全世界最厉害的合成大师Christophe Gilbert的创意摄影作品
爱德华·韦斯顿神来之“笔”,一只辣椒也能拍出人体
Old photos/老照片Old photos/老照片爱德华·韦斯顿，全名爱德华·亨利·韦斯顿（Edward Henry Weston），于1886年3月24日出生在美国芝加哥。
虽然家境不太富裕，但是家里充满了艺术气息。
祖父爱德华·佩森·韦斯顿（Edward Payson Weston）是一名文学博士，也是弗雷明翰地区一所私立学校的负责人，他培养了韦斯顿对于文学爱好的兴趣，这对韦斯顿后来摄影艺术的发展产生的巨大的影响。
父亲爱德华·伯班克·韦斯顿（Edward Burbank Weston）是一名受人尊敬的医生，他培养了韦斯顿坚毅的性格，也无意中改变了韦斯顿的一生，也间接地改变了世界摄影史的发展。
他曾是一位工于生计的摄影匠人1902年8月，在韦斯顿16岁的时候，收到了父亲寄来的一台柯达公牛眼2号相机，此时他正在美国风光优美的中西部度假。
这台相机，让韦斯顿产生了浓厚的创作兴趣。
然而，这台相机并不能满足他对摄影更深层次的追求。
在返回芝加哥后，他每天步行10英里去上学，同时戒掉零食，甚至课余时间去打工，目的就是攒钱购买相机。
终于，他攒够了11美元，咬牙买下了一部配有脚架和滤光镜的5×7英寸的二手大画幅相机。
这台相机拍摄的作品，让他欣喜若狂，从此正式踏上追求摄影艺术的道路。
在学生时代，韦斯顿没有按期完成学业。
离开学校后，他从事了很多工作，并不停地更换新工作，还一度成为专门登门拍照的人像摄影师。
“从摇篮里的新生儿到棺木里的死尸”，都曾成为韦斯顿的“模特”。
然而，这些拍摄并没有给韦斯顿的拍摄技术带来多大的进步，他仍旧是一位工于生计的摄影匠人。
这些反复平淡的拍摄工作，让韦斯顿感到十分苦恼，于是在1907年秋天，他报名参加了伊利诺斯摄影学院的摄影课程，并在6个月内完成了学业。
这是他一生唯一接受的正规摄影教育。
完成学业之后，韦斯顿先来到洛杉矶的乔治·斯特克尔人像工作室做了一名修图工，在1909年又转到路易斯·莫琼尼尔人像工作室成为了一名人像摄影师，在这里，韦斯顿充分展现出在摄影方面的卓越才华。
设计原理09235设计概论 考试内容要点全书整理
色彩性质和色彩关系 ①色相：是界定一种颜色时所用的名字，它指的是颜色最单纯的状态，是色彩特质的基础； ②明度：是指一种颜色的相对亮度或暗度； ③纯度：也称浓度，是一种颜色的明亮或晦暗程度； 我们很自然会认为在色相环上两个相邻的颜色有着共同的特质，她们可以相互混合，相互和谐。
7. 肌理：又称质感或质地，是物质表面所呈现出来的色彩,光泽,纹理,粗细,厚薄,透明度等多种外在特征的综合表现 肌理包括：自然肌理，人工肌理 也可分为：触觉肌理，视觉肌理
1. 第 1 章 设计含义
1. 瓦萨里在 1563 年带着一批画家,雕塑家和建筑师脱离原理所属的手工业行会，在佛罗伦萨成立了西方第一所艺 术学院(Accademia del Disegno)，并首次用透视学,几何学,解刨学等理论科目代替了旧有工匠对徒弟的口传身授 2. 与 Disegno 相对应的是另一个词“经营” 3. 谢赫对“六法”的定义是什么 一气韵，生动是也； 二骨法，用笔是也；三应物，象形是也； 四随类，赋彩是也； 五经营，位置是也；六传移，摹写是也。 4. “至于经营位置，则画之总要”是唐代张彦远在其名著《历代名画记》中指出的，将”经营”上升为绘画技术范畴 的中心 5. 宋代李诫《营造法式》所谓“及有营造，位置尽皆不同”，与传入绘画领域的”经营位置”构成呼应。经营，作为 艺术概念，是空间，造型上的规划之意。而古汉语的“设计”核心含义是设想，运筹，计划与预算，与空间, 视觉没有紧密的联系。设计是人类为实现某种目的而进行的创造性活动。 6. 现代汉语所说的设计，通俗地解释为：在正式做某项工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法,图样等 专业解释为：设计是围绕某一目的而展开的计划方案或设计方案，是思维,创造的动态的过程，其结果最终以某 种符号（语言,文字,图样,模型等）表达出来 西方的 disegno 含义丰富，其本义是素描，还包括对规则与比例的规划处理，以及对某种观念的可视化处理等 现代设计的一般含义，指的是把一种计划,设想,规划,问题解决的方法，通过视觉的方式传达出来的活动过程。 其核心内容包括三个方面，即： ① 计划,构思的形成 ② 视觉传达方式，即把计划,构想,设想,解决问题的方式利用视觉的方式传达出来 ③ 计划通过传达之后的具体应用 现代设计的真正内涵是和时代社会结合，并随着社会发展而不断丰富和演化的。/ 从历史的角度看，设计的内 涵大多集中于功能和形式的关系,好的外形,符合功能等上面， 集中在功能和形式关系的平衡上。 / 扩展一些来看， 19 世纪末 20 世纪初，绝大多数的设计先驱都就形式与功能的问题进行探索，设计也被看作解决两者关系的重 要手段。 7. 设计产生的原因 ① 现代设计是工业革命造就的工业化大批量生产技术条件下的必然产物。 ② 是设计界改变以往专为权贵服务的方向，转而提出要为民众服务的口号下的产物，是 设计民主化的表现
设计与艺术之间的大师——记比利时国际设计大师保罗·易宝
雕塑 Ｓ Ｃ Ｕ Ｌ Ｐ Ｔ Ｕ Ｒ Ｅ ２ ０ ０ ７ 年第 １ 期 总第 ５ ７ 期
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OVERSEA
的主席 ＩＴＣ 在过去 ２５ 年里收集和收 藏了世界各国大量优秀的标志设计 现已拥有超过 １５０００ 名会员和大约 １５０ 名卓有成就的设计师作为它在各国的 设计特使 １９９４ 年保罗在比利时策划 并主办了首届世界标志节及 世界标 志设计纪念大会 并出任了这次大会 的主席
作为一位国际著名的设计家 保 罗 易宝到过世界上许多国家和地区 包括美国 加拿大 墨西哥 埃及 俄 罗斯 印度和中国 特别值得一提的是 他对中国有着非常特殊的兴趣和喜爱 在保罗城堡的 ４２ 个房间中 甚至有一 个专门陈列中国事物的房间 Ｃ Ｈ Ｉ Ｎ Ａ ＲＯＯＭ 房间里摆放着文革时期的毛 主席像 旧的 人民画报 一幅 中 比两国人民友好万岁 的 １０ 岁小朋友 的书法以及 中国结 各种书籍和用 品等他关于中国的全部收藏
保罗 易宝如今居住在安特卫普郊外一座天鹅湖式的古堡里 这座名为 Ｈｏｌｆ Ｖａｎ Ｌｙｅｒｅ 的古堡建于 １５１６ 年 已经有将近 ５００ 年的历史 它拥有 ４２ 个房间 一 片小型森林和自己的动物园 环绕城堡的水面上有白色的天鹅 在我们拜访他的季 节里 通往城堡正门的甬道上铺满厚厚的金黄色落叶
保罗 易宝是作为一位具有卓越才华和充沛热情的设计大师而闻名于世的 但 他同时也把自己称为画家和雕塑家 他的绘画是一种色域性的硬边抽象形式 相对 蒙德里安 莱因哈德或艾伯斯而言 保罗的色彩比较单纯而亮丽 较少使用复合色 灰色或沉闷抑郁的色彩 画面构图也更多活跃的因素 比如斜线和较为多变的分割
他的雕塑秉承着他的平面设计和绘画风格 大致可以分为三种类型 第一种类型是猫头鹰 可能是受到自己名字的暗示 他对猫头鹰这种动物可以 说是情有独钟 作为国际商标中心 ＩＴＣ 的主席 保罗曾经领导收集了大约 ４０００ 种趣味优美和富于创造性的动物标志图案 并出版过三本专业的动物标志书籍 其 中也包括他自己设计的几十种动物图案 但猫头鹰是他的最爱 在他的城堡里 在 院子里 客厅里和工作室里到处都是他的猫头鹰 写实的 构成的 收集的 设计 的 大的小的 红的绿的千变万化 层出不穷 第二种类型是现成品的装置 比如把五颜六色的彩色铅笔和红黄黑三种颜色的 小铁锹种在花盆中 或者把各种不起眼的日常用品 诸如钟表 眼镜 手镯 项链 等 收集起来 装在一个个的高脚杯或玻璃盒子里 在这个房间中我们可以看到沃 霍尔和利希滕斯坦的画 他们是他的好朋友 保罗 易宝第三种类型的雕塑是 彩色积木式 的 这是最具有他自己设计风 格的雕塑作品 甚至可以看作是他平面设计的三维空间版 这些雕塑的基本构成元 素是长方体和直角关系 间或出现其他形体或者倾斜关系 但都保持着变化中的均 衡 尽管其中有些雕塑是可以运动和旋转的 但它们的空间关系并不复杂 从表面 上看 这些雕塑似乎与极少主义有非常接近的东西 然而就其内在的精神气质而言 两者却相去甚远 极少主义的单纯和统一是现代主义形而上精神运动的哲学产物 而保罗的单纯和趣味则来自一种接近儿童游戏的率真 一件极少主义的作品并不好 玩 但如果把保罗的一个作品拿出来放在某个儿童的房间里 人们也许不会立即意
艾丽丝·尼尔：用绝望画出人类灵魂
1900年1月28日，艾丽丝·尼尔（Alice Neel，1900-1984）出生于宾夕法尼亚州梅里恩广场。
她的母亲是美国《独立宣言》签署者的后裔，父亲是宾夕法尼亚铁路公司津贴部门的会计，这是一个标准的中产阶级家庭。
然而在那个对女性的期望和给予的机会都非常有限的时代，女孩想成为艺术家，简直比登天还难。
在一次采访中她这样描述自己成长的地方：“我在那个小镇里长大，我讨厌那里，你知道一个愚昧落后的小镇是什么样子吗？……我的生活无聊至极，小镇里什么都有，就是没有一位艺术家或是作家，当年轻人从窗户探出身子，没有人会把这些场景写下来，当梨花在春天里开得烂漫，也没有画家会把它们画下来，但只有我有这样做的想法，但我还只是个孩子……”从小就想成为艺术家的尼尔高中毕业后参加对页罗伯特·梅普尔索普 （Robert Mapplethorpe）《艾丽丝·尼尔》明胶银版摄影 48.6×37.9 cm© Robert Mapplethorpe Foundation撰文=沈蓉 编辑=关月艾丽丝·尼尔，20世纪最伟大的美国画家之一。
然而，她的所有声誉只出现在她去世之后。
在过去的20年中，人们对她的作品兴趣呈指数级增长，一系列具有里程碑意义的展览和艺术史研究牢牢巩固了她在国际舞台上的地位。
用绝望画出人类灵魂艾丽丝·尼尔：了公务员考试，白天工作，晚上去夜校上艺术课，终于在1921年进入费城女子设计学院（现在的摩尔艺术与设计学院)。
1924年夏天，在一个暑期学校的绘画项目中，她遇到了“古巴人”卡洛斯·恩里克斯（Carlos Enriquez）（尼尔在回忆中总是用标签来指称那些在她生命中占据重要位置的男人）。
两个年轻人情投意合，迅速坠入爱河。
第二年，尼尔刚刚毕业两人便结了婚，一起前往古巴哈瓦那生活。
20世纪初，古巴经历了一系列政治运动和社会变革，包括民主革命和反帝国主义斗争。
组照《拿开以后》(removed)摄影师埃里克皮克斯吉尔专访
组照《拿开以后》（Removed）摄影师埃里克·皮克斯吉尔专访埃里克·皮克斯吉尔（Eric Pickersgill）一名年轻的美国摄影师，他的有关探讨人与掌上设备关系的系列照片《拿开以后》（Removed），拍摄时拿走人们手中的设备，但被摄人物仍然保持沉醉其中的日常状态，从去年开始引起媒体和很多人的广泛关注。
《大众摄影》作为首家中文媒体，采访到年轻的摄影师本人，让看过和没有看过这组照片的人们，能够了解更多背景并有所思考。
安吉和我(Angie and Me)，摄影师埃里克·皮克斯吉尔的自拍，2014菲利斯（Phyllis）坦尼娅和阿迪(Tanya and Addi)大众摄影：什么灵感促使你拍摄《拿开以后》系列？拍摄完以后对于你使用手机，或者你和妻子之间使用手机的情况有没有变化？皮克斯吉尔：系列照片的灵感来源于我坐在一家咖啡馆的早晨，在纽约州特洛伊的伊利姆咖啡馆，一个坐在我身边的一家人处于自顾自的状态，也不多话。
父亲和两个女儿把他们的手机拿了出来，母亲则没有拿着手机也可能把手机放在一边。
她发呆地看着窗外，看起来在这个家庭中有些落寞和孤独。
父亲不时地抬起头来宣布他在网上发现的还不为人所知的新消息，有两次有关一条大鱼被抓到的消息，没有人回应他。
我对此有些悲哀，用于交流的科技的使用恰恰并没有带来交流。
这在过去很少发生，我不能肯定我们是否触及到这种新体验带来的社会影响的表层。
这时妈妈也掏出了手机。
这一家子的画面，母亲的脸、十来岁的女孩、父亲的姿势以及他们盯着手机的专注神情深深印在我脑海里。
这是类似于你看到某种令人吃惊的事物的时刻之一，让你意识到究竟发生了什么，难以忘记的一刻。
我在杂货店、教室、公路边，甚至在我自己靠着妻子准备入睡前都看到类似的家庭场景。
我们背靠背地陷入我们小巧的、微冷、发光的手中那个玩意儿中。
在那次观察以后，有一个晚上我拿着手机看着就睡着了，手机从手中滑落到地板上。
超级写实主义
超级写实主义超级写实主义（Hyperrealism，又称高度写实主义），是绘画和雕塑的一个流派，其风格类似高分辨率的照片。
超级写实主义可以看作是照相写实主义（Photorealism）的发展。
自2000年代早期以来，该术语在美国和欧洲作为一个独立的艺术运动和艺术风格发展起来。
[1]历史莫罗·大卫（Mauro David）创作的一幅超级写实主义作品《水晶盘上的甜瓜》法语术语“Hyperréalisme”由Isy Brachot创建于1973年。
它是当年在他位于比利时布鲁塞尔的画廊的一个主要的展览的标题。
该展览主要是由美国照相写实主义画家组成，包括拉尔夫·戈因斯（Ralph Goings）、查克·克洛斯（Chuck些细节。
[7][8]他们经常省略人物的表情、政治价值和叙述元素。
照相写实主义风格演变自波普艺术，作品通常紧凑精致，线条分明，突出重点。
[9]超级写实主义则与之相反，虽然本质上参考照片，常常对描绘的主题处理得更柔软更复杂，使之表现成一个生动的对象。
超级写实主义作品中的对象和场景描绘得非常精致，创造出原始照片中没有的一个新的现实的幻想。
这并不是说他们是超现实主义，因为这种幻想是一个令人信服的描写现实。
纹理、表面、灯光效果和阴影画表现得清晰，比参考照片甚至实物还要鲜明。
[10]超级写实主义的哲学根源自让·鲍德里亚的理论，“模拟的东西永远不在现实中存在”。
（ the simulation of something which never really existed.）[11]因此，超级写实主义创建了一个虚假的现实，是一个令人信服的幻想，是基于现实的一个模拟。
超级写实主义绘画和雕塑作品是数码相机拍出并在计算机上显示的超级高分辨率的照片的副产品。
就如照相写实主义效仿模拟摄影，超级写实主义利用数码照片并扩展之来创造一个新的现实的感觉。
[12][2]超级写实主义绘画和雕塑使观众得到高清晰度图像的幻觉，但是比图像更细致。
安塞尔·亚当斯作品欣赏
安塞尔·亚当斯作品欣赏安塞尔·亚当斯（Ansel Adams,1902-1984），1902年2⽉20⽇⽣于美国旧⾦⼭，原籍新英格兰。
是⼆⼗世纪美国乃⾄世界享有盛誉的风光摄影家、摄影教育家、⾃然环境保护者，著名的“区域曝光法”的创始⼈，也是主张“纯摄影”的“f/64⼩组”的发起⼈之⼀。
少年时代学习⾳乐，14岁时与⽗母同游约塞密提国家公园，⽤⽗母赠给他的⼀台柯达布朗尼箱形相机拍出了第⼀张照⽚，从此开始了其辉煌的摄影⽣涯，并始终对约塞密提倾注着“百看不厌，百拍不烦”的感情，每年都要专门来这⾥拍照。
以约塞⽶蒂国家公园为题材的作品成为其经典的⿊⽩摄影作品中最著名的系列。
亚当斯拍摄的富有诗意的约塞密提的风景摄影作品系列，不仅吸引了千百万游⼈到那⾥，更使亚当斯获得了“约塞密提⼤师”的声誉，⽽且使得美国国会在1916年通过了国家公园法，开辟约塞密提为国家公园。
亚当斯还是⼀位摄影著作家和摄影教育家、环境保护者，从1960年到1979年的⼆⼗年⾥，共出版了⼗五部著作。
限量发⾏的影集《内华达⼭脉：约翰·缪尔之踪迹》，出版于1940年，全部收益都贡献作保护美洲杉和⼤峡⾕之⽤。
1980年，美国“荒野学会”（The Wilderness Society）为亚当斯设⽴了⼀个“安塞尔·亚当斯环保奖”（The Ansel Adams Conservation Award）,这也是“荒野学会”授予的⾄⾼荣誉。
Adams-001 冰峰冷⽉ Moonrise From Glacier Point(摄影师：安塞尔·亚当斯（美国）)Adams-002 特纳亚湖 Lake Tenaya (摄影师：安塞尔·亚当斯（美国）)Adams-003 半圆⼭，傍晚 Half Dome, Evening(摄影师：安塞尔·亚当斯（美安塞尔·亚当斯作品欣赏安塞尔·亚当斯（Ansel Adams,1902-1984），1902年2⽉20⽇⽣于美国旧⾦⼭，原籍新英格兰。
摄影与美术的融合
摄影与美术的融合作者：彭慧来源：《艺海》2008年第02期1839年8月的一天，法国学术院举行科学院与美术院联席会议，宣布摄影术正式诞生。
摄影术的产生给近代美术界注入了鲜活的血液。
并给美术界带来了巨大的冲击。
这种银版摄影术的发明人，就是著名的法国画家、物理学家达盖尔。
摄影一出现，就在科学与美术的雄厚基础上寻求自己的独立位置，如同月亮与地球，相互吸引而又保持着张力，一部摄影发展史，既是科学技术的发展史，也是摄影艺术独特语言的探索史(顾铮《世界摄影史》，浙江摄影出版社，2006-10-01)。
事实上，法国人尼普斯1826年成功地在白蜡板上摄制了世界摄影史上最早的一张相片(曝光8个小时)，然而尼普斯却把它称之为“日光绘画”。
画家们的最初反应是复杂的。
著名的古典主义大师安格尔说：“摄影术真的是巧夺天工，我很希望能画到这样逼真，然而任何画家可能也办不到。
”英国美术评论家罗斯金说：“相片真是太好了，把所有风貌形态都拍摄下来，甚至就是一个裂缝或斑点，也都能在一时之内很清楚地表现出来。
我们费几天工夫都画不好的画，利用摄影术只要用30秒钟就可以完成。
”许多画家转而搞起了摄影。
英国风景画家希尔，本打算给474名苏格兰教会代表画肖像，他发现使用摄影术更加令人轻松而满意。
这样，摄影从美术王国里不客气地割去了第一块领地，取代了大部分肖像画家的工作。
连浪漫主义大师德拉克罗瓦也在1851年兴致勃勃地创立了法国第一个摄影团体，他称照片“是自然的阐述。
它们揭示了自然的秘密”。
尽管在1859年的官方艺术展览会上已展出了少量摄影作品，但诗人波德莱尔却把摄影称为“艺术的死敌”。
他以讽刺的口吻抨击“只求真”的公众：“既然摄影给了我们所能希望的精确性的每一个保证，那么摄影和艺术就是一回事了。
”1862年，当法国官方宣布摄影是一种艺术时，一份以安格尔为首的大批艺术家签名的请愿书递呈官方，声明：“摄影永远也不可能和那些作为智慧和艺术研究的结晶的艺术相比。
乔治·伊士曼：摄影因为他,从最初的奢侈品变成了人人都懂的“照
乔治·伊士曼：摄影因为他，从最初的奢侈品变成了人人都懂的“照相”| 这个人有好奇心他是谁：乔治乔治·伊士曼（George Eastman，1854 - 1932），柯达公司创始人。
他是谁：乔治·伊士曼最早提出了“为每个人设计照相机”的想法，并通过技术和好奇心：乔治好奇心：服务的改进实现了这一点。
如果能坚持伊士曼一贯以来的做派——将最新潮的技术民主化，柯达在数码相机的时代也许不会落后那么远。
乔治·伊士曼去世时留下了两把鲁格尔手枪、胸膛上的枪孔，以及一张字条，上面写着：“我的工作已经完成，何必再等待死亡？”那是 1932 年，伊士曼 77 岁。
51 年前，伊士曼创立了柯达 (Eastman Kodak Company)，此后他完成的工作可以分为两部分，都围绕着照相。
一部分更像是技术活儿。
柯达最早的时候叫伊士曼干板制造公司，那是因为伊士曼在 1880 年利用自己研制的乳剂配方做出了干板胶片，而过去，人们用湿漉漉的玻璃做胶片，重且易碎。
五年后，这家公司又研制出了感光胶卷，这种胶卷也适用于托马斯·爱迪生在 1891 年发明的电影摄影机。
换句话说，后者借助了伊士曼的胶卷技术才得以面世。
胶卷在那时候还是个稀罕货，原因是大部分人都买不起摄影器材，也不了解如何使用照相机。
伊士曼开始考虑一个问题：“摄影是个奢侈品，它能民主化吗？” 1888 年，第一台自动照相机“柯达一号”问世了。
“你只需按动快门，剩下的交给我们来做。
”柯达当时的口号这么说。
这实际上是另一项更复杂也更重要的工作——伊士曼捕捉到，人们有了可以支配的休闲时间，有了按动快门的渴望。
“柯达一号”一开始遭到了专业人士和业余爱好者的拒绝，可这几乎是在意料之中的“好消息”——除了他们之外，潜在的市场还有多大呢？那是大众消费兴起的年代，伊士曼指出了一个大众市场的存在。
之后，整个 20 世纪的消费社会所遵循的就是他创立的原则：依赖于技术的进步，让更多的人消费得起过去只属于贵族的东西，并想方设法地让这个日益庞大的中产消费群体持续购买——购买产品，同时也购买服务。
浅析欧洲“视觉诗人”的设计风格——以金特·凯泽为例
浅析欧洲“视觉诗人”勺设计风格——以金特•凯泽为例□王若辉赵星月摘要：20世纪60年代到9年代之间，一些欧洲设计师注重个人的感受和精神的表达，将画面拼贴、重组，让人获得新的、抽象的艺术感受。
他们的作品画面看似支离破碎，实则完整清晰。
其中，具有代表性的设计师有金特•凯泽、冈特•兰堡、弗里克豪斯等。
以金特•凯泽为例，其设计作品传达着力量和希望，具有独特的超现实主义风格。
金特•凯泽热爱音乐和摄影，他经常与摄影师合作拍摄素材,采用双形同构、拼贴、装置等设计手法进行创作，其作品根据内容和意义，选用不同的配色。
金特•凯泽的设计作品色调偏于沉稳、淳朴、自然，通过对比与强调、整体与局部等设计原则定义画面的视觉感受和意义。
除了专业能力和职业素养，金特•凯泽还是一位有担当、有责任感、对生命充满敬畏的艺术家，这是他成为优秀设计师的重要原因之一。
该文以金特•凯泽为例分析其设计作品和设计思想，阐述超现实主义对设计的影响和再创造能力。
关键词:金特•凯泽视觉诗人表现形式爵士乐拼贴责任一、欧洲“视觉诗人”的代表人物及其设计理念20世纪60年代到90年代之间，欧洲出现了很多非商业化的设计作品，这是一种艺术创作倾向。
这些设计师创作的动机出于个人的艺术感受，就像诗人一般，所以他们被称为“视觉诗人”有些设计师采用超现实主义的表现形式，将画面分解、拼贴、重组等，产生新的、完整的、抽象的艺术感受，画面给人强烈的视觉冲击。
“视觉诗人”以视觉表达情感，他们力图用个人的设计作品影响更多的人，用诗的高度表达情感、艺术、思想，他们创作的作品是前卫的、新潮的、诗意的、非商业化的。
这种设计风格不仅运用在海报设计中，而且运用在杂志设计、书籍设计、插图设计上,并不断发展。
他们的设计作品和设计思想对于世界平面设计的发展产生了重要的影响。
他们设计作品涉及的领域主要集中于音乐会、戏剧、音乐节等文化活动海报和公益活动海报。
欧洲“视觉诗人”的典型代表人物为金特•凯泽、冈特•兰堡等。
戴乐ChristopherTaylor原始的本能,静止的空间
编辑/匡磊 图/OFOTO Gallery 全摄影画廊戴乐Christopher Taylor原始的本能，静止的空间胶片旅行Film Travel戴乐（Christopher Taylor ）1958 生于Skegness 英国，1977年—1980年就读谢非尔德大学生物系。
1981年—1984年在Hull 大学生物系读研究生，1986年—1988年在亚州流浪，自学摄影。
从2006年至今，在瑞士、意大利、日本、法国、中国、印度等多地举办个人摄影展以及联展。
在戴乐的作品中，那些平常人声鼎沸的地方却“喧嚣不再”。
他能够出人意料地捕捉到这些地方罕有的安静时刻，这让观者产生不同的反应。
熟悉这些地方“人满为患”状态的观者会感到一种疑惑和熟悉，而那些第一次看到的人可能会以为照片里的就是这些地方通常的情况，所以不会有这样强烈的感觉。
不过，他会向一些重要的历史时期致敬。
他在加尔各答拍摄的“红色广场”(Red Square)和在中国取景的“动弹不得”(Immobile)系列都从卡尔维诺的《看不见的城市》中获得了灵感。
我觉得，戴乐接受了卡尔维诺的邀请，去创作最后一首纪念城市的爱情诗，即使城市生活日益艰难。
可见的城市不管哪一种情况，戴乐的这些作品都参照了“现实”，但它们并不是一种记录或是叙事。
我们看到的安静的空间不需要依靠任何其它外物，只凭借它们本身美丽的存在就能够充满意义，引发观者的情感活动。
观者也必须要找到办法，不再局限于转瞬即逝的东西，而是深挖一些，找到“存在”的“悸动的内核”。
戴乐在搜寻逝去的年代的象征时，一直专注于中国传统在黄河流域的文化遗存和印度的英国殖民主义留存。
他会被震慑人心的、美丽而伟岸的自然风景所吸引；而充满神秘、看似混乱的人类境况会受到时间流逝的影响，激励他去找寻象征永恒的事物或者是人类留在地球上的印记。
戴乐作为一名摄影师，喜欢把自己当作一个局外人，一个和他拍摄的文化脱离的外国人。
可能这是他能够深入了解一个地方的唯一方式，他会留下积极或消极的感情，这会破坏他的视线，把现实的“皮肉剥下来”，让乌青色的骨架显现出来。
chemSHERPA(Ver1.4)
变更理由
1.2 版
1.3 版 1.4 版
2016/7/14
2017/2/6 2017/7/20
全体 修正日期（定时装置日期等），更新了说明中的图 片 在 3.5.6.【发生其他错误时】中，新增出现“CLR 错误” “安 全”信息时的应对方法 在 3.1.【启动时报错的解决方法】中，新增 3.5.5.【点击 Article.exe 没有反应时】 13.2. 补充说明，在输入【判断含有】选项(Y/N)时，可选 择多个用途代码。 15. 【其他功能】中，新增 15.8.【合规性评估信息的最新 化功能】 17. 根据 IEC62474 D12.0，修订了成分→合规性评估信息 的自动转换规定。
1. 前言 ................................................................................................................................................ 1 1.1. 关于本书 .......................................................................................................................... 1 1.2. 操作环境 .......................................................................................................................... 1 1.3. 免责声明 .......................................................................................................................... 1 1.4. 版权和使用权................................................................................................................... 1 1.5. 术语定义 .......................................................................................................................... 2
《AI艺术极简教程：零基础生成绘画、摄影、设计》笔记
《AI艺术极简教程：零基础生成绘画、摄影、设计》读书札记目录一、AI艺术概述 (2)1.1 AI艺术的定义与发展历程 (3)1.2 AI艺术与传统艺术的对比 (4)二、AI绘画创作 (6)2.1 基础工具与平台介绍 (7)2.2 绘画创作过程解析 (8)2.2.1 素材准备与选择 (9)2.2.2 创意构思与表达 (10)2.2.3 技巧运用与优化 (11)2.3 作品赏析与点评 (12)三、AI摄影创作 (14)3.1 摄影创作基础 (15)3.1.1 摄影器材选择 (17)3.1.2 拍摄角度与构图 (19)3.2 AI摄影技术应用 (20)3.2.1 图像识别与风格迁移 (21)3.2.2 实时影像处理与合成 (23)3.3 摄影作品赏析与点评 (24)四、AI设计创作 (25)4.1 设计创作流程 (27)4.1.1 需求分析 (28)4.1.2 创意构思 (30)4.1.3 设计实现与输出 (31)4.2 AI设计工具与技巧 (33)4.2.1 参数化设计 (34)4.2.2 生成设计 (36)4.2.3 交互式设计 (37)4.3 设计作品赏析与点评 (38)五、AI艺术的价值与意义 (39)5.1 艺术创作的革新 (41)5.2 跨学科的融合与创新 (42)5.3 对未来艺术发展的展望 (44)一、AI艺术概述在我初次接触到AI艺术这一领域时，心中充满了新奇与好奇。
通过阅读《AI艺术极简教程》我对AI艺术有了更深入的了解。
本章节主要介绍了AI艺术的基本概念、发展历程以及其在绘画、摄影、设计等领域的应用。
AI艺术，即人工智能艺术，是指利用人工智能技术和算法，通过计算机程序自动或半自动生成的艺术作品。
这些技术涵盖了深度学习、神经网络、机器学习等领域，使得计算机能够模拟人类的创意过程，创作出独特的艺术作品。
自人工智能诞生以来，其在艺术领域的应用便逐渐展开。
从早期的计算机辅助设计到如今的智能绘画、摄影和设计等，AI艺术的发展历程可谓波澜壮阔。
美国摄影师霍华德. 夏茨的《人体结》
1．视觉的喜悦与新颖编译:王星摘自中国商业摄影美国摄影师霍华德. 夏茨的《人体结》美国摄影师霍华德. 夏茨(Howard Schatz)是一位享誉世界的人体摄影师。
在其摄影生涯中，迄今已经出版了九本摄影作品集，向世人展现了他的个性化的独特影像造型风格，显露了他擅长形式创新的摄影天份。
《人体结》（Body Knots）是霍华德. 夏茨进入二十一世纪以来所发表的最新人体摄影作品集。
在这部作品集里，他再度显示了一贯独树一帜的影像创造技艺，如同他在上个世纪末发表的艺胆独具的水下舞蹈人体摄影那样，仍然是以舞蹈家们为模特儿，他以一种从来不曾为人所见的视觉表现形式进行艺术创作。
霍华德. 夏茨在影像构成方面的别出心裁，与视觉效果的别开生面，足以使他成为当代世界人体摄影的一位巨匠。
《人体结》摄影作品集由艺术评论家欧文.爱德华(Owen Edwards)作序，序文把霍华德. 夏茨的艺术成就做了全面的评价。
文章言及：“杰出的时尚杂志指导阿列克塞.布罗多维奇一再告诫他旗下的摄影师们，如果他们在镜头里见到了以前曾经看过的东西，那么就不要按下快门。
这个指令对于任何艺术家都是金玉良言，对于摄影师，最理想同时也最幸运的就是能够创造出新的表达形式，这样的影像符号必然成为该摄影师个性化的商标类型。
”霍华德. 夏茨就是一位优秀和很幸运的摄影师，在他不算长的摄影生涯中，居然创新了若干项照片系列。
霍华德. 夏茨的摄影特色，在于他总能以某种新的影像方式，向人们展现视觉的喜悦与新颖。
他拓展了人们的视野，令人为其创作的艺术作品而兴奋不已。
在过去的十年间，霍华德. 夏茨一直在跟舞蹈家们密切合作，他与纽约和旧金山的古典舞和现代舞表演家们共同成就了把舞蹈艺术化作水下人体摄影表现的独特艺术形式。
在这番惊人的高难度创作尝试成功之后，他又以“人体结”的方式，与舞蹈家们再度合作，创作出非凡的更高难度的人体艺术摄影表现作品。
《人体结》摄影作品集的创作意念，来自霍华德. 夏茨想要利用两个或更多些的人体，通过变形、解剖式的原始简朴造型手段，制造一种“生物雕塑”的方式。
人体和甜椒-韦斯顿作品分析
人体和甜椒—韦斯顿的探索英国诗人威廉·布莱克①曾经写过一首诗，名叫《天真的预示》，诗中写到：一粒沙里有一个世界，一朵花里有一个天堂。
把无限放在你的手掌上，永恒在一刹那收藏。
这样的诗歌形容韦斯顿的作品最为恰当，最初接触韦斯顿的照片时，总觉得他的照片很安静，很舒服，没有过多的矫作，一切都是水到渠成，被摄体在画面上静静流淌,丝毫没有羁绊，再后来，突然顿悟：韦斯顿的照片就像诗歌一样，不需要太多的解释，只要阅读和品味就可以了。
拍卖市场可靠数据表明，2004年摄影作品价格排行榜前10位中，有9件均为现当代摄影作品，其中爱德华·韦斯顿的作品以26万美元的成交价位列现代摄影作品成交价格的第四位②，韦斯顿用什么办法将菜市场上小小的一只甜椒卖到了这样的天价，令人叹为观止。
爱德华·韦斯顿1886年3月24日出生于美国伊利诺伊州（Illinois）芝加哥，他的家庭并不太富裕，童年的大部分时光都是在芝加哥的奥克兰语言学校渡过，十六岁的韦斯顿开始接触摄影，而这一切起源于父亲的礼物－一架公牛眼睛2号相机，从此他开始了长达将近50年的摄影探索路，接触摄影之初的作品是芝加哥公园和姑妈的农场，当时是冬天，公园里天寒地冻，韦斯顿为了拍摄一幅理想的雪景，跳到了河里取景，多冷的天气啊，冰冷的河水却没有能浇灭挚爱摄影的热情，当照片印出来的时候，他激动得浑身发抖，过了几天，他才渐渐平静下来，发现照片还不够完美，黑白对比太强烈，缺少层次。
时至今日，韦斯顿最初所拍摄的一些照片早已消失了，但他孜孜不倦的努力却令人难忘。
韦斯顿一生的摄影风格并不是一成不变，随着阅历和人生的成长、他的感悟、对照片的理解、朋友的影响都在渐渐改变着他的风格。
①威廉·布莱克（WilliamBlake，1757 —1827 ）是英国第一位重要的浪漫主义诗人，是一位复杂的多重人物。
除了诗人，他同时还是画家、雕刻家，他用艺术的一面影响另一面。
激浪中的宁静岛屿：玛丽·鲍麦斯特艺术研究
激浪中的宁静岛屿：玛丽·鲍麦斯特艺术研究作者：苏梦熙来源：《美术界》2020年第02期【摘要】德国当代艺术家玛丽·鲍麦斯特是激浪派的重要代表人物，她的创作历程同这一著名的艺术运动紧密联系。
本文认为，鲍麦斯特的“激浪”艺术植根于德国美术的土壤中，更多延续了现代抽象表现主义的传统：她一方面为了探索自然和宇宙的生成本质，以无机物作为实验对象，想要以绘画的形式内在地赋予物体抽象的生命；另一方面在当代艺术实验大潮中鲍麦斯特仍坚持架上画的创作，为的是远离当代实验艺术中的机械化面向，遵循绘画的自然本质和情感内核。
【关键词】玛丽·鲍麦斯特；激浪派；德国艺术；架上绘画Fluxus，一个来自拉丁语的词汇，最初引入国内时被译为“激浪”，但这一译法并不确切，这个词意指不断流动以冲刷掉一切的水流，汉语中并无意义相近的对应词。
激浪派对中国艺术的影响要追溯到20世纪80年代，而激浪派崛起之际正是国际文化动乱的20世纪60年代，这个团体以实验性的艺术为载体，跨越国家与民族，没有统一的规定和严格的标准，几乎囊括了当时国际上所有当代艺术的佼佼者。
在这群引人瞩目的艺术家中，玛丽·鲍麦斯特（Mary Bauermeister）是最为散发异彩的那一个。
她出生于德国法兰克福，在专业美术学院的学习结束后，鲍麦斯特作为一个自由的艺术工作者参与各种活动。
1960年，由她所组织的第一届激浪派的集会活动在她位于科隆的画室中举办，参会人员囊括了各路先锋艺术家，其中包括大名鼎鼎的美国音乐家约翰·凯奇及著名的戏剧家乔治·布莱希特。
在这次集会中第一次进行了激浪派的跨界合作，将音乐演奏、文本阅读、绘画展览和行为艺术有序地组织在一起，奠定了激浪基本的艺术主张，鲍麦斯特也被称为“激浪运动之母”。
除了激浪运动的组织者这一身份之外，鲍麦斯特还因她与德国当代作曲家斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的婚姻而受到注目，斯托克豪森是德国20世纪影响最大的前卫音乐家之一、现代电子音乐代表人物，创作了由纯音波组成的“太空音乐”等典型的电音形式。
Christophe Gilbert 创意摄影作品欣赏
Christophe Gilbert 创意摄影作品欣赏
Christophe Gilbert 是来自比利时的摄影师，他可以称作是全世界最厉害的合成大师了~他不断的创作出惊奇及魔术般的作品，不断篡改着现实，利用超级的仿真的技术，创作出让人叹为观止又真假难分辨的作品。
让我们来欣赏一下他的创意摄影作品。
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《伟大的设计：探索和解释世界设计杰作》随笔
《伟大的设计：探索和解释世界设计杰作》读书随笔目录一、内容描述 (2)1.1 设计的意义与价值 (3)1.2 世界设计杰作的地位与影响 (4)二、设计的历史脉络 (5)2.1 古代设计 (7)2.2 中世纪设计 (8)2.3 近现代设计 (9)2.4 当代设计 (11)三、设计大师及其作品分析 (12)3.1 历史上的设计大师及其成就 (13)3.2 当代设计大师及其代表作品 (14)3.2.1 詹姆斯.韦伯 (16)3.2.2 阿尔瓦.阿尔托 (17)3.2.3 亨利.德雷夫斯 (19)四、设计的分类与特点 (20)4.1 工业设计 (21)4.2 视觉传达设计 (22)4.3 环境设计 (23)4.4 服装与服饰设计 (24)五、设计的原则与方法 (26)5.1 设计的基本原则 (27)5.2 设计的方法论 (29)六、设计的未来趋势与挑战 (30)6.1 智能化与数字化设计 (31)6.2 可持续发展与绿色设计 (32)6.3 跨界融合与多元化设计 (33)七、结语 (35)7.1 对《伟大的设计 (36)7.2 对未来设计的展望与期许 (37)一、内容描述《伟大的设计：探索和解释世界设计杰作》是一本深入探索设计领域中杰出作品的书籍，它不仅关注设计的历史背景、文化内涵，还着重分析了这些作品在创新性、实用性、美观性等方面的卓越成就。
书中以独特的视角和生动的叙述，将设计的复杂性转化为易于理解的语言，使读者能够领略到世界级设计大师的智慧和创新精神。
在内容描述方面，本书首先介绍了设计的基本概念和发展历程，为读者提供了一个全面的设计知识框架。
作者详细剖析了一系列具有代表性的设计杰作，包括建筑设计、工业设计、平面设计、服装设计等，通过对这些作品的分析，展示了设计师如何将创意转化为现实，以及他们在满足功能需求的同时，如何追求美学和艺术表现。
本书还探讨了设计对社会的影响，以及设计师如何在不同的文化和社会背景下，通过设计传递价值观和信息。
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全世界最厉害的合成大师Christophe Gilbert的创意摄影作品Christophe Gilbert 是来自比利时的摄影师，他可以称作是全世界最厉害的合成大师了~他不断的创作者惊奇及魔术般的作品，不断篡改着现实，利用超级的仿真的技术，创作出让人叹为观止又真假难分辨的作品。
我们欣赏着他的作品的时候是不是也能够得到很多在摄影上的启发呢？！#创意摄影##摄影#。
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