现代主义绘画

现代主义绘画

现代主义不仅包括艺术和文学。迄今为止，现代主义几乎涵盖了我们文化中所有真正有生气的东西。然而，现代主义却恰巧是历史性的新奇事物。西方文明不是第一个转身怀疑自己根基的文明，但，西方文明却是在这方面走得最远的一个。自我批判从哲学家康德开始，随着这种自我批判的不断加剧，甚至是恶化，我确认了现代主义。因为康德是批判——批判本身的第一人，所以我把他称作第一个真正的现代主义者。

在我看来，现代主义的实质是使用一个定义的典型方法去批判这个定义本身，这不是为了推翻自己，而是为了在其专长的领域内更稳固地确立自己。康德用逻辑去建立逻辑的界限，当他从旧的逻辑管辖范围撤回时，在仍然保持逻辑的事物里，逻辑更具稳定性。

现代主义的自我批判发展了启蒙运动的批判，但是并不同于启蒙运动。启蒙运动，自外部，用可被接受的观念进行批判；现代主义从内部开始自我批判，并贯穿整个过程。这种新的批判似乎自然而然地应该首先出现在哲学，这个当然是关键，但是随着18世纪的推移，自我批判进入了许多其他领域。一个更理性的辩论开始被每个正式的社会活动要求，在哲学上康德的自我批判一经出现就首先回应了这个要求，最终不得不去满足并解释这个要求，远远超出了哲学领域。

我们知道，康德学派像宗教一样发生，不利于证明自己的内在批判。咋一看艺术的处境似乎已经类似于宗教。被启蒙主义否定的所有事都可以被康德学派认真对待，他们看起来像是被单纯的娱乐同化，而娱乐本身看起来仿佛被宗教一般的治疗法同化。艺术可以仅凭借自己降低艺术的身份，去证明艺术是有价值的，而不是从其他性质的活动获得的，以拯救自己。

结果证明，每个艺术为了拯救自己不得不完成这个证明。艺术必须被展出，不仅是通常意义上独特的、不束缚的展出，而且是唯一的、对每个特殊艺术都不约束的展出。每个艺术必须通过它自身的运作和作品，确定自身独家的影响。这样做，它涉及的范围确实缩小了，但同时，它本身拥有的领域会更明确。

每一个艺术，所在的独特领域与其独特的媒介性质完全相一致，这是很快就浮现出来的。自我批判的任务成为消除每个艺术的具体作用，消除每个一贯借用

或依靠其它艺术媒介的作用。因此，这使得每个艺术呈现出“纯”，在其“纯粹”中找到其品质标准的保证，以及它的独立性。“纯粹”意味着自我定义，而艺术中自我批判的队伍成为极端自我定义的一支。

写实主义艺术、自然主义艺术隐藏了媒介，使用艺术掩饰艺术。现代主义利用艺术引起观众对艺术的注意。平面性、画布的形状、颜料的性质，这些绘画媒介的构成因素，被古典绘画大师含蓄地或间接地当成负面因素。而这些相同的构成因素，被现代主义公开地认为是积极的因素。马奈的作品，由于被作者坦诚地声明他所画的是平面，成为了最早的现代主义绘画。被马奈唤醒的印象派画家，公开放弃底色和釉料，毫不犹豫地把看到的事实表现出来，即，他们描绘的色彩直接来自事物，如管或盆的油漆。塞尚为了画出让自己满意的作品，为了构思出更能显示矩形画布的作品，牺牲了形象的逼真和准确性。

然而，强调保持外观上不可避免的平面性，比通过现代主义批判和定义绘画艺术更基础。因为独立的平面艺术是唯一的、排他的绘画艺术。画封闭的形态是一个限制条件，或者是规范，这在戏剧艺术上也同样存在着；色彩这种准则和方法，绘画与戏剧、雕塑都同时具有。由于平面是唯一的、其他艺术不具有的条件，现代主义绘画将自身调整到平面，正是因为平面没有出现在其它任何艺术中。

古典绘画大师已经感觉到有必要保持所谓的画面完整性，即，预示在平面的周围永恒存在最鲜明的三维空间幻觉。对于现代主义的成功来说，卷入这种明显的反驳是必不可少的，因为它确实是绘画艺术的成功。现代主义既没有回避，也没有解答这个反驳，相反，他们已经扭转了它的方向。之前，人们意识到现代主义绘画的平面性，在这之后，人们没有意识到平面容纳事物。然而，人们在观看这幅画之前，往往趋向于去看古典绘画大师的作品是怎么样的，他们首先把现代主义绘画看作一幅画。这理所应当是观看任何一种绘画的最好方法，不管是古典主义绘画还是现代主义绘画，但是现代主义强加它作为唯一的必须的观看作品的方式，现代主义的成功就在于此，所以它是自我批评的成功。

现代主义绘画在最初阶段，原则上并没有放弃具象的表现方法。而是在原则上抛弃了对具体物体所在空间的表现方法。抽象，或者非具象，在自我批评的绘画艺术中，还没有从本质上证明是一个完全必要的契机，即使像康定斯基和蒙德里安一样杰出的艺术家有过这样的想法。因此，表现或说明，达不到绘画艺术的

独特性；进行抽象绘画关联于事物的表现方法。所有具象的实体（包括绘画作品本身）都存在于三维空间，而对具象实体最直接的暗示足以使人想起空间的关联。一个人物形象，一个茶杯的零碎轮廓，以最直接的表现方式画出来，使得绘画的空间从字面的平面状态间离出来，这是绘画作为艺术独立性的保证。正如已经说过的，立体感是雕塑的表现范围。为了实现绘画的自主性，不得不首先去除一切原本与雕塑共存的因素，我要强调的是，绘画与其排除具象特征或文学特征，不如努力使自己抽象。

现代主义绘画明确地显示出抵制雕塑性，然而，稳固地依附于绘画的雕塑保持着与之相反的传统表现方法。西方绘画的自然主义特点，让绘画为雕塑背负着很大的包袱，因为，在绘画开始的时候，为了表现浮雕的幻觉，雕塑教会了绘画运用明暗和造型，甚至如何在一个深度空间的互补幻觉中表现幻觉。然而，一些西方绘画的伟大技艺，让现代主义通过四个世纪的努力才得以摆脱雕塑。这种努力从16世纪的威尼斯开始，持续到17世纪的西班牙、比利时和荷兰，以色彩的名义首先显露出来。在18世纪，大卫试图复兴雕塑般的绘画，某种程度上，他从平面装饰拯救了绘画艺术，而他对色彩的强调似乎是诱因。尽管，他最好的绘画作品，其优点在于尽可能多地用任何颜色去表现，这是他卓越的非典型优点之一。还有他忠实的学生安格尔，虽然他对颜色的使用远远不如大卫，但是，在14世纪以来的西方富有经验的艺术家中，他所绘的肖像是最平面、最少具有雕塑性质的绘画。因此，到了19世纪中叶，绘画不可阻挡的趋势在他们的分歧中汇合，一致指向反雕塑性。

现代主义，不但继续着这个趋势，而且取得了更多的自觉意识。马奈和印象派画家以释放色彩的运用反对传统绘画，并成为以纯粹视觉经验反对由触觉引起的改进过的视觉经验。印象派以纯粹的、真实的视觉经验的名义，而不是以色彩的名义，破坏画面上所有意味着雕塑的明暗和造型。塞尚与在他之后的立体派，以雕塑的名义，再一次用他的明暗和造型反抗印象派，就像大卫反对弗拉戈纳尔那样。但是，再一次，如大卫和安格尔的反抗一样，塞尚以自相矛盾而告终，他的作品比以前的绘画更少具有雕塑性，因此，立体主义反叛的结果，以比西方任何一种绘画艺术更平面而结束，自乔托和契马·布埃以来，立体主义绘画的确是平面的，几乎不包含任何具象图像。