浅谈关于作曲的一些小技巧之一.
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法可以因个人的风格和喜好而有所不同，但以下是一些普遍适用的原则和建议：
1. 寻找灵感：灵感来源可以是生活中的各种情感、景色、事件等等。
可以试着关注周围的事物，记录下来并深入思考，寻找创作的灵感。
2. 学习音乐理论：音乐理论是作曲的基础，了解音乐的基本元素，比如和弦、旋律、节奏等，可以帮助你更好地组织和表达想法。
3. 创造旋律和和声：旋律是作曲的核心，尝试用琴键、嗓音或其他乐器找出旋律线。
同时，和声是增添音乐深度和层次的重要组成部分，通过使用和弦和音程可以塑造作品的情感色彩。
4. 结构化作品：保持作品的结构和逻辑性可以使其更易于理解和欣赏。
尝试使用不同的乐章、主题重复或发展等手法来组织你的作品。
5. 创造独特的音色：通过选择不同的乐器和声音特效，可以为你的作品带来更丰富的层次感和个性。
6. 尝试进行编曲：把你的作曲想法进一步展开，添加其他乐器的演奏部分，调整和改进声部编排，使其更加丰满和完整。
7. 培养创作的习惯：坚持每天写作曲目，即使只是简短的片段
或想法，也能够培养创作的习惯并逐渐提高作曲技巧。
8. 听取他人的意见：与他人分享你的作品并聆听他们的反馈和建议，有助于你发现潜在的改进空间和创作方向。
总之，作曲是一种个人创作的过程，尝试不同的技巧和方法，发现适合自己的方式，并保持练习和探索的精神，才能不断提高作曲的水平。
音乐制作中的编曲技巧
音乐制作中的编曲技巧音乐编曲是指将原始音乐素材进行重新编排、重组和改写的过程。
通过巧妙地运用编曲技巧，音乐制作人能够赋予音乐作品更具个性和创意的表达方式。
本文将介绍一些常见的音乐制作中的编曲技巧，旨在帮助音乐人和制作人提升音乐作品的品质。
一、声部编写和配器技巧声部编写是指在编曲过程中，根据具体的音乐风格和要表达的情感，合理地安排各个乐器或声部的音高和旋律走向。
要注意保持声部之间的和声关系，使得整个音乐作品更加和谐和统一。
配器技巧则是选择和运用合适的乐器音色和组合，并在不同地方进行适当的变化，以增加音乐的表现力。
可以通过合理运用和谐音、对位和交叉编写等手法，来创造丰富多样的音乐效果。
二、和声的运用和声是指在音乐中多个声部同时发声产生的声音叠加效果。
在进行编曲时，合理运用和声可以使得音乐更加丰富，表现力更强。
一些常用的和声技巧包括：1. 和弦进行变化：通过改变和弦进行的顺序和结构，可以使得音乐在不同的部分产生不同的情感体验。
2. 和声的分声部：将声部分成高音、中音和低音，可以铺展出更宽广的音乐画面。
3. 立体化和声：利用不同的音色和声部在空间中的位置，使得音乐听起来更加层次分明和立体感强。
三、节奏感和动态处理节奏感是音乐中非常重要的元素之一。
在编曲时，要注意合理运用不同的节奏元素，使整个音乐作品更具生命力和活力。
可以通过合理的速度和节奏变化，增加音乐的张力和表现力。
同时，动态处理也是编曲中需要关注的重要方面。
通过运用不同的音量和音色的变化，可以使得音乐更加丰富多样。
要注意在音乐的不同部分进行动态上的合理控制，使得音乐的起伏和变化更加自然和流畅。
四、效果处理和音色设计效果处理和音色设计是现代音乐制作中常用的技巧。
通过运用各种音频效果器和合成器，可以对音乐进行环境、时态、混响等方面的处理，从而创造出丰富多样的音乐效果和音色。
在进行编曲时，要根据音乐作品的整体风格和情感需求，选择合适的效果和音色，使得音乐更加出色和个性化。
音乐创作与编曲技巧
音乐创作与编曲技巧音乐创作和编曲是音乐创作者展现自己创意和表达情感的重要手段。
对于这两个方面，艺术家需要结合自己的灵感和技巧来打造出独特的作品。
本文将探讨一些音乐创作和编曲的技巧，帮助读者进一步了解如何在音乐创作中发挥自己的才华。
一、音乐创作技巧1. 灵感的获取创作音乐的第一步是获得灵感。
灵感可以来自各种各样的地方，如个人经历、自然景观、艺术作品等等。
为了获得灵感，创作者可以尝试不同的方法，如旅行、观察、阅读等。
此外，与其他艺术家和音乐人交流也可以激发创造力，获得新的灵感。
2. 曲式结构曲式结构是音乐创作中的基本组织形式。
常见的曲式结构包括ABA、ABAB和ABAC等。
创作者可以根据自己的创作需求选择适合的曲式结构。
同时，创作者也可以在曲式结构上进行创新，打破传统的框架，创造出独特的音乐作品。
3. 和声与和弦进行和声和和弦进行是音乐创作中重要的技巧之一。
掌握和声的基本原理，创作者可以通过构建和弦进行来创造出丰富的音乐效果。
了解不同调式的特点和变化也有助于创作者在创作中赋予不同的情感色彩。
4. 创造独特的旋律旋律是音乐作品的核心部分。
创作独特的旋律需要有良好的音乐素养和创作技巧。
创作者可以通过运用不同的音乐元素，如音程、节奏、音符的变化等，来打造出富有个性和魅力的旋律。
5. 良好的节奏感节奏是音乐中不可或缺的元素之一。
具有良好的节奏感可以为音乐作品注入活力和动感。
创作者可以通过选择不同的节奏模式和节奏变化来丰富作品的表现力。
二、编曲技巧1. 选择合适的乐器和音色编曲是将创作的音乐通过不同乐器和音色的组合呈现出来。
选择合适的乐器和音色可以为音乐作品带来独特的韵味和质感。
创作者需要了解各种乐器的特点，并根据作品的风格和需求进行选择和搭配。
2. 合理的音部编配音部编配是指将不同的音符分配给不同的乐器演奏。
合理的音部编配可以保持作品的清晰度和平衡感。
创作者需要注意乐器之间的音域和声音层次，并做出相应的调整。
音乐作曲中的旋律构成要素与技巧
音乐作曲中的旋律构成要素与技巧音乐作曲是一门艺术，旋律构成要素与技巧是其中至关重要的部分。
旋律是音乐的灵魂，它能够引发人们的情感共鸣，让人们沉浸其中。
在音乐作曲中，旋律的构成要素包括音程、音高、音符的长度和音符之间的关系等。
下面我将从这些方面来探讨音乐作曲中旋律的构成要素与技巧。
首先，音程是旋律构成的基础。
音程是指两个音之间的距离，它可以分为大音程和小音程。
大音程给人以明亮、欢快的感觉，而小音程则会给人以悲伤、沉重的感觉。
作曲家可以通过运用不同的音程来表达自己的情感和意图。
例如，当作曲家想要表达喜悦和欢乐时，可以使用大音程来构建旋律，而当作曲家想要表达忧伤和哀愁时，则可以运用小音程。
其次，音高是旋律构成的重要因素。
音高是指音符的高低，它决定了旋律的音调。
音高的选择对于旋律的表达非常关键。
作曲家可以通过运用高音和低音来创造出不同的情感效果。
高音往往给人以明亮、轻快的感觉，而低音则给人以深沉、庄重的感觉。
作曲家可以根据自己的意图选择合适的音高，来表达自己想要传达的情感。
此外，音符的长度也是旋律构成的重要组成部分。
音符的长度决定了旋律的节奏和韵律。
不同长度的音符会给人以不同的感觉。
例如，短促的音符会让旋律显得活泼、轻快，而长音符则会让旋律显得稳定、沉稳。
作曲家可以通过运用不同长度的音符来创造出丰富多样的旋律效果。
此外，音符之间的关系也是旋律构成的重要技巧之一。
音符之间的关系可以通过音程的变化、连续音符的运用等方式来实现。
例如，作曲家可以通过使用升降音程来创造出变化多样的旋律效果。
同时，连续音符的运用也可以让旋律显得流畅、连贯。
作曲家可以通过巧妙地运用音符之间的关系来塑造出独特的旋律风格。
除了以上的旋律构成要素与技巧，作曲家还可以通过运用转调、模仿和变奏等手法来丰富旋律。
转调是指将旋律中的音调上升或下降一个音程，从而改变旋律的调性。
模仿是指在旋律中重复出现相同的音乐片段，以增加旋律的连贯性和统一性。
变奏则是指对旋律进行改变和发展，以创造出不同的效果和情感。
作曲常用技法（亲身学习经历）
作曲常⽤技法（亲⾝学习经历）编曲，即在DAW上对歌曲进⾏和声编写并搭配乐器，简单来说，就是做伴奏带~扒带，原答案中提到过，就是在DAW上把歌曲伴奏中的每⼀件乐器的每⼀个⾳符都听写出来，简称扒歌曲伴奏带或扒带。
听写下来歌曲的伴奏带就等于你把专业⾳乐⼈的编曲的技巧和套路复制了出来，你既复制出来就可以学习了，简直就是⼀个免费的教材~再补充⼀下关于旋律发展⼿法的知识：1.重复：即重复⼀段旋律，使主题得到巩固、乐思得到强调、性格得到统⼀。
它分为原样重复和变化重复。
作品举例：《⽉亮代表我的⼼》2.模进：即某⼀动机（旋律）在不同⾼度上的重复。
分为严格模进和⾃由模进。
作品举例：《酒⼲倘卖⽆》3.节奏重复：即将动机的节奏当成模板，在不同⾳⾼上予以重复，使作品集中、统⼀。
作品举例：《长江之歌》4.扩⼤和收缩：有两⽅⾯，⾳程还有节奏。
作品举例：（1）⾳程——《笑脸》（2）节奏——《咱们⼯⼈有⼒量》5.对⽐、延伸、发展：我个⼈喜欢⽤对⽐中的“倒印”⼿法，即AB两句旋律发展⽅式相反。
作者的亲⾝经历我⼤学没打算学⾳乐，和⼤多数⼈⼀样只想当爱好做⾳乐。
我之所以称⾃⼰为业余的独⽴⾳乐⼈，是因为我从初中开始就写些原创歌、组乐队、尝试编曲，并且在去年我送了⾃⼰⼀张专辑⼗⾸歌作为成⼈礼。
每⾸歌都是我⾃⼰创作的，词曲、编曲、混⾳、后期等⼯作也全部是我⼀⼈挑灯夜战，与学校的学习⽃争来的（你也知道⾼中的学习有多苦逼）；业余是因为技术、条件都还不够，录⾳找的还是录⾳棚。
（像千古留名、Airs Jack、半璧这群专业的⾼中时⽐我⽜多了，已经能够接活了，⽽我这300的⽔平真不好意思拿出⼿。
）所以，个⼈认为业余⾳乐⼈要有独⽴制作歌曲的能⼒，或者有负责歌曲制作中某⼀环的能⼒，不过通常来说技术、设备劣于专业⾳乐⼈的。
所以其实成为业余⾳乐⼈的门槛很低，钟兴民吴庆隆是⾳乐⼈，徐良汪苏泷也是⾳乐⼈，甚⾄隔壁⽼王特会写旋律，也可称为“业余⾳乐⼈”。
这时候，我期许能尽量专业⼜全⾯，以保证⽐隔壁⽼王要强。
作曲基础知识与配器技巧指导
作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。
作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。
本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。
一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。
节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。
在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。
2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。
常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。
调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。
了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。
3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。
作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。
二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。
作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。
在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。
2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。
在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。
作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。
3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。
作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。
同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。
4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。
作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。
总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。
掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧音乐是人类文化的重要组成部分，而作曲和音乐制作则是创作出美妙音乐的关键要素。
在音乐行业中，作曲与音乐制作技巧的掌握至关重要。
本文将介绍一些在音乐行业中成功的作曲与音乐制作技巧，以帮助那些热爱音乐创作的人们在这个领域获得更大的成功。
一、音乐作曲技巧1. 灵感的获取音乐作曲的第一步是获取灵感。
而灵感则来源于我们周围的世界。
可以通过观察大自然、生活中的人与事物、阅读书籍或是与他人的交流中获得灵感。
在创作过程中，将自己的情感和感受融入其中，创作出有深度和内涵的音乐作品。
2. 基础理论知识的掌握作为作曲家，掌握音乐理论知识是必不可少的。
这包括音符、节奏、和弦、音阶等基本元素的理解和运用。
通过系统的学习和实践，深入理解和把握音乐的构成规律，能够使作品更加丰富多样且具备个人特色。
3. 曲式和结构的运用音乐作品的曲式和结构是决定整首作品形式和发展的重要因素。
熟悉不同的曲式类型，如复调、变奏曲、奏鸣曲等，能够帮助作曲家在创作过程中更好地组织音乐材料，使音乐作品更加有条理和完整。
4. 和声的运用和声是指不同音乐元素在音乐作品中的相对关系。
合理的和声运用可以增加音乐作品的层次感和丰富度。
通过学习和实践和声规则和技巧，如和弦进行、声部编写等，作曲家能够创作出旋律与和声和谐统一的音乐作品。
二、音乐制作技巧1. 选取适合的音色与乐器音色是音乐作品的灵魂，选择适合的音色和乐器可以使作品更加生动和鲜活。
在音乐制作过程中，根据作品风格和表达的需求，选择合适的音色和乐器，使音乐作品与听众产生共鸣。
2. 节奏与编曲的设计节奏是音乐中极为重要的元素之一，对于音乐的表达和节奏感的把握直接影响作品的效果。
在音乐制作中，作曲家需要注意节奏的合理处理，运用编曲技巧来使音乐更加丰富多变。
可以尝试使用不同的打击乐器，合理设置伴奏，使整个音乐作品更加丰满。
3. 音频处理与混音音频处理和混音是音乐制作中至关重要的环节。
通过使用各种音频处理器和混音器具，作曲家可以对音频信号进行调整、修饰和融合，以达到理想的音频效果。
音乐教学中的音乐创作与编曲技巧
音乐教学中的音乐创作与编曲技巧在音乐教学中，音乐创作与编曲技巧是非常重要的。
音乐创作和编曲是指通过创作和编排音乐素材，创造出具有独特风格的音乐作品。
在教学中，教师可以引导学生学习音乐创作和编曲技巧，激发他们的音乐创造力和表现力。
下面将介绍几种常用的音乐创作与编曲技巧。
一. 主旋律的创作主旋律是一首音乐作品中最重要的部分，它是音乐作品的灵魂。
在创作主旋律时，可以通过以下几种方式来提高创作效果：1. 基于和弦进行创作：选择一组和弦进行，然后在这些和弦进行上创作主旋律。
这种方式可以使主旋律与伴奏和谐统一。
2. 基于音阶进行创作：选择一个音阶，然后在这个音阶上创作主旋律。
这种方式可以使主旋律具有一定的音乐色彩。
3. 利用旋律动机进行创作：选择一个简洁的旋律动机，然后在这个动机上进行变奏和发展，最终形成一个完整的主旋律。
二. 编曲技巧编曲是将音乐素材进行编排和组合，创造出一部完整的音乐作品。
在编曲过程中，可以通过以下几种技巧来提高编曲效果：1. 多样化的音色运用：通过合理选择不同的乐器音色，使得每个乐器都能够发挥自己的特色，同时保持整体的和谐统一。
2. 合理安排音乐层次：通过合理安排音乐的高低音部分，使得整个编曲层次分明，既有丰富的音符变化，又有较好的音乐结构。
3. 运用对位技巧：对位是指两个以上乐器或声部之间的相互作用。
通过合理运用对位技巧，可以使得音乐作品更加丰富多样。
三. 创新与表达音乐创作与编曲不仅要保持对音乐基本规律的理解和运用，还要注重创新和个性的表达。
在教学中，教师可以鼓励学生进行自由创作，培养他们的创新能力和独立思考能力。
1. 提供创作机会：教师可以设立音乐创作的任务，让学生进行创作实践。
通过创作任务，学生可以探索音乐创作的方法和技巧，培养创新意识。
2. 引导表达情感：音乐是一种表达情感的艺术形式，教师可以通过让学生从生活中汲取情感，将这些情感转化为音乐素材，并通过音乐表达出来。
3. 尊重学生的个性：每个学生都有自己独特的音乐风格和创作方式。
音乐创作技巧
音乐创作技巧
音乐创作是一个富有创造力和个性的过程。
在创作音乐时，以
下是一些有效的技巧和建议：
1. 启发灵感：寻找灵感的途径可以是广泛的。
你可以从日常生活、旅行、书籍、电影等等中汲取灵感。
尝试拓宽你的视野，保持
开放的心态。
2. 利用情感：音乐是情感的表达。
将自己的情感注入到音乐中，尝试用旋律、和弦和歌词传达出你的内心世界。
3. 实践琢磨：经常练演奏乐器和创作音乐是提高技巧的最佳方法。
通过不断练，你能更好地理解和掌握音乐的语言。
4. 借鉴他人：研究和借鉴他人的音乐作品是提升创作技巧的好
办法。
听取各种风格和流派的音乐，探索其中的创作技巧和乐理知识。
5. 创造独特性：尽可能展现出你的个性和风格。
探索不同的音
乐元素、和声结构和节奏模式，以创造独一无二的音乐作品。
6. 与他人合作：与其他音乐人合作，可以提供新的视角和创意。
合作可以带来更广阔的音乐资源和丰富的创作体验。
7. 探索技术：了解和掌握音频录制和音乐制作技术对于创作是
非常重要的。
研究使用录音设备、音频编辑软件和音乐制作工具，
以提升音乐的质量和声音效果。
8. 接受反馈：对于自己的音乐作品，接受他人的意见和反馈是
非常有益的。
从别人的角度来看待你的作品，可以帮助你改进和提
升创作水平。
9. 不断研究：音乐是一个永久研究的过程。
保持好奇心和求知欲，持续研究音乐理论、技巧和创作方法。
以上是一些建议和技巧，希望能对你的音乐创作有所启发。
愿
你的创作之路充满乐趣和成就！。
作曲的基本方法
作曲的基本方法作曲是一门艺术，通过音乐语言来表达创作者的情感和思想，创造出独特而美妙的音乐作品。
本文将介绍作曲时常用的基本方法，帮助读者了解作曲的过程以及如何运用这些方法来创作出优秀的音乐作品。
一、音乐创作的灵感来源灵感是作曲的起点，它可以来自于各种不同的来源。
有时候，灵感会突然降临，如一段旋律在脑海中浮现；有时候，灵感则需要主动去寻找，如通过欣赏他人的作品或观察自然景象来获取灵感。
作曲家可以通过培养自己的音乐素养、不断积累音乐知识和体验，以及保持开放的思维，来提高获取灵感的能力。
二、主题或基本素材的选择在确定了创作的灵感来源后，作曲家需要选择一个主题或基本素材为出发点。
主题可以是一段旋律、一个和声进行、一段节奏等等；基本素材可以是一个音色、一个和弦进行、一段鼓点等等。
选择一个合适的主题或基本素材对于整个作品的发展和结构非常重要。
三、旋律的创作与发展旋律是作品中最为突出和易于记忆的部分，是作曲家表达情感和思想的重要手段。
创作旋律时，作曲家可以根据自己的情感和创作目的，选择合适的音符、节奏和音程，创造出独特而富有感染力的旋律。
在作品的发展过程中，作曲家可以通过进行变奏、转调、重复等手法对旋律进行发展和丰富。
四、和声的运用和声是作曲中不可或缺的要素，它可以为作品增添层次和丰富度。
作曲家需要根据所选择的主题或基本素材，进行和声的设计和运用。
通过选择合适的和弦进行、进行声部编排、进行声部运动等手法，作曲家可以创造出和谐美妙的和声效果。
五、节奏与韵律的运用节奏是音乐中时间的组织形式，它能够为作品带来动感和节奏感。
作曲家可以运用不同的节奏形式、进行节奏的变化和转换，使作品更富有变化和表现力。
此外，韵律也是作曲中重要的一部分，通过合理运用韵律，作曲家可以为作品注入活力和强烈的节奏感。
六、结构与发展作曲作品需要有一个合理的结构和丰富的发展，以保持听众的注意力和兴趣。
作曲家可以通过不同的形式来组织作品，如ABACABA等形式；也可以通过进行主题的发展和转变，以及进行动态的起伏来增加作品的吸引力。
如何写歌作曲 写作技巧
如何写歌作曲写作技巧写一首好歌不是一件容易的事情，需要不断的练习和积累，本篇文章将为大家介绍一些写歌作曲的技巧，帮助大家更好的创作音乐。
下面是本店铺为大家精心编写的5篇《如何写歌作曲写作技巧》，供大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。
《如何写歌作曲写作技巧》篇1写歌作曲是一种艺术，需要不断的练习和灵感的涌现。
下面是一些写歌作曲的技巧:1. 找到灵感来源：灵感是创作的源泉，可以通过生活中的经历、周围的人和事、文学作品、艺术作品等方式寻找灵感。
要保持敏感和开放的心态，记录下灵感闪现的瞬间。
2. 确定歌曲类型：在开始创作之前，需要确定歌曲的类型，是流行歌曲、摇滚歌曲、民谣歌曲还是其他类型的歌曲。
不同类型的歌曲有着不同的旋律和结构，需要在创作之前确定下来。
3. 创作旋律：旋律是歌曲的灵魂，需要在创作中着重考虑。
可以通过吉他、钢琴、口哨等方式创作旋律，注意旋律的流畅性和可听性。
4. 确定歌曲结构：歌曲的结构包括 intro、verse、chorus、bridge、outro 等部分。
根据歌曲类型和旋律来确定歌曲结构，注意歌曲结构的连贯性和逻辑性。
5. 填词：歌词是歌曲的重要组成部分，需要根据旋律和歌曲主题来填写。
注意歌词的语言表达和押韵技巧，让歌词和旋律相得益彰。
6. 编曲：编曲是将旋律和歌词转化为音乐的重要步骤。
可以通过各种乐器和音效来编曲，注意音乐的协调性和整体性。
7. 不断修改：创作是一个不断修改和完善的过程。
在创作过程中，要不断听取意见和反馈，对歌曲进行修改和完善，直到达到最佳效果。
写歌作曲需要不断的练习和积累，需要保持敏感和开放的心态，不断寻找灵感和尝试新的创作方式。
《如何写歌作曲写作技巧》篇2写歌作曲是一种创作过程，需要灵感、技巧和实践。
以下是一些建议和技巧，可以帮助你写歌作曲。
1. 寻找灵感：灵感是创作的源泉，可以来自生活、爱情、友情等方面。
观察周围的人和事，用心去体验生活，可以让你更容易找到创作的灵感。
编歌小技巧
编歌小技巧作为一名职业写手，今天我将与大家分享一些编歌的小技巧，帮助你在创作过程中更好地表达自己的情感和想法。
编歌过程分为六个步骤，分别是：确定歌曲主题、构建歌曲结构、创作歌词、选择曲调、编写旋律、编曲与制作。
首先，确定歌曲主题是编歌的基础。
一个好的主题能够让你的歌曲更具深度和内涵。
在确定主题后，接下来要构建歌曲结构。
常见的歌曲结构有ABAB、AABA、Verse-Chorus等，选择合适的结构能使歌曲更加和谐。
接下来是歌词创作。
在创作歌词时，可以运用修辞手法如比喻、拟人等，使歌词更具有表现力。
同时，保持歌词语言简练，避免冗长复杂的句子。
此外，创造意境和表达情感也是歌词创作的关键。
通过歌词，让听众感受到你的情感和意境，使歌曲更具吸引力。
在歌词创作完成后，选择合适的曲调。
了解音阶和和弦，以及它们在音乐中的运用。
接下来，根据歌词的情感和主题，利用音高、节奏和音色变化编写旋律。
同时，可以借鉴经典歌曲的旋律，发挥自己的创意，使旋律更具独特性。
当歌词和旋律完成后，需要将它们结合起来。
在结合过程中，保持协调和节奏匹配，注重音乐元素的强化。
通过反复磨合，使歌词和旋律更加和谐。
最后，进行编曲与制作。
选择合适的乐器，运用音效处理技巧，掌握混音技巧，并融入现代音乐元素。
这样，一首完整的歌曲就诞生了。
总之，编歌是一个富有创意和想象力的过程。
在创作过程中，不仅要注重歌词和旋律的编写，还要关注歌曲的整体结构和编曲制作。
通过不断学习和实践，你将掌握编歌的技巧，创作出更多优秀的作品。
作曲九大技巧
作曲九大技巧
作曲的九大技巧包括：
1. 懂得提问：作曲并非凭空创造，而是需要深入思考和分析。
提问是激发创作灵感的重要方式，通过提问可以探索不同的想法和可能性。
2. 建立动机：动机是构成主题最小单位的旋律。
在没有想出更理想的动机前，不妨用现有的动机来发展看看，边想边唱（记），或许会有新的旋律（或长或短）出现也说不定。
3. 创造旋律：旋律犹如词句，是音乐的基本元素。
在创作时，让句子变得更长的方法往往不是在后边不断的加上新的想法，而是为这个句子写上一个从句构成主从结构。
4. 理解曲式：曲式是音乐的骨架。
了解曲式可以帮助作曲者更好地安排旋律、和声和节奏等元素，使作品更加有层次感和逻辑性。
5. 运用和声：和声是音乐的色彩。
通过运用不同的和弦和音阶，可以创造出丰富的音效和情感表达。
6. 掌握节奏：节奏是音乐的脉搏。
掌握不同的节奏模式和节拍，可以让作品更加生动、有趣或充满力量。
7. 探索音色：音色是音乐的质感。
不同的乐器和声音效果可以创造出独特的氛围和情感表达。
8. 考虑演奏：作曲不仅仅是纸上谈兵，还要考虑实际演奏效果。
在创作过程中，要考虑乐器的特点、演奏者的技能水平以及演出现场的氛围等因素。
9. 不断实践：作曲需要不断实践和尝试。
只有通过不断地写作、修改、倾听和演奏，才能不断提高自己的创作技能和水平。
作曲技巧：主旋律创作
作曲技巧：主旋律创作作曲是音乐创作的重要环节之一，而主旋律则是一首音乐作品中最为突出和引人注目的部分。
一个优秀的主旋律能够吸引听众的注意力，让人们对音乐产生共鸣。
本文将介绍一些关于主旋律创作的技巧，帮助作曲家们提升自己的创作水平。
1. 确定音乐风格和情感表达在创作主旋律之前，首先需要明确音乐的风格和情感表达。
不同的音乐风格有着不同的特点和要求，比如古典音乐追求优雅和庄重，流行音乐注重简洁和易记。
同时，音乐也是情感的表达工具，通过主旋律来传递情感是作曲的重要任务之一。
因此，在创作主旋律之前，需要明确自己想要表达的情感，并将其融入到音乐中。
2. 使用简洁而富有个性的音符组合一个好的主旋律应该是简洁而富有个性的。
使用简单的音符组合可以使主旋律易于记忆和理解，同时也能够给人留下深刻的印象。
在选择音符时，可以尝试使用一些具有辨识度的音符或音程，以增加主旋律的独特性。
此外，注意音符之间的连贯性和流畅性也是非常重要的，避免出现突兀或不和谐的音程跳跃。
3. 利用节奏和韵律营造动感和张力节奏和韵律是主旋律中不可或缺的元素，它们可以为音乐注入动感和张力。
通过合理运用不同的节奏模式和韵律变化，可以使主旋律更加生动有趣。
可以尝试使用一些复杂的节奏模式来增加主旋律的变化性，或者通过改变音符的长度和强弱来营造起伏和张力。
4. 运用音乐理论知识进行创作音乐理论是作曲过程中的重要参考工具，它可以帮助作曲家们更好地理解和运用音乐元素。
在创作主旋律时，可以运用一些常见的音乐理论知识，比如调式、和弦进行、音程等，来增加主旋律的丰富性和层次感。
同时，也可以尝试一些创新的和谐方式，以突破传统的音乐框架，创造出独特而富有个性的主旋律。
5. 借鉴他人的作品和经验作曲是一个不断学习和积累的过程，借鉴他人的作品和经验可以帮助我们更好地提升自己的创作水平。
可以选择一些优秀的音乐作品进行欣赏和分析，学习其中的创作技巧和思路。
同时，也可以与其他作曲家进行交流和分享，互相学习和启发。
作曲入门旋律写作手法
作曲入门旋律写作手法作曲入门旋律写作手法作曲，是创造音乐的过程。
其中，旋律作为一种灵魂，密不可分地与作曲紧密相连。
旋律不仅能够引领整个作品的情感走向，更可以增加听众的耳目新鲜感和情感融合度。
因此，学习旋律的写作技法，是每个作曲人必须面对的问题。
本文将会详细地阐述作曲入门旋律写作手法，从“素材选择”、“节奏施展”、“音型设计”、“和声压轴”四个方面进行解析。
一、素材选择旋律是需要有相应的素材支持，所以优秀的创作需要对素材有着高度的选择性。
素材的来源有很多，我们可以从日常生活、音乐会演出、网络等方面进行创作。
1.从生活中寻找灵感生活中常常会出现一些有趣或好听的旋律或音乐片段。
我们可以通过日常生活的观察和感受来获得灵感。
比如，可以观察一些生活节奏快的场景，如地铁、公交、市场等，收集一些节奏快、有韵律的声音和音乐片段，如脚步声、交通嘈杂等等。
也可以找到一些温情、向往的音乐片段，如小鸟鸣叫、鸡叫、泥土落地等等。
2.从现有的音乐作品中吸取营养对于作曲入门者来说，我们可以从目前市场上广泛流传的音乐中找寻其特点来引发灵感。
可以通过欣赏经典、古典、流行等不同类型的音乐来进行欣赏提取、模仿创作。
二、节奏施展节奏是构成旋律的重要元素之一，好的节奏可以让旋律更具有感染力和记忆性。
好的节奏不仅可以有力地支撑旋律，还可以在旋律中产生意想不到的变化和流畅的感觉。
1.重拍和弱拍在创作中，需要根据曲式、形式和整个作品所要表达的情感来选择适当的重弱拍。
对于常见的6/8拍，我们可以以2组3拍的方式进行，这样可以让整个作品更流畅。
2.三连音三连音是一种非常常见的节奏，往往可以在弱拍上进行使用。
这种节奏可以增加整体音响感，让旋律更加丰富。
三、音型设计音型是旋律的基础，该怎样设计和处理音型，可以让音乐声音更加鲜活、丰富和有趣。
音型可以从外界吸取，也可以自主创作。
1.音型设计之变化通常情况下，人们不喜欢听一个单调的旋律，通过不同的音型设计，可以让旋律变化多样，更能吸引听众的注意力。
歌曲作曲的一般技巧
歌曲作曲的一般技巧作曲当然要遵守音乐的规律，但各人的方法和技巧又有不同之处。
如，有的人习惯先有词后作曲，也有人习惯先有曲后填词的(香港、广东人多)。
有人先作一个总体的构思然后再动笔，有人完全按照感觉来写，认为按照下行5度和弦圈的经典走位来写旋律不会难听。
但我看，要创作一首完整的好歌曲，基本的技巧和方法还是不能没有的。
这里为大家讲解一下基本的创作技术问题。
一、主题一首歌的音乐，要有一个能够集中地概括整个作品的思想、感情、性格的音乐主题。
乐曲的长短要根据内容而定，象一条主线贯穿全曲。
歌曲的音乐主题往往是根据第一句歌词的特点所创作出来的，有些歌曲的主题，往往根据半句歌词加上衬字拉开来创作的，也有一些歌曲的主题，加了许多虚词和衬字把主题加长了。
一首歌乐曲主题的配制，首先是从研究歌词开始的，要进行反复吟颂，借此来了解歌词的意境，进行研究分析，并对歌词作修改和修整。
要形成准确、鲜明、生动的音乐主题形象，才能正确深刻地表现词意的思想内容;其次，对于体材也要选择合适的，根据内容需要量体裁衣，以增加作品的表现力和艺术感染力。
二、发展1、段落音乐的发展安排在合理的作品结构之中，歌词的结构是音乐段落结构的重要依据。
段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似形式。
对比，如：前面比较舒缓，后面比较高昂;前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上说，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显地看到，一般副歌部分总是比较高潮，而前面总比较缓慢。
但这也不是绝对的。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写得好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等。
音乐旋律编创技巧
音乐旋律编创技巧音乐作为一种艺术形式，有着丰富多样的表达方式。
其中，旋律是音乐中最为重要的元素之一。
一个好的旋律能够吸引听众，打动人心。
在音乐创作中，掌握一些旋律编创技巧是非常重要的。
本文将介绍一些有关音乐旋律编创技巧。
1. 多样化音域音域指的是音乐中所使用的音符的范围。
在旋律创作中，合理运用不同音域的音符可以让旋律更加丰富多变。
可以尝试在编创中使用高音和低音，或者通过音乐乐器的选择来扩大音域，以增加旋律的层次感。
2. 利用节奏变化节奏是音乐中组织时间的方式。
在旋律编创中，合理运用节奏变化可以让旋律更富有动感和变化。
可以通过改变音符的时值、加入延音、使用不同的节拍等方式来达到节奏上的多样性。
同时，利用不同的节奏变化来创造紧张感或放松感也是一种常见的技巧。
3. 强调重点音符在旋律编创中，通过强调重点音符可以使旋律更加突出和鲜明。
可以通过增加音符的音量、延长重要音符的持续时间、使用突出的音色等方式来实现。
这样的强调可以给听众留下深刻的印象，并提高旋律的表现力。
4. 运用音程变化音程是指两个音符之间的距离。
在旋律编创中，合理运用音程的变化可以让旋律更具变化和张力。
可以尝试使用大音程或小音程来创造不同的情感效果。
同时，在音程变化中注意避免过度的跳跃，保持旋律的连贯性和流畅性。
5. 引入间奏和转调间奏是指一段旋律的中间的过渡部分。
在旋律编创中，适当引入间奏可以增加旋律的变化和起伏感。
可以通过改变音符的音高、节奏、音色等手法来创造间奏。
另外，转调也是一种常用的技巧，可以将旋律从一个调式转变到另一个调式，给人一种新鲜感和意外感。
6. 注重旋律的情感表达音乐旋律是情感表达的媒介之一。
在旋律编创中，注重旋律的情感表达可以让作品更具感染力。
可以通过音符的音色、音程的变化、节奏的运用等方式来表达不同的情感。
每个音符都应该有情感投射，使听众在聆听时能够感受到其中的情绪和意境。
总结起来，音乐旋律编创技巧包括多样化音域、利用节奏变化、强调重点音符、运用音程变化、引入间奏和转调，以及注重旋律的情感表达。
创作音乐作品中的编曲与编配技巧
创作音乐作品中的编曲与编配技巧音乐作品的创作过程中，编曲与编配技巧起着至关重要的作用。
通过合理的编曲与编配，可以使作品音韵丰富、层次分明，给人以深刻的音乐享受。
本文将探讨创作音乐作品中的编曲与编配技巧，帮助读者更好地理解并运用于实际创作中。
一、编曲技巧编曲是指将乐曲的旋律进行进行加工，增加和声、伴奏等元素，使之成为一首完整的音乐作品。
下面将介绍几个常用的编曲技巧。
1. 主旋律与伴奏之间的呼应在编曲过程中，主旋律与伴奏之间的呼应非常重要。
通过恰当的和声安排和曲式设计，可以使主旋律与伴奏相得益彰，让作品更加丰满，同时也给听众带来良好的听觉体验。
2. 简约与丰富的对比编曲时，需要根据作品的风格和情感表达的需要，灵活运用音乐要素，如音域、音色、节奏等，达到简约与丰富的对比。
例如，在某些部分可以简洁地使用单音或者空白，而在高潮部分则可以利用和弦堆叠和层叠的编曲手法，创造出更加丰富的音乐效果。
3. 人声与乐器的结合对于有人声部分的音乐作品，人声与乐器的结合是必不可少的。
在编曲中，要注意人声与乐器之间的平衡和协调，避免相互掩盖或者争夺主导地位。
通过合理的编曲安排，使人声和乐器相得益彰，为作品增添一种特殊的魅力。
二、编配技巧编配是指将作品中各声部、乐器以及人声进行合理的安排和组合。
下面介绍几个常用的编配技巧。
1. 合理选择乐器在编配过程中，合理选择乐器对作品的整体效果起着至关重要的作用。
不同的乐器有着不同的音色特点和表现力，通过合理地组合乐器，可以展现作品的多样性和独特魅力。
2. 平衡各声部在编配中，各声部之间的平衡是非常重要的。
要注意声部间的层次分明与协调，合理安排高低音部分的使用，使整体编配更加丰满、和谐。
3. 重点突出编配时，可以通过突出某个声部或乐器的方式，加强作品的表现力。
例如，在某个关键部分可以让主旋律在乐器中独奏，或者增加打击乐器的使用，以突出节奏感等。
4. 音色的搭配与变化音色的搭配与变化能够给作品带来意想不到的效果。
作曲新手的进阶技巧
作曲新手的进阶技巧摘要：一、引言：作曲新手的困境与需求二、基本技巧：和弦进行与旋律创作三、进阶技巧：曲式结构与和声处理四、旋律与和声的融合：音色搭配与动态控制五、情感表达与个性化风格：歌词创作与旋律发展六、作品修改与完善：自我评估与外部反馈七、结语：不断实践与提升创作能力正文：作为一名作曲新手，你可能在面对无数音乐素材和创作方法时感到无从下手。
别担心，这篇文章将为你提供一些实用的进阶技巧，帮助你走出困境，迈向更高的创作境界。
一、引言：作曲新手的困境与需求作为作曲新手，你可能对和弦进行、旋律创作等基本技巧有一定了解，但如何将这些技巧运用到实际创作中，进而打造出富有感染力的作品呢？接下来，我们将探讨一些进阶技巧，以满足你在音乐创作中的需求。
二、基本技巧：和弦进行与旋律创作在作曲过程中，和弦进行与旋律创作是基本功。
学会运用七和弦、九和弦等和弦类型，以及如何将它们巧妙地连接起来，是提升作品层次感的关键。
同时，旋律创作也需要注重音阶、节奏等方面的掌握。
三、进阶技巧：曲式结构与和声处理掌握曲式结构是作曲进阶的必备技能。
常见的曲式结构包括AB形式、AABA形式等。
在创作过程中，要学会根据情感需求选择合适的曲式结构。
此外，和声处理也是进阶技巧的重要环节。
学会使用和声，可以让你的作品更加丰富和立体。
四、旋律与和声的融合：音色搭配与动态控制在作曲过程中，旋律与和声的融合是至关重要的。
音色搭配要力求多样性和统一性，使得各个声部互相辉映。
此外，动态控制也是一项不可或缺的技能。
通过掌握音量的起伏、强弱的对比，可以使作品更具表现力。
五、情感表达与个性化风格：歌词创作与旋律发展歌词创作是表达情感的核心途径之一。
学会运用富有诗意的歌词，能够增强作品的感染力。
同时，旋律发展也是体现个性化风格的关键。
在创作过程中，要注重旋律的线性发展和对比，形成自己独特的音乐语言。
六、作品修改与完善：自我评估与外部反馈在作品创作完成后，要学会进行自我评估和寻求外部反馈。
流行音乐谱曲技巧
流行音乐谱曲技巧流行音乐谱曲技巧我国现代流行歌曲是在民族歌曲和西洋流行歌曲的基础上发展起来的一种歌曲形式。
以下是流行音乐谱曲技巧，欢迎阅读。
1. 使用和弦加入经过音来作曲。
适用于先写和声进行，然后再加入旋律。
此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说，非常和谐!旋律的和声走向特别明显!但是，一般篇幅比较短小!这时候，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的'分解和弦的指法。
强弱节拍的不同变化，我们可以感觉到不同的旋律的!会产生不同的创作灵感的!如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。
适用于写长段的旋律!先写旋律，后写和声!如：大调自然音阶： 1 2 3 4 5 6 7小调自然音阶： 6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。
这一点，我要重点讲一下!我们可以使用各个国家，或者各个民族的特色音阶来作曲!如：a. 我国常用的五声音阶：大调五声音阶： 1 2 3 5 6小调五声音阶： 6 1 2 3 5b. 和声小调音阶： 6 7 1 2 3 4 #5c. 大佛里吉亚音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7 (Phrygian-Dominant)也有人把它叫做;弗拉门戈音阶!d. 自然音阶的各种不同的模式：奥尼亚模式： 1 2 3 4 5 6 7 (Ionian)也就是大调自然音阶!多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式： 3 4 5 6 7 1 2 (Phrygian)利底亚模式： 4 5 6 7 1 2 3 (Lydian)混合利底亚模式： 5 6 7 1 2 3 4 (Mixolydian)洛克里亚模式： 7 1 2 3 4 5 6 (Locrian)以上自然音阶以不同的音作为开始，向下顺次排列的方式，叫做: 旋法调 !e. 减音阶： 1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶： 1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶： 1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶： 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶： 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶： 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶： 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 (Super-Locrian) l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 (Hindu)m. 吉普赛音阶： 1 b3 #4 5 b6 b7 (Gypsy)n. 匈牙利音阶： 1 #2 3 #4 5 6 b7 (Hungarian)o. 匈牙利小调音阶： 1 2 b3 #4 5 b6 7 (Hungrarian Minor)p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1q. 旋律小调音阶： 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6r. 日本音阶： 6 7 1 3 4其实，简单地说，就是在你作的自然音阶旋律中，你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音，也就是半音!可以升高半音，或者降低半音!看你自己的喜好了!4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。
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浅谈关于作曲的一些小技巧之一作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。
也有一些人完全按照感觉来写。
诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。
小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。
小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
流行歌曲创作：1：先有词后有曲。
2：先有曲后有词。
这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
一：倒影。
就像你在河上，看到河里自己的影子。
如：33345 33321在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律，不会很散。
二：模进。
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。
旋律线条也要完全一致。
如：3323 2212自由模进则没有这个限制。
如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）三：重复。
重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。
（注意，重复也是同度模进）四：对格。
艺术都是相通的。
在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。
在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。
放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如：123 312 234 465大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。
在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。
大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
1：疏密有致。
在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。
这样眼睛才不会累。
同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
2：有深有浅。
国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。
同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
六：变音。
变音一般而言就是升降音符。
用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。
一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。
一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。
我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。
在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。
罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。
七：关于调式的运用。
在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。
但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高，降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。
乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。
第九品啊，我到第四品就要用假声了。
呵呵。
好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。
呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。
调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。
一首歌前面如果是小调，后面改用大调。
前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。
可以让听众耳朵一亮。
但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。
举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结尾)，副歌部分也是小调，就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。
还有罗大佑的你的样子，主歌是B小调，副歌转成#C小调(好象是，具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念，如果主歌部分是天使的话，那么副歌就变成魔鬼了，简直不是一首歌，好象是两首歌拼出来的，但能拼成他那样，也是高手中的高高手了。
张国荣的共同度过，相信大家一定听过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者(是个小日本，名字忘记了)，连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。
不敢想象，如果这首歌一个调从头唱到尾的话，5分钟的时间，大家恐怕就要睡着了。
转调在间奏里也用的比较多，还有离调，但这是遍曲的范围，要说的话，一年也说不清楚。
所以这里就不详细说了。
只是一点，如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调，否则歌手不能唱了。
调性也乱了。
还有一个很有趣的现象，在很多书中，几乎99%的音乐书里，都说结尾一定要5级和声转到一级和声，就是C调的话，结尾一定要从G到C才可以。
不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
大家可以试试。
关于调式还有很多，印度音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶。
更难唱。
光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音，我本人也不是很懂，所以各位就马马虎虎看看算了，也希望懂的人进来说说。
我就不献丑了。
八:关于段落段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似。
简单地说，对比就是前面比较舒缓，后面比较高昂。
前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上来的话，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显的看到。
一般副歌部分总是比较高潮。
而前面总比较缓慢。
但这不是绝对的。
任何艺术创作都不是绝对的。
你也可以安排整首歌都是一个样子，写的好的话，也是可以的。
一段体大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写的好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等，大家可以听听看。
在音乐里的作用嘛，括号里都写了)，关于起承转合的东西，下一讲再说把。
这里插一句，有一个很有趣的现象，数学里面有黄金分割点，大概是四分之三左右（０.６１８）。
按照美学里的观念是最完美的点。
同样道理，也可以用到音乐上来。
一首三分钟的歌，在黄金分割点上，大概２分多钟的时候，总是一个歌最最好听的时候，很多高潮部分，也是一首歌最最精华的部分，９０％以上，总是在黄金分割点的时候出现。
在编曲上尤其是这样。
黄金分割点，也是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。
在我们平时聚会时，一半已经过去，再聊一会儿，就是最容易起高潮的时候。
打麻将也是这样，差不多要结束时，往往就是翻翻最多的时候.........天那，我说到哪里了？怎么说到麻将上去了？对不起对不起。
我们重新回来。
九:关于乐句。
乐句，顾名思义，就是句子。
在文学中，有诗词歌赋，规定了字的格式和数量，在音乐里，名字就差了些，没有那么好听。
幸好也没那么多的规定。
一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。
还有不规整的三句式的，如张宇的用心良苦就是三句式的。
还有五句的，六句的，七句的，比较少。
四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。
开头就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。
第二句就要发展了，具体发展因人而异，具体手法可以看上篇。
第三句就是转，是主歌部分最精华所在，转的好不好，就是一个歌好不好了。
很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。
前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条，呵呵。
用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。
实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。
十：关于曲和词的结合。
１切忌倒句。
汉字有本身的发音，１２３４声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中，这是最最最最忌讳的，我这里用了四个最，可见非同小可。
怎么说呢，大家可能还是一团雾水。
我举几个例子把。
我以前读书的时候，老师就讲，有一个写词的，写了句：雨天，我把你画在窗上。
本来是很优美的，雨天有雾气，作者用手指把思念的人的样子画在窗上。
很美的感觉。
请注意，窗是第一声。
可后来写曲了，那个作者写成旋律，一唱，大家都听成：雨天，我把你画在床上。
床上？在床上画思念的人，那不变成自慰了？郑秀文有一首歌，名字忘记了，歌词里有句是：你是我的主打歌，写曲的也用了倒音，把原本汉字的发声全部取消掉了，很容易让人听成，你是我的猪大哥。
事实上，我一开始听也以为是猪大哥了。
２：风格一样。
词的感觉明明是摇滚的，曲子却写成民谣的，那听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，那感觉多别扭？齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，从新填上词唱，感觉总不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，一定不好。
有倩女幽魂大家一定听过，曲子非常典雅的五声音阶。
如果把词改成ＨＩＰ－ＨＯＰ的说唱，大家可以想象要有多难听就有多难听。
十一，最高境界。
鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦（大概这个意思），就是说，好的文章，你一个字都不能增减。