色彩一 静物画发展史
中国水彩静物画的民族化进程及特点
中国水彩静物画的民族化进程及特点〔摘要〕水彩静物画历经萌芽期、形成期和繁荣期三个时期的本土化，在不同民族化进程时期呈现出不同的艺术特点和鲜明的发展脉络。
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〔关键词〕水彩静物画民族化艺术特点一、中国水彩静物画的萌芽期:中西合璧的尝试十九世纪中期鸦片战争之后，清政府被迫打开国门。
学习西方科学、文化和艺术的热潮逐渐兴起，西方水彩画得以传播。
“它主要通过三条渠道传入:一是通过西方传教士输入，二是聘请国外教师来华传授，三是派遣留学生出国学习”。
[1]作为当时的中国水彩新力军，早期的留学生们希望摆脱照本宣科的临摹方式，立志学习欧美绘画新法来改造中国的美术。
萌芽期的中国水彩静物画作品在学习西画的摸索中，大部分表现出“中西合璧”的特征:在构图上，使用省略背景来突出主题的中国传统绘画手法，如李叔同早期东渡日本学习欧美绘画新法的水彩静物作品《山茶花》;而在造型上，开始采用西画立体造型的方式，刻画出光影的效果，如最早在上海“土山湾绘画馆”学西画的张充仁作品《黄鱼》;在色彩方面，有部分画家尝试以墨色为基调来添加强烈丰富的色彩来创作水彩静物画，如李铁夫的《瓶花》，其中国画笔法使得画风极其洒脱。
中国早期的留学生在水彩画中融入了中国传统文化的基因，他们是中国水彩静物画民族化的先驱者，开启了中国水彩静物画的萌芽期。
二、中国水彩静物画的形成期:中西绘画要素的有机融合二十世纪早期“五四运动”爆发，在蔡元培“美育”思想影响下，建立了一系列新型美术学校，欲将中国水彩民族化的呼声越来越强烈，水彩画进入中国历史上第一个发展高潮。
刘海粟创办上海美术院初期提出的办学宗旨:欲发展“东方固有艺术”、研究“西方艺术的蕴奥”，尽宣传艺术的决心;徐悲鸿在国立中央大学艺术系执教期间，号召校风应以“发展民族绘画”目标前进;林风眠任国立北平艺专校长期间，发表《致全国艺术界书》，发起艺术运动来唤醒民族觉醒。
静物油画发展探析
情感是画面背后的内容，在绘画静物时，画家不仅要描绘静物的外部形态，而且还要仔细观察和思考绘画的内容，对绘画对象进行特定的分析和选择。
本文对西方静物油画的发展历史进行了仔细的梳理，并分析了中国当代艺术家所创作出的静物油画作品，以进一步挖掘掘静物油画本身所具有的独一无二的形式美感，感受其中所蕴含的独特的情感内涵。
文章主要从静物油画的发展历程入手，从东西方两个角度分析静物油画的题材、技法，对每个时代的代表性画家进行梳理分析。
文章主要分三个部分：第一个部分简要阐述静物油画的起源与在油画创作中的地位；第二部分从西方油画发展史的角度切入，分析静物油画的发展；第三部分研究了中国近现代静物油画的发展，并与西方静物油画进行对比。
一、静物油画的起源静物油画，是很多画家喜爱和欣赏的一种艺术表现形式。
笔者理解的静物油画是以静态生命物体为绘画对象的画作，画家可以以静物为对象进行绘画并借其来表达情感。
静物画是艺术家表达情感的重要载体，也是艺术家和观众之间进行艺术沟通的桥梁。
画家优秀的画作一次又一次地给人们留下深刻的印象，如马蒂斯、莫奈、塞尚、莫兰迪等一个个著名画家，他们的不朽作品具有丰富的文化内涵和独特的艺术影响力。
在人类绘画的历史长河中，静物油画是各种文化碰撞交流所衍生出的产物。
文艺复兴时期一些画家开始注重观察现实世界，例如画家凡·艾克兄弟，不过其在进行绘画时只是将静物作为一种辅助，作为背景和道具，静物不具备独立性。
直到17世纪，静物油画成为一类重要的画种，得到进一步发展，逐渐成熟。
后来，在绘画大师的努力下静物油画从色彩到造型、从内容到形式都有了很大的发展和进步，如今更是成为较为流行的一种绘画种类。
二、西方静物油画发展史在古罗马帝国时期，在庞贝城遗址所留存的壁画中，就有不少独立的静物油画，可惜的是，中世纪宗教占领欧洲以后，只有某些静物可以作为宗教画中的象征物或背景点缀而存在。
在文艺复兴运动蓬勃发展的过程中，人文主义思想的发展使人们将关注的重点放在自己的生活及周边环境上，人们开始认识到静物油画的魅力，由此出现一批优秀画家。
色彩艺术的发展历史
色彩艺术的发展历史色彩艺术的历史可以追溯到古代文明时期。
在那个时期，色彩被用于装饰和艺术创作，以表达人们对宗教、文化和生活方式的理解。
在古代文明中，埃及人、希腊人和罗马人是最早使用色彩的民族之一。
他们使用天然颜料来绘制壁画、雕塑和建筑。
这些颜料包括黑色、白色、红色、黄色和蓝色等基本颜色，以及由这些颜色混合而成的各种中间色。
中世纪时期，色彩艺术得到了进一步的发展。
在这个时期，艺术家们开始使用更加鲜艳的颜色，并尝试在画布上创作更加逼真的场景。
这种风格被称为“哥特式艺术”，其特点是使用了大量的红色、橙色和紫色等颜色。
文艺复兴时期是色彩艺术的另一个重要时期。
在这个时期，艺术家们开始更加注重对自然和人类生活的描绘。
他们使用了更加丰富的颜色和更细腻的色彩对比来创作更加逼真的作品。
例如，莱昂纳多·达·芬奇的作品就是这一时期的代表之一。
19世纪末至20世纪初，色彩艺术经历了现代主义的变革。
在这个时期，艺术家们开始尝试使用更加鲜艳和刺激的颜色来表达他们的情感和观念。
例如，梵高、高更和毕加索等艺术家都尝试使用更加独特的色彩组合和对比来创作他们的作品。
随着时间的推移，色彩艺术不断发展和演变。
如今，色彩艺术已经成为了当代艺术中不可或缺的一部分。
无论是在绘画、摄影、雕塑还是其他艺术形式中，艺术家们都在不断探索和创新，以创造出更加独特和引人注目的作品。
王维，唐代著名的诗人，以其独特的诗歌风格和深刻的意象描绘而著称。
他的诗歌中充满了色彩的描绘，从自然景观到人物形象，都富有浓厚的色彩感。
这种色彩艺术不仅增加了诗歌的艺术表现力，也为我们提供了深入理解和欣赏其诗歌的新视角。
王维的诗歌中，对自然景观的描绘尤其引人注目。
他运用丰富的颜色词汇，勾画出如画的美景。
如他的《山居秋暝》中，“空山新雨后，天气晚来秋。
明月松间照，清泉石上流。
”诗人以丰富的色彩描绘出一幅宁静优美的山居秋景图，充满了诗情画意。
王维诗歌中的色彩并不仅仅局限于对自然景观的描绘，他还善于运用色彩来塑造人物形象，表达情感。
论写生油画静物的发展历程
论写生油画静物的发展历程作者：***来源：《美与时代·下》2021年第04期摘要：在西方绘画史上油画静物很早就存在，只不过一般都把它当作绘画的背景，直到17世纪才发展成独立的画种。
而它每个阶段又有不同的变化，从传统的表现手法上来说总体是以写实训练为主的。
写生油画静物不仅可以锻炼我们的写实能力，还可以培养我们的构图、造型、色彩和对物体质感的把控能力，也可以加深我们对绘画的理解和认识。
关键词：油画静物;荷兰;维米尔;夏尔丹;塞尚;莫兰迪一、油画静物的由来西方绘画史经历了漫长的发展历史，而静物画在17世纪的荷兰发展成独立画种。
静物画顾名思义就是要把静止的物体表现出生命力和艺术活力。
但是在早期西方绘画史上一些静物画仅仅在宗教绘画题材的背景中存在，把它当成一种烘托氛围的画面，而不是一个独立的画种。
在中世纪以后，如达芬奇《最后的午餐》、鲁本斯《和平赐福的寓意》的画中都出现了静物题材，但它们并不是以主题的形式呈现。
静物画直到17世纪才独立出来，形成独立的画种。
但是静物画的发展也经历过许多阶段，从无到有，从繁到简逐渐发展到高峰。
二、荷兰画家对油画静物的影响油画静物画之所以可以发展成独立画种，与荷兰派的发展密不可分。
17世纪荷兰艺术家追求真实的自然表达。
就像贡布里希所说：“艺术反映的自然總反映着艺术家本人的内心、本人的嗜好、本人的乐趣，从而反映了他的心境。
”[1]正是荷兰画家的这种追求才使静物画形成独立的门类。
同时，静物画在选材上种类繁多，有五颜六色的水果，也有闪光的瓷器和不锈钢器皿，更有色彩鲜艳的花束。
所以说，静物画在选材上比较自由，可以根据自己的喜好来挑选题材。
但是，静物画不只是单纯地表现真实，它更多是追求一种生命的活力和灵魂的契合。
所以，在西方美术史上产生了许多静物画大师，如维米尔、威廉·卡尔夫、夏尔丹、塞尚、莫兰迪等许多绘画大师。
他们都用不同的表现手法和不同的题材，将静物画发挥到极致，确立了静物画在历史上的重要地位。
浅析塞尚油画静物艺术的发展历程
浅析塞尚油画静物艺术的发展历程作者：吕成城来源：《文艺生活·中旬刊》2017年第05期摘要：保罗·塞尚是法国著名画家，是后印象派的领军人物，活跃于十九世纪下半叶并于二十世纪初被美术界尊称为“现代绘画之父”，由此可见他的出现对西方绘画的改革和震撼是空前的。
关键词：塞尚；油画；静物艺术中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）14-0078-01一、塞尚油画静物艺术的产生时期塞尚从小就对绘画有极大的兴趣，1861年他不顾父亲的劝阻，放弃了埃克斯法律大学的律师专业，独自前往巴黎的一家私人画室里专攻绘画，开始了他孤独而漫长的艺术之旅。
这是他第一次来到巴黎，很难在较短的时间内习惯都市的烦扰噪杂，父亲每月寄给他的一百二十五法郎勉强才够维持生活，如此种种使他对初期作品很不满意，最终未能考入巴黎高等美术学校。
由于生活和情感中的不稳定因素，塞尚在这一时期的艺术风格易于多变。
在他第二次重返巴黎的时候与印象派的数位画家交好，并对马奈的写实功力和色彩运用产生了由衷的敬佩，然而印象派过于强调色彩而对结构形体的忽略让他对接下来的学习很是不满。
他也曾一度热衷于德拉克罗瓦和库尔贝的古典绘画，不断临摹并从中学习，这使他对画面的结构和色彩感觉敏锐。
在他之后的绘画创作里我们可以看到浪漫主义的影响，画面变得紧凑、坚实，笔触粗犷有力，不过色调幽暗，整体略显阴森可怕的感觉。
直至1868年前后他听取了毕沙罗多去户外写生的意见，画面用色这才逐渐明朗起来。
在70年代初期，似乎是受到了巴洛克大师的影响，他的绘画又曾一度展现出激烈、暗淡和戏剧性的风格。
总之在塞尚艺术探索的初级阶段，风格变化不定，但始终不失准确的结构、和谐的形色等他个人独特的风格。
二、塞尚油画静物艺术的形成时期1872-1896年间是塞尚艺术风格的形成时期。
在瓦兹河上安威尔定居的两年中，他受毕沙罗、基约曼的影响较大，并听从他们的建议，摒弃了“大杂烩”式的画法，作品变得色调明亮，用笔准确，手法简练，这既是他对自己画面的严格要求，也是长期受印象派画家影响的结果。
静物画的概念及其历史
静物画的概念及其历史李本正静物画是把无生命物体作为单独主题来描绘、与表现趣味的一种特定倾向相一致的绘画门类,属于近代欧洲艺术的一个明确的方面,即本质上属于巴罗克艺术风格。
然而,它构成了一个远为广泛的倾向的一部分-一为其他时代和文化所共有,尽管在现代西方世界得到了它的一些最精细和敏锐的表现一一这种倾向趋向于具有与宗教的或历史一政治的需要无关而是从瞬间可见现实汲取的艺术灵感的母题。
这样,静物画在其特殊图像志范围的限度内具有某种示范性一既通过它在与典雅绘画的关系中所承担的有争议的责任,又通过它给予某种艺术家的艺术想象的余地。
概要。
术语。
古代绘画中的静物画成分。
在西方作为独立类型的静物画的起源:哥特式晚期到十七世纪初。
从十七世纪到十九世纪作为独立类型的静物画:鲁本斯[Rubens〕和斯奈德斯「Snyders〕。
水果与花卉画。
尼德兰的十七世纪。
佛兰德斯和法国的十七世纪。
西班牙的十七世纪。
卡拉瓦乔式静物画。
伦巴第人。
那不是勒斯人。
巴洛克晚期到十九世纪。
远东艺术可与西方静物画相比较的几个方面。
术语。
意大利惯用语“naturamorta”〔静物画」在很早的文献中尚未出现,如苏兹贝格[Sulzberger]的杰出研究(1945年)所表明的那样,这个惯用语创造于十八世纪中期,带有轻蔑的含意,仿佛与典雅绘画类型的’‘naturavivente”相对,而典雅绘画类型是得到学院传统承认的唯一的一些绘画类型。
在自瓦萨里〔Vasari〕始的~早期的艺术史编纂中,提到了“自然物体,动物,布匹,工具,花瓶,风景,公寓和草木”,如沃伦坎普[V orenkamp〕(1934年)证明的那样,在1650年前的荷兰财产目录中似乎使用了(对描绘水果、花卉、午餐、宴会等的图画的)类似提法,那时第一次使用了“viecoye”的措辞。
在低地国家的画室中,这个术语不久就被评为“stilleven”,此词与约阿希姆·冯·桑德拉特〔Joaehim vonSan击art〕应用于他的学生塞巴斯蒂安·施托斯科普夫[SebastianStosskopf〕(一597一1657年)的作品的术语“stillstehendeSaehen”相当,在德国和英国分别被译为“Stilleben”〔静物画〕和“stilllife”[静物画〕。
西方静物画的发展
西方静物画的发展▲西方的静物画，大约在古希腊的古典时期就已经产生了，其起萌还可以追溯到爱琴美术中的陶器彩绘，如其中以独幅画方法描绘的花卉。
若以动物画来看，则爱琴美术中已有独立的壁画作品来表现动物的形象。
▲随着欧洲文艺复兴运动的发展，肯定现世幸福的人文主义思想使当时的艺术开始关注和表现人的生活和生活环境，于是静物画作为独立的绘画题材在17世纪再度兴起并正式成为西方绘画的重要样式。
人类的绘画史经历了漫长的发展过程,静物画成为专门画种则开始于17 世纪的荷兰。
早在15 世纪,尼德兰的画家如凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴趣。
他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等就具有逼真的质感。
可是,这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具和背景。
直到17 世纪,静物画才成为重要的绘画样式之一。
在众多的大师们的努力下曾将这一画种从色彩到形式,从内容到造型,推向高峰。
▲静物画的发展,是由于人们对表达来之不易的安宁富足的生活,产生出由衷的喜悦。
也显示了人类社会对物质世界存在的依赖,品类繁多的蔬果鱼肉,标志着丰盛的餐宴,擦得闪闪发亮的日用器皿,显示出居室的雅洁和主人的勤快。
所以在这些刻意求工的静物画中,也不止是对于各种物质特性单纯的“模仿”,它们还是表现了人们的生活状态、人们的精神需要和对于生活的理想。
从而产生了众多的艺术大师如:夏尔丹、塞尚、凡高、雷东、毕加索等,都曾将静物画发挥到极致,独有其特有的艺术品位,确立了各自在世界画坛的显赫地位。
▲静物画起源于荷兰。
荷兰画家中那些善作小画的人,也有“荷兰小画派”之称,为我们开创了除人物以外的新领域———风景创作和静物创作。
在他们已经安定的乡土上,比其他人更能体会到一架风车、一座水力磨坊、一条村路、一片果园的魅力。
他们觉得,真切地描绘出来的这种现实,足以赏心悦目,用不着以幻想或灵光再加装点。
▲从技巧方面看，当时主要使用明暗造型手法，能够表现物体的体积感和质感，对构图、空间、透视的处理也有一定的认识，可以说这是西方静物画的第一个发展期。
国画静物提名大全
国画静物提名大全【原创版】目录一、国画静物的历史发展1.古代国画静物的起源2.中世纪国画静物的演变3.近现代国画静物的发展二、国画静物的艺术特点1.线条的运用2.水墨的渲染3.构图的表现三、国画静物的代表作品1.《桃熟季节》2.《旧书》3.《瓶花》四、国画静物的现代发展1.传统与现代的结合2.国画静物在当代艺术中的地位3.国画静物的未来发展趋势正文一、国画静物的历史发展1.古代国画静物的起源国画静物作为中国绘画艺术的一个重要分支，它的起源可以追溯到古代。
在古代的绘画作品中，静物并不是作为独立的绘画主题出现的，而是常常与其他主题相结合，如花鸟、山水等。
古代国画静物多以寓意为主，通过对静物的描绘表达画家对生活、社会、自然的思考和感悟。
2.中世纪国画静物的演变随着绘画艺术的发展，国画静物逐渐从中世纪开始独立出来，成为一种独具特色的绘画主题。
中世纪的国画静物以工笔画为主，注重细腻的描绘和形象的逼真，同时也开始运用水墨的渲染技巧，使静物更加富有层次和立体感。
3.近现代国画静物的发展近现代国画静物在传统的基础上，吸收了西方绘画艺术的一些技巧和理念，使静物绘画更加丰富和多样化。
近现代国画静物注重表现画家的个性和情感，通过色彩、线条、构图等手法，展现画家对生活的感受和理解。
二、国画静物的艺术特点1.线条的运用国画静物在绘画技法上，最突出的特点就是线条的运用。
中国画强调线条的韵律美和力度感，通过线条的粗细、虚实、疏密等变化，表现出静物的形态、质感和空间关系。
2.水墨的渲染水墨的渲染是国画静物的另一个重要特点。
通过对水墨的浓淡、干湿、渲染等技法的运用，使静物更加富有层次和立体感，同时也展现出国画静物独特的韵味和美感。
3.构图的表现国画静物在构图上注重平衡和和谐，通过对静物的布局和组合，使画面更加富有动感和生气。
国画静物的构图表现力强，能够表现出画家的个性和审美观念。
三、国画静物的代表作品1.《桃熟季节》《桃熟季节》是一幅典型的国画静物作品，画家通过细腻的线条和丰富的色彩，描绘出一篮新鲜的桃子，形象逼真，充满生活气息。
静物画的概念及其历史
静物画的概念及其历史李本正静物画是把无生命物体作为单独主题来描绘、与表现趣味的一种特定倾向相一致的绘画门类,属于近代欧洲艺术的一个明确的方面,即本质上属于巴罗克艺术风格。
然而,它构成了一个远为广泛的倾向的一部分-一为其他时代和文化所共有,尽管在现代西方世界得到了它的一些最精细和敏锐的表现一一这种倾向趋向于具有与宗教的或历史一政治的需要无关而是从瞬间可见现实汲取的艺术灵感的母题。
这样,静物画在其特殊图像志范围的限度内具有某种示范性一既通过它在与典雅绘画的关系中所承担的有争议的责任,又通过它给予某种艺术家的艺术想象的余地。
概要。
术语。
古代绘画中的静物画成分。
在西方作为独立类型的静物画的起源:哥特式晚期到十七世纪初。
从十七世纪到十九世纪作为独立类型的静物画:鲁本斯[Rubens〕和斯奈德斯「Snyders〕。
水果与花卉画。
尼德兰的十七世纪。
佛兰德斯和法国的十七世纪。
西班牙的十七世纪。
卡拉瓦乔式静物画。
伦巴第人。
那不是勒斯人。
巴洛克晚期到十九世纪。
远东艺术可与西方静物画相比较的几个方面。
术语。
意大利惯用语“naturamorta”〔静物画」在很早的文献中尚未出现,如苏兹贝格[Sulzberger]的杰出研究(1945年)所表明的那样,这个惯用语创造于十八世纪中期,带有轻蔑的含意,仿佛与典雅绘画类型的’‘naturavivente”相对,而典雅绘画类型是得到学院传统承认的唯一的一些绘画类型。
在自瓦萨里〔Vasari〕始的~早期的艺术史编纂中,提到了“自然物体,动物,布匹,工具,花瓶,风景,公寓和草木”,如沃伦坎普[V orenkamp〕(1934年)证明的那样,在1650年前的荷兰财产目录中似乎使用了(对描绘水果、花卉、午餐、宴会等的图画的)类似提法,那时第一次使用了“viecoye”的措辞。
在低地国家的画室中,这个术语不久就被评为“stilleven”,此词与约阿希姆·冯·桑德拉特〔Joaehim vonSan击art〕应用于他的学生塞巴斯蒂安·施托斯科普夫[SebastianStosskopf〕(一597一1657年)的作品的术语“stillstehendeSaehen”相当,在德国和英国分别被译为“Stilleben”〔静物画〕和“stilllife”[静物画〕。
中国静物油画发展述评
中国静物油画发展述评作者：吕小强来源：《文艺生活·文艺理论》2013年第04期摘要：静物油画艺术传入中国，至今不过百年的历史。
其发展大致可以分为四个阶段：从清中叶——20世纪是静物油画的引进阶段。
从20世纪初——1949年是静物油画在中国的起步时期，这一时期主要是爱国青年出洋留学，学习西方传统的静物油画技法。
从1949年——1978年是静物油画在中国的准备时期，在这一时期留学生回中国传授西方油画技法，为油画在中国的开拓作基础准备。
从1978——2005年是中国静物油画繁荣的时期，这一时期以郭润文、冷军、常青等人为代表，创作了如《沉浮》、《五角星》及一系列优秀作品。
关键词：静物油画；引入；发展中图分类号：J223 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）11-0203-01一、引进（清中叶——20世纪）油画的东来，最早作为宣传天主教的传教工具由欧州传教士带入中国，据记载在中国福建省莆田县内发现的木板油画《木美人》（现藏于广东新生会县博物馆），所绘汉装西洋美女，约作于十五世纪中叶，可见油画技法于西方完善不久，已随传教士出现于中国境内。
这是迄今为止我们能够发现的在中国出现的最早的油画。
油画静物《游鱼》是我们现今看到保存较好的作品，作者意大利人郎世宁，清康熙五十四年（1715）到中国，随即入宫，在中国从事绘画达50多年。
作品画在加厚高丽纸上，图中所绘两条游鱼，造型准确，结构严紧，色彩层次变化细腻，显现了画家较为深厚的素描功底。
这幅静物作品保留了欧洲古典油画造型的基本特点，同时也揉合糅和了中国画清晰、传神等特色而创造出一种新风格。
二、起步（20世纪初—1949年）19世纪末，光绪帝接受了康有为等人的建议而兴起的那场维新变法运动，废科举，建学堂。
在一些官办的新式学堂中，如南京两江师范学堂、北洋师范学堂都开办了图画手工科。
在此时更多的青年学子怀着振兴中华民族的理想，远渡重洋，最早的是1887年李铁夫留学英、美，此后较早的有1905年李叔同、曾孝谷留学日本，1907年李毅士留英，1915年之际台湾美术家黄土水、刘锦堂（王悦之）留日等。
论写生油画静物的发展历程
论写生油画静物的发展历程
写生油画静物是油画中的一种重要表现形式，其发展可以追溯到古希腊时期。
在古希腊和罗马艺术中，静物作品是一种重要的表达手段，用来表现物体的形态和纹理。
在文艺复兴时期，写生油画静物成为了欧洲绘画的主要形式之一。
此时，画家开始尝试通过写实的手法来表现物体的光影效果和色彩变化，使得画作更加真实、自然。
在17世纪，荷兰画家弗拉门戈开始尝试创作写生油画静物，并
开创了荷兰静物画派。
这些画家通过用光线照射静物来表现光影效果，同时注重细节和物体的纹理，创造了独特的写实风格。
18世纪和19世纪，写生油画静物逐渐成为了欧洲绘画的主流形式之一。
此时，画家开始尝试探索静物的情感内涵和象征意义，并通过加入人物或场景来表达更深层次的含义。
20世纪以后，随着艺术思潮不断变化，写生油画静物的表现形
式也发生了变化。
现代艺术家不仅注重静物的视觉效果，而且更加关注其象征意义和哲学思考，将静物作为表达自己思想和情感的媒介。
总的来说，写生油画静物的发展历程是一个不断探索和创新的过程，表达了人们对物体和自然的不断探索和感悟。
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浅析静物画的发展与演变
AbstractStill life as an important branch in the system of oil painting, at first it only serve as the ornament of the religion, history, portrait and background, then it gradually developed into an independent type, finally it presents the aesthetic trend of the development of diversification. This article studies the development history of still life, for each time the corresponding representative painters and works analysis of carding, grasp the aesthetic ideology of The Times, different from the development course of still life sums up the law of development of era of aesthetic.The paper will be divided into three chapters; the first chapter briefly explains the meaning and origin of still life. The second chapter discusses the development course of still life from three aspects in detail: the painting performance of the subjects, quietly still life of material technique and still life expression language development and evolution. The third chapter expounds the exploration of still life in contemporary Chinese, discuss and summarize with the author's work.Key words: Still life; Development; Evolution目 录摘 要 (I)Abstract (II)绪 论 (1)（一）论文的选题与现状 (1)（二）论文选题的意义 (1)（三）论文研究方法 (1)一、静物画的涵义与起源 (3)（一）静物画的涵义 (3)（二）静物画的起源 (3)二、静物画的发展与演变 (5)（一）静物画表现题材的发展与演变 (5)（二）静物画材料技法的发展与演变 (8)（三）静物画表现语言的发展与演变 (10)三、静物画在近现代中国的探索与发展 (15)（一）静物画在近现代中国的发展现状 (15)（二）静物画研习对我艺术创作的启发 (17)结 论 (20)参考文献 (21)附 录 (23)致 谢 (24)绪 论（一）论文的选题与现状静物画从一开始作为宗教绘画的背景与点缀存在，到作为西方绘画体系的分支独立出来，从附属地位发展成独立的画种，经过几个世纪的发展，最终呈现出审美的多元化趋势。
论西方静物画构图形式的发展演变
论西方静物画构图形式的发展演变作者：李宜丹来源：《中国校外教育·理论》2009年第14期【摘要】静物画是西方绘画中的一个重要题材,它以日常生活中静止的物体为主要描绘对象的绘画。
西方静物绘画的构图形式不是一成不变的,它在探索艺术的历史长河中不断的被认知,同时也在变化中不断的发展和演变。
它为当代艺术,尤其是静物画教学提供了弥足珍贵的借鉴与启示。
【关键词】西方静物画构图形式一、从萌芽到17世纪:自然美的注重,随意而充实从古希腊到中世纪,可以说是西方静物画的一个萌芽发展期。
我们看到常常是作为宗教画或肖像画背景上的点缀,被摆放画面的角落里,保持构图上的一种画面的稳定或代表着一种象征、寓意。
此时对构图、空间、透视的处理只是有一定的认识。
构图形式美以一种平衡感表现出来,而静物画成为独立的绘画样式是从16世纪开始的,静物画的构图体现出宁静、简朴,空间和色彩关系极其和谐的形式美感。
在构图形式上以自然如实的再现对象为美。
如卡拉瓦乔早期代表作《一篮水果》,鲜明而实在的水果、竹蓝、干枯的叶子,以及这如实刻画的苹果上的虫子眼:明晰而结实的轮廓,单纯而质朴的光线,其体现了意大利绘画在构图形式上的节奏感和壮丽表现。
到了17世纪静物画正式成为西方绘画的重要样式。
尤为典型的荷兰的静物画,是在丰满的构图中描绘盛开的鲜花和新鲜的果实、盘中餐。
构图形式美感主要体现在布局的和谐、均衡的美感,包括色调的布局、运用上达到了体感与质感的统一。
如,在哈莱姆工作的克莱茨和海达是描绘餐桌物品的名家,两者所创作的《早餐用品》系列在静物的配置上注重形体间的差异、质感的呼应。
在构图上,物品比较集中,主体物置于画面的一侧,布局的气氛烘托得随意而充实,设置疏密结合处理得当,均衡的形式美感达到了画面的和谐统一,有舒服的视觉效果。
这些都是我们在静物画教学中值得借鉴的:如何配置静物,如何设置构图形式,使画面体现均衡的、安定的形式美感。
二、18世纪:构图美与自然美的结合,严密而生动如果说17世纪的荷兰画派是欧洲静物画创作的第一个高峰,那么18世纪以后静物画获得了广泛长足发展,产生了无数的佳作,风格也日趋多样。
[美术教育研究]浅谈欧洲静物画的历史与发展
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浅谈欧洲静物画的历史与发展马铁伟（锦州高等师范专科学校美术系）摘要：“睹物思人”，“物”牵动了每个人的感情，从而浮想联翩。
“物”中见人，这正在静物画赖以产生的生活和感情基础。
关键词：静物画；静物画家油画静物画里绘画的重要体裁之一。
在一幅优秀的油画物画中，我们可以看到生活中的真实，看到不同时代、不同作者所表达的极其丰富的思想内容的感情。
第一、静物画的兴起：早在欧洲距今约一万多年以前的“细石器时代”，人们就在岩画上曾描绘了当时人们用过的主要狩猎工具之一――弓箭，这可以称之为有记载的最古老的“静物作品”。
但油画静物画作为一种独立的绘画体裁，被人们广为接受则始于十七世纪的荷兰。
一六零九年荷兰逐步摆脱了西班牙王权统治获得独立，随着国内政治气候持续稳定，经济生活也逐渐繁荣，民众们的家庭需要用风景画和静物画来装饰他们的生活环境，需要用风俗画和肖像画表现他们的现实生活和自身形象，于是风景画和油画静物画也应运而生，据记载，当时全荷兰的静物画家多达500多人。
油画静物也和当时的风俗画、肖像画、风景画一样，继承了欧洲文艺复兴兴盛期的古典写实主义表现技法。
力求再现自然。
此时荷兰著名画家静物画的创造者简·代维兹·德赫姆（1600－1674）的作品、内容多是描绘鲜鱼、水果、花卉之类，反映出了当时市民生活的安宁与闲适。
这些画的幅面不大，但描绘的实的却很烦杂。
质感和细节刻划得十分真实鲜活。
力求再现自然，乍看非常朴实，却有着巧妙构思的静物写生画在当时受到人们的追捧。
第二、再现平民性情趣：十八世纪初，法国艺术上所追求的宏伟繁复的巴洛克风逐衰落，随之而来的是一种追求纤巧琐细的风气，这就是罗可可风格。
它极尽纤巧华丽之能事，讲求轻快、虚幻，甚至轻薄的效果。
这种艺术风格正好与其内容相适应，它的多是描绘宫廷生活，反映统治者生活的空虚与无聊。
这一时期的静物画大都描绘珠光宝气、金银器皿之类，如为了装饰宫廷和贵族豪华住宅的静物画《金盆与花》、《有地球仪的静物》等就是这个时期的代表作。
色彩静物画
色彩静物画可以与科技更加紧密地结合在一起，如使用编程和算法来生成作品，或者使用3D打印等技术来制作具有立体感的静物。这种结合将为艺术家提供更多的创作空间和可能性。
数字技术与色彩静物画的结合
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表现主义
抽象主义画家完全摒弃物象，通过线条、色彩、形状和纹理等元素来创造自己的艺术语言。
摒弃物象
抽象主义画家更注重形式和构成，强调画面本身的审美价值，而不太关注内容或主题。
重形式轻内容
抽象主义
04
色彩静物画的代表作品
表现特点
运用强烈的色彩对比和粗犷的笔触，表现了向日葵的热情与活力。
绘画技巧
采用厚涂法，使色彩显得更加厚重、浓郁。
文森特·梵高的《向日葵》
表现特点
通过细腻的色彩变化和光影处理，表现了池塘中睡莲的清新与宁静。
绘画技巧
采用薄涂法，通过多次叠加实现色彩的丰富与细腻。
克洛德·莫奈的《睡莲》
表现特点
以几何图形和鲜明的色彩表现静物的形态和质感。
绘画技巧
运用几何涂法，表现画面的立体感和空间感。
皮卡索的《静物画》
表现特点
版画的色彩表现一般较为简洁和概括，强调色彩的明度和饱和度，这种色彩表现技法和简洁的绘画风格对色彩静物画的创作也有着一定的借鉴和参考意义。
与版画的关系
色彩静物画主要通过色彩来表现物体的质感、空间感和立体感，需要掌握色彩的搭配和调和技巧。
不同画种的绘画材料、技法和表现力都有所不同，但它们之间也相互联系和借鉴，对于不同画种的技法和表现力的掌握有助于提高色彩静物画的创作水平。
与其他画种的区别与联系
06
色彩静物画的未来发展
当代色彩静物画在表现手法上呈现出更加多样化的趋势，不仅局限于传统的绘画材料和技巧，还融入了现代科技和各种创新材料。
文艺复兴时期，其粉彩与静物之美
文艺复兴时期，其粉彩与静物之美文艺复兴时期，许多画家开始喜欢用粉彩作画，因为粉彩的颜色极其有透明度，这样的人物审美形象更具吸引力！如加斯顿.布伊创作的《缎面的晚礼服》，这名少妇的粉色晚礼服，很好地烘托了她的曼妙曲线，即使是一个背影，也显得异常优雅，而且丰满圆润！粉彩画的出现，是绘画发展的重要因素之一，很多画家除了油画，都画过色粉画！如埃德华.德加，他创作的色粉画，直接用线条和色块来塑造人物，讲究的是手法要精准，情感的刻画要一气呵成，这样的画作才更有激情！如西班牙艺术家费利佩·桑塔曼斯，他的老师是粉彩艺术家本杰明·苏里亚，他创作的色粉画肌肤细腻水润，既有油画的质感，又有水彩的水润光泽！这是拉图尔1755年创作的彭帕特侯爵夫人肖像，粉嫩的脸颊，花枝招展明亮的衣裙，更具少女气质。
瑞士画家尼古拉斯·帕蒂创作的色粉画《夕阳》，水天一色，人与自然和谐相处！在国际市场上还有粉彩瓷、青瓷等，2000年，清乾隆粉彩花蝶纹如意耳尊以3，300万港元成交！所谓粉彩瓷器，它是吸收了中国绘画的表现方法，运用了多种色调，画面风格近于写实。
瓷面光泽透亮，粉润柔和，秀丽雅致。
粉彩又称粉色画笔，它并不是水粉画，而是干的特制的彩色粉笔。
这种颜料起源于16世纪，其色彩明快、颜色多样，就如蝴蝶翅膀上的彩色图案一样！这种画起来比较简单，不用准备颜料，只需用干的有颜色的粉笔，简单地画在纸上或画板上就行了!但并非每个人都能画出好的效果，还需要画家精湛的画技！如西班牙画家维森特·罗梅罗·雷东多的色粉画，更是美幻美伦，刻画了女性无与伦比的魅力！有时候如果你要调颜色，也可以用水粉颜料再涂抹一遍，这样既节约了色粉笔，又能使画面更加灵动透明优美！。
水粉静物画中笔触的演变与运用
水粉静物画中笔触的演变与运用水粉画是一种较为传统的绘画媒介，其独特的质感与表现力使其在绘画界得到了广泛的应用。
静物画是水粉画中一种常见的题材，通过对静物的描绘，可以凸显出物体的色彩、光影和质地等特点。
而在水粉静物画中，笔触的运用尤为重要，它能够直接影响到画面的视觉效果和艺术感染力。
本文将从水粉静物画的发展历程、笔触的分类与特点以及笔触的运用等方面分析水粉静物画中笔触的演变与运用。
我们来了解一下水粉静物画的发展历程。
水粉画起源于古希腊和中世纪的绘画艺术，但真正成为一种独立的绘画媒介是在18世纪末至19世纪初。
当时，法国画家儒勒·拉吕贝特(Julie Lavrut)和英国画家菲利普·霍克尼(Philip Hockney)等人开始在水粉画中探索新的表现方式，为水粉画的发展奠定了基础。
随着水粉画的不断发展，越来越多的艺术家开始尝试将其运用于静物画中，以描绘出物体的形态和质感。
接下来，我们来了解一下笔触的分类与特点。
水粉画中的笔触可以分为细腻的和粗犷的两类。
细腻的笔触通常用于描绘物体的细节和质感，通过层层叠加和混合不同颜色的水粉，使画面呈现出细腻的光影效果。
这种笔触的特点是柔和、细腻、线条不明显，但能够清晰地表达出物体的形态和质感。
粗犷的笔触则通常用于描绘物体的整体轮廓和结构，通过短促有力的笔触，使画面具有粗犷的质感和动感。
这种笔触的特点是有力、粗犷、线条明显，能够直接表达出物体的形态和结构。
水粉静物画中的笔触在画面的视觉效果和艺术感染力中起着至关重要的作用。
通过对笔触的分类与特点的了解，艺术家可以根据需要选择合适的笔触来描绘物体的形态、质感和结构。
合理运用笔触，可以使画面更加生动、真实和有力，从而提高水粉静物画的审美价值和艺术表达能力。
色彩发展史要高校美术必修
色彩发展史要高校美术必修一、人类认知色彩和色彩艺术表现、色彩材料运用的历史阶段人类对色彩科学认知和色彩艺术表现、运用色彩材料的重要发展阶段为：（一）原始材料技术掌握与粗率运用阶段这一阶段一般处于人类社会发展历史中的原始社会时期，人类的生产技术水平比较低下，只是初步掌握了几种色彩材料的简单使用方法。
在装饰色彩的使用中也只掌握了很少种类的色彩材料，赋色主要是为区别装饰图形使用。
在晚期的器皿设计中，由于长期的积累也形成了一定程度的审美观念模式。
最早掌握的颜料是铁红色、赭红色、黄色，其次掌握了黑色、白色和青色。
约公元前20000～10000年间的欧洲旧石器时期，居住于西班牙拉斯科、法国阿尔塔米拉洞窟的原始先民开始普遍使用着用矿物、动物材料为颜料绘制岩画的技术。
这些岩画一般使用赭石矿石研磨出的红、黄、棕三种颜色来描绘，以木炭为黑色，以动物脂肪、血液为调和胶1。
而不同质地的岩石成为人与自然最初合作时的底色材料。
说明这一阶段，人类还没有形成明确的运用色彩的审美观念，却可能逐渐产生了一些感受色彩的审美观。
在距今约为11000～18000年的中国北京地区山顶洞人遗址中，出现了具有明确装饰作用的染色文化迹象，主要染料为赤铁矿粉2。
中国新石器时期（公元前6000～前2000年）的一千余处遗址中都出现了彩陶，分布几乎遍于全国。
距今6000～7000年的浙江余姚河姆渡遗址第三文化层中曾发掘到一件木碗，外壁残留一点朱红色涂料。
经科学鉴定，涂料物质性能与汉代漆器的漆皮相似。
可以认定此时以朱红为涂料的漆器雏形已经形成。
这一阶段的色彩审美观念形态很微妙，只是基本区分图与底、此图与彼图的基础材料，少数形成了一种超越普通材料的装饰性法则。
至于究竟存在着多少装饰性审美愉悦的心理成分在内？所有结论都只是猜测。
可靠的结论只是“人类已经在使用超越自然分配意义上的色彩材料了”，从全球各地的遗迹出土状况看似乎大家普遍对红色和黑色发生了与众不同的情感，几乎所有原始文化和民族学学者都认为，与血液的色彩有着直接的关系。
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