杰出画家梵高作品中的色彩艺术

杰出画家梵高作品中的色彩艺术

色彩与人们的日常生活有着密切的联系，它可以影响人的情绪，使人产生兴奋、紧张、激动、沮丧等情绪变化，同时它也可以使人产生丰富的联想。在绘画艺术中，色彩始终是重要的艺术语言，巧妙地运用色彩可以使艺术形象更加丰满、艺术意蕴更加深刻，使作品思想感情更加丰富，呈现出鲜明的象征性。后印象主义画家梵高无疑是色彩运用方面的大师，他在色彩的运用和创造上有着突出的成就。他在短暂的一生中创造出一个绚丽多彩的色彩世界，并将之提到了绝对的精神高度，对色彩艺术的发展产生了重大影响。

一、梵高绘画中的色彩艺术形成原因探析

梵高有一句名言，未来的画家将是善于运用颜色的画家。这句话深刻揭示了色彩在梵高艺术世界中的地位。在梵高之前，浪漫主义致力于用色彩表现形象，印象派也将色彩放到审美的重要位置，但是从来没有一位画家像梵高那样将色彩提升到绝对的精神高度。梵高之所以如此重视色彩的运用与创造，其原因是多方面的。

(一)外部艺术环境的影响

在梵高的艺术道路中，1886年是至关重要的一年，这一年他来到了巴黎，并在这里接触到了日本版画与印象主义作品。这些给梵高带来了很大的启发与震撼，特别是印象派画家莫奈、德加、毕沙罗和马奈等人的作品给他留下了深刻的印象，深深影响了梵高的艺术创作。在印象派的熏陶和自己的努力下，梵高的画风发生了明显的改变，色彩开始变亮，这在他的作品《有石膏像的静物》《塞纳河畔》中就有着十分明显的体现。但是，梵高并没有被印象派的创造风格和表现手法所束缚，而是在绘画艺术的道路上不断地探索和创新，并最终形成了自己独特的艺术风格。他反对印象派“注重客观主义、片面追求外光与色彩”的做法，主张“艺术应抒发自我感受、主观情感”，认为“艺术应是用主观情感改造客观物象，表现主观化的客观”。他的色彩运用冲破前期印象派的束缚后，变得随心所欲，他喜欢用鲜艳、亮丽的色彩表达情绪变化，用热情、奔放的艺术创作方式追求艺术上的突破和创新。

(二)独特的个性与生活的磨难

梵高是一个内向、孤僻、正直、单纯的人，为人敏感、易冲动，但是他聪敏过人，在绘画上拥有很高的艺术天赋。“梵高一生渴望爱、寻求爱、为爱付出，但却一直孤苦伶仃，从而也造就了他的一生孤独、忧郁，不懂得爱自己。”这种性格特点使他在人生道路上遇到了很多挫折，在爱情、生活、事业等方面都屡遭失败，精神承受了很大的打击。在艺术创作的晚期，他的精神分裂症已经十分严重，经常处于癫痫和精神错乱的状态，心情时好时坏，这也使他的绘画具有骚乱与疯狂的感觉。这种特殊的人生经历深深地影响了梵高的艺术创作，使他的作品呈现出与众不同的特点。由于一生始终处于极度贫困之中，所以梵高没有受过正规的艺术教育。但是种种磨难并没有击垮他，反而使他以更顽强的毅力，超越了肉体的局限，在绘画艺术特别是在色彩运用上取得了惊人的成就。他用敏感的直觉体察艺术，用近乎病态的心灵去体会色彩的细微差别，他对明亮、鲜艳、温暖、高纯度的色彩有着超常的热爱，用这些色彩表达自己的情感，并用之创作出了一个内涵丰富、意蕴深刻的色彩世界。

二、梵高绘画作品中的色彩艺术赏读

在绘画艺术中，色彩是重要的艺术语言，是展示艺术形象的重要手段，用之可以表达深刻的思想情感和丰富的内心世界。在色彩运用上，不同的艺术家有不同的艺术风格，而梵高的个性特点尤为突出。他在借鉴印象主义画家和日本浮世绘的基础上，进行了突破和创新，形成了自己独特的风格;他用“情感因素”支配画面色彩的表达，走入了“自我”的色彩理解，是一种绝对精神的表现，这使他的色彩艺术有着与众不同的特点，呈现出明显的装饰性和象征性。

(一)色彩呈现出明显的装饰性

1.用光亮明快的夸张色彩进行装饰

在印象派画家毕莎罗等人的影响下，梵高抛弃了原有的那种色彩暗浊、沉重的画风，接受了印象主义画派的风格特点，他在创作中大量地用高纯度的颜色、鲜亮的色彩，使画面变得十分明亮，极具装饰效果。他将红、黄、蓝等鲜亮的颜色直接用到画布上，使画面变得光亮明快。在所有的颜色中，他最偏爱黄色，他认为黄色是太阳的颜色，象征着生命和力量，代表着光和热，可以使人产生狂喜和快感。梵高在他的代表作《向日葵》中就是用大面积使用黄色的方法，创造出了一个五彩纷呈、绚丽夺目的艺术世界。梵高还十分重视色彩的明度和纯度的对比，致力于使作品产生光亮明快的装饰美。这种色彩运用的方法使梵高的绘画作品呈现出一种明快光亮的装饰美。在作品《母亲》中，作者用大块的纯红色来表现地面，用绿色表现背景、上衣、裙子，使作品显得光亮明快。奥利埃曾作出这样的评价，“梵高的绘画所用的外部材料与它的创作性特质完全一致，他所有的作品都表现出刚劲、粗野、激烈的特点，他的色彩有着令人难以置信的光辉。”

2.用大色块的对比进行装饰

在现代装饰色彩理论中，色彩并置是一个基本的艺术法则，这种表现手法的形成与梵高有着密切的联系。在梵高的代表作《夜咖啡馆》、《向日葵》、《暴风雨天空下的田野》等中就有十分明显的大块色彩运用。在大块色彩的运用中，梵高十分注意抽象性与概括性，他借鉴日本版画的创作手法，将色彩并列在一起用坚实的线条围起来，将浓重的颜色涂抹到画面上，大大增加了画面的厚重感和立体感，使画面的物体结构凸显、形象结构结实有力。在面对大自然写生时，梵高常用抽象、夸张、简化等艺术手法，把自然中的颜色提炼出来，充分发挥自己的想象力进行艺术构思，然后将色块并置，使之产生出对比与和谐的艺术效果。这种色块并置的方法对后世产生了深远的影响，如今已经被广泛应用到现代艺术设计之中。

3.用绝对的黑白进行装饰

现代科学研究表明，色彩对人的情绪、行动、性情、心理等都有着深刻的影响。在梵高之前，艺术家们并不注重色彩的这一功能。但是，梵高凭借其独有的色彩敏感性，发现绝对的黑白颜色可以起到良好的艺术效果。在追求色块并置的过程中，梵高发现黑白颜色的应用可以收到缓冲对比、协调色彩的效果。梵高曾这样写道：“以《播种者》为例，将画分成两个部分，上半部分是黄色，下半部分是紫色。当黄色和紫色的过渡同时对比而刺激了眼睛时，

白色的长裤间隔作用能使眼睛获得悠然的休息。”这样使柠檬黄的天空、金黄的太阳与占画面绝大部分的紫色形成了鲜明的对比，收到了良好的艺术效果。在作品《母亲》中，背景、上衣、裙子使用的是绿色，而地面使用的是黄色，轮廓线是用黑色勾勒出来的，这种色彩的使用收到了美妙的装饰效果。如今这种黑白色彩的大块使用已经成为现代装饰艺术中常用的表现手法。

(二)色彩具有明显的联想性、象征性

相比较而言，西方绘画更注重写实，而东方绘画则注重托物起兴，擅长运用象征、隐喻的表现手法。梵高在艺术创作中深入研究了东方艺术的特点，并将之运用到了自己的艺术创作之中，形成了自己的色彩艺术。因此，与其说梵高是一位画家，还不如说他是一位色彩艺术家，因为他几乎完全是用色彩表达情感、展现人的内心世界。他对色彩的热爱接近于偏执，他不满足于色彩表达手段的使用以及色彩的装饰效果，他努力地追寻炫目的色彩背后的深层次意义，探究色彩的象征性。梵高作品的主题往往是自然事物，他常根据需要在自然中抽取自己想要的色彩，使色彩带有明显的情感倾向性，从而联想出一种象征意义。例如，红色联想到火、血等，用来表示喜庆、积极进取、生命、希望，同时又可以象征危险、死亡、警告;绿色是植物、春天的色彩，象征着健康、理想、和平、青春等。色彩的象征性有利于艺术家充分地发挥想象力进行创作，从而极大地拓展创作空间与作品的艺术意蕴，梵高对此有着深刻的认识，他深入研究了色彩的象征意义，认真体会了不同色彩之间的细微差别，用色彩表达自己的思想感情和内心世界。如他常用两种互补的色彩象征一对恋人;用红、绿表现令人可怕的情调，象征痛苦、黑暗以及压抑的感觉。在作品《落着乌鸦的麦田》中，金黄色的麦田与蓝色的天空的背景下，成群的乌鸦在恬静的田野上飞翔，这象征着一种不祥和死亡;在《夜咖啡馆》中，梵高认为咖啡馆是让人毁灭的地方，在黄绿色与淡蓝色的对比中表达出一种痛苦、黑暗、昏昏欲睡的感觉，用梵高的话说，那是一种没有一点现实观念的色彩，它暗示着放纵、颓废，我想把咖啡馆表现为令人败坏、发疯、犯罪的地方。随着自己病情的不断恶化与精神病的不断发作，梵高的内心世界充满了绝望，表现在作品中就是悲剧色彩的象征性更加明显。在他晚期的作品《暴风雨天空下的田野》中就表现出了他对自己的悲哀与绝对的孤独感;在作品《夜星空》之中，作者通过金色和蓝色的对比描绘了一种体验内心紧张的幻觉，使人能够感受到夜空的重量与质量，将作者痛苦、死亡、希望的幻觉投射到了画布上，以激情的色彩、狂放的笔触来探触人的内心世界，用绘画来展现人的心灵，其绘画已经达到了绝对的精神高度。

三、结束语

纵观西方美术史我们可以发现，善于利用色彩进行艺术创作的画家比比皆是，但是这其中最杰出、最有个性特色的画家无疑是梵高。在梵高的艺术世界里，色彩始终是最重要的元素，他不仅将色彩作为重要的艺术语言，用之来表现艺术形象，而且还赋予色彩一种神秘的意义，用之来表现自己的心灵状态，并将之提到了绝对的精神高度。在艺术长河中，梵高的色彩艺术必将永远绽放出夺目的光彩。