现代主义绘画

现代主义绘画现代主义不仅包括艺术和文学。

迄今为止，现代主义几乎涵盖了我们文化中所有真正有生气的东西。

然而，现代主义却恰巧是历史性的新奇事物。

西方文明不是第一个转身怀疑自己根基的文明，但，西方文明却是在这方面走得最远的一个。

自我批判从哲学家康德开始，随着这种自我批判的不断加剧，甚至是恶化，我确认了现代主义。

因为康德是批判——批判本身的第一人，所以我把他称作第一个真正的现代主义者。

在我看来，现代主义的实质是使用一个定义的典型方法去批判这个定义本身，这不是为了推翻自己，而是为了在其专长的领域内更稳固地确立自己。

康德用逻辑去建立逻辑的界限，当他从旧的逻辑管辖范围撤回时，在仍然保持逻辑的事物里，逻辑更具稳定性。

现代主义的自我批判发展了启蒙运动的批判，但是并不同于启蒙运动。

启蒙运动，自外部，用可被接受的观念进行批判；现代主义从内部开始自我批判，并贯穿整个过程。

这种新的批判似乎自然而然地应该首先出现在哲学，这个当然是关键，但是随着18世纪的推移，自我批判进入了许多其他领域。

一个更理性的辩论开始被每个正式的社会活动要求，在哲学上康德的自我批判一经出现就首先回应了这个要求，最终不得不去满足并解释这个要求，远远超出了哲学领域。

我们知道，康德学派像宗教一样发生，不利于证明自己的内在批判。

咋一看艺术的处境似乎已经类似于宗教。

被启蒙主义否定的所有事都可以被康德学派认真对待，他们看起来像是被单纯的娱乐同化，而娱乐本身看起来仿佛被宗教一般的治疗法同化。

艺术可以仅凭借自己降低艺术的身份，去证明艺术是有价值的，而不是从其他性质的活动获得的，以拯救自己。

结果证明，每个艺术为了拯救自己不得不完成这个证明。

艺术必须被展出，不仅是通常意义上独特的、不束缚的展出，而且是唯一的、对每个特殊艺术都不约束的展出。

每个艺术必须通过它自身的运作和作品，确定自身独家的影响。

这样做，它涉及的范围确实缩小了，但同时，它本身拥有的领域会更明确。

每一个艺术，所在的独特领域与其独特的媒介性质完全相一致，这是很快就浮现出来的。

自我批判的任务成为消除每个艺术的具体作用，消除每个一贯借用或依靠其它艺术媒介的作用。

因此，这使得每个艺术呈现出“纯”，在其“纯粹”中找到其品质标准的保证，以及它的独立性。

“纯粹”意味着自我定义，而艺术中自我批判的队伍成为极端自我定义的一支。

写实主义艺术、自然主义艺术隐藏了媒介，使用艺术掩饰艺术。

现代主义利用艺术引起观众对艺术的注意。

平面性、画布的形状、颜料的性质，这些绘画媒介的构成因素，被古典绘画大师含蓄地或间接地当成负面因素。

而这些相同的构成因素，被现代主义公开地认为是积极的因素。

马奈的作品，由于被作者坦诚地声明他所画的是平面，成为了最早的现代主义绘画。

被马奈唤醒的印象派画家，公开放弃底色和釉料，毫不犹豫地把看到的事实表现出来，即，他们描绘的色彩直接来自事物，如管或盆的油漆。

塞尚为了画出让自己满意的作品，为了构思出更能显示矩形画布的作品，牺牲了形象的逼真和准确性。

然而，强调保持外观上不可避免的平面性，比通过现代主义批判和定义绘画艺术更基础。

因为独立的平面艺术是唯一的、排他的绘画艺术。

画封闭的形态是一个限制条件，或者是规范，这在戏剧艺术上也同样存在着；色彩这种准则和方法，绘画与戏剧、雕塑都同时具有。

由于平面是唯一的、其他艺术不具有的条件，现代主义绘画将自身调整到平面，正是因为平面没有出现在其它任何艺术中。

古典绘画大师已经感觉到有必要保持所谓的画面完整性，即，预示在平面的周围永恒存在最鲜明的三维空间幻觉。

对于现代主义的成功来说，卷入这种明显的反驳是必不可少的，因为它确实是绘画艺术的成功。

现代主义既没有回避，也没有解答这个反驳，相反，他们已经扭转了它的方向。

之前，人们意识到现代主义绘画的平面性，在这之后，人们没有意识到平面容纳事物。

然而，人们在观看这幅画之前，往往趋向于去看古典绘画大师的作品是怎么样的，他们首先把现代主义绘画看作一幅画。

这理所应当是观看任何一种绘画的最好方法，不管是古典主义绘画还是现代主义绘画，但是现代主义强加它作为唯一的必须的观看作品的方式，现代主义的成功就在于此，所以它是自我批评的成功。

现代主义绘画在最初阶段，原则上并没有放弃具象的表现方法。

而是在原则上抛弃了对具体物体所在空间的表现方法。

抽象，或者非具象，在自我批评的绘画艺术中，还没有从本质上证明是一个完全必要的契机，即使像康定斯基和蒙德里安一样杰出的艺术家有过这样的想法。

因此，表现或说明，达不到绘画艺术的独特性；进行抽象绘画关联于事物的表现方法。

所有具象的实体（包括绘画作品本身）都存在于三维空间，而对具象实体最直接的暗示足以使人想起空间的关联。

一个人物形象，一个茶杯的零碎轮廓，以最直接的表现方式画出来，使得绘画的空间从字面的平面状态间离出来，这是绘画作为艺术独立性的保证。

正如已经说过的，立体感是雕塑的表现范围。

为了实现绘画的自主性，不得不首先去除一切原本与雕塑共存的因素，我要强调的是，绘画与其排除具象特征或文学特征，不如努力使自己抽象。

现代主义绘画明确地显示出抵制雕塑性，然而，稳固地依附于绘画的雕塑保持着与之相反的传统表现方法。

西方绘画的自然主义特点，让绘画为雕塑背负着很大的包袱，因为，在绘画开始的时候，为了表现浮雕的幻觉，雕塑教会了绘画运用明暗和造型，甚至如何在一个深度空间的互补幻觉中表现幻觉。

然而，一些西方绘画的伟大技艺，让现代主义通过四个世纪的努力才得以摆脱雕塑。

这种努力从16世纪的威尼斯开始，持续到17世纪的西班牙、比利时和荷兰，以色彩的名义首先显露出来。

在18世纪，大卫试图复兴雕塑般的绘画，某种程度上，他从平面装饰拯救了绘画艺术，而他对色彩的强调似乎是诱因。

尽管，他最好的绘画作品，其优点在于尽可能多地用任何颜色去表现，这是他卓越的非典型优点之一。

还有他忠实的学生安格尔，虽然他对颜色的使用远远不如大卫，但是，在14世纪以来的西方富有经验的艺术家中，他所绘的肖像是最平面、最少具有雕塑性质的绘画。

因此，到了19世纪中叶，绘画不可阻挡的趋势在他们的分歧中汇合，一致指向反雕塑性。

现代主义，不但继续着这个趋势，而且取得了更多的自觉意识。

马奈和印象派画家以释放色彩的运用反对传统绘画，并成为以纯粹视觉经验反对由触觉引起的改进过的视觉经验。

印象派以纯粹的、真实的视觉经验的名义，而不是以色彩的名义，破坏画面上所有意味着雕塑的明暗和造型。

塞尚与在他之后的立体派，以雕塑的名义，再一次用他的明暗和造型反抗印象派，就像大卫反对弗拉戈纳尔那样。

但是，再一次，如大卫和安格尔的反抗一样，塞尚以自相矛盾而告终，他的作品比以前的绘画更少具有雕塑性，因此，立体主义反叛的结果，以比西方任何一种绘画艺术更平面而结束，自乔托和契马·布埃以来，立体主义绘画的确是平面的，几乎不包含任何具象图像。

与此同时，随着现代主义的出现，绘画艺术的其他基本规范开始进行修订，这种修订不说是惊人的，也是与现代主义相等程度的。

我在研究表现绘画的固有形状和结构的规范上，需要花费更多时间，现代主义画家循环往复地分散图像，然后固定，然后再次分散、孤立，再次固定。

而且，完美的规范与油漆的质地，价值的规范与颜色的对比，都被他们修改和修订。

所有这些规范已经带来了新的冒险，不仅为了表现方法，而且为了更清楚地展示其规范。

通过展出作品，他们实验这种绘画的不可或缺性。

这个实验绝没有结束，事实上，它变得更深入，因为，在最新的抽象绘画中，我们看到它继续对极端的简化进行解释，其中我们也看到了极端的复杂化。

这两种极端不是反复无常或者独断的。

相反，一门学科被更严谨地定义后，往往更少自由地去运用许多方法。

一幅画，必须符合基本的准则或绘画的习惯，才能成为训练有素的画，同时这些准则和习惯也成了限制条件。

现代主义已经发现这些限制可以被无限地推迟，一幅画在停止创作之前，是一幅画，也变成一个任意的对象；但他们也发现，越往后这些局限性被更明确地推动着，不得不观察和控制。

在蒙德里安绘画里纵横交错的黑线和彩色矩形，几乎不足以成为一幅画，而，通过紧扣造型的呼应，规范了一种新的力量和完整性，他们将画的取景造型作为一种规范准则。

蒙德里安的艺术，不再被武断地批评，久而久之，显示出过度规矩、过度传统，并且在某方面是一种受束缚的习惯；一旦我们已经习惯了这种绝对抽象性，我们会意识到蒙德里安的艺术在其色彩上更保守，比如，在结构的作用上，比莫奈的后期作品更保守。

我希望，在提出现代主义绘画的基本原理上，可以理解我不得不采取简化和夸大。

现代主义绘画趋向平面化，或许这种平面化从来不是绝对的平面。

画面被提高的敏感性可能不再允许存在雕塑幻觉，或视觉陷阱，但必须允许视错觉的存在。

画布上的第一个符号破坏了直接的、彻底的平面性，即使像蒙德里安一样的艺术家在画布上画一个符号，其结果仍然是一种暗示立体感的幻觉。

只不过现在它是一个严格的形象化，严格的视觉立体感。

古典主义大师创造了一种深入空间的幻觉，人们可以想象自己正在走进这个空间；但现代主义画家创造的类似幻觉只能被看透；人们仅凭借眼睛，象征性地直接穿过空间。

最新的抽象绘画试图完成印象派的主张，即，完全的、典型的绘画艺术可以唤起视觉作为唯一的感官。

认识到这一点之后，人们也开始意识到印象主义画家，或者至少新印象主义画家，当他们玩弄科学的时候，没有完全误入歧途。

现在事实证明，康德的自我批判按照科学发现了充分的表达方法，而不是按照哲学，当康德的自我批判开始被应用于艺术时，哲学上的自我批判在真正的精神上，比以往都更接近科学的方法，例如，文艺复兴时期的阿尔贝蒂、乌切洛、皮耶罗·德拉·弗朗西斯、莱昂纳多。

视觉艺术应该专门定义自己视觉上的体验，不涉及提供任何其他体验，作为一个概念，这是它依靠科学稳定性，做出的唯一定义。

科学方法单独要求时，可能会要求一种情况在完全相同的条件下提出来解决。

但在审美水平的方面，科学稳定性没有给予任何承诺，事实上，过去七八十年的艺术越来越接近科学稳定性，而没有呈现相反面。

从艺术本身来看，随着科学的发生，它的稳定性只不过是一种偶然，事实上，无论是艺术还是科学，给出的或者保证的稳定性，都超过以往。

不管怎样，艺术与科学的融合所展示出的东西是深刻的，现代派艺术与现代科学同样都属于一种特定的文化倾向，现代主义艺术具有的最高意义与史实一样。

还应该理解的是，现代主义艺术的自我批判，从来没有被任何其它门类进行，而是一个自发的，很大程度上是潜意识行为。

正如我已经指出的，现代主义的自我批判已经完全是内在实践的问题，绝不是理论的话题。

听说现代主义艺术与其程式有关，但是，现代主义所具有的纲领远远少于文艺复兴艺术和学院派绘画。

像蒙德里安一样的少数除外，现代主义的大师没有像柯罗一样有固定的艺术观念。