最好地说明宇宙现象。
弦长比2:1时发出相隔八度的两个音高;弦长比例分别为3:2和4:3时发出相隔纯五度和纯四度的两个音高。
公元前4世纪希腊著名音乐理论家阿里斯多塞诺斯著有《和谐的要素》,音乐理论最核心的内容就是四音音列,古代关于旋律、音阶、调式的理论都建立在四音音列基础之上。
四音音列建立于一个固定四度框架,中间的两个音不固定,它们可以灵活变动,形成三种类型的四音音列,即自然音列、变化音列以及更细微划分的四音音列。
大完整音列体系由四个相同结构四音音列构成,四音音列以相交和相隔方式混合联结。
小完整音列体系由三组四音音列构成,省去了大完整音列体系的最高一组四音列。
调式以几个重要氏族部落命名记谱法有两种,以字母和符号分别用于记写歌唱和器乐的演奏。
古希腊理论家认为音乐充满了伦理价值的取向,古希腊人认为不同的调式与不同的情感相联系,不同调式的使用可以影响人的道德情感。
(完整word版)西方音乐史
西方音乐史一.古代与中世纪音乐(一)古代音乐:西方音乐的源头:古希腊,“爱琴文化”.歌唱、抒情诗、戏剧.1.音乐论述:(1)四音音列:希腊著名音乐理论家—-阿里斯多赛诺斯。
(2)五度相生律(毕达哥拉斯律制):古希腊哲学家、数学家—-毕达哥拉斯。
2.古希腊悲剧:(1)题材:神话、英雄传说、史诗。
(2)形式:合唱、独唱、对话交替出现。
(3)代表人物:“悲剧之父”埃斯库罗斯;“戏剧艺术的荷马”索福克勒斯;“心理戏剧的鼻祖”欧里庇得斯。
3.乐器:(1)弦乐:里拉琴。
【颂扬阿波罗】(2)管乐器:阿夫洛斯管(竖笛)【敬奉酒神】4.乐谱:歌唱:字母器乐:符号《塞基洛斯歌》最完整的古希腊名作品。
(二)中世纪音乐:1.格里高利圣咏:(1)选编者:罗马教皇格里高利一世(2)适用场合:罗马教会礼拜仪式(3)形式:唱诵的经文。
(4)特征:音乐形式:无伴奏纯人声歌唱,单声部。
歌词:拉丁文. 节拍:无明显节拍特征.旋律:级进为主,跳进少。
情绪:肃穆超脱.2.多声部复调音乐:(1)西方最早的复调音乐:奥尔加农。
平行奥尔加农,平行奥尔加农的变体,自由的或反向的奥尔加农,花唱式奥尔加农,华丽奥尔加农。
(2)迪斯康特:(3)经文歌:无伴奏合唱复调音乐。
3.世俗音乐:法国游吟诗人,德国恋诗歌手。
拉丁歌曲,方言歌曲。
二.文艺复兴时期(一)马丁路德的宗教音乐改革:新形式圣咏合唱-—众赞歌。
(二)乐器:1。
波弦乐器:琉特琴、竖琴。
2。
弓弦乐器:维奥尔家族乐器(小提琴前身)3。
管乐器:短号、小号、笛、低音管、双簧管4。
键盘乐器:管风琴、击弦古钢琴、拨弦古钢琴。
三.巴洛克音乐(一)巴洛克:一种艺术风格。
特征:构思宏大、效果辉煌、充满活力、强调情感的表现.(二)蒙特威尔第1.代表作:(1)八册牧歌:《亚利安那的悲歌》《战争与爱情牧歌集》(2)三部歌剧:《奥菲欧》《尤里西斯的返国》《波佩亚的加冕》2.艺术成就:(1)意大利牧歌的奠基人;(2)写作有情感的旋律,拜托宗教舒服的新音乐倡导者;(3)提出“两种常规"思想;(4)《奥菲欧》是第一部真正意义上的歌剧,歌剧艺术进入成熟发展时期.(三)A.斯卡拉蒂:现代歌剧缔造者。
西方音乐史(课本顺序)
第一章古希腊罗马时期的音乐一、古希腊的音乐载体:1,荷马史诗《伊利亚特》《奥德赛》2,悲剧:埃斯库罗斯(悲剧之父)索福克里斯.欧里庇底斯。
3,酒神颂歌。
二、古希腊时期的乐器:里拉、基萨拉、阿夫洛斯管。
三、毕达哥拉斯:古希腊哲学家、数学家、音乐理论奠基人,首次计算出五度相生律,世称“毕律”。
第二章中世纪的音乐一、主要的音乐载体:经文歌、继续圣叹、弥撒曲、奥尔加农、康都克特、第斯康特。
二、格里高利圣咏:公元六世纪末罗马教皇格里高利一世统一了教会礼仪,将所用的教义歌曲,赞美歌曲整理成《唱经歌集》并对调式及用法加以规定,称格里高利圣咏。
音乐特点:1,格里高利圣咏是“单音音乐”2,专用拉丁文3,纯人声演唱,不用伴奏。
三、奥尔加农:在格里高利圣咏的下方加一个平行四度或五度的曲调,是一种简单的复音形式,产生于九世纪。
(包括平行、反向、自由、花唱四种形式)四、奥尔加农低声部也称固定调或者固定旋律,是一个独立的单音部音调。
五、第斯康特:十二世纪平行曲调被加在圣咏的上方,可以斜向,反向进行,形成声部交叉,允许有三六度音程和经过音的进行,称为第斯康特。
六、康都克特:突破了在多声部中必须有一个声部用格里高利圣咏的限制,几个声部完全由作者自己写作,声部间节奏大致相同,是一种分节歌式的歌曲载体。
最早的分节歌就是康都克特。
七、唱名法:由圭多创立,以名为《圣约翰颂》的赞美诗的每一个旋律短句的头一个音符排列起来,构成了一个do到la的六声音阶,圭多就是把它定为旋律音的唱名,并把每一个音与一个特定音阶连接起来唱,构成了最早的唱名法。
八、有量记谱法:是一种可以表明单个音符间时值比例的记谱法,由教士弗朗克在《有量歌曲》一书中叙述。
九、中世纪的乐器:维埃尔琴、琉特琴、吉它、竖笛、管风琴。
十、文艺复兴时期新艺术:借用音乐理论家维特里的一本题为《新艺术》的书而得名。
它代表了以法国为首的欧洲各国新的艺术风格,是复调音乐在新的历史条件下的新发展。
西方音乐史
西方音乐史西方音乐史古希腊古罗马古希腊一.人们挖掘出40件古希腊乐谱,记谱法失传。
二.特点:2.单声部,自然音加变化音3.音乐,舞蹈诗歌密切结合4.常有乐器伴奏三.弦乐里拉:理性思维常用于史诗弹唱阿夫洛斯管:感性思维常用语悲剧合唱四.1毕达哥拉斯:音乐理论家哲学家数学家从数字的角度研究音乐2 柏拉图和亚里士多德涉及研究音乐的社会道德作用。
3.阿里斯多赛诺斯:和谐的要素提出了四音音列五.荷马史诗《奥德赛》总结:古希腊音乐作品虽然没有直接流传下来,但是古希腊的音乐文化精神却深深影响着西方音乐的历史古罗马1实用音乐与娱乐音乐2 多神制度中世纪概述1 .5-15世纪2.宗教的十个世纪(黑暗的十个世纪)5C-9C 格里高利圣咏格里高利圣咏之前:米兰主教安布罗斯编写圣歌法兰克的高卢圣咏格里高利圣咏的建立:6世纪末格里高利一世为了统一教会仪式,编《唱经歌集》,称为格里高利圣咏。
早期格里高利圣咏分为两种:一种是法兰克本,一种是古罗马本。
格里高利圣咏的特征:1是单音音乐,拉丁文词,男声演唱,乐谱只有音高而无节拍的记录。
2每日祈祷的日课和弥撒仪式中使用。
弥撒有专用弥撒和常规弥撒专用:哈利路亚常规:慈悲经羔羊经3演唱方式:交替式应答式独唱或齐唱的直接咏唱的方式4它有三种词曲关系:音节式花唱式纽姆式5 调式有八种类型多利亚弗利几亚利迪亚混合利迪亚以及派生出的四种副调式。
9C-13C 中世纪世俗音乐:1 欧洲在公元10世纪就有流浪艺人的记载。
从12,13世纪在法国流产起来。
发源地是法国南部,中心是普罗旺斯,后来发展到法国北部,南部的特罗巴多用奥克语演唱。
北部的特洛威尔用奥依语演唱。
游吟诗人一般来自贵族,多为骑士,也有的是国王。
有的自作词曲自己演唱,也有的大量是爱情歌曲。
它的旋律越剧清晰而且具有诗韵的节奏,虽然采用的是中世纪教会调式,但运用了变化音而近似于近代的大小调。
德国:名歌手,瓦格纳《纽伦堡的名歌手》对其进行了描述。
西方音乐史复习资料
西方音乐史复习资料西方音乐史复习资料音乐是人类文化的重要组成部分,而西方音乐史则是研究西方音乐发展历程的学科。
在这篇文章中,我们将回顾一些西方音乐史的重要内容,帮助读者复习相关知识。
1. 古希腊音乐古希腊音乐是西方音乐史的起源之一。
古希腊音乐以戏剧和宗教仪式为主要表现形式。
古希腊音乐理论家亚里士多德认为音乐有三个要素:旋律、节奏和语言。
他还提出了音乐的模仿功能,即音乐可以模仿自然界的声音和情感。
2. 文艺复兴时期音乐文艺复兴时期是西方音乐史上的一个重要时期。
这个时期的音乐以人声为主导,合唱和宗教音乐成为主要表现形式。
著名作曲家包括约翰内斯·奥克腾霍普、威廉·拜伦和托马斯·塔利斯。
3. 巴洛克音乐巴洛克音乐是17世纪末到18世纪初的音乐风格。
巴洛克音乐特点是复杂的旋律和装饰性的音乐表现形式。
巴赫是这个时期最重要的作曲家之一,他的音乐作品充满了技巧性和情感。
4. 古典音乐古典音乐是18世纪末到19世纪初的音乐风格。
这个时期的音乐以简洁和对称为特点,注重音乐结构和和声。
莫扎特、贝多芬和海顿是这个时期最著名的作曲家。
5. 浪漫音乐浪漫音乐是19世纪中期到20世纪初的音乐风格。
这个时期的音乐注重个人情感和表达,音乐结构更加自由。
肖邦、舒伯特和柴可夫斯基是浪漫音乐时期的代表作曲家。
6. 现代音乐现代音乐是20世纪以后的音乐风格。
这个时期的音乐多样性极高,包括各种实验性音乐和电子音乐。
斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇和约翰·卡奇是现代音乐的代表作曲家。
除了以上几个时期,西方音乐史还包括了许多其他重要的音乐风格和作曲家。
比如巴洛克时期的意大利歌剧和德国清唱剧,以及20世纪的爵士乐和摇滚乐。
此外,西方音乐史还涉及到音乐理论的发展和音乐教育的演变。
音乐理论的发展包括调式音乐和调性音乐的转变,以及对和声和节奏的研究。
音乐教育的演变包括音乐学院的建立和音乐教育的普及。
总之,西方音乐史是一个丰富多样的学科,它记录了西方音乐的发展历程和作曲家的创作成就。
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上的几个主要流派西方音乐史上有许多流派,其中几个主要的流派包括古典音乐、浪漫主义音乐、爵士音乐、摇滚音乐和流行音乐。
以下是对每个流派的简要介绍。
1. 古典音乐古典音乐是一种欧洲传统音乐,它起源于1750年左右的巴洛克时期,并在经历了古典主义时期和浪漫主义时期后,一直持续至今。
古典音乐通常是由大型乐团或合唱团演奏的,音乐家们使用大量的乐器,包括弦乐器、管乐器、键盘乐器和打击乐器。
古典音乐强调音乐的结构、复调和和声,而不是节奏和节拍。
一些著名的古典音乐作曲家包括巴赫、莫扎特、贝多芬、舒伯特和肖邦。
2. 浪漫主义音乐浪漫主义音乐兴起于19世纪初,它强调个人情感、情感表达和个人表达方式,比古典音乐更加情感化和富有表现力。
浪漫主义音乐通常包括具有强烈情感的旋律和复杂和声,以及音响效果和变化的动态度。
浪漫主义音乐的代表作曲家包括肖邦、舒曼、勃拉姆斯和李斯特。
3. 爵士音乐爵士音乐起源于20世纪初的美国,它是从非洲传统音乐、布鲁斯音乐、摇滚音乐和拉丁音乐中演变而来。
爵士音乐通常使用钢琴、吉他、低音提琴、架子鼓和号角等乐器组成,它强调即兴表演、个性化演奏和即兴创作。
一些著名的爵士音乐家包括迪克帕维、路易斯阿姆斯特朗和迈尔斯戴维斯。
4. 摇滚音乐摇滚音乐是一种起源于1950年代的美国音乐,它的特点是使用强烈的电吉他声、高度变化的节奏和基于摇滚乐队组成的演出形式。
摇滚音乐通常包括具有社会意义的歌词和强烈的视觉效果,它是1960年代反文化运动的一部分。
一些著名的摇滚音乐家包括汉克威廉姆斯、艾尔维斯普雷斯利、蒂姆斯泰克斯和乔治哈里森。
5. 流行音乐流行音乐是一种流行于20世纪中期的音乐风格,它通常包括具有简单和易于接受的旋律和歌词、电子合成器和音效,并利用电子通讯技术的音乐制作技术。
流行音乐的发展与广播、电视和音乐媒体的普及有关。
一些著名的流行歌手和演唱家包括迈克杰克逊、麦当娜、小野丽莎和布兰妮斯皮尔斯。
西方音乐史分别七个阶段.
第一章古希腊古罗马音乐西方音乐史分别七个阶段:1古希腊古罗马音乐时期(公元前8世纪-公元4世纪)2中世纪音乐时期(从公元5世纪-14世纪03文艺复兴时期(15世纪-16世纪)4巴洛克时期(17世纪-18世纪中叶)5古典主义时期(18世纪中叶-19世纪初)6浪漫主义时期(19世纪初-20世纪初)7 20世纪音乐(20世纪)史前希腊和古希腊社会的发展:1迈若安及迈锡尼时期(约1650-1100B.C.)2荷马时期又称黑暗时期(约1100-800B.C.),<伊里亚特>与《奥赛德》有荷马所撰,多利亚自然音阶。
3城邦时期(约800-500B.C.),合唱,抒情诗歌繁荣4古典时期,竞技比赛的音乐,悲剧,喜剧5希腊化时代古希腊三大悲剧作家:埃斯库罗斯-悲剧表演中引入第二个演员索福克勒斯-《俄狄浦斯》欧里皮德斯-《美狄亚》,把妇女做主角古希腊喜剧1新喜剧:不谈政治,话题严肃,表现社会风俗2旧喜剧:政治讽刺剧和社会讽刺剧毕达哥拉斯:和谐学,将音程分为协和与不和协音体系:1四音列2完整音列体系多利亚调试:能使人安静并具有力量;富于男子气,能使人变得坚强和有节制弗里几亚:使人狂放,激发人的热情副弗里几亚:容易使人丧失意志利底亚音乐使人柔和和淫荡混合利底亚音乐使人悲伤古希腊记谱法:1器乐谱 2声乐记谱古希腊是其主要乐器:1里拉 2阿夫洛斯管 3基萨拉琴(里拉琴的变体)古罗马时期概述:古罗马器乐:1图巴:一般用青铜制作,管长1.3米,分段制作,管身直2角号;管身圆古罗马的音乐观:1音乐当做一种享受2音乐的职业化倾向加强,音乐家的地位却下降3富有雄壮的气象罗马人喜欢:1笑剧:综合性的滑稽表演2哑剧:表现神话故事的戏剧舞蹈基督教音乐以单声音乐形态,附属于礼拜仪式,是作传播信仰的重要工具早期基督教音乐1使用许多犹太教音乐的旋律2混合了古希腊,东罗马,拜占庭圣咏的一些因素3各地的教堂都有各自的特色第二章中世纪音乐中世纪:通常音乐史把公元5世纪罗马帝国灭亡至14世纪文艺复兴之前这段长达一千年的历史,被认为是“黑暗时代”圣歌主要有5种:1拜占庭圣咏2安布罗斯3法国圣咏4摩差拉比5赛尔特格里高利圣咏:指罗马教皇格力高利一世之命名的天主教音乐,常称平歌或素歌功能:运用于基督教以活动,分日课和弥撒两大类格里高利圣咏的特征:1歌唱方式:独唱,齐唱,交替唱,应答唱2一般无伴奏,纯人声,以拉丁文,无明显节拍,以肃穆,节制,无世俗情欲为前提3礼拜仪式的咏唱为两类:诵经祈祷和礼拜歌曲1)音节式:一字对以音,音域一般较窄2)圣咏式:在同一高度的音上唱出相当数量的歌词3)音团式或纽姆式:一字对几个音,这是格里高利圣咏常用的方式,旋律比较流动4)花唱式:一字对多个音,少则十几个音,多则五六十个音,常见于欢呼歌中中世纪的教会调式是按圣咏的结束音(d,e,f,g),音域以及吟诵音等主要因素,对旋律进行分类而构成的。
西方音乐史(巴洛克+古典)
一、巴洛克音乐的一般特点1.概念:从大约1600年到1750年这一个半世纪(17世纪到18世纪上半叶),在西方音乐史上被称为巴洛克时期。
2.“巴洛克”的概念:巴洛克最初是一个贬义词,原意为“形状不规则的珍珠”,从19世纪起,艺术批评家开始不带贬义地用这个词来形容17和18世纪初的美术和建筑中的那种充满热烈而华丽的装饰性和表现性的风格,20世纪的音乐史学家开始把这个词运用于从1600年到1750年前后的音乐。
巴洛克是用来指一个时期,而不是一种风格,这个时期的一个重要的共同观念是,相信音乐的主要目的逝打动人的情感。
3.巴洛克音乐的一般特点“两种常规”:文艺复兴的复调风格为“第一常规”,自己的风格为“第二常规”风格特征:(1)巴洛克音乐的典型织体是一个严格的低声部和一个华丽的高声部,加上不大突出的和声;(重要特征:通奏低音)通奏低音:巴洛克音乐的典型织体是一个严格的低音部和一个华丽的高声部,加上不大突出的和声。
这种织体的的记谱法是由记写下来的高声部和带有数字标记的低声部构成,这种位于低声上方的数字是和声的标记,指导着演奏者即兴地填充和声。
这就是巴洛克音乐的一个重要特征,通奏低音或数字低音。
(即主调和声织体)(2)巴洛克的节奏突出两个极端:一个是准确而有规律的节拍,以强弱拍子的交替为基础这是舞蹈音乐的特点;一个是自由而无规律的节拍,它是唱声乐作品中近似语言的宣叙调和即兴的器乐作品中的特点。
(3)大小调体系出现,并且逐步建立完善的功能和声概念。
(4)记谱法到17世纪中叶开始规范,与今天的样式非常接近。
总体特征:(1)宏伟壮观、热情如火,充满活力(2)整体强调情感表现和戏剧性对比(3)细节注重装饰性,观念、手法大胆求新(4)有综合艺术的倾向二、意大利早期歌剧发展1.诞生:意大利佛罗伦萨“卡梅拉塔”1957,《达芙妮》里努契尼词佩里曲1600,《尤里迪茜》利努契尼作词,佩里谱曲,是现存最早的完整保存下来的歌剧,其中运用了单声部歌曲风格的所有类型,特别是宣叙性的风格。
西方音乐史复习资料
西方音乐史复习资料导论西方音乐史是研究西方音乐发展、演进和变化的学科。
它涵盖了从古代希腊罗马时期的音乐到现代音乐的整个历史进程。
本文将为您提供一个简要的西方音乐史复习资料,以帮助您回顾和了解这一千年以来音乐的起源与发展。
古代音乐(公元前600年-公元5世纪)古希腊和古罗马时期是西方音乐史中的重要阶段。
古希腊的音乐主要由宗教音乐和战争音乐组成。
古希腊人以合唱为核心,演奏器乐并使用乐器如竖琴、吹管乐器和打击乐器。
古罗马音乐则对古希腊音乐进行了继承和发展。
罗马时期的音乐以悲剧、喜剧和宴会音乐为主。
中世纪音乐(公元5世纪-公元15世纪)中世纪音乐主要分为两个时期:早期基督教音乐和中期和声音乐。
早期基督教音乐主要是教会音乐,以圣咏为核心。
这时期的音乐以拉丁文进行演唱,采用无伴奏声乐方式。
中期和声音乐则是指13世纪到15世纪的多声音乐,以教堂音乐和宗教歌曲为主。
文艺复兴音乐(公元15世纪-公元17世纪)文艺复兴音乐是音乐史上的一大突破。
它标志着音乐从宗教中心转向大众娱乐。
这个时期的音乐对人声的重视大于乐器,形成了多重声音的合唱风格。
著名作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬等人的作品成为了文艺复兴音乐的代表。
巴洛克音乐(公元17世纪-公元18世纪)巴洛克音乐是一种装饰华丽的音乐风格,以复杂而精细的技巧和富有表达力的情感著称。
巴洛克音乐采用了多声性的声乐和器乐曲目,体现了对技巧和情感的追求。
巴洛克时期的音乐家如巴赫、亨德尔和韦瓦第是巴洛克音乐的代表。
古典音乐(公元18世纪-公元19世纪)古典音乐是西方音乐史上最重要的一个时期。
这个时期的音乐以简洁、对称和均衡的特点而闻名。
古典音乐注重音乐结构的完整性和旋律的美感。
那些著名的作曲家如莫扎特、贝多芬和海顿,他们的作品成为了古典音乐的代表。
浪漫音乐(公元19世纪-公元20世纪初)浪漫音乐是古典音乐的一个发展阶段。
它强调情感表达和个人创作。
浪漫音乐家们通过丰富的乐器演奏、巧妙的和声和复杂的乐曲结构来表达复杂的情感。
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继叙咏:背景:圣加尔修道院修士诺特克(Notke 约840-912)记述了继叙咏产生的过程。
诺特克年轻时唱的有些圣咏,曲终处有很长的花唱式旋律,记起来颇费力。
9世纪中叶,北欧海盗南下掠夺财富,摧毁了好些修道院。
法国鲁昂附近一所修道院被摧毁以后,有位修士携带唱本投奔圣加尔修道院。
在他带来的唱经本中,有些花唱式旋律的下面被人填上了词。
诺特克受此启发,也动手给“阿拉路亚”尾部的花唱式旋律填写歌词,同时采用老师伊索的建议,一个音符填写一个音节,创作出一批堪称早期典范的继叙咏。
继叙咏的歌词由若干成对的句子组成,每对句子的音节数相等,配以相同的旋律。
圣咏的头尾处有时加上一个单句,构成a bb cc dd ……式的曲式结构。
850-1150年是继叙咏创作的繁荣时期,大量的继叙咏都含有世俗歌词。
继叙咏:继叙咏是单声部的,在花唱式旋律填上歌词,形成音节式歌曲风格。
它和附加段的产生与奥尔加农恰好相反,它们是从音乐艺术高度发展的花唱式旋律,折回到简单的音节式的歌曲旋律风格,借助语言内涵的逻辑力量而形成的圣咏补充形式。
格里高利圣咏与继叙咏比较:格里高利是单声部的,吟诵、散文式的,也有歌词(拉丁歌词),缺乏格律。
继叙咏也是单声部的,有了格律,是诗歌式的,填上了世俗歌词。
附加段(trope)是间插在圣咏中的补充部分,一般短小,添加在圣咏的起始、中间或结尾。
依附于圣咏存在,没有圣咏,就没有附加段。
狄斯康特风格:(不是体裁)复调音乐兴起之前,格里高利圣咏的节奏很可能是由拉丁文歌词的节奏和语感来决定的。
当奥尔加农上方声部花唱式旋律的音符成倍增加,定旋律圣咏的每一个音符都越拉越长,圣咏歌词被肢解成一个个长无止尽的音节以后,拉丁文原有的节奏感也随之荡然无存。
这种情况下,教会音乐家们开始用将音节分为长(扬)和短(抑)的节奏模式,来组织花唱式奥尔加农的上方声部,以加强旋律进行的律动感和规整性。
当定旋律声部也用节奏模式来组织时,上下声部常常会构成几乎同时进行的,音对音的对位织体,这种织体写作被称为狄斯康特(discantus)风格。
哥特式风格与圣母院乐派12世纪中叶,教会艺术形成名为哥特式的新格局。
哥特式原指一种建筑风格,是教会文化与城市经济结合的产物。
哥特式教堂高高耸立,就像要挣脱世俗的引力,升往天国。
这种仪式从建筑构思的角度分析,很富戏剧性,含有浓厚的浪漫主义情调。
音乐上的哥特式风格的代表是巴黎圣母院创作的复调音乐。
圣母院奥尔加农上方第二声部花唱式的音符越来越多,下方定旋律声部的每一个音符也因此而无限制地拖长,需要几个歌唱者轮流换气方能支持住。
花唱式上方第二声部可能是用假声演唱的,流动的旋律在厚实的低音衬托下尽情地盘旋翱翔,造成一种广漠的空间感,与高高隆起的哥特式穹顶交相辉映。
巴黎圣母院:中世纪走向盛期出现乐派,其中重要代表是巴黎圣母院乐派(The School of Notre Dame),杰出作曲家莱奥南(Leonin,12世纪下半叶)和佩罗坦(Perotin,活跃于1190-1220)领域:主要是中世纪的奥尔加农代表性风格的体现。
莱奥南为圣咏编成两声部奥尔加农时,交替使用三种不同的织体风格,一种是花唱式奥尔加农,一种是狄斯康特,还有一种是格里高利圣咏原有的单声部齐唱风格。
这种作曲方法,突出了乐曲内部段落之间的对比,提高了仪式圣咏的新鲜感和吸引力。
圣母院乐派的第二代佩罗坦,将圣母院奥尔加农从二声部扩展到三声部,有时还是四声部。
佩罗坦创作的奥尔加农节奏感更强,通过缩短花唱部分和增加狄斯康特部分,他的复调圣咏获得了明显的舞蹈节奏感,从侧面反映出世俗音乐对教会音乐的影响。
13世纪圣母院三声部和四声部奥尔加农中,上方各声部尽量避免在强拍上与定旋律构成不协和音程,力求遵守传统的协和音程规则,因此,尽管声部充实到三个以上,和声依然不够丰满。
纽姆记谱法:(neumatic notation)从8世纪开始,为了使那些不常用的圣咏不致因间隔时间太久而被遗忘,抄写圣咏的人就在歌词的上方添加一些与语言重音或标点相似的符号,简明扼要地指明旋律的上下走向趋势。
将近9世纪中叶,出现了用纽姆符号抄写的完整圣咏旋律。
奥尔加农(Organum):背景:早期圣咏为单声部音乐,至9世纪,出现最早的复调音乐-奥尔加农,西方音乐跨出了从单声部音乐向多声部音乐迈进的第一步。
此后,圣咏音乐朝两个方向发展,一是为圣咏添加声部,并用一定节奏模式来组织音乐进行,如奥尔加农;二是为花唱式圣咏的拖腔填上歌词,如继叙咏(sequence)、经文歌(motet)。
奥尔加农是9世纪-14世纪的复调音乐形式。
根据历史发展阶段,可分为4种类型。
A平行奥尔加农(parallel organum),在格里高利圣咏的上方或下方附加一个平行声部,可构成按协和音程八度、五度和四度进行的两声部圣咏,音乐史上称为平行奥尔加农。
或者有一种稍加变化的平行奥尔加农,两个声部从同度开始,其中一个声部上行进行,到两个声部构成四度时,再作平行进行。
平行奥尔加农是一个有史可查的、从单声部音乐发展到多声部音乐的完整过程中的第一步,它预示着西方音乐将逐步挣脱依附语言的单线条思维传统的束缚,进入纯音乐性的和声发展的新空间。
b自由的或反向的奥尔加农(free organum )盛行于约11世纪,原有的圣咏曲调作为定旋律(tenor)置于低声部,上方附加声部除了与低声部构成平行进行或斜向进行外,还经常构成音对音的反向进行。
C花唱式奥尔加农(melismatic organum)上方第二声部的音符增多,与低音部圣咏构成多音对一音的关系。
低音部圣咏曲调中的单个音符被拉长了,明显地减弱了原有的旋律感,华丽的上方声部几乎压倒下方圣咏而成为奥尔加农主旋律声部。
从这时起,奥尔加农低声部的圣咏旋律就被称为“tenor”,意思是支撑者或延长者。
14世纪起,称这一原有的声部为”定旋律“(cantus firmus )或“定旋律声部”。
12世纪的花唱奥尔加农中,大二度、七度和九度均已用作经过性的不协和音程。
D有量奥尔加农(Measured organum)12世纪末,教会音乐家们参照古希腊诗歌的音步,先后编选出6种节奏模式,用以组织音乐织体。
所有声部均用6种节奏模式组织的奥尔加农,被称为有量奥尔加农。
历史价值:从单声部音乐发展到多声部音乐的完整过程中的第一步,它预示着西方音乐将主部挣脱依附语言的单线条思维传统的束缚,进入纯音乐性的和声发展的新空间。
是以德彪西的《大海》和穆索尔斯基的《图画展览会》对印象主义和民族主义进行论述印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感。
在印象派的音乐中,富有色彩效果的和声远比旋律重要。
印象主义音乐在听觉感受、观念意识和心灵体验上都超越传统进行了全方位的更新。
民族主义音乐强调地域性、民族性;它的一个重要结果是形成具有不同民族特点的旋律、调式、和声与形式结构,出现了各种富有活力的崭新风格。
德彪西是印象派音乐的创始者和主要代表人物。
他的《大海》完成了1905年。
这部作品实际上由三部交响素描组成,描绘了不同时间大海的不同情绪、色彩和感觉。
尽管人们并不完全同意将德彪西称作一个印象派作曲家,但有一点是显而易见的,那就是他的音乐中带有强烈的主观和客观交织的色彩,主观感受并不被激情所左右,而要求诉谙纯客观的、准确的表达。
而作品的主旨思想并不在音乐中直接加以表现,而是通过客观化了的感觉渗透出来,于是作品中给人留下印象的,常常是那种强烈的色彩感、线条感、形状感和动感。
《大海》中每一个细节都是精微的,富有视觉性的。
第一段,“黎明到中午的大海”,黎明时刻海洋静穆、安详。
逐渐地大海似乎苏醒了:一片水波懒洋洋地起伏。
德彪西对传统的旋律似乎不感兴趣、他感兴趣的是短小的节奏片段与和声片段的游戏,是天空、云彩与阳光在他的闪烁的汹涌的音乐之海上的千变万化的反映。
第二段,“浪之嬉戏”,海洋开始时是非常文静的。
后来就转入戏谑的盛怒。
彩虹般的色泽出现并消失在喷射的水花之中。
德彪西的乐器调色板极其细腻而捉摸不定,在结束处几乎是难以觉察地逐渐归于沉寂。
第三段,“风与海的对话”,一个低而有威胁性的声音响起,好像预示着暴风雨的接近。
一阵因预期将有什么事发生而引起的骚动传遍整个乐队;力量在迅速聚集起来,暴风雨似乎即将来临。
但是一切淬然沉寂下来,接着是一声仿佛来自远方的充满乡愁的呼喊,像德彪西的海妖之歌一样。
喧闹声加强了,在乐队深处奏出前面的第一主题,最后,第一乐章结尾处的众赞歌在欢腾的高潮中重现。
这部作品之复杂与千变万化是罕见的,而它又要求极端的精确与完美,这也是罕见的。
民族主义音乐在十九世纪西方浪漫主义音乐中占有重要地位。
十九世纪浪漫主义发展到中后期,其思想文化已广泛深入地渗透到欧洲绝大部分地区。
很多相对封闭的国家的作曲家继承了德奥等成熟的主流音乐文化,与本民族的音乐素材创造性地结合起来,进行了杰出的、不朽的创作,展现了音乐交流碰撞的强大生命力,成为浪漫主义音乐得以延续的重要生力军。
民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛,与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家。
他们中的大多数人,政治上是激进的,同情或参加本国的资产阶级革命,具有强烈的民族意识。
在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。
民族乐派的音乐家经常采用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题,借以激发本国人民反抗封建和外族统治。
民主性、人民性、民族性,始终是他们艺术活动的鲜明标志。
代表作,如:斯美塔那的《我的祖国》、西贝柳斯的《芬兰颂交响诗》等。
图画展览会是俄国著名作曲家穆索尔斯基所做的钢琴套曲。
1873年,圣彼得堡的美术学校举行了哈尔德曼的绘画遗作展览会,这一展览会成为穆索尔斯基写作这一首组曲的动机。
这一钢琴组曲,不仅是穆索尔斯基的代表性器乐作品,而且是十九世纪俄国最有独创性的乐曲之一。
乐曲是由与“图画”有关的十首小品,以及有间奏功用的“漫步”主题组合而成。
其配合之佳,表现了穆索尔斯基所独有的大胆的创造性,因此,这一首乐曲时至今日仍然很受欢迎。
这种直截了当的表现方式,对后来的法国印象派有很大的影响。
穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》在钢琴曲的风格上是一个革新,它开发了钢琴的表现力,在声音的对比和丰富的色彩变化方面,是从管弦乐里吸取的手法。
在这组曲中,描写性还处于次要地位,而主要的是那完美自由的创造性。
诚然,作曲家把音乐外部的观念体现在这部组曲中,这种对于音乐表现成分的创造(特别是钢琴)是十分有价值的。