浅谈当代艺术与设计的关系

浅谈当代艺术与设计的关系在很长一段时间里，不仅普通人们对于艺术与设计有着模糊不清的概念，就连一些专门从事这一行业的人也不见得能很好的把握，也总是模棱两可，捉摸不定。

通过学院举办的《当代艺术与设计座谈会》，邀请的嘉宾是今日美术馆的馆长——张子康先生（张子康，今日美术馆馆长。

1989年7月毕业于河北师范大学美术系。

1989年9月在《河北图书商报》任美术编辑。

1992年5月在河北教育出版社文化编辑室工作。

1998年9月——1999年7月进修于中央美术学院国画系山水画室助教研修班，现为今日美术馆馆长。

今日美术馆是以“民营非企业”，2002年由今日集团董事长张宝全先生创建并首任馆长，2004年底由张子康先生接任。

张子康先生还兼任《东方艺术》杂志主编。

今日美术馆系中国加入WTO后第一个按照国际美术馆规范建设和运营的纯民间美术馆。

今日美术馆无梁无柱全开放自由展览空间及恒温恒湿、自动展板、自动灯光、多媒体声光展示系统等，系中国美术馆最高硬件标准，同时也跻身于国际一流美术馆行列。

今日美术馆现有和正在筹建的下属企业有：今日美术馆出版社（香港）、今日美术馆杂志、今日美术馆网站、中国当代美术家数字资料库、中国当代书法家数字资料库、今日美术馆拍卖公司、今日美术馆画廊以及今日美术馆画院、今日美术馆研究院、今日美术馆艺术产业联盟等综合艺术产业实体。

今日美术馆在关注中国当代艺术和当代艺术流派及领军人物的同时，更注重对艺术市场的培育和发展，形成和国际知名美术馆、博物馆、画廊等艺术产业机构相适应的艺术运营模式，为当代艺术家及其艺术品提供一个面向世界的全开放式平台。

今日美术馆开馆的《彩墨江山展》、《流行书风展》，其鲜明的学术性以及在美术史、书法史上的重大意义不仅受到国内外媒体及艺术机构的关注，也给中国美术界、书法界带来强烈震撼，促进了中国艺术流派的形成和发展。

今日美术馆展览面积1800余平方米，展线长约1000余延米，其全开放自由空间和活动展板、活动灯光不仅能适应所有二维平面作品展览，同时更能适应雕塑、装置等三维空间作品展览。

）听了他的讲解以及他和设计系的老师的讨论，我对于当代艺术与设计的关系有点心得体会：对于当代艺术与设计的关系的理解事实上它们是即有区别又有着千丝万缕割不断的联系的。

在人类发展历史上，随着社会生产力的不断提升，艺术和设计在各自取得长足发展的同时，它们之间的关系相当微妙。

当代艺术与设计的关系是辩证的，当代艺术的发展对于设计会有影响，反过来设计的发展也影响着艺术。

一、当代艺术与设计的区别1、当代艺术与设计的概念纯艺术和设计有很大的区别，一个是以形态思维为中心的，一个是以逻辑思维引导形态思维的，如果和在一起，在各种具体问题上的冲突将是没完没了的。

包豪斯在魏玛时期曾经有过这方面的问题。

格罗佩斯在1919年建立学院时，根据魏玛共和国政府要求，把早就在魏玛存在的魏玛艺术学院的教育人员和部分管理人员收纳入包豪斯，很快，这些人员对于改革不满，从而出现了冲突，最后是格罗佩斯把这批人员全部分离出学院，另外成立了魏玛绘画学校，安置他们，矛盾才得到解决。

原因不是个人的，而是两个不同的学科——艺术和设计间的不同背景导致的。

我们这里所说的“当代艺术”中的“艺术”其实是非常个人化的东西，是艺术家情感，激情的表现，是为陶冶艺术家本人而创作的，很少带有功利性，是属于纯艺术。

法国前卫艺术杂志《艺术期刊》(Art Press)主编米叶(let)认为“当代艺术”产生二十世纪六十年代,确立八十年代。

事实上，“当代艺术”的说法自七十年代起逐渐代替了先锋和前卫的说法。

从广义上讲：“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。

之所以现在的展览普遍用“当代艺术”的提法，是因为用“现代艺术”的名词容易与已有过的“现代派艺术”混淆，同时，“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。

而设计是为他人服务的活动，是解决人造物与人之间的关系问题，比如汽车的安全性、舒适性、美观性的问题。

设计设计是处理人与物、人与人之间的重要活动，没有设计，人就不可能有良好的、安全的、舒适的、美观的工作与生存环境和空间，因此，设计不是一个可有可无的活动，而是与人的生活休戚相关的重要活动。

并且设计现在越来越注重广告效应，考虑客户的需求，是需要有人来买单的。

这与艺术为个人服务完全不同。

二、当代艺术与设计是紧密联系的1、当代艺术与设计的历史渊源数十万年以前，人类最早的历史时期，主要的生产工具是石器，而最早的则是打制石器。

人类首先在打制石器的过程中产生了对形体的认识和造型观念，有样式不同的盘状器、球状器和多面体器等。

虽然这种造物非常的原始，非常的粗陋，但由使用天然工具到制造工具，这是人类迈出的历史性的一步。

在这一步中，人类从动物式的本能劳动到造物的创造性的劳动，人不仅仅完成了自身的转变，成为了真正意义上的人，劳动的人，而且是会设计的人，创造的人，可以说人类的一切文化和设计正式从这一步开始的。

从旧石器时代到新石器时代这一漫长的时代中人类的体质和文化都经历了一个从低级到高级的发展过程，人类的造物一一石器的打制和设计也是这样，从粗石器到细石器；从一般石器到美玉；从简单打制到进一步加工、琢磨最后走向精致。

在旧石器晚明，人类积累了更多的造物只是和设计的经验，石器制造普追经过了第二次的加工，有细石器之称。

从旧石器时代中期后人类己经开始使用骨角工具，旧石器时代晚期，随着工具制造技术的进一步的发展，骨角器的设计与制造根据用途而趋于专门化，不仅仅有作为生产工具和武器的骨刀、骨傲、矛头、鱼钩和作为日常用具的骨刮、骨针，还出现了作为装饰品的骨制头饰，耳饰项圈等器物类型装饰品的出现，标志着人类另一类需求的产生，这就是对“美”的追求。

人们常说爱美是人类的天性，这种天性也许从人真正作为“文化”的人而产生时就同时存在了。

美由劳动而产生和创造的，美，也是设计的产物。

从石器的制造来看，磨制石器的出现，除了使刃部更为锋利和实用功能的因素以外，美的追求是一个重要的因素.格罗塞在《艺术的起源》一书中认为，一件用具的磨光修整也是一种装饰，他写道:“把一件用具磨成光滑平整，原来的意思往往是为了实用的便利比审美的价值要来得多.一件不对称的武器，用起来总不及一件对称的来得准确：一个琢磨光滑的箭头或者枪头也一定比一个未磨光滑的来得容易深入。

在每个原始民族中我们都可以发现他们由许多东西的精细制造是有外在目的可以解释的。

可以说，在实用之上或者说在实用之外，美的追求或者是装饰的追求己经成为人们努力的目标和动力。

美感是人类在自身的进化过程中通过劳动和创造逐渐生法和形成的。

即人类最初的审美惫识和审美情感不是天生的，而是在劳动中、在创造和使用工具、用具的过程中产生和发展的。

由此表明使用和装饰是统一的。

2、当代艺术与设计的紧密相连的关系2.1艺术的审美功能帮助大众更好的接受设计现代主义设计在30 年代末迁移美国之后，与美国所谓的“富足”社会相结合，进而演化成一种国际主义风格。

而这种国际主义风格严格遵循功能主义、减少主义(less is more)的原则，为了达到形式上的减少甚至漠视功能。

原本在欧洲忧国忧民的现代主义设计思想被美国的富足抽掉了，只剩下一个躯壳，日益走向形式主义道路。

也就逐渐失去了往日的勃勃生机。

其貌似高尚的理想主义、乌托邦色彩被怀疑。

他的垄断的近乎独裁的单调风格受到挑战。

其次在历经两次大战之后，造成了世界范围内的生活贫困与物质匮乏。

人们在没有满足物质需求的同时是无法追求精神享受的。

造型简洁，没有多余装饰的现代设计产品不仅适宜于大批量生产，而且大大降低了生产成本，使多数人能够承担。

而战后随着各国经济的恢复，人们的物质生活不断得到满足。

物质文明的高度发达，在人们对物质需求渴望得到满足的同时，也营造着精神上的极度匮乏与空虚，这就需要“个性化”、“人性化”的产品来抚慰和平抑人们难以企及的心灵渴望。

这时，人们对产品的要求已不仅仅停留在对功能的满足上，而是追求精神上的愉悦：即满足审美价值和文化价值。

那么，如何使大众更好的接受设计呢？首先，立体主义和未来主义都把普通批量产品作为一种艺术品来表现。

杜查普买了一只廉价的铁质瓶架，称它为一件艺术品，与杜尚把小便器命名为《泉》后拿去参加艺术展览不谋而合，他们都反传统的表达了自己对艺术的理解。

勒加更是直接以机械为主题，创作了《机械的要素》这幅画。

他们的这些艺术作品都在一定程度上引导了大众对机械喜爱。

再者，机械本身的形式是难登大雅之堂的，只有通过某些艺术的手段装饰才能改善其美感。

第一是从形态上，立体主义就给了设计很好的启示，它的基本原则是用几何形来描述客观世界。

毕加索就对自然的题材进行了抽象，到后来更加强烈的趋向于与机器美学相联系的几何化。

这些艺术形式帮助设计师把纯机械的东西进行美化，抽象化，使得大众更好的接受了设计。

第二是从色彩上，风格派也给了设计很好的启示。

他们要求绝对的抽象，追求将线条、块面和色彩等相互冲突的元素构成整个均衡而和谐的画面。

比如著名的画家孟德里安，他用最简单的几何形式和最纯粹的色彩绘制出了很多很优秀的作品，而设计师利特维尔德就从他的画里获得了启示，创作了著名的红蓝椅。

2.2对艺术的学习研究能给设计师设计灵感在做设计的时候会遇到瓶颈，觉得进行不下去了，这个时候该怎么办？其实，对艺术的学习和研究往往能启发设计师的设计灵感。

比如，在20世纪50年代的时候，当代主义蓬勃发展，在居家环境中体现出来的非正式化已经不适宜当时商业界秩序与效率的要求了。

设计师们从艺术家阿尔伯斯对视幻艺术的研究上获得了灵感。

视幻艺术强调黑白的几何形式构图，在产品设计上多采用圆柱体、立方体等简单的集合形状，选材上广泛采用不锈钢、镀铬金属、玻璃等工业材料。

从而形成了“新现代主义”。

OMK团队从这些启发中设计了很多优秀的圆桌和椅子。

在我们平时做设计时多看看艺术类的书也是非常重要的，因为从里面我们可以得到很多的灵感。

2.3艺术流派对设计的促进其实纵观设计的发展，与艺术的发展是紧密相连的。

每当一个新的艺术革命或者艺术流派兴起，都会对设计产生很大的影响。

每一个艺术流派都有自己鲜明的特点，他们清晰的甚至极端的表达自己对艺术的理解。

这些艺术流派对设计有着非常大的促进作用。

比如波普运动，它是一场广泛的艺术运动，反映了战后一代的青年力图自我表现、追求标新立异的心理。

他使得当时的设计强调新奇和独特，大胆的采用丰富的色彩。

虽然它没有经历很长的时间，但他对色彩利用和表现形式方面对设计领域如吹进了一股新鲜空气一样，影响深远。

当代艺术和设计谁也离不开谁。