油画人物写生心得

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油画半身像心得体会

油画半身像心得体会
油画半身像是一种表现人物形象的艺术形式，它可以准确地捕捉人物的神态、表情、服装和环境等细节，展现出画家的技艺和对人物的理解。

作为观者，欣赏油画半身像不仅可以了解人物的个性特点和情感状态，还能对画家的艺术风格和表现手法有更深入的了解。

对于画家来说，油画半身像的绘制需要精准的造型技巧、逼真的色彩表现和细致的纹理处理。

画家需要注重人物形象的比例和组合关系，把握光线和阴影的变化，塑造出具有立体感和层次感的形象。

同时，画家还需要处理好色彩的配合和对比，表现出人物的气氛和情感。

在细节处理方面，画家需要注重服饰和周围环境的细节描摹，刻画出丰富的纹理和细节效果。

总的来说，油画半身像是一种既具有表现力和艺术价值，又需要细致入微和技艺精湛的绘画形式。

欣赏和创作油画半身像需要积极学习和不断练习，才能达到更高的艺术成就。

油画人物写生心得

油画人物写生心得美术学国画2班刘先阳081014107中国的写实油画无疑具有开阔的前景，我们有一支正在生长的广大的写实画家队伍，以国别而论这支队伍是当代世界上人气最旺的，有正在提高现代文化水平的广大受众，也有社会各方面的重视，包括市场需要在内。

尽管在西方发达国家代表的艺术世界里，写实比较地仍在式微，但中国自有自己的文化国情，我们毋须追随人家而进退，应该采取的是自主的态度。

现在油画学会提出了自觉构建中国油画学派的口号，而按照中国的实际继续推进写实油画的自主创造发展，这条路本身就是体现中国学派的一个部分和一种特色。

为了推进写实油画的自主创造发展，我们需要作多方面的努力。

一我们对绘画方式的体系掌握得尚不到位，需要继续下功夫深入研究。

“不到位”是几代以来积累形成的。

我们的根子浅，前辈作过他们移植的努力，但毕竟势小力薄，又显然有他们在当时领会的局限。

一代一代学下来，难免有“二传手”以下劲儿不足的现象。

50年代以前学的写实被看作“土油画”，以后学“苏派”确实显著地把外光色彩水平普遍提高了一步，但搞不好就像水粉画或FUJI胶卷拍的彩照那种倾向，逐渐全面深入了解油画色彩的奥妙还是这20年的事。

在素描造型上，所谓“法国派”（暂用此名称），以徐先生为代表，搞不好容易空，又较缺少大幅复杂空间关系的处理能力。

后来“学苏派”，所谓“契斯恰柯夫”以后的画法，确实有把空间形体的结构原则与生活中的感性真实结合起来的可能，但我们在实践中又大多流于繁琐死板之病。

“文革”中训练了很多美术宣传能手，“文革”后经过补课进修，很多人成了高手和当今骨干。

这近20年来学校日增，写实仍然是各地院校专业训练的基础，以至从学前训练起就如此，但青年学生到高年级和出校门就纷纷不满足于这个，于是到处靠年轻教师引导搞各种个人性经验的改造、变体、试验，各行其是，倒也热闹，但是对画法的领会普遍不到位，经不起推敲。

其中当然大有成绩，可是好赖混杂不分。

其中见效多的是摹绘彩色照片的本事和按个性发挥变异风格，颇是喜人，但成不了可靠的长远技巧基础。

油画人体的心得体会

油画人体的心得体会油画人体是一门非常具有挑战性和艺术性的艺术形式。

在过去的几年中，我一直在学习和实践油画人体艺术，并从中获得了许多心得体会。

首先，油画人体需要对人体结构和比例有深入的理解。

人体的形态无时无刻不在变化，它是一个极其复杂和独特的主题。

学习人体解剖学是非常重要的，只有通过对骨骼和肌肉结构的深入了解，才能准确地描绘出人体的线条和形状。

此外，要注意到不同人体部位的比例关系，如头部、手臂、腿部等。

这些基础知识是进行油画人体的基石。

其次，油画人体需要捕捉光影与色彩。

光影能够赋予人体以形状和质感，而色彩则能够表达出光照下的人体肤色和气质。

在油画人体中，通过技巧地运用厚涂和薄涂，可以创造出不同的光影效果，使人体更富有立体感。

同时，要观察并捕捉到人体肤色的细微变化和色彩的丰富性。

通过层层叠加不同的颜色，可以再现出人体肌肤上的血管、褶皱和纹理，使画面更加真实和生动。

另外，油画人体需要通过线条和造型来表达人物的个性与情感。

每个人的外貌和姿态都是独特的，因此在描绘人体时，要通过线条和轮廓来准确地刻画人物的特点和气质。

线条可以流畅或有力地传达人体的动感和韵律，而造型则可以使人物更具立体感和质感。

也需要关注到人体的姿势和动作所传递出的情感和内涵，通过细微的姿态调整和肌肉的表现，可以表达人物的喜怒哀乐，使画面更富有情感和生命力。

此外，在进行油画人体时，很重要的一点是练习和实践。

只有通过不断地画画，才能更好地掌握油画人体的技巧和语言。

练习可以提高绘画技巧的熟练度，加深对人体结构和比例的理解，并培养艺术感知能力。

同时，还可以通过学习大师的作品和参观画展，来拓宽自己的艺术视野，吸取他人的经验和灵感。

最后，油画人体需要有耐心和毅力。

油画是一个需要时间和精力的艺术形式，尤其是在描绘人体时，要反复推敲和修改，直到达到自己满意的效果为止。

需要有耐心和毅力去面对挑战和困难，不怕失败和挫折，不断地追求自我突破和进步。

总的来说，油画人体是一门充满挑战和艺术性的学科，需要对人体结构、光影与色彩、线条和造型等方面有深入的理解。

油画心得体会（精选6篇）

油画心得体会（精选6篇）油画心得体会篇1油画它的概念很容易界定，那就是必须用油彩涂在布上或纸上或板上或是其他物品上成图画的一种绘画形式。

它的最大特点就是必须用油画颜料。

概念虽然容易界定，它的方式却是五花八门的。

我们谈的是写实油画，古典写实也好，新写实油风也好，照相写实主义也罢，有明确的写实手段呈现意图的观念艺术也行，总之，它们在技巧上都有写实功夫这么一个基础油画没有标准，好的就是坏的，坏的就是好的，这是中国油画家的幸运吗？算是吧！生存在这个时代，我个人认为无论是观念如何更新，油画总还有“技术”一说。

我喜欢高超技术下所体现的现代观念，也喜欢高超技术下的古典观念。

也就是说，它应当首先是好的，好的东西我想永远是好的画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画，有时要表现现实，有时也不能太顾到现实，这种取舍，全凭自己的思想。

画一件东西，不应当要求太像，也不应故意求不想。

求它像，当然不如摄影，如果它不像，那又何必画它呢？所以一定要在像与不像之间，得到物的天趣，才算是艺术。

油画心得体会篇2（一）画面构图每一件优越美术作品，无论是油画、水墨画、水彩画、胶彩画或相片，其先决条件必是「构图」。

一张油画在创作前必须拟设特殊「美感」、具有风格之景象做为创作之意境。

而画面上之「构图」应重视前景、中景、后景、（或上、中、下之分）之层次表达。

画面整体联系、以及每部为之相互关系，调配是重要条件。

（二）色彩观念色调以光线明暗、彩度之强弱为油画之生命，一张完美的油画作品，必然其色调之表现、颜色之彩度、光线之明暗，均赖以彩色运作之变化无穷，以彩度魅力呈现于画布上，更能显示出画家的崇高理念。

因此在整体画面上必须顾虑到每处部位，色与色之间运作，高彩度画面，充满了作品本身之生命力与活跃气息。

所以一张完整油画，必须有计划性，多次在原画面上做其色调配运作，才能呈现其色调运作效果。

（三）适当之绘画技巧运作一张油画作品，除了能以完整构图，即相称之配色及强烈彩度外，需注意到画家下笔之粗、细，广层面之处理、细线条之力向运作；熟练之笔触，能控制整张画面。

油画创作学习心得体会范文3篇【可编辑版】

油画创作学习心得体会范文3篇油画创作学习心得体会范文3篇油画创作需要极强的专业性及学术含量，尤其具象写实绘画，包括严格的形、体积塑造、色彩调配、边缘线处理、质感透视、解剖、层次问题、韵律、节奏等等，下面是为大家准备的油画创作心得体会，希望大家喜欢!篇一：油画创作心得体会在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。

我常常想,对于我自己方面创作一个大胆的尝试充满兴趣，不时的思考着一些问题，在精心准备之余，却发现还被自己否定,然后在不断的调整，不断的修改，再去探索，这样反复进行着，回头看看自己的仅有的几幅创作，题材大多取自陕南大自然场景，在我的记忆里面，我常常是带着浓厚的兴趣和激情来画完我的构思，其实在我画的过程中也有很多情况是边画边想，根据一个形体，或者一块颜色，启发我创造另外一块色彩或者一个更有意思的形体，不断的充实画面和丰富画面。

这种尝试在创作中我不是经常用，当然一般情况是先想好了基本的方案，然后形体搭配基本上符合我的构思，就开始动笔了。

一幅作品其实过程比结果更为重要，过程是强调感受，没有感受，画面打动不了观者，笔者认为作为创作，首先要打动自己。

去年冬天，我回到了勉县，回到了生我养我的老家。

通常认为这里没有现代文明更多的体现，没有所谓的高楼大厦，生活是朴实而单调的，然而，正是在这些并不先进的生活中，普遍存在着的形象和它们呈现出的色彩，构成了陕南特有的美。

我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。

每年回家都在变，我所记录的这些也在不断的消失，人变富有了，地方发生着很大的变化。

当前的议题是创作，在创作中，生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。

除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。

喜好和表现方式也因人而异。

从走上书画之路时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。

外来的本土化和本土的现代化，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。

对油画人物头像写生教学的几点思考

现。写实油画作为当今学院教学中的主导，也
油画人物头像的写生中，造型与色彩是不可分割的两个方面，每一笔上去都既有形、又有色，它们始终统一在写生过程中。形是有效的通讯手段，而颜色更具表情效果，体会不足就会顾此
失彼。康德说：色彩往往受到对美的形的要求 “ 的颇大限制，并且，即使是在容许色彩刺激的场合，只有通过形才能提高色彩的作用。” 也一般的讲：有什么样的造型，就应该有什么样的色彩。严谨写实的造型关系，就需要有较为客观细腻的色彩来塑造；夸张强化的造型关系，就需要
它与背景、线、光道具等都有很大的关系，在这
方面一定要全面而深入的去观察和理解。在教
学过程中，虽然不可能，也不应该要求它解决
未来油画写生中的一切问题，尤其是学生正处
纯技术的传授，而是一种艺术语言的掌握和创
造性思维的开发活动。学生的个性、创造性语言
甚至使学生学到了教师的弱点和缺点。油画的
得推崇和肯定的。而教师要做的是积极启发学生，动自身的阅历、调经验和感受，努力去寻找
个性化的语言。因为写生就意味着对个性的观察与想象的重视。米开朗基罗认为：艺术不是 “
一
括、选择、变化、表现的主动性，从结构的角度寻找画面的格局，从而提高学生认识绘画的总的概念，拓展对整个画面结构的自觉认识，纯粹使画面意义的造型视觉因素，括强弱关系、包节奏

意笔人物写生心得体会

意笔人物写生心得体会写生是一种观察和记录自然或人物形象的艺术形式，它是绘画艺术的基础，也是提高绘画技巧和表现能力的重要途径之一。

在这篇心得体会中，我想分享我在进行意笔人物写生时得到的一些体会和心得。

首先，意笔人物写生需要高度集中的注意力。

在进行意笔人物写生时，我会全神贯注地观察被绘制的人物，仔细察看其面部的轮廓、眼睛的神态、嘴唇的丰满度以及姿势的矫健度等等，力求捕捉到人物的独特表情和动态。

绘画是一个需要时刻保持专注和冷静的过程，只有这样才能准确地记录下人物的形象特征。

其次，意笔人物写生需要快速的反应能力。

意笔人物写生的特点之一是在较短的时间内快速完成，所以我必须迅速地反应，抓住人物在瞬间的特征，用生动而有力的线条表达出来。

通过频繁的写生锻炼，我逐渐意识到观察敏锐和反应迅速是意笔人物写生的关键步骤，只有在短时间内做出准确的记录，才能准确地捕捉到人物的特点。

再次，意笔人物写生要注重构图的平衡与协调。

在进行意笔人物写生时，我会注意到人物的整体构图，力求使画面的内容和结构达到平衡和协调。

通过调整人物的位置、姿势和背景的安排，我可以使画面更加有条理和生动。

在进行意笔人物写生前，我会观察人物在空间中的位置和角度，以便更好地创作出具有层次感的画面。

最后，意笔人物写生需要勇于表达个人的情感和想法。

意笔人物写生是一种直接表达自己情感和思想的方式，因此，我在进行意笔人物写生时常常会将自己的感受和想法融入到作品中。

通过线条的运用和绘画方式的选择，我可以更好地传达出自己对被绘制人物的理解和感受。

在写生过程中，我发现只有勇于表达自己的情感和思想，才能创作出真正有意义和有价值的作品。

通过意笔人物写生的实践，我深刻理解到写生是一种提高观察力、创造力和表达能力的有效途径。

在观察人物形象、反应迅速、构图平衡和表达个人情感方面，我都取得了一定的进步。

因此，我将继续坚持进行意笔人物写生的练习，不断提升自己的绘画技巧和表现能力。

意笔人物写生，给我带来了许多启示和感悟，使我更加热爱绘画艺术，并愿意不断探索和发现其中的乐趣和意义。

油画写生中的体验与感悟

油画写生中的体验与感悟摘要：写生是最为直接地传达画家感情的方式,写生是通过视觉观察、心灵体会,用画笔将其物象描绘出来的过程,在这个过程中眼、脑、手得到有机统一,理性的逻辑与感性的直觉互相转化、情景交融,使人的心灵与自然契合,构成艺术创新的动力。

写生中我们可以直接抒发胸中情意，写生使作者更好的把自己的意图和想法呈现给观者。

本文是我在写生的过程中经过体验所得到的感悟。

关键词：油画写生；观察；情感；感悟晋代文人刘勰在《文心雕龙•神思篇》里说：“登山则情满于山，观海则意溢于海”，这是艺术家对大自然深情的感悟，是我们艺术创作的开始，也是写生的开始。

写生是作者对客观事物的传达，在传达的过程中加之了创作者的情感、意图以及他们的感悟，写生并不是单纯的将客观事物描摹下来，作为一名从事艺术创作的人来说，写生的传达过程就是感悟的过程。

以下的几种方式是我在学习以及实践中所认为的几点在写生中至关重要的几方面。

一、油画写生中的观察方式著名的画家马蒂斯曾经把艺术之眼与自然之道之间的关系看成是艺术家通过知觉的经验创造直觉的象征。

他还宣称他相信艺术是个人表现。

他认为艺术不是理性化的或是文学性的，取而代之的应该是对大自然的感觉、直觉的综合为依据的。

安格尔也曾经对他的学生说过，“素描是去感觉——去辨别和感觉。

而不是通过心灵认识自然。

”以上这些都充分的说明观察是写生的首要的因素，我们在写生的时候一定要做到仔细观察，由观察才能对对象产生感觉。

面对我们要进行写生的客观对象时，首先我们要做到的是要进行细微的观察，然后反复的揣摩、思考和分析之后，我们才可以开始构图。

作为一名从事艺术的人，我们首先应该具备培养自己独到的观察力，在写生的过程中我们只有凭借我们敏锐的观察力才能捕捉到使我们怦然心动的亮点，只有抓住这个亮点我们才能把画面表现的更加精彩，才能使鉴赏者读到我们作品的精髓。

画者喜欢观察世界，并寄予冲动将这种观察加以记录和描绘，这才是真正意义上的写生。

油画写生心得

油画写生心得《油画写生心得》篇一油画写生啊，那可真是一场与自然和内心对话的奇妙之旅。

我记得有一次去郊外写生，背着画架、拿着颜料盒就像个出征的战士一样雄赳赳气昂昂。

到了地方，哇塞，那景色简直绝了。

大片大片的油菜花就像金色的海洋，风一吹，还“沙沙”地响，像是在跟我打招呼呢。

我当时就想，这要是画出来，不得美炸了。

我支起画架，开始调色。

可是，这调色就像做菜放调料一样，多一点少一点味道就全变了。

我想调出那种明亮又不刺眼的黄色来表现油菜花，可试了好几次，不是太淡像病恹恹的，就是太艳像假花一样。

我心里就有点毛躁了，这咋就这么难呢？也许我就是个菜鸟吧，我暗自吐槽自己。

然后我就盯着那片油菜花看，就像要把它看穿一样。

我突然发现，油菜花的颜色可不是单一的，它有深浅变化，靠近根部的地方有点发绿，上面才是金黄。

我就像发现新大陆一样兴奋，赶紧重新调色。

这时候，我觉得写生就像是一场解谜游戏，你得一点点去发现大自然隐藏的秘密。

在画天空的时候，我又犯难了。

天空那种蓝色，又纯净又深邃，我调了半天，感觉总是差点意思。

我就想啊，这天空就像一个巨大的蓝色幕布，可这幕布的颜色咋就这么难捕捉呢？我甚至有点怀疑自己是不是选错了材料，也许油画颜料就不适合表现这种天空呢？但是我又不甘心啊，我就一遍又一遍地尝试，一会儿加白，一会儿加蓝，感觉自己都快成调色大师了，虽然是个蹩脚的那种。

当我终于画出一点满意的感觉的时候，我就特别有成就感。

那种感觉就像是你在黑暗中摸索了好久，突然看到一丝曙光。

我看着自己的画，虽然还有很多不完美的地方，但它就像是我的孩子一样，是我在这片美景中的心血结晶。

我就在想，油画写生啊，它不仅仅是把眼前的景色画下来，更是把自己对这片景色的感受、自己的情绪都融入进去。

你看那些大师的作品，哪一幅不是充满了情感呢？我这虽然不是什么大师作品，但也算是我的小确幸吧。

我就一边欣赏着自己的画，一边想着下次写生要怎么改进。

我觉得，这油画写生的路啊，我才刚刚开始，前面肯定还有很多挑战在等着我，不过我已经迫不及待了。

油画全身像心得体会800字

油画全身像心得体会800字普遍认为，画好人体是画家的一门绝技。

原因就在于画人体具有许多独特的难处，画静物或风景，在各方面都可以较随便，结果仍能取得很好的艺术效果，但是写实的人体画——这是这本书的主题——却没有那么方便。

因为它对艺术上的放纵是加以限制的。

还因为它同公认必须避免单纯模拟自然这一点是相抵触的。

写实主义或许是绘画中最难的一种风格。

然而，写实主义对画人体的种种限制不致影响对人体固有深邃境界的表现。

这种境界我感到很重要。

因为我把绘画看作是一种语言，它表达感受的能力是其他语言所达不到的。

绘画，象音乐和雕塑一样，能够赋予形体以不可言传的情致。

我像印象派那样把光看作绘画的重要因素。

在我的绘画过程中，光的性质比其他条件或材料更具有决定作用。

当然，还有许多别的因素，如姿势、对象的特点以及适用的绘画时间等等。

但是光仍然是主要的可见因素——色和形的来源。

所以，我们总是说画家的“眼睛”（他对色和形的感觉），而不是说画家的“手”。

同一般的观念相反，从单纯的物质意义来看，并不存在什么“画家的笔法”。

画笔和画刀是比较粗陋的工具。

实际上，写一封信要比画一张画更加需要手的技巧。

我也象门外汉一样，没有尺就画不成一根直线。

在当代美术中男人体比较少见，也许这同在其他各界一样，有一个风气流行的问题，我们现在正处于崇尚女性人体的时代。

在历史上，注重男性形体的时代时有出现。

这是由各个特定时期特殊文化的流行时尚决定的。

男性裸体作为普遍的美术题材、见之于公元前五世纪雅典的希腊雕塑和公元前二世纪培格门的希腊雕塑，以及同一时代的早期罗马雕塑（后来罗马人喜欢把他们雕塑的英雄和神像穿上全副武装或华丽的官服）。

在十五、十六世纪佛罗伦萨和罗马文艺复兴时期，男人体曾再度有短时期兴起，后来就渐渐不大流行，直到今天还是如此。

梵蒂冈博物馆的男性裸体塑像被荒谬地遮上了无花果叶子，这就是个明证。

然而，作为艺术的对象而言，模特儿的性别其实是毫不相干的。

我们看到的人体画多数是女的，最简单的原因也许只是因为多数画家是男人，而多数男人总是对女人更感兴趣些。

油画创作学习心得体会范文_学习油画创作个人感悟与收获

油画创作学习心得体会范文_学习油画创作个人感悟与收获油画创作是需要安静的。

油画创作需要极强的专业性及学术含量。

下面是为大家准备的油画创作心得体会，希望大家喜欢!油画创作心得体会篇一在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。

这种尝试在创作中我不是经常用，当然一般情况是先想好了基本的方案，然后形体搭配基本上符合我的构思，就开始动笔了。

一幅作品其实过程比结果更为重要，过程是强调感受，没有感受，画面打动不了观者，笔者认为作为创作，首先要打动自己。

去年冬天，我回到了勉县，回到了生我养我的老家。

我怀着由衷的兴趣和激动心情，画出了一批作品。

每年回家都在变，我所记录的这些也在不断的消失，人变富有了，地方发生着很大的变化。

当前的议题是创作，在创作中，生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。

除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。

喜好和表现方式也因人而异。

从走上书画之路时起，我就开始在艺术创作中有意识地从我们民族文化中吸收营养。

外来的本土化和本土的现代化，要成为中国的油画，这个问题是一个由来已久的议题了。

其实，争论远不如实践更实际些。

油画专业课学习心得

油画人体写生心得学习了近一个月的油画人体写生，我对油画人体的绘画技巧、方法有了进一步的了解。

油画的写实塑造绝不仅仅满足于结构、立体、空间等“硬性”指标的实现。

首先写实的意义就不在于迎合人们的视觉经验，否则绘画的存在很容易就会被其它更为有效、便捷的形式所取代。

虽然我们不可忽视绘画中手工的独特价值，但如果手工的结果是对自身特征的抵消，那么我们将要怀疑它的意义了。

绘画中的手工特征是什么呢？道理很简单，手迹如心迹，手迹是心灵感受的物化。

问题在于艺术中人的心迹是否趋于和自然形式的一致？虽然不能一概而论，但如果我们是处于对自然的模仿性塑造状态，那艺术中的“精准”将会是变异的，只能是降格以求。

我们常说要画感觉，何为感觉？“感”是感知，是感官在起作用；而“觉”则是觉悟、发觉，是感知后的反应，即意识。

因此怎样塑造，怎样表现心迹便是一种意识。

追求这一切的精神准备都将落实到一点，即“意在笔先”。

面对女人体，不同的人有不同的感受与理解。

每个人的意识可以不同，但庇荫在自然形式之下的绘画是失语的，更是失意的……当然，要达到绘画艺术的至美境界是艰难的，我们都是在追求那一目标的途中，我们虽然还达不到大师般的成就，但我们必须要树立一种意识；虽然我们的笔迹还不能完全对应心迹，但只有意识到才会使这样的距离缩短。

虽然写实是西方的传统，它在中国当代文化生态中是否具有生命力，或许只有历史才能做出正确的评判。

我觉得学习传统的精神并不在于恪守，而在于适变。

因为任何有价值的传统都是与时代现实血脉相连的，如果只是出于对传统的挚恋，而无视现实的热烈，那么艺术的光芒将会黯淡。

今天中国的写实油画必须放在美术史的角度来审视，我们不能以重复西方传统来定位自己的文化，更不能以模仿自然的视觉逼真来暴露我们意识的欠缺。

值得乐观的是我们大部分写实画家都各自有自己的认识和探索，我个人体会觉得属于绘画性中的笔意既可以沟通写实绘画与自然的关系，又不失中国传统艺术的逸格。

油画人体的心得体会教师

作为一名美术教师，我有幸接触到油画这一艺术形式，并在教学过程中对油画人体画有了深刻的认识和体会。

油画人体画不仅是一门艺术，更是一种精神的追求和心灵的抒发。

以下是我在教学过程中对油画人体画的一些心得体会。

一、艺术表现力的探索油画人体画作为西方绘画的重要分支，具有丰富的艺术表现力。

在教学过程中，我注重引导学生从不同的角度去观察、分析和表现人体。

通过描绘人体的线条、色彩、光影等元素，使学生能够感受到人体美的多样性和丰富性。

在教学实践中，我发现学生通过油画人体画的学习，不仅提高了审美能力，还锻炼了他们的观察力和表现力。

二、人体结构的理解油画人体画的学习，离不开对人体结构的深入研究。

在教学过程中，我强调学生要掌握人体骨骼、肌肉、关节等基本结构，这样才能更好地把握人体的动态和形态。

通过绘制人体结构图、人体骨骼图等辅助工具，使学生对人体结构有了直观的认识。

在此基础上，引导学生进行人体动态的描绘，从而提高他们对人体结构的理解和运用能力。

三、光影与透视的运用油画人体画中的光影与透视是表现画面空间感和立体感的关键。

在教学过程中，我引导学生关注光影的变化，掌握明暗对比、阴影处理等技巧。

同时，通过透视学的学习，使学生了解画面中物体的空间关系，从而在作品中营造出真实、生动的人体形象。

四、情感表达与个性展现油画人体画不仅仅是技能的展示，更是情感表达和个性展现的载体。

在教学过程中，我鼓励学生发挥自己的想象力和创造力，将个人情感融入作品中。

通过油画人体画，学生可以表达对生命、人性、社会等方面的思考和感悟。

这种情感表达和个性展现，有助于培养学生的审美情趣和艺术素养。

五、艺术修养的提升油画人体画的学习，有助于提升学生的艺术修养。

在教学过程中，我注重培养学生的审美意识、审美情趣和审美能力。

通过欣赏和分析经典的人体油画作品，使学生了解不同时期、不同流派的艺术风格和特点。

此外，我还鼓励学生参加各类美术展览和比赛，拓宽他们的艺术视野，提高他们的综合素质。

油画人体学习心得

油画人体学习心得油画人体不管是画还是欣赏主要的关注点要注意以下几个方面：人体独有的动态美表现，内在结构的表象及处理手法，色彩的处理，传递的主题含义，给观者的视觉所带来的冲击，时代特有文化的提炼和画者意识的传递。

画站立的人体，遇到的问题是对象往往会变动位置，即使是有经验和冷静的模特儿也难以避免。

处理这种不固定的情况时，如果随着对象的移动而不断修改画面，这样做即使可能，也是不实际的。

解决这个问题的最好办法是，在单色薄涂时，来一个迅速而准确的线描。

如果线描准确，接下去直接画就容易了；如果线描有些模糊，在以后也可做适当的调整。

单色薄涂是用一种土色（玫瑰红、生赭或熟褐）加上黑色或蓝色合成透明的暖色，用松节油调得很薄，涂满整幅画布。

再用稍厚点的同样的颜色（少放点松节油）勾线。

这种打轮廓方法比示范一那种明暗调子简单得多，它不涉及到对象和背景的明暗关系，调子问题放到正式画的阶段去解决。

勾线只是作为下一步画色彩和明暗的粗略的引导。

在画全身的站立人体时，经常遇到的另一个问题是，往往在画面上出现模特儿有些失却平衡的不稳状态。

如果人体明显倾斜，那是容易发现和纠正的。

但如果有一点轻微的不平衡未经察觉和改正，后果是估计不到的混乱。

为了审美的需要，宁可让模特儿在摆姿势时不要在重量上分配得均匀。

画站立的人体时，要切实处理好均衡问题。

通常可以退后几步审视画幅，发现均衡上的偏差。

当然，画幅越大，就要退得愈远去看才行。

第一步：这一步全是线描。

用一块面积24″×46″、厚度1/4″、涂了铅白的“麦松尼”板。

用生赭和象牙黑合成的暖色，加松节油调薄，用大画笔涂满画幅。

为了不使画面过于拥挤，将人物的高度定为39英寸。

然后通过对模特儿实际测量，确定她有6.5头高。

也就是说，她的头的长度大约是身体长度的1/6。

为了保持同样的比例，在线描时将头的长度定为大约6英寸，或者是接近于39英寸的1/6，因为浓密的头发使它略有出入。

于是，开始用较厚的原来颜色在头部勾线，并按照与头部相适应的比例描绘其他各个部分。

油画肖像心得体会1000字

油画肖像心得体会1000字人是艺术表现的主体，自古以来，人物一直是画家创作的重要题材。

人物画是绘画门类中最难解决的课题。

人物画需要了解人体解剖学、人体比例结构、运动透视学等方面的知识，同时还要充分把握人物写生中微妙的色彩变化、精神面貌和性格特征。

我们可以看到，每一历史时期都有脍炙人口的人物画创作的名作;但由于社会历史的不不同，画家的思想意识及处理手法也大为不同，他们都会以各自的角度诠释与描绘。

人物画包括头像、肖像、人体、群像、风俗画与历史画等。

油画肖像画是油画造型基础课中重要的课程,是培养正确的观察、感受和表现对象能力的训练，是用具象的表现方法或者说是写实的方法表现所见人物。

因此，严格的遵循造型规律对油画人物写生尤为重要。

在专业学习的过程中时刻注意以下几个问题会有助于画面质量的提高。

正确的观察方法是画好油画人物的重要保证。

这就是整体的、感受的、比较的方法。

要做到这一点并非易事。

必须强制自己从一开始就在充分观察、感受的基础上认识所画人物的比例动势和精神特征，将这种第一印象也可以不说是第一感受印存在画者的大脑里，并且在不断的深入过程中充实完善这种最生动的视觉沉淀--形象、特征、色彩和整个画面的气氛。

决不可以将形和色彩分割开来认识。

因为光在形体上的起伏，色在光的作用下随着形体的起伏变化，色彩在形体空间的运动中显现色彩的冷暖及明度差别。

因此，要在整体的感受与比较中确定整个人物和局部在整体中的统一与变化显得尤为重要。

油画肖像的写生中形体与色彩是不可分割的,写实性的作品更是这样。

人物在特定的光源环境下呈现出的色彩变化是由形体在光照下起伏形成的。

色彩一般的规律是受光与背光的冷暖变化规律。

形体的受光与背光也不会脱离这种规律。

因此形与色必须是同时表达的创造性语言。

色彩的整体气氛是油画人物写生应该注意的。

容易出现的问题是局部色彩的描写而破坏了整体的色彩感受，是因为过多注意了局部形体的塑造而产生了局部色彩过多的问题。

油画写生思想汇报

油画写生思想汇报一、引言油画写生是一种重要的绘画技法，通过直接观察自然景物、静物或人物，快速、大胆地捕捉主观感受，运用油画材料表现出来。

本文将介绍油画写生的概念、意义、技巧和体会。

二、油画写生的概念油画写生是指艺术家在自然光线下，根据所见直接在画布上作画的一种表现技法。

通过观察和描绘自然景物，艺术家能够更加深入地理解事物的形态、结构和色彩。

三、油画写生的意义1.锻炼观察力：通过油画写生，艺术家能够培养自己的观察力，更准确地捕捉事物的细节。

2.提升技术水平：油画写生能够帮助艺术家熟练掌握油画材料的使用方法，提高绘画技巧。

3.表达情感：油画写生让艺术家能够直接通过画笔表达自己的情感和内心世界。

四、油画写生的技巧1.选择合适的场景和主题：选择有趣的景物或人物作为写生对象，能够更好地激发创作灵感。

2.把握光影和色彩：在油画写生中，光影和色彩是非常重要的元素，要善于观察并准确表现。

3.勇于尝试：油画写生要求艺术家勇于尝试新的表现方式和技巧，不断挑战自己。

五、油画写生的体会通过多次油画写生的实践，我深刻体会到这种表现方式的独特魅力。

在写生的过程中，我能够更加专注于细节，感受到自然界的美丽和真实。

通过不断尝试和探索，我的绘画技巧和表现能力得到了显著提升。

六、结语油画写生是一种具有挑战性和创造性的绘画技法，需要艺术家勇于尝试和不断学习。

通过写生，艺术家能够更好地表现自己的创作理念和情感，为绘画艺术增添新的魅力。

以上是对油画写生思想的汇报，希望能够给您带来启发和帮助。

感谢阅读！。

杨鸣山人体油画写生教学观后感

杨鸣山人体油画写生教学观后感举办这个展览的初衷，是希望我们现在的年轻人能明确方向，意识到油画本体语言的重要性，体会油画本体语言的美和独立的审美价值，这些离不开对油画原作的欣赏。

另外，也想让大家重温一下写生的意义、目的和方式，这些与油画本体语言是紧密结合在一起的。

杨鸣山对油画语言领悟得非常好,对艺术非常虔诚，非常热爱生活，他把自己的心放在自己的艺术里面。

我把杨鸣山的油画作品推荐给大家，不仅仅是因为他的画，他的油画语言，更在于他的人格。

我们应该向这样的艺术家学习。

杨鸣山油画风景写生中的色彩和造型是一体的。

他的每张画因为环境、时间、光线、颜色关系的不同，色彩都呈现出不同的调性，他画得非常好。

杨鸣山有敏锐的空间感，他表现了油画风景中天、地、物，近景、中景、远景的差别。

这其实是体积语言、空间语言，这一点对于我们中国油画家来说很难，很多人在画风景时，往往远景推不过去，近景拉不过来，这是中国油画家画风景写生存在的一个普遍现象不是不知道，而是没这个习惯。

杨鸣山用色彩来表现体积和空间，并创造一种色调美，这是油画造型与色彩极重要的因素。

油画写生是在观察客观自然的基础上，运用油画工具材料把自己对客观自然的认识和感受表达出来，并创造出独特的艺术语言魅力。

杨鸣山那么小的风景画中有那么丰富的内容，就在于他对客观世界有深刻的观察和认识，他能透彻地感受到客观世界的丰富性，并充分发挥出油画材料本身的特质，充分发挥油画语言的表现力。

重要的是，他在写生中把自己的主观精神与自己的观察、感受和油画语言之美充分结合在一起，把深刻的感性与纯粹的理性充分结合在一起。

油画写生离不开对客观自然的认识和表达，也离不开画家的主观感受和创造。

杨鸣山的油画风景很淡雅，有非常丰富的内容，是眼睛观察、心脑体会之后用手创造出来的。

这个过程中技巧起着重要的作用。

其实各种艺术最基础的东西就是技巧，就是技艺技法，这些均离不开手的创造。

杨鸣山油画风景展的意义就在于引起我们对写生和技艺的重视。

油画写生观察报告总结

油画写生观察报告总结油画写生观察报告总结油画写生是一种重要的绘画方式，通过对物体的观察和绘制，使得画家能够更好地理解和把握物体的形态、色彩和质感，从而提高自己的绘画技巧和艺术表现力。

在进行油画写生观察时，我体验到了观察的重要性和对细节的关注，并且在技法上也有了一定的提高。

在进行油画写生观察时，我首先注意到了细节的重要性。

尤其是在绘制静物时，细节是非常关键的。

通过仔细观察和描绘，我能够更加准确地捕捉到物体的特点和细微的差别。

比如，在画水果时，我仔细观察了水果的形状、颜色和纹理，用细腻的筆觸刻画出了水果的特点，增加了画面的立体感和真实感。

此外，在观察和绘制过程中，我也逐渐掌握了以整体为单位观察细节的方法，使得作品更具有整体性和统一感。

另外，观察的重要性也体现在对色彩和光影的捕捉上。

油画中，色彩是非常重要的表现手段。

在进行写生观察时，我会仔细观察物体的色彩变化和明暗关系，将其准确地表现在画布上。

例如，在画静物时，我会观察物体受光的位置和强度，合理运用明暗对比和层次感，从而使得画面更具有立体感和动态感。

此外，我也注意到了物体的色彩会因周围环境的影响而发生变化，比如，在室内光线和室外光线下所呈现出的颜色会有所不同。

因此，在进行写生观察时，我需要根据具体的情况来选择和运用颜色。

在进行油画写生观察时，我也有了对绘画技法的一些提高。

知道如何运用画笔和颜料，可以更好地表现物体的形态和质感。

比如，在画静物时，我会运用不同的画笔和不同的画法，来表现物体的纹理和质地。

例如，用干笔法来描绘梨子的皮纹，用湿笔法来描绘橙子的质感，使得画面更加丰富多样。

此外，我还了解到了一些调色和色彩搭配的技巧，在写生观察中能够灵活运用。

比如，通过调整颜色的明度和饱和度，掌握冷暖色彩的运用等，使得作品更加丰富和有趣。

总的来说，油画写生观察是一种很有价值和意义的学习和实践方式。

通过进行写生观察，在观察和绘制的过程中，我能够更准确地捕捉到物体的形态和色彩，提高了自己的观察和表现能力。

油画人物作品欣赏观后感作文

油画人物作品欣赏观后感作文前几天，我有幸欣赏了一批油画人物作品，那感觉，就像是打开了一扇通往奇妙世界的大门。

走进那个展览厅，一幅幅油画就像一个个有故事的人，迫不及待地要跟我倾诉。

我最先看到的那幅画，画中的女子眼神深邃，仿佛能看穿我的心思。

我就在想，她是不是在思念远方的爱人，还是在为生活中的烦恼发愁呢？
还有一幅画，画的是一个满脸皱纹的老人。

那皱纹啊，画得可真是逼真，我都忍不住想去摸摸，看看是不是真的。

老人的眼睛里透着一种历经沧桑的智慧，好像他一生的故事都藏在那里面。

看着这些油画人物，我突然觉得画家就像是魔法师。

他们用画笔和颜料，把一个个不存在的人变得栩栩如生，让他们有了灵魂，有了情感。

有的画色彩鲜艳得像刚开的花朵，让人看了心情愉悦；有的画色调暗沉，却又营造出一种神秘的氛围，勾着你想要去探究。

我在这些画前走来走去，一会儿惊叹于画家的细腻笔触，一会儿又沉浸在画中人物的喜怒哀乐里。

感觉自己就像穿越到了画里，和那些人物一起经历着他们的人生。

等我从展览厅出来的时候，脑袋里还满是那些生动的人物形象。

这一趟油画之旅，可真是让我大开眼界，也让我对艺术有了更深的敬意和喜爱。

以后要是还有这样的展览，我肯定还会第一个冲进去！。

学习人物油画的感受

学习人物油画的感受通过两周的油画人物的实践与学习，或深获浅我有了些自己的实践感想。

刚开始入手油画的临摹我就充分感受到素描基础对它的决定性作用及对色彩掌握的灵活性,一幅好的人物油画作品必须有坚实的素描基础和灵活的色彩运用技法。

下面是我对人物油画的认识与感想：在临摹过程中首先构图是至关重要的，尤其是人物油画，对其造型即打形的要求较静物、景物会更严格。

在“打形”过程中首先我们需要在脑海里对临摹对象有个自己的“理想”定位，这样在打形过程中就不会因陌生而造成的困难。

这里补充一点我们在选临摹稿子时一定要找适合自己的，自己喜欢的，这样对临摹心理有很大的鼓动。

打形的时候一定要有计划的进行不要盲目下笔，画哪算哪，缺乏整体，要考虑整体布局的安排，局部时一定要把握好人物的动态，注意头、颈.、肩、手各部分的连接处及他们之间的比例关系、透视关系。

我选的临摹稿子是谢楚余的《花影》，选择这幅作品正是由于人物的动态表现使画面显得独具一格，但是同时也增加了临摹的难度，造型过程中我特别注意动态的表现。

形打好就开始整体铺大的明暗关系，如同画素描一样用铺大调来凸显人物的立体感及与背景的空间关系，而铺大调最主要的就是明暗关系，同时把握正确的铺大调后，有利于在“大调”中找形，通常是以头来测量人物的的其它比例。

铺好大调后的重点就是主体了，要突出主题，而人物的主体当然就是头和手的刻画，既然是刻画就要相当“苛刻”了，刻画之前必须多多少少要懂得头和手的解剖知识才有利于细节的刻画，而不会“画”不达意，出现造型上的错误，而在重点刻画头和手的过程中也不要忽略了身体的关系，要处理好身体和衣服的关系，衣服要处理好衣纹之间的层次关系，适当的表达对象的质感，增强画面效果。

整体、局部有计划的画，当画面处于未干的状态下要修改时不要心急.盲目，可以选画其他地方等颜料稍干后再做修改，而不至于出现脏颜色或修改效果“反成犬”，无论是整体还是局部刻画一定要有自己的审美意识，充分表现美的效果，有时候要抓住自己当时的感觉，即灵感，这样画出来的东西更有“神气”，说到“神气”我认为油画人物的“神气”来源于眼睛的刻画效果，其实就像我们看一个人一样，一看眼睛我们立刻就能感受到这个人的“神”。