中外美术史结课论文
中外美术史论文
中外美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同,艺术的发展是要有哲学做指导的,西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的.《中外美术史》这门课程让我了解了有关中西艺术的发展史和很多著名艺术家的背景和艺术成就，结合这门课程我对绘画大师高更作品进行了解析和研究，下面就是我对高更大师和他的绘画作品的具体介绍和分析。
保罗·高更作为后现代印象主义的杰出代表，其绘画作品有很强的个性，这种个性，这种个性来源于高更本人对社会环境所做出的反应，高更富于个性的经历创造了高更对绘画的理解，创造了十九世纪艺术的新声。
高更1848年生于巴黎。
父亲是报社的记者，母亲是家庭主妇，外祖母弗罗拉·特里斯坦曾是著名的女性革命家、航海家、作家，祖父安德烈是一位版画家，具有西班牙血统；外曾祖父是秘鲁人。
人们有时便以这种遗传性以及西班牙和秘鲁血统的混合来解释高更的性格——“一个狂热与恋爱，为了理想而甘愿牺牲自己并且强使人接受这种理想，温柔而无聊，天真而狡黠，犹豫而坚定的艺术家，一个十九世纪未开化的野蛮人”。
高更早期作品追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法。
后来多次到法国布列塔尼的古老村庄进行创作，对当地的风土人情、民间版画及东方绘画的风格感到兴趣，逐渐放弃原来的写实画法。
中外美术鉴赏结课论文
------------------------------------------------------------精品文档--------------------------------------------------------中外美术鉴赏结课论文中外美术鉴赏主要是一门对中外美术作品分析、欣赏与品鉴的课程。
通过本课程的学习，旨在使学生了解中外美术史上的优秀美术家及其代表作品，不仅拓宽知识面，同时获得美的欣赏，陶冶情操，涵养性情，提高人文素养。
以下是的中外美术鉴赏结课论文，欢迎阅读。
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德.莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。
这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。
批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。
指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而几年后艺术评论来与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。
已，了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
中外美术欣赏结课论文
中外美术欣赏结课论文之卡拉瓦乔《多疑的多马》赏析左磊 0801310132 卡拉瓦乔，全名米开朗基罗·梅里西·达。
卡拉瓦乔。
意大利杰出的现实主义画家。
曾师从米兰画家培德查诺学画，继承了意大利北部现实主义民俗画的传统，并受到威尼斯画派的影响。
1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。
他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。
米开朗基罗·达·卡拉瓦乔（caravaggio，1573-1610）生于卡拉瓦乔，卒于埃尔科莱港，原名米开朗基罗·梅里西，后以出生地命名。
他父亲是建筑师，他11岁移居米兰并开始习画，于1590-1592年从米兰来到罗马，后来又曾到那不那斯、西西里和马尔他岛等地。
他在罗马画了一些风俗画和静物画，对他艺术起着重要影响的是意大利文艺复兴时期大师们的作品。
他是一位革命性的画家，起初坚守写实主义。
一系列的风格画建立了他的特色，那批画中充满了穿着怪异、带着浓厚颓废色彩的年轻人。
后期，他的风格大变，高度道德意识和宗教画代替了先前的题材。
他用宗教题材作形式，内容却并非被西方艺术家所顶礼膜拜和尽情歌颂的圣母子及圣徒，而是有着深刻皱纹、穿着衣衫破烂、肮脏着脚的乡下人。
在心理的写实上，他也尝试着直接不修饰地进入圣经中所描述的景物里。
卡拉瓦乔的作品强调人体，画里的人几乎有真人大小，而且通常摆在画面的最前端，戏剧化前缩法姿态好象可以超越画面。
卡拉瓦乔艺术最大的特点是忠实地描摩自然而不管人们认为美不美，所以人们称他为“自然主义”画家，即使在表现宗教题材的绘画中，他也尽最大努力去使古老的经文中的人物看起来更加真实、更加可感可触，连他所用的明暗方法也有助于达到这个目的。
他的光线并不使身体看起来优美而柔和，却是那样执拗而忠实地把整个奇异的场面突现出来。
卡拉瓦乔现实主义在艺术上有以下特点：一.以表现下层平民题材为主，在处理传统题材时，抛弃了盛期文艺复兴大师确立的理想化模式，把那些神圣的人物和场面，描绘得如同现实生活中的真人实景。
外国美术史结课论文
外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。
我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。
我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。
在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。
他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。
裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。
他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。
《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。
《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。
这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。
自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
中外美术赏析结课论文
中外美术赏析结业作业《内战的预感》赏析姓名：院系:学号：《内战的预感》赏析《内战的预感》是西方超现实主义绘画的代表作，也是达利最著名的杰作。
这幅油画属于一种抽象了逼真现实的艺术，他表现出来的画面首先是一个完整的女人的各个肢体，然后又被画家扭曲夸张的组合起来，面部狰狞，手、大腿、乳房都在胡乱地撕扯着，给人一种挣扎的、不安的、甚至是恐惧的感觉，空中浓重的云朵也另添了几分压抑，作者应该意在借此来表现出自己对本国内战的排斥、不满和恐惧吧。
这幅画的创意来自于历史的现实，借助于同样是现实的人体，来表现出作者的所思所感，但同时超越了现实，把人物零件化、扭曲化，从而更深刻地反映现实，也表现出画家极高的作画创造力和触知力，以及爱国主义的情操和忧国忧民的胸怀。
作者介绍：萨尔瓦多-达利(SalvadorDail),1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯,1989年1月23日逝世.西班牙超现实主义画家和版画家,以探索潜意识的意象著称.与毕加索,马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。
达利是一位具有卓越天才和想象力的画家.在把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面,他对超现实主义,对20世纪的艺术做出了严肃认真的贡献.达利的一生充满了传奇色彩.除了他的绘画,他的文章,口才,动作,相貌以及胡须均给欣赏他的人们留下了扑朔迷离的印象。
达利年轻时在马德里和巴塞罗那学习美术,曾兼收并蓄多种艺术风格,显示出作为画家的非凡技能.但是,直到20世纪20年代末期,才由两件事情促使其画风日臻成熟.一是他发现了弗洛伊德的关于性爱对于潜意识意象的重要著作;二是他结交了一群才华横溢的巴黎超现实主义者,这群艺术家和作家努力证明人的潜意识是超乎理性之上的"更为重大的现实".为从潜意识心灵中产生意象,达利开始用一种自称为"偏执狂临界状态"的方法,在自己的身上诱发幻觉境界.达利发现这一方法后,画风异常迅速成熟,1929～1937年间所作的画使他成为世界最著名的超现实主义艺术家.在他所描绘的梦境中,以一种稀奇古怪,不合情理的方式,将普通物像并列,扭曲或者变形.达利对这些物像的描绘精细入微,几乎达到毫发不差的逼真程度,通常将它们放在十分荒凉但阳光明媚的风景里,令人联想到他的故乡加泰罗尼亚地区.在这些谜语一般的意象中,最有名的大概是《记忆的永恒》(1931),画中以平静得可怕的风景为衬托,停留着一只柔软易曲,正在熔化的表。
中外美术概论[整理版]
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中外美术概论结课论文—中国美术和西方美术的对比中国美术和西方美术的对比摘要：通过对中外美术概论课的学习，进一步了解了中国的美术史与外国的美术文化，在对中西两种不同风格的作品的理解上，寻找二者的主要不同，本文主要以对人物的对比作为重点进行阐述。
关键词：中西对比中外美术概论的几节课下来，主要讲了中国与外国的不同代表时期的风格、代表人物、不同表现手法等。
虽然中方与西方二者都经历了时代的变迁，有其风格的变化与精进，但我认为它们都具有各自不同年代的共同点，例如中国古代的美术作品，传统的人物画造型都具有它统一的特点，：以形写神，不以时代的变迁而变化。
而在西方，各个时期均是以写实为主，主要描写了事物的形态。
它的特点可以归结为：写实美与理想美结合。
而这两点就成为了中西美术在造型上的最大的不同点。
中国的古人对神态的描写是很重视的，历代均如此。
在古代就有“画龙点睛”之说来说明古人对刻画眼睛的重视，为了达到生动传神的效果。
像是秦代的兵马俑，每个士兵的表情都有不同；西汉的马踏飞燕对马神情的刻画；东汉的“击鼓说唱俑”表情被刻画得极为生动传神；到五代南唐周文矩的《琉璃堂人物图》与顾闳中的《韩熙载夜宴图》，前者每个人姿态也都不同，把诗人的神情姿态和性格气质，描述的得细致入微，后者将韩熙载的面部表情与心理活动刻画的非常真实。
到后来的明清，依然不离其宗，曾鲸就有“如镜取影，俨然如生”的美誉。
几节课的中国美术史下来，总结中国美术人物造型的特点就是“讲究神似，以形写神，形神兼备”。
而西方的古典美学中就追求写实美与理想美的结合，这个观念一直贯穿于艺术家的创作和美学家的思想中。
在我看来，中国的美术就是对平面的表现，而西方的美术则是立体的表现。
而光与影就是他们善于应用的条件，在光的照射与影的表现下，人物的形象从平面变为了立体，也显得更加的逼真。
例如达芬奇的自画像，运用素描的黑白灰的关系，使人物的面部真实而有起伏，而素描成为最快速又可以准确表现人物形态的手法之一。
中外美术史论文
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
中外美术史论文
长安大学建筑学院中外美术史论文浅谈中国山水画与古典园林姓名：XX班级：XX学号：XX指导教师：XX浅谈中国山水画与古典园林作者：XX摘要一个时期的艺术会渗透到这个时期的方方面面，例如园林的营造艺术，凡属风景式园林或多或少地都具有“画意”，都在一定程度上体现着绘画的原则。
中国画与中国园林有着不解之缘，中国古典园林史表明，山水画与山水园林关系非常紧密，历代的文人、画家参与造园蔚然成风，不少园林作品直接按某个画家的笔意，某种流派的画风来造园，以画论代园论指导园林设计的手法屡见不鲜，长时间的发展而形成了“以画入园，因画成景”的传统。
现在将从两者的关系，从立意，构图，空间布局等方面的共同点来阐述山水画渗透于中国古典园林中。
分析美术与园林，两者之间的联系。
正文一.中国山水画的演变历程山水画的出现历史悠远，山水画始于魏晋南北朝，真正发展于隋唐。
隋朝时期，从创作的题材来看，出现最早的是人物画，最初描绘山川风光是作为人物画补景出现的，现在能看到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》，到了秦汉时期，着重描绘劳动生活的场面，统治阶级士大夫文化开始占主导地位；到魏晋时期，山水画逐渐有了意境，不再是具象的东西，也开始出现适中的真意深情。
山水画的发展，首先表现在隋代和唐初的大兴土木工程即宫殿、台阁的大量建筑上。
在设计建筑的时候，便要绘制大量的山水背景，出现了李思训、吴道子、王维等人。
唐末、五代、宋初产生了“百代标程”、“照耀千古”的大山水画家，如孙卫、荆浩、李成、范宽、董源等等，都是前无古人，后启来者的大画家。
这段时间的大山水画家多位是隐士，他们的山水画成就特别高。
隐遁山林的画家，自然以山水为主，所以北方的人物画、花鸟画不是特别好，而山水画出名。
他们都成功地刻画出北方地区山密浑厚、势壮雄强的特色，称北方画派。
其实五代宋初时期的南方山水画成就也不低，南唐的大山水画家董源、卫贤、赵干等成绩很高。
由于南唐的群臣都是文学和艺术上的能手，所以南唐绘画，诸如花鸟、人物、山水都达到了很高的成就。
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰
《中外美术史》结课论文意大利文艺复兴三杰专业、班：建筑与城市规划学院艺术设计系1102班学号：U201114581姓名：丁雨晨公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。
他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。
“文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。
在这一变革中，出现了不少伟大的人物，最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志，达·芬奇的艺术深沉、含蓄、富有理智、充满智慧，而米开朗基罗的艺术博大、雄伟、富有激情、充满力量，三人作画，画风迥异，各具造诣。
他们的出现，集中体现了欧洲文艺复兴时期美术的高度成就及其重要特征。
的确，作画也是一门艺术，画里透射出的有作者的个性、作者的风格、也蕴含着作者寄予的情感、透露的社会现实。
因此看画，品画也是从另一个层面去了解作者，了解作者作画时的心境，了解他所在的社会环境以及他在画里寄予的情感。
达·芬奇是意大利文艺复兴时期的一个博学者，被誉为“全能天才”，：除了是画家，他还是雕刻家、建筑师、音乐家、数学家、工程师、发明家、解剖学家、地质学家、制图师，植物学家和作家。
他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信,一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学,美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。
把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。
坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。
2023年美术史结课总结范文
2023年美术史结课总结范文美术史课程是一门让我受益良多的学科。
在这个学期的学习中，我对艺术和美术史有了更深入的了解，并且培养了对艺术作品的鉴赏能力和对艺术家的欣赏之情。
通过学习不同的艺术时期、艺术流派和艺术家的作品，我对艺术的理解也得到了拓展和加深。
首先，在学习美术史的过程中，我了解到了不同艺术时期和流派的发展历程和特点。
从古希腊罗马时期的古典主义到文艺复兴时期的人文主义，再到现代主义和后现代主义，每一个时期都有其独特的审美观和艺术表现形式。
通过比较和分析这些时期和流派的特点，我能够更好地理解艺术的演变和变革，以及其背后的文化、思想和社会背景。
其次，通过学习艺术史，我也学会了如何鉴赏艺术作品。
在课堂上，我们经常会观看一些艺术作品的图片或视频，并从中分析和评价作品的表现形式、艺术手法和主题。
我学会了如何看懂一幅画的构图和用色，如何分析一个雕塑的线条和形态。
在实践中，我也参观了一些艺术展览和画廊，并且亲自欣赏了一些艺术家的作品。
通过这些经历，我对艺术作品的欣赏能力得到了提高，同时也增加了对不同艺术家和其作品的兴趣。
最后，学习美术史还让我更加了解了艺术家们的创作思路和艺术理念。
每一个艺术家都有自己独特的创作方式和思想，他们通过艺术作品表达自己的情感、思考和对世界的理解。
学习他们的作品和生平经历，我更能够感受到他们的热情和对艺术的坚持。
而且，在学习过程中，我也意识到艺术家们的创作受到了社会和历史的影响，他们的作品也代表了他们所处时代的独特价值观和思潮。
综上所述，通过这门美术史课程的学习，我对艺术和美术史有了更深入的了解，并且培养了对艺术作品的鉴赏能力和对艺术家的欣赏之情。
学习美术史不仅拓展了我的艺术视野，还使我更加懂得欣赏和尊重艺术的价值。
我将继续保持对艺术的兴趣和热情，在以后的学习中深化对艺术的理解和探索。
中外美术史教学论文
中外美术史教学论文中外美术史教学论文导语：中外美术史是各大高等院校美术专业的必修课程，目的在于让艺术类学生在了解美术历史发展的前提下，那么关于中外美术史教学论文怎么写呢？一中外美术史教学的现实状况当前我国大多数的高等院校，对于中外美术史的教授，都是分开进行的，中国美术史与外国美术史分别由不同的教师进行授课，教授的课程进度不一样。
多数高等院校的美术专业，太过于强调学科教学体系的严谨与完整，每个科目之间过分的孤立，相互之间缺少了联系。
而美术史纵向思维联系紧密，中国美术史与外国美术史之间的交叉联系太少，学生缺失了对于美术历史时间与地点上的概念，不利于学生对于同时期国内外美术发展状况的了解与分析。
很多学生对于历史上的美术发展现象与当时的时代背景之间的关系搞不清楚，对于中外历史的时间对接上不是特别清楚，整体上来说学生对于世界美术历史没有一个清晰的时间概念。
学习美术史论的时候，很多学生死记硬背，仍然达不到理想的效果。
导致这些问题的出现主要是由于中外美术史的教授内容与教授方式有关。
对于美术史课程的开设，我们必须充分认识到，美术史的课程进修的必要性，只有意识到美术史的功能意义，才能够激发学生学习美术理论的动力。
学生的全面发展，个人的文化修养与素质是必备的条件，然而美术专业的学习加强其文化艺术修养的主要途径就是对于美术史理论的研究，充分的了解历史上遗留下来的优秀美术作品，从中感悟到人生哲理，加深对人文哲学，传统艺术的理解，增强欣赏鉴别画作的能力，提升个人的审美修养。
二对于中外美术史课程的整合美术史依据历史的纵向发展为主要脉络，教师按照历史纵向发展的主线，将各个历史时期的画家、艺术作品、风格、审美特征、表达方式，集合历史背景，让学生了解各个历史时期的时代艺术、绘画特征、美术领域的发展与变化，时代变迁对于绘画艺术的影响。
另外，要考虑到美术史课程的自身特征，以及学生的实际状况，具体情况具体分析，展开对美术史教学体系的整改。
中外美术史欣赏论文
中外美术史工艺欣赏专业：工业设计班级：10-1姓名：张欣雪学号：8指导教师：陈婧中国明清时代的美术明代初年，社会经济的发展和城市的繁荣为职业画家的活动提供了有利的条件，绘画人才涌现。
其中，被称为院派和浙派的画家处于最显著的地位。
明代前期画家戴进、吴伟等人影响显著，以戴进、吴伟为代表的浙派画家，多山水、人物兼长，技法全面为文人画家所不及。
南宋以来长江下游的经济和文化不断发展，渐居全国先进地位。
明代海外贸易的中心从扬州下移到太仓和松江一带，生产变化首先在这一地区萌发。
苏州地区文化艺术发展，出现了不少学术思想和文学艺术卓有成就人物。
在炽盛文风的熏陶下，官僚文人大量贮藏法书名画、古玩器物和珍本书籍，营建私家园林，讲究饮食服饰器用。
明代中期在苏州地区形成“吴门画派”，标志文人画走向极盛的阶段。
逐渐取代宫廷绘画和“浙派”的地位，在社会上、尤其是在文人士大夫当中受到重现。
沈周、文征明和唐寅的花鸟画在艺术上有突出的创造，特别是沈周等人的水墨花鸟画。
他们运用水墨技法描绘花鸟虫鱼，草草点缀，情意已足，集周之冕的钩花点叶体，和林良的写意派，边文进的黄氏工笔一体，因描绘方法上的差异而成为明代花鸟画的三大系统，为写意花鸟画的发展作出了贡献。
而唐寅擅长画山水人物，写意花鸟绘画也有独到之处，全面的绘画功力为许多吴门画家所不及。
通过唐寅等画家不断的艺术实践和大胆的艺术创造，使文人画创作适应时代的变化，走上“雅俗共赏”、“文质相兼”的发展道路。
明代水墨写意花鸟画家当中革新精神最强、对后世影响最大的画家当推徐渭。
徐渭是一位具有创新精神的艺术家。
他极力反对摹古，力斥文坛的复古风气，文学上大胆创造的追求同样运用到绘画创作当中，建立了自己鲜明的绘画风格。
徐渭擅长水墨大写意花卉，发展了文人画以笔墨抒情写意的传统，一改吴派花鸟画自然秀润、恬静优雅的格调，形成乱头粗服、大胆泼辣、豪放雄健的画风，画作结合题诗和苍劲奔放的书法，表现画家倔强不驯的个性。
中外美术史思想总结范文
中外美术史思想总结范文中外美术史的思想是指对美术创作、审美观念以及美学原理的思索和总结。
通过对中外美术史的思想的总结，可以更好地了解和把握美术创作的规律和发展趋势，对于美术教育、美术研究、美术评论等具有重要的参考价值。
中外美术史的思想主要包括艺术观念、审美理念、艺术创作方法等方面的内容。
下面就这些方面的思想进行总结和归纳。
首先，艺术观念是中外美术史思想中的重要内容之一。
在古代，中外艺术家都将艺术视为一种超越现实、表达人类情感和思想的方式。
例如，中国古代艺术家强调艺术与自然的和谐，追求写意的表达方式，强调画家的意境和个性；而欧洲文艺复兴时期的艺术家则追求对人体的真实再现和透视的准确运用，强调理性和科学性。
可见，中外艺术观念的不同源于不同的文化传统和思想方式。
然而，随着社会的变迁和艺术创作技巧的发展，艺术观念也在不断更新变化。
例如，现代主义艺术家强调艺术的独立性和自由性，认为艺术不再需要对现实进行直接的再现，而应该追求抽象的形式和表达个人内心感受的方式。
而后现代主义艺术家则更加注重对社会现实的批判和反思，强调艺术与政治、社会等方面的联系。
其次，审美理念是中外美术史思想的另一重要内容。
审美理念是对美的价值和美的形式的理论化表达。
中外美术史中的审美理念在不同的历史时期和文化背景下也存在差异。
中国古代艺术家追求以自然景物为主题的山水画，注重意境和氛围的表现，追求“意、境、神”的传神之境；而欧洲文艺复兴时期的艺术家则更加注重对人体比例、光影和色彩的准确表达，追求对客观真实的再现。
然而，无论是中国还是欧洲的审美理念，都追求对美的感知和理解。
随着时代的推移和思想的变迁，现代和当代的审美理念不再局限于形式和对象的美感，更注重对个体经验和文化多样性的尊重和包容。
最后，艺术创作方法是中外美术史思想的重要方面。
艺术创作方法包括对材料、技术、形式语言等方面的研究和探索。
在中外美术史中，不同的时期和地域有着不同的艺术创作方法。
外国美术史期末论文(
外国美术史高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。
通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。
在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。
印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。
因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。
印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。
拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。
朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。
三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。
日出而作，日落而息，新的一天开始了。
这就是莫奈给我们的《日出印象》。
静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。
一种素描的风格，一种诗的意境。
观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。
而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。
中外美术史论文
以《墨葡萄图》和《最后的晚餐》为例，分析东西方美术的特点和异同学院：美术学院班级：艺12（2）班姓名：陈前学号：12173222在绘画上，中西的艺术比较，宗白华先生说得非常透彻：国画真像一种舞蹈，画家解衣番礴，任意挥洒。
他的精神与着重点在全幅的节奏生命而不沾滞于个体形相的刻画。
画家用笔墨的浓淡，点线的交错，明暗虚实的互映，形体气势的开合，谱成一幅如音乐如舞蹈的图案。
物体形象固宛然在目，然而飞动摇曳，似真似幻，完全溶解浑化在笔墨点线的互流交错之中! 西洋自埃及、希腊以来传统的画风，是在一幅幻现立体空间境中描出圆雕式的物体。
特重透视法、解剖学、光影凸凹的晕染。
画境似可走进，似可手摩，它们的渊源与背景是埃及、希腊的雕刻艺术与建筑空间。
中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。
中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。
中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。
中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。
中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于几何精神和理性的思考。
西方的画中,写实派要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
在徐渭的《墨葡萄图》中，就总体审美来讲，本图以水墨画葡萄一枝，串串果实倒挂枝头，鲜嫩欲滴，晶莹透彻，形象生动，茂盛的叶子以大块水墨点成，葡萄枝则用干墨勾勒，对比鲜明，，风格疏放，不求形似，但无处不神似，代表了徐渭大写意花卉的风格，也是明代写意花卉高水平的杰作。
中外美术史思想总结范文
美术史是一部记录人类艺术发展历程的宝库，它见证了不同时期、不同地域文化的繁荣与变迁。
通过学习中外美术史，我们可以了解到美术思想的演变、艺术风格的多样以及不同文化之间的交融与碰撞。
以下是对中外美术史思想的总结。
一、中国美术史思想1. 道家思想对美术的影响中国美术史中，道家思想对山水画的发展产生了深远的影响。
道家追求“天人合一”的哲学观念，强调人与自然的和谐共生。
在山水画中，画家以山水为题材，表达对自然美的追求，体现了道家思想。
2. 佛教艺术对美术的影响佛教传入中国后，佛教艺术逐渐融入中国美术。
佛教题材的绘画、雕塑等作品，反映了佛教文化的传播与发展。
佛教艺术强调表现人物的精神面貌，注重线条的流畅和色彩的应用，对后世美术产生了深远的影响。
3. 文人画的形成与发展中国文人画是一种独特的艺术形式，它以文人墨客为创作主体，强调个性表达和意境追求。
文人画注重诗、书、画、印的结合，形成了独特的艺术风格。
文人画对后世美术的发展产生了重要影响。
二、西方美术史思想1. 古希腊美术思想古希腊美术强调人体比例的和谐与美感，注重人物形象的塑造。
古希腊雕塑家米隆的《掷铁饼者》、菲迪亚斯的《命运三女神》等作品，体现了古希腊美术的精湛技艺和人文精神。
2. 基督教美术思想基督教美术以宗教题材为主，强调信仰的力量。
中世纪时期的拜占庭艺术、文艺复兴时期的宗教绘画，都体现了基督教美术的神秘色彩和崇高意境。
3. 文艺复兴美术思想文艺复兴时期，艺术家们追求“人文主义”的精神，强调人的价值与尊严。
达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等大师的作品，展现了文艺复兴美术的辉煌成就。
4. 现代美术思想现代美术思想强调创新与个性，打破了传统艺术的束缚。
从印象派、野兽派到立体主义、抽象表现主义，现代美术作品展现了艺术家们独特的艺术观念和审美追求。
三、中外美术史思想的交融与碰撞中外美术史思想的交融与碰撞，推动了艺术的发展与进步。
如佛教艺术传入中国，与中国本土文化相结合，形成了独特的佛教艺术风格。
中外美术史论文
浅析中外美术史【摘要】无论如何，不管是哪种美术史，它们都在历史中显示出一个共同的价值，那就是使我们获得了高度文化修养的那种古典文明的价值。
【关键词】莫奈；印象；美术史曾经用心观赏过一幅叫《印象：日出》的作品，就是这幅作品让我开始接近法国印象派大师莫奈。
这个男人十分崇拜光线。
他相信一件物体会随着光线的变化而不断变色、变形。
他在1873年创作的《窗前的卡蜜儿》。
一幅很美好的作品。
莫奈让卡蜜儿娇弱的身体支配着整个温馨的画面。
灿烂的夏日阳光，洒在她粉红色的洋装和橙色的簪花帽上。
而站在窗前的她，静默而怡然地看着屋外各种盛开的花朵。
而那些夹杂在其中的点点绿叶，让人不觉心旷神怡。
作为一个印象派画家，他眼中的黑色，并不是纯正的黑，而是由深紫、深绿、靛青三种颜色调和而成的。
莫奈把所有的热情投给了画布和各种美好的色彩,和明天的生活。
我觉得莫奈的画充满了生活的美好。
他与凡高同一时代。
但他朋友众多，生活也变得富裕，家人关系很好。
他的画像是少女的梦，但在尽力接近现实。
水中的光影用复杂的色彩──涂画。
我也很喜欢他画的海涛，有风的感觉。
莫奈是不是印象派里面比较温和的一个呢？我经常想这样的问题。
看看其他人的情况，高更有点人类学家的风采，梵高几乎不是正常人……起码莫奈看起来还真算是温和的。
无非都是些印象，不是日出，就是睡莲。
好像把整个调色盘直接倒在了画布上，但却注定流淌出不同的形态，隐约地告诉我们那会是什么。
只有到了莫奈身上，才能那么清晰的感受到，自由的意志，自然的奔放。
马奈之后，浸满油彩的笔作为情感的宣泄被普遍接受，但只有莫奈在五十岁之后在不尽其烦一遍又一遍的描绘不同的是光下同一幅景象，草垛，白杨，教堂，睡莲，河水。
自然是在重复中更生，那是她的神秘，更是她的美。
美术史课上完之后第一感觉是绘画是一种循环往复的过程。
从一开始最概念的绘画，到后来文艺复兴超写实主义的绘画再到后来又慢慢回到了概念化的绘画，我不知道这是一种文明的进步？或是倒退。
中外美术史论文2
论西方美术史简议古希腊与古罗马雕刻艺术姓名徐燕年级班级10227211专业包装艺术设计杭州电子科技大学新闻出版学院二零一一年六月一日摘要在整个西方美术传说中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。
西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。
古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。
希腊艺术是高贵的单纯，静穆的伟大。
罗马的雕刻艺术是师承希腊的，但与希腊相比又有其特点。
罗马雕刻艺术带有贵族的气息，人物雕刻大多以贵族、帝王为主，人物形象不及希腊生动、秀丽、而更多严竣、矜持的神情，但强调真实和个性。
关键词：古希腊；古罗马；雕刻艺术。
目录摘要 (2)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的关系 (4)1.1 古希腊与古罗马文化上的联系 (4)1.2 古希腊与古罗马的历史关系 (4)二、古希腊与古罗马雕刻艺术的区别 (5)2.1 古希腊雕刻艺术 (5)2.2 古罗马雕刻艺术 (6)2.3两者雕刻艺术区别的总简述 (6)三、古希腊与古罗马雕刻艺术的影响 (7)结语 (8)参考文献 (9)一、古希腊与古罗马雕塑艺术的联系1.1 古希腊与古罗马文化上的关系对于古希腊与古罗马雕塑艺术的关系，我认为：在西方美术传统中，古希腊和古罗马文化占有十分重要的地位，可以说整个西方雕塑的传统发源于这两大文明。
古希腊是位于伯罗奔尼撒半岛上的希腊城邦的总称，在古希腊兴起的数百年岁月里，古罗马只是意大利半岛中部拉丁平原上，台伯河畔的一个小小的城市。
希腊的艺术、哲学、宗教都极尽辉煌一时。
但是到了罗马崛起之后，这时的古希腊城邦已经逐渐的衰败。
不过罗马人相对贫乏的文化背景使得他们对希腊文化非常仰慕，大量的希腊人被聘为罗马贵族的家庭教师。
大量的希腊戏剧和文学被引入罗马的文化生活。
在当时，古罗马人受过良好教养的表现就是会读写说希腊语。
1.2 古希腊与古罗马的历史关系在公元1世纪，罗马征服希腊，古罗马是古希腊国土的征服者，却被古希腊文化所征服。
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室内壁纸的搭配设计
随着时代的发展，人们生活水平的提高，人类对于休闲、舒适的居住环境的要求逐渐提高，对于居住环境中的室内环境，壁纸的利用，无疑是不可缺少的。
壁纸作为美化环境的装饰材料，以不同的规格，应用在现代生活的各个领域。
它具有色彩多样、图案丰富、价格适宜、耐脏、耐擦洗等主要优点。
面对丰富多样的壁纸，需要我们去合理的设计搭配，进而满足对舒适居住环境的要求。
对于壁纸的运用，不同的环境、不同人群、不同年龄，性格需要不同的设计搭配，比如说我们的洗手间，这类可以选用树脂类的壁纸，树脂类壁纸防水性能好，水分不会渗透到墙体里面去，便于擦拭；颜色和样式可以选用树叶纹样的白色或浅黄色，浅蓝色等浅色壁纸，给人一种清洁卫生的感觉，能够适应大众人群。
而对于卧室、书房、客厅、等，应根据人的不同审美，性格，感观，年龄等因素考虑，进行设计搭配。
不同的颜色能够为居室烘托出不同的氛围，营造出不同的装饰风格，合适的色彩运用，配合家具的色调进行和谐搭配，便能让壁纸充分展现其色彩的无限魅力。
卧室、书房等需要人静思的空间，适宜选用亮度较低或冷色系的色彩以使人集中精力专注于思考，或平和浮躁的心绪。
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客厅可以选用白色为主基调，穿插使用淡绿色，淡黄色，可以通过灯光的颜色来调整壁纸变化，营造不同的色彩环境。
对于别的居室，还可以根据光线，选用趋中偏冷的色调，缓和房间的温度感；而背阴的房间，则可以选择暖色系的壁纸，增加房间的明朗感。
家居整体风格很大程度上是通过墙面装饰来体现，因此墙纸在家居装修中有着特殊的地位。
丰富多彩的墙纸既满足了不同装修风格的需要，又以完整、简便的方式彰显家居的个性和品位。
有人说墙纸就像是“家居的礼服”，让整个家都充满生动活泼的表情。