西方美术史论文
西方美术史论文-对史前美术的认识
对史前美术的认识以前，我总感觉到美术离我是那么的遥远，我对于美术的认识几乎为零。
比如，看到梵高的《向日葵》，我实在看不出它有什么特别的，因此别人常常笑我没艺术细胞。
我高中学理科，很少接触艺术；现在我修的是工科专业，又很少接触艺术。
为了弥补自己对艺术认识的缺陷，我特意选修了“西方美术史”这门课。
课上，谢老师给我们详细地介绍了不同历史时期的西方艺术。
按时间先后顺序有史前美术，其代表作是法国的拉斯科洞窟壁画、西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画以及沃尔道夫的维纳斯；古代美术，其代表作是埃及金字塔、掷铁饼者、米洛斯的维纳斯；中世纪美术，其代表作是拜占庭式建筑、哥特式建筑；文艺复兴美术，其代表作是达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》；十七世纪美术，其代表作是委拉斯开兹的作品《宫娥》，出现了巴洛克艺术；十八世纪美术，其代表作是《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》，出现了浪漫主义艺术；十九世纪美术，其代表作是库尔贝的作品《画室》，出现了印象派艺术；二十世纪至今的美术，许多艺术活动已经超出了美术的范围。
学了这么多，下面我谈谈我对史前美术的认识。
史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。
最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。
所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。
拉斯科洞窟壁画，由1.7万年前的原始人涂抹在法国西南部多尔多涅省附近“拉斯科”岩洞内壁上，是旧石器时期岩画的代表之一，在美术史上占有重要地位。
1940年，多尔多涅乡村的四个儿童带着狗在追捉野，突然野兔不见了，紧追的狗也不见了，孩子们这才发现兔和狗跑进一个山洞，他们带着电筒和绳索也进入洞里，结果发现一个原始人庞大的画廊，这就是拉斯科洞窟壁画，被誉为“史前的卢佛宫”。
拉斯科洞窟因石灰岩缝隙水流的侵透，在地质年代的第三纪形成大型的岩洞。
外国美术史与名作鉴赏-期末论文
重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。
艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。
重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。
艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。
关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。
目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。
而在那之后200万年，人类才有工具遗留。
这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。
1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。
阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。
颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。
颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。
这些岩画大约是为祭祀用。
这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。
他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。
外国美术史结课论文
外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。
我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。
我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。
在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。
他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。
裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。
他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。
《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。
《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。
这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。
自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
西方美术史结业论文西方美术史结业论文
西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。
他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。
关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。
或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。
一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。
懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。
直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。
简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。
整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。
田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。
所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。
外国美术鉴赏论文
西方文艺复兴时期的美术风格谈到文艺复兴，人们总会先联想到中世纪，因为它们是两个完全不同的伟大时代，也许没有了中世纪的压抑就不可能有文艺复兴时的灿烂辉煌。
中世纪是欧洲的封建社会时期，欧洲中世纪时代的艺术是为宗教服务的，基督教被作为罗马后期维持统治的精神支柱，在进入中世纪以后被作为了一种森严的礼教。
教会神学经过理论化、系统化达到了巅峰，产生了庞杂而严密的经院哲学。
所以，中世纪的一切都被打上了宗教的烙印。
文艺复兴的思想基础是以人为本，要求文学艺术表现人的思想和感情，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由，反对人身依附。
人类的文学艺术发展到今天，经历了不同的阶段，每一个阶段都有自己的价值，其总的发展趋势是向着文明和进步迈进的，但进程是曲折的。
从中世纪到文艺复兴，经过了一个复杂的酝酿阶段，它们之间有着承前启后的内在联系。
中世纪后期，理论化的宗教信仰和向往世俗享受的趣味在特殊的历史条件下奇异地结合起来。
这时的艺术具有既矛盾又统一的风趣，在这背后隐藏着信仰的危机和对现世的回归。
黑格尔认为导致文艺复兴的因素是某些内在的矛盾，这些内在的矛盾促使中世纪的结束和一个新时代的到来。
自中世纪后期出现的哥特式美术便是这种内在矛盾的体现，成为文艺复兴时期美术风格的内在的、直接的源头。
一、中世纪早期的美术早期基督教堂是在拱形结构的古代巴西利卡建筑基础上发展出的一种长方形有祭坛的教堂样式，称为“巴西利卡式”教堂。
教堂正面不失沉重感，屋顶是用木头做的，重要部分是由三个或五个长廊组成的空间，每个长廊之间用柱子隔开，中间的长廊比周围的宽而高，并有窗户照明，周围处于昏暗状态。
长廊的一头是入口，另一头是横廊，连接横廊的是一个有列柱的前庭。
走入教堂的人很容易把注意力集中到明亮的中间长廊和教堂深处的圣坛。
在早期的罗马，有许多“巴西利卡式”教堂，在这些“巴西利卡式”的基督教堂里，最突出的是以基督教为内容的镶嵌壁画。
基督教极大地发挥了镶嵌艺术。
西方经典美术作品赏析论文
西方经典美术作品赏析论文我深信，只有高度的文化建设，才能造成现代强盛的民族和国家，对美和艺术的理解，是文化修养的一个重要部分，而“美育”的最有效的方法便是多接触艺术，包括了解一些艺术史，经验证明：人们对于美的鉴赏和理解力，是要靠学习才能获得的————是知识之所赐。
西方艺术往往让人觉得驳杂繁芜,高深莫测,让人不明就里,不知所措。
对西方数千年艺术发展概况的解读，体验到西方艺术的源远流长，博大精深，领略到西方艺术典雅精致的风格和浓浓的人文情怀，有身临其境的感受，深入艺术的现场，感悟艺术之趣、历史之真，知性之美。
从这本书中，学有所获，常有所思，偶有所悟，其乐融融。
西方美术发展的精神基点，始于与自身的认识上。
“美术”一词，在西方指非功利主义的礼堂艺术，或主要指为纯审美而创作出的有形艺术。
艺术是人们把握现实，表达思想感情和审美理想的特殊方式。
纵观整个西方美术的发展历程和存在状态，由于不同的民族历史传统和相异的社会文化因素的影响，使之呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
西方美术的真正起点在希腊。
尽览西方美术发展的线索，有过三次高峰时期。
第一，古希腊古罗马时期；第二次，文艺复兴时期；第三次，19世纪。
对于文艺复兴，在我学这门课以前的记忆里，留下足迹的仅仅是文学作品，远远不知道美术作品的丰富、无限和逼真。
到此刻才了解到艺术的无垠天地。
历史的继承性是艺术发展的普遍规律，革新是艺术发展的必然规律。
中世纪是基督教统治西方的一千年，人们的思想，生活都受到基督教义的全面渗透和压抑。
这个时期的人们缺乏创造力，缺乏自主思想，只为了上天国而活着，而文艺复兴唤醒了西方人的创造力。
文艺复兴为世界文化史的新阶段奠定了基础，恩格斯说：“这是人类前所未有的最伟大的进步的革命。
”就文艺复兴在发展文化艺术方面所具有的意义而言，只有古希腊罗马文明的繁荣时代可以和它相提并论。
文艺复兴的艺术文化，是人类无与伦比的不朽的珍品。
而近代先进的艺术文化，是在文艺复兴艺术文化的基础上诞生，成长起来的。
中外美术史论文
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
西方美术欣赏鉴赏相关论文
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。
西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
外国美术简史欣赏论文
简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。
然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。
在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。
关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。
最初是史前时代。
进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。
封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。
17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。
19世纪后期在法国产生了印象派。
直到如今，西方的美术还在不停的发展着。
西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。
在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。
根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。
它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。
这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。
事情到了15世纪才真正出现转机。
现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。
外国美术史论文
美术文献读书笔记对艺术再次认识摘要：现实主义作为绘画的一种艺术思想，具有独特的审美意义和价值。
它以弘扬真、善、美为艺术使命，与时代紧密相连，体现出浓厚的人文内涵和民族艺术风格特征。
现实主义作为艺术创作中的重要方法，是我国多种艺术形式的有机组成部分。
主要是对西方艺术的了解和以及心得。
关键词：现实主义油画艺术审美拓展现实主义作为一种艺术形式，它的基本原则是，强调艺术反映现实社会生活，关注现实人生、社会和自然，认为艺术是对现实的一种审美认识和再现，是对社会生活形象的、真实的、典型的审美认识，并利用恰当的造型手段将这种审美认识所形成的审美意象、审美情感和审美评价表现出来。
现实主义主张艺术要真实地反映客观世界的现实本质和历史本质，真诚地表现艺术主观世界的审美情感和审美理想。
作为流派和运动的现实主义油画艺术，是从西方产生和发展而来。
在西方美术史上，主要指库尔贝、杜米埃、米勒以及巴比松风景画家的艺术创作，历史(咱们上课时的教科书)上的卡拉瓦乔、伦勃朗、维米尔、夏尔丹、列宾、谢洛夫、怀斯以及当代英国王家弗洛依德的绘画都可归为现实主义艺术。
一般来说，只要真实表现和反映一个时代的精神面貌，我们都可称之为现实主义艺术。
中西文化各有侧重，但中西艺术追求真善美的理想是一致的，由此，油画才有“汇中融西”表现的可能性。
在创作实践上，现实主义艺术家重视生活实践和艺术实践，在实践中寻找美、发现美、认识美和表现美，同时，他们不回避丑，对现实中丑恶的现象敢于正视，从而揭示生活的本质和历史的必然。
现实主义艺术是从现实世界而不是从空想世界中获取它的内容和形式。
在表现手法上，现实主义艺术一般采用写实的方法，注重细节的真实，并通过典型化的手段，揭示社会生活的真理，体现艺术家的思想感情和个性特征，达到艺术之美。
因此，现实主义艺术作品是真、善、美三位一体的高度统一。
现实主义的基本特征是以具有审美价值的艺术语言，真实地再现客观现实生活，反映画家从社会生活实践出发对生活的认识活动。
西方美术史论文-记忆的永恒
浅读达利作品“记忆的永恒”杨艳（湖南城市学院建筑与城市规划学院0801404班24号）摘要：达利的早期油画作品“记忆的永恒”中, 柔软的钟表是对时间消解和质疑,聚集的蚂蚁显现为生命力的躁动。
通过这些象征性形象来诠释着他的潜意识梦境, 钟表和蚂蚁都不是它的自身, 而被达利赋予了特殊的涵义。
本文通过对其作品的解读, 揭示出这些烙有达利独特印记的形象所具有的独特意义和美学内涵。
关键词：软表;时间;欲望;幻象解读达利的超现实主义创作，感受达利内心世界中激烈的斗争，从作者经历、时代背景、画的内涵。
风格特点等方面剖析达利对人的意识世界的洞幽察心理分析和表达能力，深入认识理解达利通过精妙的写实语汇和永不枯竭的想象力的结合，创作出一种迥异于现实世界的，完全不同于他人的专属于达利的艺术世界。
1 整体解读油画“记忆的永恒”创作于1931 年, 典型地体现了达利早期的超现实主义风格。
画面由海市蜃楼般的远景和四块钟表构成的近景组成,整幅作品制造了狂烈的视觉幻象, 并给欣赏者产生了强烈的震惊。
远景: 湛蓝、淡黄与亮白色相间的天空衬托褐色、棕色的低矮山脉; 山脉纹理清晰有力,天空宽阔却不高远, 刺目、迷离又带压抑。
整个远景似天空映照山脉,又似海洋把山脉生成,仿佛虚无迷幻的海市蜃楼。
深褐色的地平线不仅将作品分为近景和远景,而且占三分之二画面的深褐色将作品带入了深褐色营造的滞重和苍凉。
然而这片苍凉生成着令人吃惊的景象:灰色的折断了的枯枝生长在褐色的石台上,一块浅灰色的软表软软地从唯一的细枝上耷拉下来,低垂而又哀伤。
它似乎要唤醒斜下方白色的软体动物, 第二块浅灰色软表如同马鞍一般斜跨在这白色的软体上。
这白色的半遮掩着的隐约可辨的似乎是人体,她躺卧在浓重的阴影中,无力、衰弱和颓败。
软体的左侧是支撑着枯枝的石台,一块镶着金属边框的灰色软表一半儿贴着石台,一半儿沿着石台的边缘漫不经心地垂落着。
它正对着一块平摆着的红色钟表。
红色, 整幅作品唯一的暖色; 钟表, 整幅作品中唯一没有软化保持常态的钟表。
外国美术简史论文
1、法国的拉斯科洞窟：特点：1）画家用粗壮简练的黑线勾画出轮廊。
2）用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。
3）气势雄壮，富有动感，充满粗犷的原始气息和野性的生命力。
2、西班牙的阿尔塔米拉洞窟：特点：1）壁画轮廓线比较细，有明暗、粗细浓淡变化。
2）与色彩渲染结合紧密，表现动物身体的结构。
3）明暗起伏更为丰富，富有感情色彩。
3、拉文特岩画：特点：1）表现人类狩猎活动的情节性绘画。
2）以人物、动物的运动和速度为特点，把运动中的形象加以拉长和夸张动作，强调动势。
3）狩猎场面紧张活力。
构图具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯。
4、巴比伦美术：著名的汉漠拉比法典：法典刻在黑色的玄岩石碑上，上部为浮雕，下部为文字。
5、古代埃及美术特色：1）埃及艺术是为法老和少数贵族服务的，歌颂王权，强调国家的政权和等级制度。
2）宗教对埃及艺术产生影响，艺术是为死者服务的，埃及艺术称为“来世的艺术”。
3）埃及艺术的形式，是壮丽、宏伟、明确、稳定，有严格的规范，又具有写实基础上的美化。
6、金字塔建筑艺术特色：1）金字塔是古王国法老的陵墓。
2）金字塔具有庞大的体积和重量，给人以精神上的压力。
3）金字塔外观匀称、稳定。
它象征了法老的威严和地位，说明了埃及人顽强的意志力。
7、古埃及雕刻程式有：1）姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众：2）根据人物地位的尊卑决定比例的大小：3）人物着重刻画头部，其他部位非常简略；4）面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少；5）雕像着色，眼睛描黑，有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果。
8、古埃及浮雕和壁画的特点：1）正面律，表现人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面；2）横带状排列结构，用水平线划分画面；3）根据人物尊卑安排比例大小和构图位置；4）填充法，画面充实，不留空白；5）固定的色彩程式，男子皮肤多为褐色，女子多为浅褐色和淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈为黑色。
西方美术史学习论文(波提切利)
桑德罗·波提切利：形式之美与精神之美的统一苏莞琴景观一班100494 注意到波提切利是由于被他的名作——《春》所吸引。
远看这幅画，它色彩丰富却又和谐统一，近看时，画中人物恬静、安详而又略带由于的神情更是让人沉醉其中。
再看他其它的画作，发现这样的神情普遍存在于他的化作之中。
也许是因为文艺复兴时期理性的觉醒，人性的复苏，再经由他天才的发挥，便诞生出了这样一批不朽之作。
先从波提切利的生平说起。
他的出生于一个中产阶级家庭，原本学习手艺，之后才师从菲力浦·利皮学习绘画。
受雇于美第奇家族让他在政治上被保护，也使他有机会接触到佛罗伦萨的上流社会和文化名流，看到更加广阔的世界，也催生了他精雕细琢、富丽华美的艺术风格。
然而在美第奇家族被放逐之后，他追随宗教极端主义者萨沃纳罗拉，甚至烧毁自己的画作。
这也许造成了他最终在穷困潦倒中孤独辞世。
波提切利曾对达·芬奇说，画家可以通过把浸有颜料的海绵扔向画板来画风景，因此对景物的细致观察毫无意义。
波提切利没有像镜子一般再现自然，而是对之进行筛选和编辑，由此创造了一个更加完美的乌托邦。
他所注重的不是解剖学所分析出的，人的形体的表现。
波提切利比较注重线描。
他笔下诞生的人物比较平面化，而且人体的比例关系也于实际不同。
他画中的女性们比真实的人更加妩媚多姿，这得益于他的线条，以及他发源于心关于美的想象与表现。
与再现相比，波提切利更注重的是创造，这于文艺复兴时期人性的自觉有关。
同时，波提切利的匠心也让人折服。
不仅在《春》，众神的姿态可以引起人们无尽的联想，在他的其它画作中，波提切利的别具匠心也叫人叹为观止。
比如《诽谤》中，驴耳象征国王的昏庸，只听得进“无知”、“轻信”和“诽谤”对“无辜”的污蔑，华裳包裹着的是“背叛”、“虚伪”和“欺骗”（一说是“妒忌”和“仇恨”），而“真理”是一丝不挂的，显得朴素、自然，却只能无能为力地指向苍天。
这幅画寓意十分深刻。
它告诉人们，人间的一切罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的，这就是社会现实。
选修课西方美术史鉴赏论文
西方美术鉴赏论文始终无法忘记初中时刚接触绘画，听老师讲起梵高，在美术书上看到他的向日葵，我说不出他的画那里好，但他的画就是让我着迷，如痴如醉。
我看了一遍又一遍，也许是他的热情感染了我，我希望我就是那朵向日葵，永远向着太阳。
后来慢慢的对梵高有了深入的了解，他生性善良，热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。
他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品。
《向日葵》、《星夜》、《麦田群鸦》等代表作，大都是在他生命最后的六年中完成的，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，透过这些作品，我可以看到一个更加真实的梵高，更加理解画家的精神和思想。
文森特•威廉•梵高，出生于荷兰赞德特镇一个新教牧师家庭。
24岁之前曾在海牙、伦敦、巴黎等地的古匹尔画店当店员，后来成为传教士，在比利时西南部的博里纳日矿区传教，由于同情和支持穷苦矿工的要求而被解职。
在度过了一段极度失望和贫困的生活后，他决定在艺术的探求中完成自我的解脱。
1880年以后，他到处求学，向比利时皇家美术学院求教，向荷兰风景画家安东•莫夫学画，但最后还是决定自学。
在1886年以前，他的作品还都处于探索的时期，代表作有《吃土豆的人》、《纺织工》等。
1886年梵高随他担任古匹尔画店高级职员的弟弟来到巴黎，结识了图鲁兹一劳特累克、高更、毕沙罗、修拉和塞尚，并参加印象主义画家们的集会，在色彩方面受到启发和熏陶。
1888年2月，他同高更结伴同行，到法国南部的阿尔写生作画，长达一年之久。
这是他艺术风格形成的最重要的时期，南国的强烈阳光和阳光照耀下的市镇、田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍地高喊：“明亮一些，再明亮一些!” 但后因两人意见不合，高更离去，梵高的精神也开始逐渐分裂。
梵高于1888年12月23日发病后，病情时好时坏，时重时轻，一次次住进医院。
西方美术史论文 (2)
西方美术史——浅析印象派作品及风格本学期选修了近代美术史，由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。
但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣，使我选学了西方美术史。
通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
首先我想先理顺一下西方美术的发展过程：西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。
雕塑师古希腊艺术的灵魂。
古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。
另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。
而古罗马艺术在建筑上成就很高。
大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。
接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。
这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。
十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。
十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。
期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。
德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。
十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。
西方美术鉴赏论文外国美术鉴赏论文
M A S T E R041三、现代体育中需要融入更多艺术特色当体育摆脱了仅仅为了强身健体的局限意识后，人们就越来越讲究体育运动的艺术表现力，甚至将某些体育运动人为地艺术化，从而创造出新的体育运动项目，使之具备了更加强烈的观赏效果和艺术感染力。
值得注意的是，虽然将艺术融入了体育运动中，使体育锻炼的作用减弱了，但是却使体育获得了更强的艺术性。
然而，艺术的融入并不能改变体育的本质属性，无论体育怎样地艺术化，仍然还是体育运动。
以艺术体操为例，艺术体操需要在音乐的伴奏下表演，同时，运动员的表演道具都非常的精美，具有较高的审美价值，甚至与艺术一样可以视为审美意识集中的物化形态，具有与艺术同样的魅力，但它本身却不能变成纯粹的艺术门类。
所以，运动员表演的主要目的就是通过自己的表演展示高超的运动技巧，从而获得尽可能高的比赛分数。
我们发展这一运动的目的，主要的目的就是为了让更多的人通过不同的方式加入到体育运动中来。
体育与艺术，他们都能展示美，但在体育运动中所表现出来的美是短暂的、分散的、模糊的，而艺术所展示的美是稳定的、集中的、强烈的。
因此，增强体育中的艺术感，可以使体育运动具有更多的观赏性与艺术的魅力。
四、体育中的艺术表现形式伴随着人类物质文明和精神文明的发展和提高，人们对于体育的要求不仅仅局限于锻炼身体、增强体质这一狭义的效果，而是成为了人们娱乐休闲和艺术欣赏中的重要组成部分。
在各类运动会上的艺术表演活动、体育场馆周围的艺术装饰、创新的具备艺术表演形式的体育项目，都充分地展示了体育的艺术价值。
体育中的艺术表现形式，主要包括人体的形态的艺术性、运动的形式的艺术性、运动环境的艺术性等各种因素。
体育运动以人的身体为媒介，通过身体的不同部位的动作组合达到锻炼身体的目的，是人类从事生产劳动实践中所得出来的人体的最佳运动方式，揭示了人体运动的规律，概括了人体的运动能力和范围。
体育运动以人为主体，人同时又是艺术表现的主题，没有人的参与，一切事物都不具备审美的价值。
西方美术史期中论文 掷铁饼者
西方美术史期中论文米隆《掷铁饼者》赏析如果谈到古希腊的雕塑，《掷铁饼者》绝对是其中让人们印象最深刻的雕塑作品之一，被誉为“体育运动之神”的《掷铁饼者》是古希腊雕塑艺术古典前期的杰出作品，创作于公元前450年，作者是雕塑家米隆，原作为青铜雕像，现在所见的是罗马时代的大理石摹品。
由于米隆对艺术特殊的专研与极大的热忱，从而使得这部作品塑造极为生动，集结了运动员在比赛的过程当中最精华、最关键的时刻。
直到今天，我们再看到《掷铁饼者》这部作品，仍然能从其身上看到运动者一系列的运动过程，而这些于细微出见完美的手法，也从一定程度上丰润了整部雕塑的运动旋律。
一、关键字掷铁饼者文化背景米隆力与美构图要想对《掷铁饼者》这部雕塑作品有足够的了解和鉴赏，我们需要了解一些历史背景：二、古希腊的文化背景用“立体的诗，动态的画，有形的音乐”这样的词汇来形容古希腊的雕塑艺术，似乎无法揭示出它在古希腊文明中的突出地位，也无法全面展示古希腊人的创新精神。
但它至少告诉了我们一点，那就是，古希腊的雕塑艺术包含了巨大美感和丰富内涵，充满着创新意识，给人以无限暇想，也使人们恋恋不忘孕育它的文明土壤。
在古希腊处处弥漫的民主政治和自由思想是《掷铁饼者》得以产生的社会土壤。
在城邦中建立了奴隶制民主政治的古希腊，艺术服务的对象主要是城邦政府和广大公民，并且第一次在人类历史上提出了法律面前人人平等的口号。
这就决定了他们的哲学思想和文学艺术都带有平等、民主和以人为本的色彩。
希腊公民信神敬神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，把人提高到神的高度加以肯定，这时的神实际上是最有智慧最为健美最有威力而且永葆青春长生不老的人。
神性与人性是同样的，躯体也是同样的，即“神人同形同性论”。
希腊的艺术最先将人本身奉为艺术的主题，希腊内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻艺术提供了极方便的物质材料。
希腊空气明净，山形明确和谐，气候宜人鲜明的自然界形象使希腊人的头脑习惯于肯定与分明的观念，对未知的世界没有恐惧；温和的自然界使希腊人的精神活泼、心态平衡，因此希腊人没有宗教的迷惘，具有欢乐活泼的本性。
西方美术史论文
尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义
姓名：苟晨露
院系：法学院
学号：**********
选课序号：377
【内容提要】在课程的学习中，尤其是老师在课堂上对于布勒格尔的作品进行诙谐幽默的分析后，布勒格尔作品背后的对于当时尼德兰社会的思考，引起了我极大的兴趣。本文首先梳理了布勒格尔创作时代的背景，之后以布勒格尔《盲人引导盲人的寓言》为例，深入细致分析了由画面中细节中蕴含的民族主义，最后对于尼德兰文艺复兴盛期绘画中的民族主义进行了总结。
33 3/4 x 60 5/8 inches (86 x 154 cm)，Galleria Nazionale, Rome
经考证，这幅画的构思来自尼德兰的谚语：“盲人为瞎子带路没有好下场”。4就当时的社会状况而言，我认为可以尝试着理解为，在反对西班牙殖民统治的过程中，必须十分重视引路者的作用，否则由“盲人”领导革命，后果将不堪设想。下面将逐一对于我自己展开联想和思考的各个具体部分进行分析。如图1
正如萨拉柯耐尓在《西方美术风格演变史》中所说：“在阿尔卑斯山以北，人文主义者强调个人改变自身命运的能力。这直接发展成攻击教士的权威，尤其是攻击由教皇制度造成的外国人支配权，这也是直接发展成清教徒既反对世俗社会也反对教士社会的腐败及热衷于名利的活动。”北欧文艺复兴盛期，以希罗尼穆斯鲍斯为开端，艺术家们采用讽刺的手段，借助夸张与可笑，获得了直接说教无法获得的效果。与鲍斯的悲观不同，布勒格尔在接受鲍斯影响的同时迅速形成了自己的独特风格，创作内容开始由风景转向带有讽刺性和道德说教的任务构图，采用更为贴近实际的画作内容来表现内心对于现实的思考。
一、布勒格尔创作时期的时代背景概述
总的来说，布勒格尔的创作时期正处在尼德兰革命的前后时期。比较可得，布勒格尔的大致生平约为1525-1569年，而著名的世界上第一次成功的资产阶级革命，即尼德兰革命爆发于1566年。据有限的资料显示，布勒格尔早年可能同其他许多北方画家一样在意大利游学，而大致在1553年回国。由此推之，画家应当在尼德兰区域内生活时间较长，对于尼德兰革命前西班牙统治引起的国内不满情绪和社会民族主义的崛起是深有感触的。
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西方美术史论文——波提切利之“春”摘要作为意大利文艺复兴的早期佛罗伦萨画派的最后一位大师，波提切利成功地通过《春》对佛罗伦萨画派提倡的现实主义和人文主义进行了总结和发展，为之后的文艺复兴做出了杰出贡献。
《春》在内容形式上突破了宗教题材的束缚，抒情色彩浓重，洋溢着作者的人文关怀精神。
在其技法上，作者为了表现人体的透明感，放弃了新式的油彩而是用较古老的蛋彩，又使用铅白以十字线法描绘女神身上的罗衫，增加了衣服的厚重感和真实感，体现了他的写实主义画风。
关键词波提切利春文艺复兴女神正文数世纪以来，艺评家们为了“春”的意义僵持不下。
这是1400年代末期，由佛罗伦斯大师，波提切利创作的春之预言。
但呈现一幅画作是一回事，了解其意义又是另一回事。
似乎人人对“春”这幅画的解读都不同。
有些人认为，这幅画的关键就是性爱：西风代表了阳刚的男性魅力，因为他虎背熊腰、肌肉结实；胸部应该像娇小未成熟的苹果而相隔甚远。
对其他人而言，这幅画的重点不是精致艺术，而是农业：作者以精细的笔触描绘画中的花园，每一朵花都像一幅肖像画。
有些人觉得这幅画令人不安：我们仿照凝视着一颗水晶球，水晶球中的一景一物美不胜收，但是受困其中的神话人物永远无法脱身。
但也有些人对这幅画拥有莫名的爱恋：它有一股神秘的魔力，历久不衰；这是一幅绝美的画作，是他的登峰造极之作。
“春”其超凡脱俗的美，启发了大自然和人类。
“春”的意义究竟为何？一场放纵的性爱欢宴？一场艺术神秘之旅？抑或只是一堂植物课？这是艺术史上最受争议作品的故事。
“春”1480年在佛罗伦斯诞生，从来没有到过其诞生地方圆数里之外，如今它成为该市乌菲兹美术馆的重要馆藏，吸引了大批参观群众。
进入展示波提切利作品的展区，首先映入眼帘的是他较露骨的作品“维纳斯的诞生”。
但展区的重头戏是更大、更黑暗的“春”。
光是惊人的尺寸就让人备受震撼。
其宽超过十尺，绘制于三寸厚的木板上，是一幅不容忽视的作品。
画名叫“春”，但想顾名思义是不可能的，画中共有九个略小于真人尺寸的人物，而且全部都取材自古典神话。
画面中央站着爱神维纳斯，上方是她蒙着双眼的儿子丘比特。
丘比特手中熊熊燃烧的箭，似乎瞄准了下方几名衣不蔽体的年轻少女，这就是美惠三女神。
左侧的少年是众神信使莫丘里，他脚上长着翅膀的靴子是他的注册商标。
最令人迷惑的是右侧的几个人物。
生着一对翅膀的西风之神从天而降，抓住了森林女神克罗莉斯，他强暴了她，克罗莉斯变化身为花神芙洛拉，所以图中的这两名女性，画的其实是同一个人。
画中人物站在一片富饶丰美的草地上，如茵草的上有五百多朵花，分属170个品种，每一朵花都画得一丝不苟。
辨识“春”中的人物及花卉并不困难。
但让人们狐疑了五百多年的谜题是，她们为何全都聚齐在这座迷人的花园中？想了解“春”就必须暂时忘记它在现代享有的盛名，和回到一个比莎翁还要早一百年的世界里。
文艺复兴时期的佛罗伦斯，提供了波提切利一个打造此旷世杰作的舞台。
波提切利在1440年代出生的时候，佛罗伦斯位居艺术创作前线，已有四、五十年的时间。
她是孕育早期文艺复兴画风的摇篮，波提切利正好赶上这个时期的巅峰。
波提切利1444年生于佛罗伦斯中部他家的隔壁是著名的奥涅桑迪礼拜堂，他家境贫寒。
“波提切利”是绰号，原意为“小桶”。
他早年便展现了对装置艺术的喜好，因此免于继承家业的命运，18岁成为城中的绘画大师，他20多岁时，已成为佛罗伦斯著名的画家，他很快就因优异的成绩收召前往罗马，对新进完工的西斯汀教堂绘制壁画。
后来受罗伦佐的委托画了“春”，人们认为画中的莫丘里就是罗伦佐本人。
有人说他是一名艺术企业家，他掌握了好的时机，一头栽进市场，成为领导市场的力量，为了创作春，他在艺术上突破既有格局。
众神聚集在桔子和月桂树木森林中，他们各自分担着什么工作，而作品本身又寓含些什么呢 ......《春》的买主是罗伦佐.迪.皮耶尔弗朗契斯科.德.麦第奇，通称罗伦佐。
他是麦第奇家族盛世时期的主人豪华王罗伦哲提的表兄弟，也是波担且利有力的赞助人，他为纪念一四八二年罗伦佐的婚礼而作此画。
波提且利当时三十七岁，正是他艺术生涯达于巅峰的时期。
当此画完成之际，初见它的罗伦佐及他身过的文化界人士，被此画的成功深深感动，这当然得归因于此画的寓意。
在那个时代，解释这类寓意画，是上流社会的一种知性活动。
他们一一解释画中人物时，认为背景是包含祝福、万物初醒的春季，而且发现每一环节都与爱有关联。
他们一致被这张巧妙地寓含结婚礼赞的画所感动。
奇怪的是，波提且利完成此画时，还是一个讨厌女人的单身汉，只在一次被怂恿与人相亲时，才在外过了一夜。
豪华王死后，握有佛罗伦斯政治实权的沙臣纳罗拉，强调禁欲思想，市民们于是借机在1490年代后半，烧毁各种艺术作品。
渥凡利所著巴尔多隆梅欧修士传一书提到：依沙臣纳罗拉神父的批示，人们在市匠广场上堆起柴堆......烧掉表现裸体的绘画与雕刻，不论它出自哪位大师之手。
这时，描绘着半裸的异教诸神、俨然就是反教会题材的《春》又在哪儿呢？其实，它在距烈焰高张的西纽利亚广场不远的拉鲁加街（即现今的卡威尔街）的罗伦佐纪念馆中，与《维纳斯的诞生》一块展出。
如果沙卧纳罗拉的统治时代再长些，也许这幅名画早已灰飞烟灭，再也无法留传后世了。
幸免于祝融肆虐的《春》，后来从十六世纪前半起，就被置于佛罗伦斯近郊卡斯提罗的罗伦佐别墅，到了一八一三年才移往乌菲兹美术馆。
虽然也曾一度被移往同市的艺术院美术馆，但一九一九年还是回到了乌菲兹，此后，就一直在该馆的波提且利展室中独领风骚。
这幅画取材于诗人波利齐亚诺的诗歌。
艺术家以自己的思想去解释古代神话中的形象，画面的情节是在一个优美雅静的树林里展开的，美丽端庄的维纳斯位居中央，她以闲散幽雅的表情等待着春之降临。
在她左右，三位女神（阿格莱亚、赛莱亚、攸夫罗西尼）互相携手翩翩而舞，在维纳斯的左边，春神弗罗娜正以优美飘逸的健步向观者迎面而来，她全身披戴着饰花的盛装身后是春风之神莎菲尔和一位希腊少女。
这种对于人性的赞美，在波提切利的作品中具有非凡的美感。
而且，波提切利以其秀逸的风格、明丽灿烂的色彩和流畅轻灵的线条，在文艺复兴诸大家中独树一帜。
但在文艺复兴后，有较长时期西方人士未能对他作出恰当评价，直到19世纪浪漫主义和英国拉菲尔前派运动中，他才倍受赞扬，被人们推崇为意大利文艺复兴前期的大师。
由于他极善于运用线条，与东方艺术有异曲同工之妙，这一点也深得中国及日本研究者的重视。
在这里，人物比前一幅要多些，也是按照诗人波利齐安诺的诗来创作的中间也是一位维纳斯，但形象并未比前一幅上的维纳斯有更多的欢乐情绪。
相反，倒是左边三位“优美”女神（阿格莱西、塞莱亚、攸美罗西尼）描绘得富有生气：森林边，这三位女神沐浴在阳光里，正相互携手翩翩起舞。
右边的一个象征“华美”，中间一个象征“贞淑”，左边一个象征“欢悦”。
她们将给人间带来生命的欢乐。
波提切利用中世纪的装饰风格来展现这三位女性形象，线条富有节奏感，人物的形体美借助于线条来体现，十分流畅。
在画的右边，分别是花神、春神与风神(自左至右)三个形象，象征“春回大地，万木争荣”的自然季节即将来临。
古罗马哲理诗人卢克莱修在其长诗《论事物的属性》里，对这三个形象作过一番描写，这些诗句在文艺复兴时期的佛罗伦萨广为流行，这可能就是波提切利绘画动机的来源。
只是这里的风神没有贵族气息，形象比较生动，一定程度上倒很象是中间美神维纳斯的仆役，而画面上唯一占有显着地位的男子形象，则是最左边那个好象在采摘树上果子的墨丘利(希腊神话中的“赫耳墨斯”)，实际上这位众神的使者是在用他的神杖驱散冬天的阴云。
他是众神的信徒，在这里是报春的象征。
此外，在维纳斯的头上，还飞翔着被蒙住双眼的小爱神丘比特，他正朝着左边的人准备把金箭射去。
谁要是中了他的金箭，便产生如痴似狂的爱情。
这一切，都是波提切利对美好生活的向往的写照，他把诗人的赞美以丰富的形象手段象征性地铺陈在这一幅画上。
艺术家对美好事物的愿望，总是与他所处的生活境遇发生矛盾。
波提切利在画上展示了那么多充满着春的欢欣的天神形象，尽管他们显得庄重与自信，总不免带着画家内心深处所埋藏的一种无名的忧伤。
画上的基调则是纤弱和略显悲愁。
不难理解，这种伤感情调正是当时贵族文化的通病，如在劳伦佐•美第奇的一首诗中所写的：青春虽然欢乐却并不长久；让我们尽情歌舞吧，莫问明天是否吉祥! ——《亚丽安德妮咏》波提切利是皮革商人的儿子，排行第七。
早期受他的老师们的艺术影响，画面上还充满着人生的乐趣，而且带有明显的民主气质。
自从得宠进入美第奇宫廷后，由于社会政治形势的多变，加上自己的身份与众不同，在急剧的城市贫民与工人革命的斗争声中，美第奇被逐，宗教改革家萨伏纳罗拉被焚，德国皇帝入侵和城市共和政体瓦解……，这一切，使他感到恐惧与彷徨。
而画家的内心忧郁，似乎都交织在他以后的绘画创作之中了。
《春》的构图不拘常规，人物被安排在一片柑橘林中，中间是爱神维纳斯，她的上方是其蒙着双眼的儿子小爱神丘比特，右边画的则是西风之神强暴了森林女神克罗莉斯，克罗莉斯因此化身为花神芙萝拉的古希腊传说。
在维纳斯的左面是美惠三女神，画的最左面则站着信差使者莫丘里。
面对这样一幅画作，人们不禁要问，波提切利为何要作这幅画。
这幅画的金主是当时佛罗伦萨的当权者，梅第奇家族的罗伦佐。
富可敌国的他为了拓展家族的政治地位，安排了他的侄子罗伦佐狄皮尔法兰奇斯柯与敌对家族的女儿瑟末拉德的婚姻。
《春》正是他为这场婚姻而请波提切利作的委托画。
因而，《春》的主题理所当然的选择了爱恋。
然而，从我们今天的角度来看，这样一幅将被挂于婚房的新婚委托画中竟然会有强暴这样的内容，这在今天是不可思议的。
这种想法给我们在感受《春》的内涵过程中造成了很多不解。
因此，我们就有必要稍微再了解一下当时社会的风尚。
波提切利在画《春》的同时作了另一组新婚委托画，据说从中可以看出《春》的影子。
这组画中的一幅画了一个被猎狗撕裂的女性，而这组画的最后一幅则描绘了一场盛大的婚礼。
如果联系薄伽丘的《十日谈》我们便可理解这两幅画之间的联系。
在《十日谈》中有这样一则故事，有一位青年仰慕上一位贵妇，但这位贵妇却对他异常冷淡。
一天傍晚，这位青年在城外树林散步时见到一个女子被一个骑着马的执剑男子追逐，青年上前阻止，男子却告诉他，他们都是鬼魂，男子也曾爱慕那个被追的女子，但那女子却作践他的感情并设计害死了他，他因而转爱为恨。
女子也因害人受到惩罚而早逝，并且其灵魂也不得安宁，每天傍晚，她就会被那个男子追逐并被砍下头颅、挖出心脏，以此来赎回她的罪。
青年听后有所启发，决定带那位贵妇来看看这一幕。
第二天，青年邀请了众多朋友以及那位贵妇来到这片树林，大家看到女鬼被砍首掏心，都受到了震撼，贵妇也终于醒悟，嫁给了青年。
想必15世纪的波提切利读过或耳闻过这则故事，才有了这组新婚委托画，寓意人们要珍惜眼前人。