电影拍摄技法浅谈概述

导演、摄影画面处理之经验：北京电影学院院长/张会军

(2012-03-30 15:35:24)转载▼

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文化

拉片中注意的若干问题，拉片是学习的手段，是进行量化分析的细化方法：

景别与影片风格：景别的排列和节奏：时间，景别落差。景别的排列形成重复，重复是风格与韵律。

空间：电影空间是银幕空间，不是真实空间，电影摄影机有分解空间的功能，电影导演有组合空间的能力。注意机位跳跃的幅度，机位跳跃点越多，看见和再现也就越真实。要注意影片有多少空间形式。有些著名的影片只有黑夜，空间也拍摄得很好。

机位设定：电影的核心是摄影机，戏剧舞台的核心是人，观看方式和创作方式完全不同。

运动：摄影机的外部运动。目的：改变视点以及创造节奏。运动的速度决定了画面的运动。摄影机创造得复合运动所创造的画面视觉将是很精彩的。摄影师是很愿意在导演的意图下进行摄影机的运动。

色彩：色彩是人的情绪的外化，是个人心理的外延。要观察色彩的整体情绪基调和综合感觉。不要单独的局部和场次的色彩。

光线：唯美：是与生活不一样的，自然：是靠近生活又不与生活一样。摄影师是要在自然的拍摄中追求唯美。摄影的肖像光是我们摄影师的看家本领。摄影师必须控制光和使用光。是人物造型的关键。

角度：角度=视点，角度=构图。拍摄人的时候仰拍都是比较好看的，布光混乱，中国的电视播音员全部是俯拍，肩膀做得很窄。而欧洲的电视播音员总是仰拍5度到15度，肩膀得服装做得很宽。

区域曝光，局部处理：曝光的局部处理，该黑就黑，该毛就毛。

分析对话：对话是推动情节的最好方式，对话是开放的，动作是封闭的，分析说话的状态，速度、音量，说话方式，说话与动作的关系。美国动作片与语言没有关系，但是叙事一直在前进。

动作：有两种情况：是环境造成的还是内容造成的。动作是做出来的不是演出来的。在分析影片的时候，一定要将动作与摄影机的运动分开来分析，摄影机的运动是导演的表现方式，动作上一演员的表演方式。

影像透视：是否变形，现代电影的任务变形已经成为时尚，但是要注意变形是影片的风格还某场戏的手段。后者的表现力没有力量。一次手段，二次是重复，三次是风格、四次是大师

景深：可以形成场面调度，超焦距也是控制景深的方式，景深范围小的手段是吴宇森创造的，有许多美学意念。他的拍摄手段往往与高速拍摄连在一起的。

叙事主体：是人还是物，张艺谋的《大红……》《红……》中物与人是相同的主体。影调：是画面的明暗关系，例如《辛德勒的名单》的结尾。要学会影调控制。黑白拍摄要考虑影调的关系。即使拍摄彩色也要用黑白的观看方式比较一下明度关系。要学会用色调控制观众的视觉生理和规律。

视线：是语言以外的交流方式。看镜头和看画面左右效果不一样。视线一定是对应和呼应的。视线的作用，在情节和景别构图中是很重要的。

轴线：一个场景中两个人物关系的变化，轴线是人物和机位的关系，要注意轴线是单一轴线和多元轴线。

调度；有两种：A在场景空间充分调度人。B调机位，用机位将人和场景调度和组织在一起。要分析机位如何表现人物，分析人物在场景和画面中的什么位置。人到环境到，人到光线到，人到形象到。是调度的方法。

位置：人在画面中的位置。人物的位置处理可以形成影片风格。同样的谈话戏，人物在屏幕上的什么位置上一非常重要的。

场景：常规场景有外景、内景、实景。三种场景在影片中的比例会对风格产生决定

性的影响。外景省钱，摄影棚费钱，外景出气氛，内景出戏，实景出调度。

镜头长度，影响到影片的长度和视觉生理压力。单个镜头长——视觉压力大；节奏慢——全片镜头数量少。国外电影一般1600—2200个镜头，国内是1500—1800个镜头。但是如何剪辑完全是感觉的过程。

镜头数量：现代电影观念，镜头数量越多视点越丰富，信息量也会大。镜头数量多将影响影片的叙事结构，运动镜头多镜头数量则少，也会影响到导演的叙事方式。气氛：环境气氛的渲染和音乐的渲染，气氛是虚的东西，无法量化，但是在对影片分析的时候要把握相关的内容。

拉片要随时记自己感受。

生活中也要随时记自己的感觉。

电影创作经验经典汇总

关于导演

导演不能轻易就改变自己的想法，错也就错到底，受所有的人指挥，导演就没有风格了。还会落得没有主见的下场。

风格和手法一定要有统一，没有统一的“风格”就是贬义词。

现在中国的电影就是缺乏反应镜头，没有对象和空间与观众交流。

拍戏中千万不要改戏，就是该戏的情节，但是导演可以改细节。

镜头的目的要先满足叙事，不要仅仅依靠叙事来表现，写意是形式方面的，写意主要是表现情绪。

要注意过渡戏的时间长短的适度。

在拍摄中，用分镜头图的方式拍摄将会使各种现场工作和相关的调度辅助部门变得非常的容易把握，资金预算也非常的明确。

借位置，借角度的合理性和可能性。

在创作的过程中，导演与演员、摄影师合作的方法是做减法，再做加法，不要一开始就用加法，是所有人的观点就不是自己的风格。

先拍过场戏，再拍内外结合的有灯光戏，让大家进入情景，再拍重要戏，最后拍重场戏。另外先拍长镜头戏，长镜头戏可以检验设制组的配合关系，可以检验人员素质和团结关系。

不变机位不变视点画面的趣味感就没有，主要是视觉不鲜明。

我国电视台播音员的脖子下面的黑影就是灯的问题，大部分是冷光源，光的影子形成其他造型，使画面效果很差，背后的景物应该比窗帘更深一点。满眼的蓝色背景，十分难看。

摄制组最有竞争的就是演员，戏的气势，台词的把握，但是演员之间的竞争的结果是容易不团结。

在拉片的时候一场戏的长度时间和镜头数量是研究及其戏与戏之间的比较是分析一个导演的态度和风格的重要参数，研究单一的镜头没有实质的意义。

纪录片和新闻采访拍摄中，人物经常换服装、换场景、换光效才能使画面丰富。场景决定空间形式，美术决定影像风格，演员决定表演风格，摄影决定动感风格，导演决定影片风格。

蒙太奇是不让观众思考，将主观的思维强迫的加给观众。这与长镜头的观点是相反的，让观众来自己感受是尊重观众的电影表现手法。

导演要控制实际演员的距离和表演者与摄影机的距离，控制最终的银幕形象

与观众的交流的感觉和效果。

导演的本能就是玩摄影机和演员的调度。

徐克电影突出人物和运动的横向与纵向调度，吴宇森注重演员与摄影机的关系，注意与背景的关系距离。

重视人物的出场方式，大特写出场，背影出场。

拍摄中演员的情绪必须中断和保持。拍摄中一定是跳拍，否则照明、录音就无法操