提香与马奈的《乌尔比诺的维纳斯》和《奥林匹亚》比较
马奈《奥林匹亚》的艺术批评研究综述
众多艺术评论者对马奈的《奥林匹亚》的内含和价值的分析可谓“仁者见仁智者见智”。
笔者认为，艺术批评有时需要“踩在巨人的肩膀上看世界”，故本文结合前人的观点，从各个角度出发，附加笔者的观点和见闻进行综述。
一、从绘画第一传达（即形式）的角度展开批评在《拥护马奈》中，爱弥儿·左拉提出：“在艺术的无尽理念中，最好不要带有社会、艺术道德。
”意思是，鉴赏艺术作品需要运用独立看法，在任何欣赏艺术作品的过程中，都应该尽量远离社会环境、他人意愿、自我主观意愿的影响，把单纯的画面形式提到最高点。
在左拉看来，进行艺术批评时不能因为欣赏时内心的主观态度的不同，从而对艺术批评的表达随机多变。
我们可以从作品最表象的元素开始，由浅入深。
因此左拉的观点是，绘画在不接受任何人赋予的现实意义之前，首先是独立于社会现实的非常纯粹的绘画技巧、绘画表现形式，那么对其欣赏和批评就要摆脱一定的社会中广泛存在的功利性。
对艺术作品的批评不应该臣服于广博的社会观念，那么，第一所见即第一所感就是我们要追求的。
作品《奥林匹亚》的画面中，色彩明暗对比干脆、强烈，强化主次人物的关系。
背景左右几乎平均分布，整幅画比例平衡稳定，没有焦点透视关系，也没有远近的景深。
这是最直观的形式感。
作者对人物、环境的描绘趋于平涂化、直接化，没有了之前裸体人物画的立体、雕塑感。
人们的视线大约在画面上下分割的二分之一处，由画面中心裸体女子的姿态向右方延伸至黑人奴仆，这位侧卧女子神情自若，盯着“画外人”，而一边的黑人奴仆则同样直勾勾地注视着她，其面孔与深色背景几乎融为一体，降低了存在感和地位，两位女性的神态形成情感顺位，同时把人们的视线拉回大面积的闪亮的浅色物象之中。
画面中的碎花披巾、彩色的花束是平静构图中的一丝明亮点缀，增加了变化和透气感。
此时，一只黑色的猫咪在右侧黑暗中伸展着，眼睛发亮，如同在黑暗中挣扎，追求自由。
二、从绘画史的角度展开批评贡布里希曾经形容马奈的创作掀起了法国绘画艺术革命的高潮。
关于透视学课程的总结与体会
2022/4/25 20:49:00关于透视学课程的总结与体会艺术产生于艺术，而不是产生于自然。
艺术家通过观察现实世界，在其视网膜上留下有触觉价值的印象，并运用自身的文化底蕴与独特的气质创造出艺术作品。
在这个过程中，透视法的运用技巧对于画家表达主观意念起到了重要的作用。
让利奥塔尔说：“绘画是最让人吃惊的女巫，她会用最明显的虚伪，让我们相信她是完全真实的。
”绘画所借助的魔法之一就是透视法，在本次课程中我有幸了解到了一些透视法在绘画史上的运用与发展，透视法通过制造“虚伪”而更深一层的表达“真实”的效力使我对于艺术表达语言有了很多新的思考。
本次课程第一节主要从科学的角度讲了透视法，也涉及到一些基本的透视法的运用，如距点的运用和被画物体的最佳位置选择等，这些都是我们在学画的过程中能够较早就了解到的基本表达方法。
更吸引我的是第二节部分：西方现代派绘画的空间表现法。
第二节第一部分：走向现代主义绘画。
现代主义绘画越来越向纯粹的审美对象发展，在空间透视法方面则表现为由“幻觉”上的立体表现向符合画面本身的平面性表现发展。
如老师介绍的从乔尔乔内的《入睡的维纳斯》到提香的《乌尔比诺的维纳斯》，再到马奈的《奥林匹亚》，已经逐渐摆脱宗教、政治、文学等的影响，人物表现更加世俗化，线条向平面化转变。
印象派的表现重点则更转向对于光与色彩的研究，是一种无功利的纯粹的审美趣味。
后来的立体派，则把物体归纳为具有永恒感和形象更为坚固的几何形体，这是一种经过归纳总结的感受，强调“第二质感”，体现出艺术家对形而上的追求。
毕加索的《亚威农少女》用使画面结构化的方法，把描绘对象分割，打散，再重新组合,仅考虑画面的形式,更注重绘画自身的研究。
现代主义追求创造性，旨在创造新的形式。
第二部分：媒介的作用。
人人具有“视觉概念”，而艺术家有常人所不能为的“再现概念，他们能够通过特定媒介去捕捉和体现通常经验的本质和意义，而绘画媒介的平面性也使艺术家运用平面构型与之相适应。
提香·韦切利奥笔下的“维纳斯”
2020-11文艺生活LITERATURE LIFE提香·韦切利奥笔下的“维纳斯”王佳璇（青岛大学，山东青岛266071）摘要:提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。
与文艺复兴时期画家们的作品相比，提香的作品更重视色彩与自然光线的运用，对色彩有自己独特的表现方式，对画家鲁本斯、马奈等都有很大的影响。
关键词:提香·韦切利奥；维纳斯；人体美中图分类号：J201文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2020）32-0027-02DOI：10.12228/j.issn.1005-5312.2020.32.013提香·韦切利奥是威尼斯画派最伟大的画家，出生在意大利威尼斯北部的小镇卡多莱。
后来到乔凡尼·贝利尼的工作室学习，在老师贝利尼与师兄乔尔乔纳以及当时人文主义思潮的影响下，继承并发展了威尼斯画派。
他发明了直接用颜料在画布上构图的“直接画法”与颜色叠加覆盖的“厚涂画法”，这种绘画的方法使得他创造了自己的代表色———提香金，让他的画看起来极为与众不同，其肖像画也极具特色，表现了人物复杂多变的内心世界。
曹意强《提香与油画的本体语言》（2016）中说到：“提香的艺术完美地体现了西方视觉艺术这两个核心标准。
他是第一位精妙地把握色彩，以此塑造生动形象，仿佛将色彩换华为生命而吹注笔下的每一个形体。
他画中光的细微变化打破并超越了柔和的威尼斯色彩传统，以大胆的色彩对比创造形体和运动感。
其画面充满感官性和真正意义上的绘画性。
”[1]他的绘画时期可大体分为三个时期：早期阶段（1500-1518年），也是他追求探索理想的时期，受到师兄的影响，作品具有抒情和牧歌式的特点，如《花神》《乌尔比诺的维纳斯》。
创作中期（十六世纪二十到三十年代）提香的绘画开始有了自己独特的艺术风格，趋于个性化，被称为“最典型的提香艺术时期”，这个时期画面的色彩绚丽且富于变化，人物形象开朗、欢乐，人物造型柔美，如作品《酒神祭》中描绘的女性，姿态优雅，赋有青春的气息，画面极为欢愉。
浅析西方经典绘画中卧女图式的形象象征性
浅析西方经典绘画中卧女图式的形象象征性作者：张红江王茹来源：《艺术评论》 2017年第10期一、卧女图式的概念界定艺术家经常在画作中参考某一种主题相似、结构式样相仿的图像，随着这些作品间或的出现，形成了一种程式化的图形样式。
卧女图式就是这样一种图像样式。
表现卧女的画作不胜枚举，而本文所界定的“卧女图式”是以文艺复兴时期意大利威尼斯画派的画家乔尔乔内的作品《沉睡的维纳斯》为滥觞，进行继承和创新的油画人体作品，以其嬗变中处于结构性地位的画作为主。
例如同为威尼斯画派提香的《乌尔比诺的维纳斯》，西班牙画家委拉斯贵支《镜前维纳斯》和戈雅《裸体的玛哈》，19世纪法国新古典主义安格尔《大宫女》和柯罗的《仙女卧像》，法国画家马奈《奥林匹亚》和保罗·高更《捡拾芒果的女人》，以及当代中国画家杨飞云《大山水》等，都可以作为卧女图式的研究范畴。
卧女图式的相似性有两点：裸体女性和斜卧的姿态。
其一，女性形象在西方艺术中往往是艺术家创作、描绘和表现的主要对象。
而其中对女性裸体的描绘在自文艺复兴以来的欧洲绘画史上也是层出不穷。
裸体本身或许具有一定的视觉价值，而赤裸使观者对于他者身体神秘的“慰藉”消失，那么裸体自身似乎就不能代表情欲或者性的意味。
赋予裸体情欲或者性的隐喻寓意的是裸像。
裸像暗示出赤裸的过程，正如女性主义学者指出的：西方艺术中的女性裸体画是为“他人的凝视”而呈现，女性成为视觉的景观。
卧女图式基于此种背景，对裸体女性的演绎和“他人凝视”，互相作用透露“情欲”的意味。
其二，如果说女性裸体画传递出情欲，那么裸体在画面中斜卧的姿态则加深了这种意味。
在裸体绘画创作过程中，被描绘的对象依据创作者对其画面的掌握，摆出相对应的姿势。
对绘画者来说，模特的姿态不仅代表了绘画所要传递的感性的因素如气质、氛围、情趣等，更影响了画面的构图。
形象在画面空间的存在形式是构图的基础，对形象的选择和不同的组合方式影响了构图；而卧女图式，只有一个倾斜的主体，作为画幅中的视觉中心，这种排列方式决定了这类图式的构图要选择横向构图。
分析比较乔尔乔涅《沉睡的维纳斯》、提香《乌尔比诺的维纳斯》与
分析比较乔尔乔涅《沉睡的维纳斯》、提香《乌尔比诺的维纳斯》与马奈《奥林匹亚》作者：刘雅楠来源：《科学导报·学术》2020年第18期摘 ;要：自文藝复兴后，被奉于爱神与美神的维纳斯，成为画家们笔下最喜爱与热衷的绘画对象。
曾有三位艺术风格不同的艺术家对其进行了不同的表达，该文章对三位艺术家的三幅维纳斯进行了分析与比较。
关键词：乔尔乔涅;提香;马奈一、维纳斯的起源在西方世界，对人体美的欣赏与追崇溯源已久。
早在古希腊，人们就崇尚健美。
他们在长年不断的体育运动和舞蹈表演中孕育出完美的体型与形态。
这一社会传统折射到古希腊优良完美的艺术中。
自此便出现了欧洲人体艺术的启蒙。
古希腊哲学家苏格拉底的美学思想便是明证，他认为艺术中的人体美必须是精神与肉体都美的，应以精神为主导。
二、维纳斯的诞生在灿若星河的西方女人体绘画中，古罗马神话中被遵奉为爱神与美神的维纳斯。
因其清新脱俗的形象及其妖娆婀娜的体态成为画家们笔下最为热衷的表现对象。
自文艺复兴之初波提切利《维纳斯的诞生》中那位像珍珠一样从贝壳中站立冉冉升向海面的迷一样的女神之后。
在文艺复兴之后的三个不同历史阶段里，曾经有三位不同艺术风格的杰出艺术家都描绘了不同形象之下的维纳斯，维纳斯女神渐趋世俗化。
这三幅作品分别是意大利威尼斯画派画家乔尔乔涅的《沉睡的维纳斯》、乔尔乔涅的同门师弟提香的代表作《乌尔比诺的维纳斯》和印象主义画家马奈的《奥林匹亚》。
三幅别开生面的画面向我们呈现了三个形象、个性迥异的维纳斯女神。
维纳斯的形象分别在这三幅画中都有着不同程度的嬗变和渐趋世俗化，而画家命名为“维纳斯”的女人体，其实已经跳脱于人们印象中的那个集爱与美于一身的女神。
提香于马奈作品中的女性其实只是现实生活中的两个不同类型的平凡女性，除了和前幅作品的构图相一致以外，其形象以无丝毫神性的光辉，全然世俗社会中的女子。
乔尔乔涅《沉睡的维纳斯》中展现了纯净而典雅的亦人亦神的维纳斯形象。
此画透现了乔尔乔涅心中的理想美境界，一种冰清玉洁的女性美韵。
浅谈西方绘画中的图式“挪用”历程
77审美与艺术学一、“挪用”在西方绘画中的起源“挪用”作为艺术创作的绘画技法，追溯其在西方绘画史中的发展演变，发现它是紧紧伴随着油画史的发展而发展的，也就是说古典时期每一种风格和样式在流传的过程中其实也是被摹仿、学习、延续的过程。
远在古典写实艺术期间，倘若一位艺术家的作品与另外一位艺术家的作品在谋篇布局、构图形式、表现手法上有相似之处，我们一般会将后者看作是对前者的模仿，而不会把这种现象归为挪用。
这是为什么呢？很显然，在古典主义时期，人们普遍追求艺术的功能性，艺术家时常受助于一些赞助人，即：宫廷的王公贵族或是宗教的教皇。
可想而知在艺术作品里或多或少都会强调它的教化功能，所以，艺术家的自由创造力、思想表达力在很大程度上会受到压制。
除了小比例的风俗画外，我们会发现大多数艺术作品的题材源自《圣经》里的故事，比如众人皆知的《最后的晚餐》(如图1)，许多优秀画家都有描绘过。
这样就会导致当时只能从艺术风格和表现技法上的差异来决定谁比谁更胜一筹，谁比谁更能在西方古典艺术史上占有不可取代的地位。
总地概括起来，古典时期的艺术史其实就是一部风格上不断变迁、图式技巧上不断精进、表现手法上追求完美的过程。
二、从“维纳斯”到马奈画中的“裸女”绘画艺术中的“挪用”法就是艺术家利用现成的、过去已经存在着的经典图式和语言符号，根据自身创作需求对有用的资料进行抽离和重新组合与构造，形成一种新图像的艺术创作手法。
“挪用”作为一种创作手法而渐渐进入绘画艺术的创作是在十九世纪左右。
其中典型的例子为提香的《乌尔比诺的维纳斯》(如图2)，以及后来被演绎成马奈的《奥林匹亚》(如浅谈西方绘画中的图式“挪用”历程文/李 燕摘 要：挪用法作为后现代主义艺术创作的主要方法，其本质是对现代主义艺术所推崇的原创性提出质疑和嘲弄。
探究西方绘画中“挪用法”的发展历程，西方绘画中的图式“挪用”就是艺术家借用美术史上的名作或者现成的图像经典，根据需要提取到自己的创作中重新组合与改造，使得完成后的作品常常给予观者以熟悉的陌生感。
爱德华·马奈代表作《奥林匹亚》（Olympia，巴黎奥赛美术馆）
爱德华·马奈代表作《奥林匹亚》（Olympia，巴黎奥赛美术馆）爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 巴黎奥赛美术馆维基百科Olympia is a painting by Édouard Manet, first exhibited at the 1865 Paris Salon, which shows anude woman ("Olympia") lying on a bed being brought flowers by a servant. Olympia wasmodelled by Victorine Meurent and Olympia's servant by the art model Laure. Olympia'sconfrontational gaze caused shock and astonishment when the painting was first exhibitedbecause a number of details in the picture identified her as a prostitute. The Frenchgovernment acquired the painting in 1890 after a public subscription organized by ClaudeMonet. The painting is on display at the Musée d'Orsay, Paris.What shocked contemporary audiences was not Olympia's nudity, nor the presence of her fullyclothed maid, but her confrontational gaze and a number of details identifying her as a demi-mondaine or prostitute.[1] These include the orchid in her hair, her bracelet, pearl earrings andthe oriental shawl on which she lies, symbols of wealth and sensuality. The black ribbonaround her neck, in stark contrast with her pale flesh, and her cast-off slipper underline thevoluptuous atmosphere. "Olympia" was a name associated with prostitutes in 1860s Paris.爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 局部细节The painting is modelled after Titian's Venus of Urbino (1538).[3] Whereas the left hand of Titian's Venus is curled and appears to entice, Olympia's left hand appears to block, which has been interpreted as symbolic of her sexual independence from men and her role as a prostitute, granting or restricting access to her body in return for payment. Manet replaced the little dog (symbol of fidelity) in Titian's painting with a black cat, which traditionally symbolized prostitution. Olympia disdainfully ignores the flowers presented to her by her servant, probably a gift from a client. Some have suggested that she is looking in the direction of the door, as her client barges in unannounced.The painting deviates from the academic canon in its style, characterized by broad, quick brushstrokes, studio lighting that eliminates mid-tones, large color surfaces and shallow depth. Unlike the smooth idealized nude of Alexandre Cabanel's La naissance de Vénus, also painted in 1863, Olympia is a real woman whose nakedness is emphasized by the harsh lighting.[1] The canvas alone is 51.4 x 74.8 inches, which is rather large for this genre-style painting. Most paintings that were this size depicted historical or mythological events, so the size of the work, among other factors, caused surprise. Finally, Olympia is fairly thin by the artistic standards of the time and her relatively undeveloped body is more girlish than womanly. Charles Baudelaire thought thinness more indecent than fatness.The model for Olympia, Victorine Meurent, became an accomplished painter in her own right. In part, the painting was inspired by Titian's Venus of Urbino (c. 1538), which in turn refers to Giorgione's Sleeping Venus (c. 1510). Léonce Bénédite was the first art historian to explicitly acknowledge the similarity to the Venus of Urbino in 1897.[6] There is also some similarity toFrancisco Goya's La maja desnuda (c. 1800).弗朗西斯科·⼽雅裸体的玛雅 The Nude Maja 西班⽛马德⾥普拉多博物馆There were also pictorial precedents for a nude woman, attended by a black servant, such as Ingres' Odalisque with a Slave (1842), Léon Benouville's Esther with Odalisque (1844) and Charles Jalabert's Odalisque (1842).[8] Comparison is also made to Ingres' Grande Odalisque (1814). Unlike other artists, Manet did not depict a goddess or an odalisque but a high-class prostitute waiting for a client.Though Manet's The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l'herbe) sparked controversy in 1863, his Olympia stirred an even bigger uproar when it was first exhibited at the 1865 Paris Salon. Conservatives condemned the work as "immoral" and "vulgar."Journalist Antonin Proust later recalled, "If the canvas of the Olympia was not destroyed, it is only because of the precautions that were taken by the administration." The critics and the public condemned the work alike. Even Émile Zola was reduced to disingenuously commenting on the work's formal qualities rather than acknowledging the subject matter, "You wanted a nude, and you chose Olympia, the first that came along".[9] He paid tribute to Manet's honesty, however, "When our artists give us Venuses, they correct nature, they lie. Édouard Manet asked himself why lie, why not tell the truth; he introduced us to Olympia, this fille of our time, whom you meet on the sidewalks."乔尔乔睡着的维纳斯 Sleeping Venus 德国德累斯顿古代⼤师画廊Olympia's MaidAlthough originally overlooked, the figure of the maid in the painting, modelled by a woman named Laure, has become a topic of discussion among contemporary scholars. As T. J. Clarkrecounts of a friend’s disbelief in the revised 1990 version of The Painting of Modern Life:“you’ve written about the white woman on the bed for fifty pages and more, and hardly mentioned the black woman alongside her.” Olympia was created 15 years after slavery had been abolished in France but racist stereotypes had continued. In some cases, the white prostitute in the painting is described using racist language. "References to Blackness thus invaded the image of white Olympia, turning her into the caricatural and grotesque animal that Black people are frequently made to represent in the nineteenth century"Many critics have applauded Manet in his use of white and black in the painting, an alternative to the tradition of chiaroscuro. Charles Bernheimer has said,The black maid is not [...] simply a darkly colored counterpart to Olympia's whiteness, but rather an emblem of the dark, threatening, anomalous sexuality lurking just under Olympia's hand. At least, this is the fantasy Manet's servant figure may well have aroused in the male spectator of 1865.Black feminists have rejected his reading and argue that it is not for artistic convention that Manet included Laure but to create an ideological binary between black and white, good and bad, clean and dirty and "inevitably reformulates the Cartesian perspectival logic that allows whiteness to function as the only subject of consideration".[14] When paired with a lighter skin tone, the Black model stands in as signifier to all of the racial stereotypes of the West.The Confrontational Gaze and The Oppositional GazeIn Lorraine O' Grady's essay titled "Olympia's Maid: Reclaiming Black Female Subjectivity",[15] she asserts, "Olympia's maid, like all other 'peripheral Negroes'", is a robot conveniently made to disappear into the background drapery. While the confrontational gaze of Olympia is often referenced as the pinnacle of defiance toward patriarchy, the oppositional gaze of Olympia's maid is ignored; she is part of the background with little to no attention given to the critical role of her presence.O'Grady points out that we know she represents 'Jezebel and Mammy' "and best of all, she is not a real person...", rather she is object to the objectified and excluded from sexual difference according to Freudian theory.[15] While Olympia looks directly at the viewer, her maid, too, is looking back.[16] In her essay "Mammy, Jezebel, Sapphire and Their Homegirls: Developing an Oppositional Gaze toward the Images of Black Women", Catherine West concludes that by claiming an oppositional gaze we can identify, criticize, resist and transform these and other oppressive images of Black women.In January 2016, a Luxembourg performance artist, Deborah De Robertis, laid on the floor in front of the painting and mimicked the pose of the subject, and then security guards closed the room and police arrested her.爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 局部参考译⽂《奥林匹亚》是爱德华·马奈的⼀幅画，⾸次在1865年的巴黎沙龙展出，展⽰了⼀个躺在床上的裸体⼥⼈（“奥林匹亚”），由⼀名仆⼈带来鲜花。
外国古代美术
外国美术史1.《受伤的公牛》是西班牙的阿尔塔米拉洞窟的壁画史前美术：2．被称为“公牛大厅”的是法国拉斯科洞窟，有“史前的西斯廷教堂”之称3．小型雕塑：威伦道夫的维纳斯，被称为“原始的维纳斯”苏美尔人最重要的建筑是塔庙，乌鲁克神庙是代表。
2.古巴比伦的汉谟拉比法典是历史上最早的成文法典。
3.古埃及最大的金字塔是胡夫金字塔；哈夫拉金字塔前的《狮身人面像》是最大最古老的室外雕塑；《司芬克斯狮身人面像》是整石雕成。
古希腊分：荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期古希腊古风时期巴特农神庙是供奉雅典女神的建筑，位于雅典卫城，采用围柱４.古希腊式（多利安柱式）建筑类型，菲狄亚斯的《命运三女神》是巴特农神庙上的高浮雕。
古希腊古典时期的雕塑是优美而典雅的风格；米隆《掷铁饼者》；波利克托斯《荷矛者》，著书《论法则》，阐述人头与身比例是1：7。
古希腊希腊化时期代表作《米洛岛的阿芙罗狄德》又称《断臂维纳斯》。
.古罗马有各类型实用性和纪念性建筑：（１）科洛西姆斗兽场是古罗马最大的椰圆形竞技场。
（２）万神殿是拱顶建筑代表，是第一座注重内部装饰胜于部造型的建筑，代表着帝国时期神庙建筑最高成就。
（３）凯旋门是为纪念战争胜利而建立。
（４）图拉真纪念柱是罗马帝国纪念性建筑代表。
1．早期基督教美术：圣彼得教堂是规模最大的“巴西里卡”教堂之一。
建筑代表：圣索菲亚大教堂2．拜占庭式美术：镶嵌画代表：意大利圣维他尔教堂上方的《荣耀耶稣》3．罗马式美术：德国的圣基列阿达教堂、意大利的比萨教堂3．哥特式美术：法国巴黎圣母院、夏特尔大教堂，德国科隆大教堂，意大利米兰大教堂．早期文艺复兴代表：乔托（意大利）被称为“欧洲绘画之父”，佛罗伦萨画派创始人，《哀悼基督》《逃亡埃及》(1) 布鲁内莱斯基：直线透视结构原理(2) 多纳太罗：青铜雕刻《大卫》2.佛罗伦萨画派: (3) 马萨乔：意大利第一位伟大画家《出乐园》《纳税钱》(4) 乌切洛：透视学创始人《圣罗马诺之战》(5) 波提切利：画派最后一位画家《春》《维纳斯的诞生》达芬奇：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》3.意大利文艺复兴代表：米开朗基罗：《创世纪》《最后的审判》雕塑《大卫》拉斐尔：《西斯廷圣母》《雅典学院》乔尔乔涅：画派第一位画家《入睡的维纳斯》4.威尼斯画派：提香：《酒神节的狂欢》《花神》《乌尔比诺的维纳斯》丁托丁列：“要如提香般描绘，要如米开朗基罗般经营”5.尼德兰文艺复兴代表：扬·凡·埃克：油画发明者，《阿尔诺芬尼夫妇像》勃鲁盖尔：《农民的舞蹈》《农民的婚礼》《雪中猎人》6.德国文艺复兴代表：丢勒（木版画）作品《启示录》其中《四战士》用隐喻手法表现战争疾病死亡，油画作品《四使徒》小荷因拜尔：《伊拉斯谟像》7.法国文艺复兴代表：古戎：为“无辜者泉”所创造的六块浮雕《山林水泽女神》西班牙文艺复兴代表：埃尔·格林列：《基督诞生》《奥尔加兹伯爵的葬礼》卡拉瓦乔：意大利《基督下葬》《圣母升天》《圣马太和天使》2.贝尼尼：意大利雕塑家《圣德列萨祭坛》3.鲁本斯：《强劫留西帕斯的女儿》4.哈尔斯：荷兰《圣乔治射手连军官们的宴会》《吉卜赛女郎》5.伦勃朗：荷兰《杜普医生的解剖课》《自画像》《夜巡》6.维米尔：荷兰《倒牛奶的女人》7.委拉斯贵支：西班牙《教皇英诺森十世》《宫娥》《纺织女》《酒神巴库斯》洛可可美术——又称“路易十五式”：华多《舟发西苔岛》布歇《浴后的狄安娜》《维纳斯的梳妆》《蓬帕夫人》“向妇人献殷勤的洛可可画家”19世纪欧洲美术1.雅克·路易·大卫：《荷拉斯兄弟的誓言》《拿破仑加冕式》《马拉之死》2.安格尔：《泉》《土耳其浴室》《瓦平松的浴妇》席里柯：《梅杜萨之筏》2.德拉克洛瓦：《自由领导人民》《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》3.吕德：巴黎星形广场凯旋门上浮雕《马赛曲》4.戈雅：西班牙《查理四世一家》1.库贝尔：《打石工》《筛麦子的农妇》2.杜米埃：讽刺画家《三等车厢》(1)卢梭：《橡树林》《森林出口》法国： 3.巴比松画派：(2)杜比尼：“画水的贝多芬”(3)柯罗：提出“面向风景，写生风景”《诺曼底边界的池塘》(4)米勒：农民画家《拾穗者》《晚钟》《牧羊女》4.罗丹：雕塑家《青铜时代》《思想者》《雨果》《巴尔扎克》他与马约尔、布德尔被誉为欧洲雕刻“三大支柱”，著有《艺术论》英国：现实主义风景画：康斯特布尔：《白驹》《造船》《玉米田》透纳：《雨、蒸汽机和速度》德国：门采尔：“在历史画上运用现实主义方法的第一画家”《三月死难烈士的葬礼》《轧钢工人》珂勒惠支：现实主义女画家《纺织起义》《面包》俄罗斯巡回画派：创始人是克拉姆斯科依，最高成就是列宾《伏尔加河上的纤夫》批判现实主义1.马奈：印象派创始人，《草地上的午餐》《奥林匹亚》2.莫奈：创始人之一，《日出》《睡莲》3.德加：《舞台上的舞女》以画芭蕾舞女著称印象主义：4.雷阿诺：以画儿童妇女著称5.西斯莱：英国《马尔港的洪水》6.毕沙罗：《红屋顶》农村题材，被称为“印象派米勒”新印象主义：又称“科学的印象主义”，修拉《大碗岛的星期日下午》1.塞尚：现代艺术之父后印象主义： 2.高更：受印象主义影响后反印象主义，《手捧红花的女人》《红花和乳房》《我们从何处来？我们是谁？我们往何处去？》3.凡·高：印象主义影响作品《食土豆者》《塞纳河滨》，后期《向日葵》《星月夜》《咖啡馆的夜市》《包扎耳朵的自画像》20世纪欧洲美术野兽主义：马蒂斯《舞蹈》《生命的喜悦》《红色中的和谐》2.立体主义：毕加索(西班牙) 《亚威农少女》《裸女》《格尼尔卡》(1) 达利《永恒的记忆》《内战的预言》3.超现实主义：(2) 米罗《向鸟投石子的人》半回忆半梦幻，以儿童般方式作画(3) 玛格利《形象的背离》4.表现主义：蒙克《呐喊》《青春期》《病孩》5.抽象主义：康定斯基(热烈抽象)《红、黄、蓝》6.维也纳分离派：克里姆特《女人的三个阶段》7.未来主义：波丘尼反映机器文明《空间中独特形式之连续》8.风格派——几何抽象派（冷抽象）：蒙德里安外形缩减到几何形状，颜色只用黑白和原色9.达达主义：杜尚《泉》反战、反传统、反艺术，提倡无目的、无理想的生活和艺术巴黎画派：莫迪里阿尼《仰卧的裸女》用线来驾驭体面关系1.抽象表现主义——“行动绘画”：波洛克集表现主义、抽象主义、超现实主义之和，以滴泼、溅、扔等方式作画2.波普艺术：汉密尔顿《我们今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力》把最常见最流行最熟知的东西搬上画面4.观念艺术：《一把和三把椅子》作品的本质是某种观念想法，是一种行为艺术5.大地艺术：以大自然作为材料6.超写实主义——“照相写实主义”：反对抽象，排除主观想法客观真实地再现物象7.新表现主义：表现主义回潮崛起。
马奈是19世纪绘画界的“奥斯曼”——《奥林匹亚》是19世纪巴绘画界的“城市改造计划”
37纸 贵在现代生活中，一提到巴黎，人们就会联想到著名的艾弗尔铁塔、世界足球先生齐达内、浪漫于世的法国文学家雨果以及喧嚣霓虹的夜场。
你很难想象19世纪法国巴黎社会的城市是怎样的南辕北辙。
在奥斯曼男爵的城市改造计划实施后，通过社会的不断城市化改造，画家笔下的作品也是惺惺呼应，艺术史也可以是社会史中一个非常独特的角度。
通过对一些马奈和巴黎社会历史文献的调研，笔者注意到艺术史和社会史的息息相关性，本文研究的主题是画作中的阶级性与社会的相关性。
为什么从马奈的画作内容中就能研究出19世纪法国社会的阶级性？反过来，社会的阶级性对马奈的画作产生了什么样的影响？马奈与19世纪法国官方画派的关系对后来的画家又产生了怎样的影响？本文就这些话题展开研究。
爱德华·马奈（1832-1883）不是真正意义上的印象派画家，他也从没有参加过印象派的画展，但他和印象派画家关系密切，深受印象派画家崇敬。
有人说他是19世纪中后期以后所有画派如野兽派、超现实主义和立体派的开山始祖，他的个人风格也直接影响了后来的梵高、马蒂斯和毕加索等诸多著名画家。
本文研究主题是画作所展现的阶级性和社会发展的关系，马奈在19世纪中期创作的《奥林匹亚》是当时的社会舆论中心，《奥林匹亚》犹如一颗深水炸弹，震动当时法国巴黎的官方画派，这幅尖锐的画作成了爱德华·马奈生活的滑铁卢，使得他众叛亲离，遭到了官方沙龙等权贵阶级一众的炮轰。
当时的法国巴黎正在迎来一次城市改造的计划，区域行政长官奥斯曼是资产阶级的维护者，他对当时的巴黎进行扩大，并置娱乐和工业，当时巴黎的郊区也在奥斯曼的改造计划里，这座城市成了资产阶级的乐园，在他们眼中，无产阶级不过是他们的压榨资源，这种敌对的、压抑的情绪一触即发。
而卖淫女这样的题材是极其尖锐的、敏感的，其本来就是生活在社会边缘的人物，是无产阶级的职业典型。
在资产阶级社会，卖淫是不能摆到台面上来讲的，因为它和“性”“金钱”息息相关，如果“性”和“金钱”一直处于相关联的状态，资产阶级社会的稳定性就会变得波澜起伏，使得上层建筑的状态变得岌岌可危。
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[名人名作]你这造型真好看，大家一起学着摆裸女之友安格尔大师，虽然阅女无数，却是个专情汉子。
28岁上，他画了这个背：安格尔28岁时画的裸女背，这时还只有一个人。
48岁上，他老人家已经见多识广，但还是觉得此背最美，所以再画一遍，顺便请他其他画过的美女捧场：安格尔48岁那年又画了一遍，请几个姑娘来作伴。
到82岁上，老人家已经被浪漫主义家的德拉克洛瓦、现实主义家的库尔贝折腾过几次了，印象派正磨刀霍霍要造他的反。
然而情不知所起，一往情深。
一定是觉得自己也去日无多，要把所有自己画过的裸女来个大陈列，遂有了《土耳其浴室》。
当家的美女，依然是那幅54年之前的美背：82岁，安格尔把他画过的姑娘攒一起洗个澡，至爱依然是主角。
安格尔迷恋这个背，虽然有私人情感的考量，但他老人家画风一向理智内敛。
盖因他老人家学画，随的是大卫，新古典主义；往上拜祖师爷，是尼古拉-普桑；再追根寻源，是拉斐尔。
拉斐尔他们意大利人，画东西都讲究构图好看。
比方要画个张佳玮，就想法子往好看折腾，光影色彩都讲究；实在扶不上墙，就要求摆个造型，找个好角度，不好看也给你拗好看了。
不像荷兰人德国人，老老实实，张佳玮该是什么样就是什么样，如果张佳玮还长点羽毛之类就更好了：北方画派，描各类毛皮金属，特别显功夫。
一个美丽的构图，格外难得。
因为世上大多数对象不怎么好看，你又想画得不那么脱型，又得画得美丽，可不得一个造型来回摆？话说，传统的宗教题材《圣母领报》，都是这格式：传统的圣母领报造型。
这模式挺好看，所以后来文艺复兴佛罗伦萨的老干部波提切利，也照着这么画：波提切利画得很美，但样子不变。
波提切利的晚辈达芬奇，虽然出了名的能玩幺蛾子，遇到这题材，也只是把画幅拉拉宽，空间感好些，动作摆造型还是老样子：达芬奇承袭了这姿势，只是样子不变。
拉斐尔出名的构图完美，毫不用力，但天才也非凭空而来，而是慢慢雕琢的。
比如，1506年，他画了这幅：拉斐尔苦心经营，打了几万遍草稿，才得来完美构图。
绯闻女孩剧评【骨灰级外粉经典评论】
GG绯闻女孩 与世界名画的隐秘联系。
我画的是我所看到的而不是其他人所乐见的——马奈我正在写一些关于Blair和Dan的分析（似乎成为了我的生活重心），并且我想要证明在S4E11关于Serena的回放中作者其实早就已经埋下了事件的出处。
但当我深入调查马奈后这就变成了一连串的额外真相，并且我发现更多的艺术参考出处，于是我不得不思考这一切究竟暗藏什么玄机...于是我写下了这篇文章。
请大家谅解我接下来发表的拙见。
Serena如同Victorine MeurentGossip GirlSerena封锁了左岸，成为了众人的缪斯女神，同时，Blair统治着右岸，席卷各大商店，品位经典名著。
GG这段时间一直喜欢把Serena和Blair像女主角那样做明显得对照（也是暗照）。
这始于左岸VS右岸的概念。
Blair赢得右岸，为世袭有钱人和小资提供住处。
Serena赢得左岸，以它的”放荡境遇“和源源不断的艺术家，作家以及文化人而闻名于世。
（这段的专有隐晦名词太多了，翻不好啊！大致就是B在享受小资生活，S在和各色人物乱搞。
）S和B表面上相约在中立领域，Eleanor和Cyrus位于IleSaint-Louis的公寓。
但这可是是两个女王。
亦或者可以说是代表黑白的两个女王，好似她们在甲板的中部相遇，假如你是已看穿上一季西洋棋暗喻的大粉丝的话。
Serena用她屡试不爽的蒙太奇手法跟一个新男伴在一起；而Blair则是永远孤身一人。
Serena试着不去思考她应该如何选择她所离开的两个“可口”对象；而Blair则是试图不去思考选择了自己的酒店而背弃了女朋友的她的前男友。
Louis一个喜欢马奈的美国人？真不敢相信！第一种想法：真的假的啊？但换一种想法的话很明显Blair喜欢马奈是很奇怪的。
他的风格和主题的选择（街头歌者？吉普赛人？拾荒者？酒鬼？）是现实派而非浪漫派，并且他从未想过自己会是一个印象派画家。
德加或雷诺阿看起来应该更像Blair会喜欢的画家。
从《沉睡的维纳斯》到《奥林匹亚》的传承与革新
从《沉睡的维纳斯》到《奥林匹亚》的传承与革新作者：何阿梦来源：《美与时代·美术学刊》2017年第10期摘要：文艺复兴时期威尼斯画家乔尔乔内《沉睡的维纳斯》创造了卧式女人体的范式，到了19世纪，爱德华·马奈模仿乔尔乔内卧式女人体的表现方式，创作了《奥林匹亚》这幅有悖于传统人文理念及绘画技法的现代化表达的画作。
文章通过对《沉睡的维纳斯》的分析入手，借助图像学的方法，梳理并归纳出维纳斯形象的转变与绘画技法的革新，从而探讨出《奥林匹亚》的现实意义及其影响。
关键词：马奈；《奥林匹亚》；图像；革新一、从《沉睡的维纳斯》到《奥林匹亚》《沉睡的维纳斯》是文艺复兴时期威尼斯画家乔尔乔内的作品，其中部分背景是他死后提香继续完成。
乔尔乔内约1477年年出生于卡斯泰尔弗兰科镇，约1490年在威尼斯接受绘画训练，很可能随威尼斯最著名的画家乔凡尼·贝利尼学画。
[1]他出身低微，但天资聪颖，善良随和。
而不同于老师追求严整造型的画风，乔尔乔内追求明亮的色彩。
幽雅柔和的女性裸体与宁静和谐的自然融为一体，是乔尔乔内艺术作品的特点。
如著名的《沉睡的维纳斯》，创作于1510年，布面油画，108厘米×175厘米，现存于德累斯顿的古典巨匠画廊。
画中裸体的维纳斯安静地沉睡着，身体优美的弧线让人体会到人与自然的和谐。
在维纳斯的身后，是山石树木，在西方绘画史上，在威尼斯画派以前，自然不是审美对象，乔尔乔内开创了一个表现自然美的时代。
尽管乔尔乔内笔下的自然还不是独立的审美对象，只是人物的背景，但是，在绘画作品中，毕竟有了自然美。
“这幅维纳斯的意义——它实际上是在构建感觉上存在的美和和谐的冥想。
” 维纳斯睡着了，仿佛在做一个甜甜的梦，梦中听到了一曲轻音乐，和谐的色彩似乎代表着和谐的音符。
在乔尔乔内的画中，我们读出了古典的、优雅的、和谐的美，维纳斯是高贵的，神圣不可侵犯的，她是美的化身。
如果说《沉睡的维纳斯》代表美，那么到了19世纪，马奈彻底颠覆了人们对于维纳斯美的印象。
提香与马奈的《乌尔比诺的维纳斯》和《奥林匹亚》比较
提香《乌比诺的维纳斯》与马奈《奥林匹亚》比较作品产生的时间乌尔比诺的维纳斯：1538年作，文艺复兴后期奥林匹亚：19世纪1863年，1865年在沙龙展出时代背景：《乌比诺的维纳斯》受乌尔比诺公爵Guidobaldo II della Rovere的委托而画，可能是为了庆祝他在1534年时的婚礼。
将原来有装饰的意大利大箱（cassone），一个传统的意大利式的箱(也称为保险箱或基斯，是最古老的形式的家具，作为结婚礼物。
画中后面的女佣在翻箱倒柜（意大利大箱），显然是在寻找维纳斯的衣服。
奇怪的是，鉴于其公开的色情内容，这幅画的目的是作为一个对公爵的非常年轻的新娘-朱拉诺来说，富有启发性的“模范”。
《奥林匹亚》19世纪中期，学院主义对艺术的垄断造成油画只能以逼真地再现古典题材、自然风光和家庭生活作为审美标准。
除此外，再没他们感兴趣的话题，学院主义也成为一种停滞不前的教条的代名词。
它呈现在人们面前的是一种新的观察事物的方式和一种把观察到的事物描绘下来的新的手法。
构图都分为前，中，后，三景。
而其中前景都为主角“维纳斯”。
提香：采用创新构图，将背景从中切开做差异性极大的处理，一方面在引起观赏者想知道黑幕后面是什么地方？另一方面也让大家满足内心偷窥的欲望。
提香处理这种题材及构图的方法，在绘画史上都是一种挑战与突破。
床单的白与皱，与身体的暖和滑造成强烈对比，小狗平衡人、红色的床平衡绿色的墙，而躺卧在床上的美人，与背后忙碌的女仆形成对比。
马奈受了这幅画的影响创作了《奥林比亚》。
马奈：画面由一块幕布分割了空间画面内容：《乌比诺的维纳斯》画面中的维纳斯身处华美的卧室中，头靠在左上角白色的枕头上，手臂向前弯曲，倚在枕头上支持着上身。
身后暗绿的帘幕将画面分成两半，身体裸露着横躺在白色的绸布上，腿由画面中心伸向右下角，但她却将视线投向画外，注视着走过的观众，寻求悦己者。
右上角未被帘幕遮闭的厅中，女主人脚边的小狗以及远处正在翻弄衣箱的两个女仆（有一身着红裙、远离观众的妇人面左而立，在她前面有一位白衣少女背向观众跪着工作，观众对她们而言似乎并不存在，）和窗台上的盆花更从侧面说明了“维纳斯”的世俗化。
艺术史：马奈为何要创作《奥林匹亚》，这幅画到底要表达什么含义
艺术史：马奈为何要创作《奥林匹亚》，这幅画到底要表达什么含义油画《奥林匹亚》是法国印象主义画派画家爱德华·马奈的代表作之一。
该作品创作于1863年，内容极据争议性。
《奥林匹亚》1865年展出后，引起了激烈的讨论和争议，保守派对这幅画极度的反对和嘲讽。
战胜这些对立面足足花了一年时间，在多位政治人物支持下，1890年年11月17日，《奥林匹亚》才成为法国的一份财富，克服重重困难，终于悬挂到卢佛尔博物馆显赫的位置上，这幅画也最终被当代艺术接受并推崇。
本文将对这幅画具有创新意义的画进行一些简单的分析。
一、内容详解《奥林匹亚》的背景是一个装饰典雅的房间，以一位女性为主体，她以慵懒而优雅的姿势躺在松软的床铺上，以平静的眼神回应注释着者的目光。
而她的身后是手捧鲜花的黑人女佣，那鲜花可能是追求者送的，脚边则是一只炸了毛的黑喵。
这幅画构图上效仿了提香的《躺着的维纳斯》，两幅画中女主的姿态极其的相似。
但马奈画中那名女性当时是一名普通的女性，没有姣好的容貌和身材，却用神的姿态表现了出来。
在那些“传统的效忠者”看来，这样的一个人采用了与神一样的姿势，还是以这样露骨的方式展现，简直是淫乱低俗、不堪入目是必须要反对的。
而从侍女所捧的花和女主平静的神情来看，这样的人不在少数。
这反映出了当时的社会现实，也与保守者的反对形成了讽刺的对比。
而黑猫在西方被认为是邪恶和不幸的象征。
应为在西方的神话中，女巫总是头戴黑毡帽，怀抱一只大黑猫，骑着一把飞帚的。
由于黑猫总是和邪恶的女巫形影不离，黑猫总被认为是邪恶的，而黑猫从面前跑过也被认为会带来不幸。
马奈无惧世人的眼光绘制出了这幅画为的就是将那个社会真实的呈现出来。
二、创作背景1863年，马奈创作了《奥林匹亚》。
该画作是马奈以一位与相识的女性为模特创作的，没有如以往的艺术家一般选择端庄典雅的题材，他选择的是一位普通的人物，描绘的也是也是当时真实的社会状态。
在19世纪初，法国艺术审美的主流是大卫和安格尔营造的新古典主义的审美。
对于“两个维纳斯”的思考
对于“两个维纳斯”的思考提香是16世纪早期威尼斯画派的伟大画家之一。
而《乌尔比诺的维纳斯》这幅作品是提香在当时受到卡梅里诺公爵的委托而画。
在画面中，提香将维纳斯置于一间贵族的居室中，似乎成为了居室的主人。
画中的维纳斯直视着观众并且表现的对自己的身体漠不关心，维纳斯右手持玫瑰花，左手遮挡住下身，在卧榻之侧还有一只小狗相伴，在稍远处的内室还有两位侍女为正在休息的女主人备衣。
从风格上来说，首先，提香一如既往地运用了颇为丰腴的女子形象来作画；其次，他将神圣题材的维纳斯置身于具有浓厚家庭氛围的环境中，增进了观画者与画作的距离，让本“可远观而不可亵玩”的女神变成了可以亲近的青春少女。
这幅维纳斯是提香裸女题材中的佼佼者，更是具象写实风格中裸体女像的典型。
从结构上来看，整个画面分为上下两部分，且画面上方又分成了左右两部分。
在画面的下方，在没有任何遮拦的床上侧躺着身材丰腴且不着丝缕的维纳斯，维纳斯五官绝美动人，身材丰盈柔和。
维纳斯的一只手中拿着一束花显示出维纳斯的美好，也更是体现出维纳斯本身与凡人所不同的神圣之感，另一只手则是遮住了下体，又因所处环境为闺阁之中，显露出女子裸体的诱惑之感。
在维纳斯的脚边趴着一只睡着的狗，狗在我们的生活中十分常见，同时狗也象征着“忠诚”之意，而维纳斯与狗共同处于画面的前面部分也仿佛象征着维纳斯虽贵为神格但也有通人性、与人相近的一面。
在画面的上方分为左右两个小部分。
左边是一面暗部，这样留出大幅画面处在暗部中的构图是比较罕见的，在暗部之上看不到任何事物，但是这块暗部的存在也令人越想知道黑幕之后究竟是什么，从而烘托出了维纳斯的神秘感。
右边则是两个侍女在翻找收拾维纳斯的衣物，与左侧黑幕的神秘感作出了对比。
这部分也是这幅画最大胆的地方，其运用了截断式的色彩来明确了整幅画面的格局。
在整幅画面中，除了左上方的暗部，其余部分基本都是运用了暖色调的颜料进行大片涂绘，使维纳斯完美的与周围环境融为一体。
在这样和谐的主基调中，提香却将近一半的画幅填充成了与主色调不符的暗部，显现出了一种奇异的矛盾与克制，是一种大胆而又感性的暗示。
219321671_矛盾与反叛：马奈构图中的平面化特征
33012 .DOI:10.19446/ki.1005-9423.2023.02.矛盾与反叛：马奈构图中的平面化特征张明芳永城职业学院 文化艺术系，河南 商丘 476600摘要：文章以马奈作品中的平面化特征为切入点，通过对其作品平面化特征的形成，以及马奈集传统性与现代性于一身的矛盾感、思想中的反叛精神等方面进行分析，在具体的作品中感受马奈构图的平面化风格，分析了平面化特征对同期画家及后世的影响，以期对包装平面设计具有参考价值。
关键词：马奈；绘画构图；平面化；印象派；光色分类号：J205收稿日期：2023-1-30作者简介： 张明芳，女，硕士，助教，研究方向为西方绘画艺术。
1874年，批评家莱鲁阿在嘲笑莫奈的一幅习作《日出印象》时提出了“印象主义”这一说法，时间已经过去了一百余年，人们已经记不起批评家的名字，但“印象派”作为对于一类绘画风格流派的称呼却流传至今。
提到印象派，就必须要从马奈说起。
马奈的作品不受拘束，与传统绘画风格迥异，具有强烈的平面化特征，以饱满的热情和自发的革命意识开辟了绘画的新时代。
1 马奈作品平面化趋势的形成马奈初期作品的构图与以往画家的作品十分相似，以至于当人们看到马奈离经叛道的作品之时，会不自觉地与以往画家的作品进行比较，也因此带给人们更大的心灵冲击。
例如，被评为“涂鸦”“母猩猩”[1]的《奥林匹亚》，在构图形式上显然借鉴了提香作品《乌尔比诺的维纳斯》。
再比如，那幅引起公愤的《草地上的午餐》，同样与乔尔乔内和提香的作品《田园合奏》在画面的布置上如出一辙。
但是，在画面人物和整个画面的处理方面，马奈从一开始就做出了改变：摆脱了古典主义画派惯用的明暗观念，更加细致地观察对象，力求表现模特的精神感受，有着明显的平面化特征。
马奈画作中的这种平面化特征又是怎样发展起来的呢？首先，马奈所处的时代照相术已十分发达，马奈本人也喜爱摄影，他认为艺术家没必要反对并排斥摄影，照片中形象与背景分离的强烈反差，还有使三维空间平面化的效果给了马奈一些启发。
魅力源于真实 马奈《奥林匹亚》解析
魅力源于真实：马奈《奥林匹亚》解析摘要：在《奥林匹亚》中，马奈以有别于传统绘画深度空间的平面化手法勾勒出一个“高贵”、傲慢的裸女形象，在黑白强烈的对比中凸现在世人的面前，直接撕破了传统绘画披在维纳斯身上的遮羞纱，在向人们展示：他所处时代的裸女维纳斯已不再是表征理想美的图像，已经是一个故作姿态的妓女而已。
形象的揭示了巴黎现代生活的本质——人、性、权利已变成了以肉体形式流通的货币，变成了可交换的商品，从而使《奥林匹亚》成为他那个时代文明的最高代表物。
关键词：现代生活；奥林匹亚；妓女；商品中图分类号：J01文献标识码：A 文章编号：2095-0438（2020）06-0111-03(桐城师范高等专科学校艺术与设计系安徽桐城231400)学习《西方美术史》时，在批判现实主义美术库尔贝和印象派美术莫奈之间，总会介绍马奈的《奥林匹亚》，并把他确定为一个旧时代的终结者，一个新时代的引领者的定位，当时也是很为不解。
《奥林匹亚》不就是文艺复兴威尼斯画派乔尔乔内《沉睡的维纳斯》、提香《乌尔宾诺的维纳斯》的模仿吗？如何有这么高的定位？现在联系《奥林匹亚》产生的当时巴黎社会生活和现代我们当下生活某种实况细细读来，不由得对马奈敏锐的时代感受力和勇气及胆量深感钦佩，对马奈这样的美术史定位，觉得很是真切！艺术的本质和使命就是将所处时代的某种普遍性的、真的东西形象地展示到世人面前，是对现存社会的一种理性批评和判断，不是歌功颂德、谄媚拍马、或者锦上添花；而是对务实生存、不能自醒的人们的启示、引导，不间断的解放人类文化的智性，使人的潜能全面实现。
《奥林匹亚》产生于法国的19世纪60和70年代的巴黎，当时在拿破仑三世主导下，奥斯曼男爵对巴黎正大力推行现代化城市进程的改造。
到处都是高楼，林荫大道，咖啡店，公园和娱乐场所等地方，巴黎成为一个崭新的城市，是“现代生活”的商业与休闲风俗的诞生地。
与金融、娱乐、休闲、生活区域隔离，工厂、车间被移往郊区，铁路往乡村不断延伸，沿途是冒着浓烟的烟囱，排着污水的河流，周末、假期里到处是寻觅优美自然风景的人群。
印象派马奈1：被封杀的女模和惊世骇俗的《奥林匹亚》
印象派马奈1：被封杀的女模和惊世骇俗的《奥林匹亚》印象派马奈1：被封杀的女模和惊世骇俗的《奥林匹亚》张小玉/文本文头图：马奈《奥林匹亚》接下来的几期内容，小玉一起和你聊印象派画家马奈，这是个我从来都不掩饰对他喜爱的男人。
相对于他作品的伟大，我似乎现在起才和你们一起分享，真的已经够晚了。
2016年1月，法国奥赛博物馆正在上演一场名为《辉煌与苦难：性工作者记录1850-1910》的大展，一位来自卢森堡的女艺术家Deborah de Robertis上演了一场行为艺术——她在众游客面前脱掉衣服，模仿起马奈的那副经典作品《奥林匹亚》。
女艺术家Deborah de Robertis模仿马奈《奥林匹亚》的行为艺术。
在场的奥赛博物馆保安请她穿好衣服，但这位艺术家直接拒绝了保安的要求，她认为自己在原画前模仿这副作品，并试图观察和记录下群众的反应，这是一场实验性的行为艺术。
不过，群众的反应确实惊异和不适——因此，即使在21世纪的今天，我们在对待这等剑走偏锋表现裸露的艺术上尚有极大的不适应性，那么当回到19世纪60年代，那个马奈本人生活的法国时，又会出现怎样的光景呢？马奈的《奥林匹亚》，在19世纪的法国，当然更加不被接受了。
这已经不是他的作品第一次掀起这么大的舆论风波和社会反响了：第一次是在1863年，马奈的那副《草地上的午餐》，及时已经被法国沙龙踢到了落选者系列上展出，也依然显得那么不合时宜、惊世骇俗——左：马奈《草地上的午餐》，右：莫奈《草地上的午餐》，同一题材，马奈先生就非得画个女裸体。
马奈《草地上的午餐》画中女子的身体，只用抬起的双腿和弯曲的手部而将将遮住私处，但那坐姿的随意却显得她毫不在意，任凭两位男士就在身边高谈阔论，她的目光依旧坚定，甚至还带着几丝微微笑意。
所以，当拿破仑三世第一次看到这幅作品时，他的评价也许代表了所有学院派美术人的看法：“这画怎么这么淫乱！”然后，画就被下架了。
当这幅《奥林匹亚》在几年后现身画展时，又一次立刻遭到媒体挑衅的批评，乃至于被封杀，而马奈也被迫逃往西班牙。
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提香《乌比诺的维纳斯》与马奈《奥林匹亚》比较
作品产生的时间
乌尔比诺的维纳斯：1538年作，文艺复兴后期
奥林匹亚：19世纪1863年，1865年在沙龙展出
时代背景：
《乌比诺的维纳斯》
受乌尔比诺公爵Guidobaldo II della Rovere的委托而画，可能是为了庆祝他在1534年时的婚礼。
将原来有装饰的意大利大箱（cassone），一个传统的意大利式的箱(也称为保险箱或基斯，是最古老的形式的家具，作为结婚礼物。
画中后面的女佣在翻箱倒柜（意大利大箱），显然是在寻找维纳斯的衣服。
奇怪的是，鉴于其公开的色情内容，这幅画的目的是作为一个对公爵的非常年轻的新娘-朱拉诺来说，富有启发性的“模范”。
《奥林匹亚》
19世纪中期，学院主义对艺术的垄断造成油画只能以逼真地再现古典题材、自然风光和家庭生活作为审美标准。
除此外，再没他们感兴趣的话题，学院主义也成为一种停滞不前的教条的代名词。
它呈现在人们面前的是一种新的观察事物的方式和一种把观察到的事物描绘下来的新的手法。
构图
都分为前，中，后，三景。
而其中前景都为主角“维纳斯”。
提香：
采用创新构图，将背景从中切开做差异性极大的处理，一方面在引起观赏者想知道黑幕后面是什么地方？另一方面也让大家满足内心偷窥的欲望。
提香处理这种题材及构图的方法，在绘画史上都是一种挑战与突破。
床单的白与皱，与身体的暖和滑造成强烈对比，小狗平衡人、红色的床平衡绿色的墙，而躺卧在床上的美人，与背后忙碌的女仆形成对比。
马奈受了这幅画的影响创作了《奥林比亚》。
马奈：
画面由一块幕布分割了空间
画面内容：
《乌比诺的维纳斯》
画面中的维纳斯身处华美的卧室中，头靠在左上角白色的枕头上，手臂向前弯曲，倚在枕头上支持着上身。
身后暗绿的帘幕将画面分成两半，身体裸露着横躺在白色的绸布上，腿由画面中心伸向右下角，但她却将视线投向画外，注视着走过的观众，寻求悦己者。
右上角未被帘幕遮闭的厅中，女主人脚边的小狗以及远处正在翻弄衣箱的两个女仆（有一身着红裙、远离观众的妇人面左而立，在她前面有一位白衣少女背向观众跪着工作，观众对她们而言似乎并不存在，）和窗台上的盆花更从侧面说明了“维纳斯”的世俗化。
而处于黑暗中的另一半幕布则叫人有一种想偷窥的欲望。
《奥林匹亚》
画面中的“维纳斯”由侧卧的姿势改为了半立起，腿部姿势基本保持原状，不过穿上了一双精致的拖鞋，耳髻后别着一朵大而艳的鲜花。
身后暗褐色的碎花帘子把背景分割成了近一半，身旁的黑人女仆捧着一束鲜花，隐没在黑暗背景中的是床脚一只黑猫，尾巴竖在空中，发着幽幽绿光的眼睛定定的瞧着他的女主人。
这是前一幅画中完全没有的狐媚气息，更具世俗化。
画中的人以一种反维纳斯的姿态，大胆，无畏地回视和挑战着观众的目光。
创作技法
提香：
风格比较细腻，通过色彩和轮廓表现对象，进而发展到主要依靠光色来表现物体。
透视纵深感很强，典故的成分占很大比例，是在描绘幻觉。
马奈：
他舍弃了典故的面纱，以现实直面观众。
没有透视纵深感，没有阴影的处理。
画面构成以线为主，装饰意味很强。
舍弃了在平面上以透视、阴影造成虚构的立体感，只以明确的轮廓线条和强烈的色彩来表现立体感。
采取了一种独特的压缩式立体感，结果身体却比乍一看来所显得更有体积感。
表现形式
都是通过油画的表现形式，运用线条，色彩和形体等艺术语言，通过造型，设色，构图等手段，在二维的空间里塑造出静态的视
觉形象，以表达作者审美感受的艺术形势。
所处流派地位及特点
提香
意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。
威尼斯画派崇尚色彩，而提香的色彩表现力已达这一画派的顶峰。
威尼斯画派反映人文主义和爱国主义思想，其画色彩明丽，形象丰满，构图新颖，但大多借宗教神话题材，描绘统治阶级的豪华生活。
马奈
19世纪印象主义的奠基人之一。
马奈大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的传统束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出革命性的一大步。
印象派强调人对外界物体的光和影的感觉和印象，在创作技法上反对因循守旧，主张艺术的革新。
脱离了以往艺术形式对历史和宗教的依赖，艺术家将焦点转移到纯粹的视觉感受形式上，作品的内容和主题变得不再重要，和表现主义表现内心情感、忽视描绘对象的外在形象不同。