艺术鉴赏论文
艺术鉴赏结课论文:浅谈对陶瓷艺术的认识
艺术鉴赏结课论文:浅谈对陶瓷艺术的认
识
引言
陶瓷艺术作为一种重要的艺术形式,具有悠久的历史和独特的
艺术风格。
本论文旨在探讨陶瓷艺术的认识,介绍其特点和发展历程,并通过实例来阐述其重要性和影响。
陶瓷艺术的特点
陶瓷艺术以其独特的材料和制作工艺而备受瞩目。
陶瓷制品通
常由黏土经过成型、烧制和装饰等工序而成,具有丰富的质感和多
样的形态。
同时,陶瓷艺术还表现出不同文化和地域的风格特点,
展示了不同时代的审美趣味和社会文化背景。
陶瓷艺术的发展历程
陶瓷艺术的发展可以追溯到古代文明时期。
不同文化和时期的
陶瓷制品展示了人类社会的变迁和文化交流。
从简单的土坯器皿到
精美的瓷器,陶瓷艺术经历了漫长的发展过程。
不同朝代和地域的
陶瓷艺术风格各具特色,例如中国的青花瓷、日本的陶瓷茶道具等,都展示了独特的美学理念和技艺传承。
陶瓷艺术的重要性和影响
陶瓷艺术在人类文化和艺术史上具有重要地位。
它不仅是艺术品的一种表现形式,更是一种传承文化和审美价值的载体。
陶瓷艺术通过独特的形态、装饰和材料运用,给人带来审美享受和情感共鸣。
同时,陶瓷艺术也对其他艺术领域产生了影响,例如陶瓷设计对建筑和生活用品的创新有着重要推动作用。
结论
通过对陶瓷艺术的认识,我们可以领略到其中蕴含的丰富文化内涵和艺术价值。
陶瓷艺术作为一门独特的艺术形式,不仅具有较高的艺术性,也连接着人们的生活和情感。
在今天的社会中,我们应该更加重视和保护陶瓷艺术的发展,推动其在当代艺术中发挥更加重要的作用。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一:对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一,而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画,绘制于16世纪初期,目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏,我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先,在绘画技巧方面,达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合,使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果,而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩,使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力,能够和观者进行交流。
此外,达芬奇还巧妙地运用了透视法,使得画面具有深度感,使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次,在表现手法方面,达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中,蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑,而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感,给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式,创造出了一种独特的艺术语言,使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后,我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服,头戴一顶菊花装饰的帽子,这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时,画中的背景正是美丽的自然风景,这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合,传递出对于真实与理想的追求。
总之,达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品,它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求,达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作,给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二:对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一,而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
美术鉴赏论文2000字
美术鉴赏论文2000字
(未细分论题)
对于现代人来说,艺术已不是奢侈品,而成为我们日常生活中不可或缺的部分。
艺术
有着自己独特的语言和表达方式,以此来表现作者的观点和创意。
对于观众或欣赏者来说,欣赏艺术也是一种沟通方式。
细读艺术作品,我们不仅可以了解到创作者,也可以了解到
自己,了解自己的思想和内心世界。
在艺术鉴赏的过程中,我们需要具备一定的专业知识。
例如可以从色彩学、构图学、
线条学等方面来分析和解读一幅画作。
当我们能够看到画作中的线条、颜色和形状时,自
然而然地会去考虑创作者的主题和意图。
这个过程需要我们慢慢的去琢磨,深入了解,才
能达到对作品的深度理解和感悟。
艺术的崇高之所以能感染我们,正是因为它具有无限的想象力,创造力,和表达力。
这些艺术元素可以帮助我们更好地感受作品,更深刻地理解作品中所蕴含的意义和精神内涵。
同时,艺术也可以帮助我们增强自我认知和情感体验,从而从中汲取生命的智慧和启示。
最后,艺术是一种文化传承和创新的形式。
在艺术鉴赏中,我们需要重视传统艺术与
当代艺术的结合,不断挖掘和创新。
艺术的魅力在于它的多样性和变化性。
无论何时何地,都可以找到自己喜爱的艺术形式和表达方式。
在整个鉴赏学习过程中,带着真诚的态度,认真的去感悟和理解艺术,才能真正的体
会到艺术所带来的美好与乐趣。
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文随着科技的不断进步,人们的生活变得越来越快节奏,瞬息万变。
在这种环境下,艺术欣赏和鉴赏显得更加重要,因为它可以帮助人们从繁杂的生活中走出来,进入到一个有趣而深邃的世界里。
学校是一个很好的地方,通过不同的教育方式,为学生提供了全方位的艺术教育。
作为今天的大学生,我们应该认真学习和欣赏艺术,并过程中提高我们的审美水平。
一、艺术欣赏的重要性艺术欣赏是一种对视觉、声音和感觉的感性反应。
它可以调节人们的情绪,激发人们对美的追求,使人们在快节奏的生活中获得真正的精神享受。
艺术欣赏可以提高人们的审美能力。
艺术欣赏需要人们在感性认识中对作品进行审美鉴别和感受。
只有在不断的实践中,才能使人们更好地了解作品的内涵和价值,并培养出自己的审美品味。
艺术欣赏可以开拓人们的精神世界。
艺术作品通过丰富的意象和表现手法,展现出深刻的思想和情感。
欣赏艺术作品可以拓展人们的思维,开阔人们的视野,使人们更加全面地认识和理解人类文化,提高个人素质和修养。
艺术欣赏可以增强人们的情感交流和沟通能力。
艺术作品具有多重的情感意义,通过欣赏和交流艺术作品,可以增进人们的情感沟通和理解,提高人们在交往和沟通中的情感表达能力。
二、艺术鉴赏的方法和技巧艺术鉴赏需要我们具备良好的鉴赏方法和技巧,这样才能更好地理解和欣赏艺术作品。
我们将介绍一些常用的艺术鉴赏方法和技巧。
1.了解作品的背景和历史了解艺术作品的背景和历史是理解作品的第一步。
每一件艺术作品都有其背后的文化和历史背景支撑。
通过了解作品的艺术流派、创作时间和创作者等信息,可以更好地理解作品的内涵和意义。
2.注重作品的整体感受欣赏艺术作品时,应该注重作品的整体感受。
艺术作品通常具有鲜明的个性和独特的风格。
了解作品的构成、色彩运用和表现手法等因素,可以帮助我们更全面地认识作品的特色和魅力。
3.注重作品的细节作品的每一个细节都蕴含着丰富的意义和内涵。
在欣赏艺术作品时,应该注重作品的细节表现,如画面的构成、线条的变化、色彩的运用等。
关于美术鉴赏课程论文(8篇)
关于美术鉴赏课程论文(8篇)美术鉴赏课程论文篇11、形与神在艺术史上的源流。
形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。
关于传神论早在汉代就有了萌芽,其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”,而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类,曲得其情”.这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者,并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。
而到了东晋时期,绘画艺术由“自发”转向“自觉”,而陶瓷雕塑也不例外,典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“,以神造形”“,传神写照”等论点,这些论点无不显示出形神合一的理论特色,自此以后,形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。
经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展,在中国文化整体大兴盛的前提下,艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画,则形似在其间”.这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“,气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。
再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“,气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求,甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。
这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效,甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中,一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。
2、陶瓷雕塑中“形神合一”表现。
陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。
所以体、形是“实”,神是“虚”.对于陶瓷创作者来说,首先要考虑的就是体与形,在现有的技术利用,使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境,在进行艺术创作时,在观察周围环境的情况下,进行一种合理的嵌入式的艺术,所以在一定形式上说。
即精神之最高境界“始于形似,止于神似”.最后,在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。
而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来,如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体,一方面利用大规模陶俑数量和军阵的.整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合,再这样契合的情况下,甚至于是它们创造了一个外部环境,用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的,二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体,这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现,在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。
陶瓷艺术鉴赏论文
陶瓷艺术鉴赏论文导言陶瓷艺术作为一种古老而重要的艺术形式,承载着丰富的文化与历史内涵。
从古代至今,人类通过陶瓷艺术表达着对美的追求。
本文将探讨陶瓷艺术的历史背景、艺术风格以及欣赏方法,帮助读者更好地理解和欣赏陶瓷艺术作品。
一、陶瓷艺术的历史背景陶瓷艺术的历史可以追溯到几千年前的古代文明时期。
早期陶器通常用于生活用具,如盘、碗、罐等。
随着文明的进步,陶瓷逐渐从实用品演变为艺术品。
中国、希腊、罗马等古代文明都留下了许多精美的陶瓷作品,这些作品展示了当时社会的经济、政治和文化状况。
中国的陶瓷艺术尤为著名。
早在新石器时代,中国就已经开始制作出精美的陶器。
汉唐时期,中国的陶瓷艺术达到了巅峰,著名的青铜器、瓷器等都是这一时期的代表作品。
此外,中国瓷器的制作技术也向世界传播,对世界陶瓷艺术起到了重要的影响。
二、陶瓷艺术的艺术风格陶瓷艺术作品的风格多种多样,反映了不同地域、不同历史时期和不同文化背景的特点。
1.中国陶瓷艺术的风格中国的陶瓷艺术以其独特的风格而闻名于世。
中国陶瓷注重形式的优美和线条的流畅,追求简约而高雅的美感。
著名的汝窑、青瓷、粉彩瓷等都是中国陶瓷艺术的代表作品,它们的装饰、釉色以及形态都具有独特的特点。
2.日本陶瓷艺术的风格日本陶瓷艺术秉承了中国陶瓷艺术的传统,并逐渐形成了独特的风格。
日本的陶瓷作品注重自然、朴素和质朴的美感,常常以简约而富有禅意的形式展现出来。
著名的日本瓷器有黑釉陶瓷、琉璃釉陶瓷等,它们的特点是色彩素雅、线条流畅。
3.西方陶瓷艺术的风格西方陶瓷艺术的发展经历了不同的历史时期和艺术风格的变革。
从古代希腊的陶塑到文艺复兴时期的陶瓷画,再到现代派的陶瓷艺术,西方陶瓷艺术呈现出多样的风貌。
不同的西方国家和地区也有各自独特的陶瓷艺术风格,如英国的斯塔福德郡陶瓷、法国的塞維斯陶瓷等。
三、陶瓷艺术的欣赏方法欣赏陶瓷艺术作品需要从多个方面进行分析和理解。
1.视觉欣赏首先,我们需要从外观上进行视觉欣赏。
艺术品鉴论文模板(10篇)
艺术品鉴论文模板(10篇)1.文物。
目前,各个国家对文物的称谓并不一致,其所指涵义和范围也不尽相同,因而迄今尚未形成一个对文物共同确认的统一定义。
文物是指具体的物质遗存,它的基本特征是:第一,必须是由人类创造的,或者是与人类活动有关的;第二,必须是已经成为历史的过去,不可能再重新创造的。
当代中国根据文物的特征,结合中国保存文物的具体情况,把“文物”一词作为人类社会历史发展进程中遗留下来的、由人类创造或者与人类活动有关的一切有价值的物质遗存的总称。
2.艺术品。
艺术品是满足人们精神需要的商品。
一件艺术品的价值是通过流通才得以体现。
在流通中体现价值,提高价值,实现价值的巨大飞跃是艺术品的特性。
艺术品作为商品的使用价值主要体现在其审美功能、认识功能、教育功能和娱乐功能上,通过这些功能的实现来完成艺术品本身具有的文化意义。
艺术性:艺术品的原始用途是为审美而创造的作品,其艺术质量包含着文化质量、思想内容和制作工艺等,蕴涵其中的是高超的文化艺术性。
价值不确定性:艺术品的价值见仁见智,很多艺术家的作品面世之后若干年都无价值可言,但一些作品却一问世就价值连城。
历史性:艺术品成为后人了解历史进程的证物,凝结了其中一个时期的一般人类劳动。
以文物艺术品为例,其价值就体现在可供教育借鉴和科学研究。
3.纪念往事或是纪念历史。
例如在2004年5月5日英国伦敦苏富比拍卖会上,以一亿四百万美金的天价成交的毕加索代表作《手拿烟斗的男孩》。
如此高昂的拍卖价,刷新的世界名画拍卖史的最高记录名震一时。
但直到后来,通过媒体的曝光,世人才看到天价成交幕后的“真相”――这幅画不仅是出自名家之手,其背后还深深隐藏着一个跨世纪的爱情故事。
三、文物鉴赏1.鉴赏的定义。
鉴赏是对文物、艺术品等的鉴定和欣赏。
人们对艺术形象进行感受,理解和评判的思维活动和过程。
人们在鉴赏中的思维活动和感情活动一般都从艺术形象的具体感受出发,实现由感性阶段到理性阶段的认识飞跃,既受到艺术作品的形象、内容的制约,又根据自己的思想感情、生活经验、艺术观点和艺术兴趣对形象加以补充和丰富。
美术鉴赏论文3篇
美术鉴赏论文3篇美术鉴赏是一种视觉艺术,在发展学生的视知觉,获得以视觉为主的审美体验,陶冶审美情操,提高生活品质等方面,具有其他学科难以替代的作用。
学而不思则罔,思而不学则殆,以下是漂亮的小编帮助大家找到的美术鉴赏论文较新3篇,欢迎借鉴,希望对大家有所启发。
美术欣赏论文篇一摘要:随着我国教育体制改革的不断深化,人们清醒地认识到教育的目的是促进人的素质全面、和谐发展,而不只是积累知识那么简单。
素质教育的基本目的是使学生在思想、道德、文化、身心等方面能够得到全面、和谐发展。
美育作为学校素质教育的重要组成部分,以其特殊的地位与作用区别于其他学科。
纵观当前的美术教学,美术观赏已贯串从小学至大学的审美教学全过程中。
而中小学美术观赏教学,作为培育学生审美素质的初级阶段,必需与学生的年龄特性相分离,控制学生观赏习气和观赏特征。
面对一幅绘画作品,该如何观赏?这是每一个人都会在心里问的一个问题。
在美术界,这也是一个值得讨论的,而且是一个历来末能构成共识的学术问题。
从大量的听课与调查中发现不少观赏课中,教员讲授时间很多,大局部超越30分钟,有的以至整节课讲授,学生学的时机很少,这样的课,不单教员讲得口干舌燥,学生学得更累,更没有兴味,这也不顺应如今所倡导的减负运动。
作为一名美术教育工作者,我也是常常考虑着这一问题,分离本人的教学理论,在这里谈一下本人的考虑。
一、美术观赏教学的常见类型普通说来,常见的美术观赏教学有以下四品种型。
(1)讲解型-----教员对美术伤口或是对美术观赏的根本原理和根底学问的解说、阐明。
(2)问答型-----教员就作品或观赏学问、原理发问,学生答复。
(3)讨论型------以学生为主体展开讨论,教员作为援助者。
(4)自在型------学生在学校内外自发地、自在地观赏美术作品。
讲解型的美术观赏教学的类型较常见。
象上面所讲的那样,一味由教员解说,这种以教员为中心的教学办法容易堕入学问灌输型的形式之中。
舞蹈艺术鉴赏论文(5篇)
舞蹈艺术鉴赏论文(5篇)舞蹈艺术鉴赏论文(5篇)舞蹈艺术鉴赏论文范文第1篇关键词高职院公共艺术课舞蹈鉴赏教学美国将来学家奈斯比特在《大趋势》一书中指出:“处在宏大变革时代,我们最需要制造力和制造精神”,自主创新意识的剧烈刺激,迫切需要大批量的高素养人才,这对培育高级技术人才摇篮的高等职业院校提出了更新、更高的要求。
公共艺术课是为培育社会主义现代化建设所需要的高素养人才而设立的限定性选修课程,对于提高审美素养,培育创新精神和实践力量,塑造健全人格具有不行替代的作用,其中《舞蹈鉴赏》教学有效性开展的意义不言而喻。
一、高职院《舞蹈鉴赏》教学现实意义培育舞蹈素养。
舞蹈素养可以理解为有效鉴赏舞蹈作品的深度与广度。
舞蹈是一种直观的肢体语言,没有旁白,需具备肯定的舞蹈素养,才能解读作品。
高职院开设《舞蹈鉴赏》教学,普及舞蹈基础学问,培育同学舞蹈素养,引导同学主动参加到舞蹈的观赏过程中去,感受舞蹈艺术多元文化集成的奇妙。
提升职业素养。
有学者将高职同学职业素养划分为职业抱负与道德、职业文化素养教育、职业审美素养教育等数个模块,数模块的和谐进展,构成了高职同学完备的职业素养,是高职同学立足于社会的基石。
舞蹈活动蕴含着人类社会进展的多元文化因素,《舞蹈鉴赏》教学对提升同学职业文化素养与职业审美素养有重要的作用。
有效性制度保障。
教育部《全国一般高等学校公共艺术课程指导方案》(教体艺厅[2021]3号)文件规定了《舞蹈鉴赏》等八门艺术限定性选修课程,要求每个同学至少选修1门并通过考核,与此同时绽开高校公共艺术课程评估。
从制度上强制高职院必需将公共艺术课纳入学校的教学方案与教学任务;同时以评估为手段,促进高职院公共艺术教育水平上一台阶。
二、高职院《舞蹈鉴赏》教学功能体现培育制造性思维模式。
《舞蹈鉴赏》教学引导同学通过观看熟悉舞蹈作品,通过观看解读舞蹈作品,发挥个人想象空间,获得审美情感满意的同时培育同学制造性思维模式。
学习的目的不只是把阅历贮存于脑中,而是最终要将所获得的阅历应用于实际的各种不怜悯境中去,以解决现实世界的各种问题,《舞蹈鉴赏》教学中的这种观看习惯的养成与观看力的提升是高职同学专业学问学习与实践的催化剂。
关于美术鉴赏论文范文
关于美术鉴赏论文范文美术鉴赏论文范文:美术作为一门独特的艺术形式,一直以来都是人们欣赏和鉴赏的对象。
随着时间的推移,美术不仅仅是一种艺术形式,更是一种文化符号和表达方式。
通过观察和鉴赏美术作品,我们可以了解一个时代的价值观、审美观和思想情感。
在本篇论文中,我将以中国水墨画为例,探讨美术鉴赏的意义以及如何进行有效的美术作品鉴赏。
首先,美术鉴赏可以让人们更好地理解艺术作品所表达的文化和思想。
中国水墨画作为一种古老的艺术形式,承载了丰富的中国传统文化和哲学思想。
通过鉴赏水墨画,我们可以感受到中国文化的深厚底蕴和审美价值观。
从画家笔法的运用到传统意境的表达,每一幅水墨作品都蕴含着独特的文化内涵,需要我们仔细品味和理解。
其次,美术鉴赏还可以培养人们的审美能力和艺术欣赏水平。
通过观察和研究艺术作品,我们可以学会欣赏美的能力并培养自己的审美眼光。
在鉴赏水墨画时,我们要关注画家的构图、用色和笔触等方面,同时也要了解其所表达的主题和情感。
通过不断地欣赏和研究,我们可以逐渐培养出独特的审美观点并形成自己独到的艺术品味。
除此之外,美术鉴赏也可以为我们提供美的享受和情感宣泄的方式。
当我们欣赏一幅优秀的艺术作品时,可以感受到其中传递出的情感和情绪。
水墨画常常以自然和山水为题材,通过画家的笔触和造型来表现大自然的美感和宏大。
当我们欣赏这些作品时,可以感受到大自然的力量和神秘,同时也可以通过作品中蕴含的情感来找到共鸣和宣泄自己的情绪。
最后,有效的美术鉴赏需要借助于相关知识和技巧。
在鉴赏水墨画时,我们应该了解画家的背景和创作理念,同时也要学习一些常见的艺术语言和技术。
此外,还可以通过参观画展和艺术展览来拓宽自己的视野,与其他鉴赏者进行交流和讨论,以提升自己的鉴赏水平。
总之,美术鉴赏是一种重要的艺术体验和表达方式。
通过了解和欣赏艺术作品,我们可以感受到其中蕴含的文化和情感,并提升自己的艺术欣赏能力。
以中国水墨画为例,我们可以通过鉴赏去了解中国传统文化的美学观和审美价值。
艺术鉴赏与生活中的艺术论文三篇 - 其他免费论文
艺术鉴赏与生活中的艺术论文三篇- 其他免费论文【其他免费论文】我们的创作无论是素材的来源还是技法的表现以及画面的意境都离不开平时我们对于生活的感受与领悟。
下面是本站为大家整理的,供大家参考。
艺术鉴赏与生活中的艺术论文1随着教育改革的不断推进,高校艺术欣赏课成了培养学生综合素养的关键课程,并引起了全社会的广泛关注。
从实际教育情况看,绝大多数高校艺术欣赏课程都无法满足当前教育改革的需求。
高校必须对现有的艺术欣赏课程进行全面的改革和创新,根据学生的实际学习情况采取有效的教学措施,提高艺术欣赏课程教学质量,全面提升学生的综合素养。
对此,文章分析了普通高校艺术欣赏课的现状,并提出了改革措施,以供参考。
现阶段,绝大多数高校并没有对艺术欣赏课给予高度重视,尤其是美术、音乐等公共课程并没有得到有效的重视,使得这些课程的教学质量一直处在无法提高的状态,这样不仅会影响正常艺术欣赏课的实施,还会对学生的综合素养提升造成严重的影响。
高校必须给予高度重视,并根据存在的问题对艺术欣赏课程进行全面的改革,充分发挥其真正的作用,培养学生的艺术欣赏能力,提高他们的审美水平,促进学生的全面发展。
1普通高校艺术欣赏课教学现状1.1教学目标不明确随着我国经济的快速发展,越来越多人已经认识到艺术教育对学生日后发展的重要性,国家制定出台了许多相关政策,这些政策虽然在一定程度上起到了提升艺术欣赏课程教学质量的作用,但并没有完全解决目前各大高校存在的问题,与素质教育的目标还有一定的差距。
(1)高校在制定艺术欣赏课教学目标时,没有根据学生的自身发展特点进行设定,使得教学目标无法满足学生的学习需求,课堂教学枯燥无味,从而导致教学质量不高。
(2)作为高校艺术欣赏课教师,在实际的教学中并没有根据学生的实际学习情况采取与时俱进的教学方式,在教学中大多没有充分结合当今艺术发展的实际开展有效的教学活动,使得教学偏离了原本的教学目标,忽视了对学生的审美塑造,这样就会对教学质量造成严重的影响。
3000字艺术鉴赏论文
3000字艺术鉴赏论文篇一:蒙娜丽莎鉴赏论文3000字摘要:蒙娜丽莎,这是一个永远探讨不完的问题。
于美、智慧、永恒,三位一体,极致的搭配,再无超越的可能。
就这样,蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想,也给人们无限沉重的压力。
自问世至今,将近五百年,后人不知做过多少品评和揣测,留下越来越多的迷局。
关键词:蒙娜丽莎、达.芬奇、卢浮宫、疑问、猜测正文:当今,世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部,而有近百名学者将此画作为终身课题。
时间的推移不会使疑团得到解决,只会随着研究的深入,将更多的疑惑留给后人。
人们过分地喜爱她。
无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑,那洞察一切而又包容一切的眼神,那端庄沉稳的姿态,高贵而朴素的装束,以及无懈可击的完美构图。
人们既愿意栖身她的庇荫,吸取滋润的营养;又渴望走出她的阴影,呼吸自由的空气。
多少年了,无数醉心绘事的人,都为这一重矛盾所困扰。
蒙娜丽莎的微笑》创作于16世纪初文艺复兴盛期,当时的社会基本价值观在一定程度上摆脱了中世纪教会和宗教思想的控制,强调人本主义的思想。
达芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。
在构图上,达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯,代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。
画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎,这幅画历时4年完成。
那时,蒙娜丽莎的幼子刚刚夭折,她一直处于哀痛之中,闷闷不乐。
为了让女主人高兴起来,达芬奇在作画时请来音乐家和喜剧演员,想尽办法让蒙娜丽莎高兴起来。
这幅画完成后,端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。
而随后人们即以“蒙娜丽莎的微笑”喻指迷人的微笑或神秘莫测的微笑。
文艺复兴 13世纪末14世纪初,意大利在欧洲最早产生资本主义萌芽。
15世纪,人文主义在意大利蓬勃发展,出现了“言必称古典”的局面。
许多学者、诗人搜求古籍成风。
艺术鉴赏论文1500字艺术的论文范文(精选5篇)
艺术鉴赏论文1500字艺术的论文范文(精选5篇)第1篇:艺术鉴赏论文1500字艺术的论文【关键词】艺术审美教育藝术实践一、艺术审美教育的现状近几年,高校都比较重视通过艺术审美教育提高非艺术类学生的审美情趣、能力和修养,但是在具体的教学过程中,现有的非艺术类学生的艺术审美教育教学方法还停留在学生主要是在课堂上听一些比较枯燥的艺术审美知识,只注重从一种知识的角度去认识艺术,如果我们的课程只是能够看着或听着一些艺术作品,讲出一大堆艺术大师的人名、作品创作的背景等问题的话,就很难激发学生的兴趣。
因为这些内容无法令学生留下深刻的印象。
因此,部分学生完全没有进入到艺术审美的情趣、自我思考和创作的过程中。
美学知识和美学原理是开展艺术审美教育的基础,但是,由于时代的发展,艺术实践性越来越被重视,因此,艺术审美教育的培养方向就应该向实践培养出发,并结合美学知识和美学原理进行大学生个性和创造能力的拓展,这样的模式才是艺术审美教育最成功的形式。
二、艺术审美教育和艺术实践的关系广义的艺术审美教育,内容有三点:文化知识的教育;艺术技能的教育;艺术行为的教育。
就艺术审美教育来说,无论哪点,都必需要通过“艺术的行为”来实现的。
但在非艺术类学生的艺术审美教育中,不难看出,我们注重强调艺术审美教育中的艺术文化知识,而忽略了艺术实践自身对于人的文化价值。
艺术审美教育是对生活在不断变革的社会中的“人”进行审美教育的工作,因此不能培养学生用其中一种固定的思维去进行艺术审美,不能考查学生记住了多少著名大师的名字和作品,而要通过学习,考查有没有激发起学生对艺术美和生活美的兴趣,有没有培养学生具有全面的、健康的审美情趣,有没有提高学生创造美的能力。
一个百花齐放、积极参与、互动性强和不断变化的艺术审美课堂才是我们所要的。
这些因素虽然产生的是一种“隐性”效果,可是对学生而言更能产生深刻印象的效果。
三、艺术实践的重要性艺术审美教育一定要从“课堂走向生活”。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)一、《蒙娜丽莎》——对达·芬奇绘画艺术的鉴赏达·芬奇是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一,他的绘画作品具有深厚的艺术内涵和卓越的技巧。
其中最著名的作品之一就是《蒙娜丽莎》。
这幅画作是达·芬奇的代表作之一,也是西方绘画史上的经典之作。
首先,《蒙娜丽莎》以蒙娜丽莎的肖像为主题,展示了达·芬奇对于人物形象的精准把握和对情感表达的深入思考。
画面中的蒙娜丽莎微微一笑,眼神深邃而又神秘。
她身着华丽的衣饰,头上的小帽点缀着颜色丰富的珠宝。
蒙娜丽莎的形象透露出一种难以言喻的神秘感,引发观者的无尽想象。
其次,《蒙娜丽莎》的构图精妙而又复杂。
达·芬奇巧妙地运用了透视法和对比法,使得画面中的蒙娜丽莎形象显得栩栩如生,仿佛能从画布中走出来。
他将蒙娜丽莎放置在一座开阔的景观中,背景中的山川和河流仿佛随着时光的流转而变幻。
这种细腻的构图技巧使得整幅画作更加具有动感和立体感。
再者,《蒙娜丽莎》的色彩运用极富特色。
达·芬奇巧妙地运用了明暗对比和色调的渐变,在画面中形成了丰富而又和谐的色彩层次。
蒙娜丽莎的面容及若隐若现的微笑,通过轻柔的光线和柔和的色彩展现出来,使她的形象更加神秘而又诱人。
最后,《蒙娜丽莎》所传递出的艺术思想也是其深受赞誉的原因之一。
达·芬奇通过这幅作品表达了他对于人性和情感的思考。
蒙娜丽莎那微微一笑的面容中隐藏着无尽的秘密,仿佛在告诉观者们人性的复杂和多变。
这种思想层面的表达使得《蒙娜丽莎》成为了一幅永远不会被人们遗忘的杰作。
总之,达·芬奇的《蒙娜丽莎》不仅是一幅绘画作品,更是一部关于人性和情感的艺术篇章。
他精准的人物形象塑造、复杂的构图和精妙的色彩运用,打造出了一幅令人陶醉的经典之作。
这幅作品以其独特的艺术风格和丰富的内涵,在人们心中留下了深刻的印象。
二、《星夜》——梵高的色彩盛宴梵高是后印象主义画派的代表人物之一,他的画作以其独特的色彩运用和个人表达风格而著名。
关于大学美术鉴赏的论文
关于大学美术鉴赏的论文摘要:美术鉴赏活动作为一种艺术审美活动,它的有效开展可以提升大学生的艺术素质。
在大学美术鉴赏教学中,教师应在艺术教育视野下从多方面着手开展这一审美教育。
要注重现实生活的融入,加深大学生对作品内容美、形式美及意蕴美的理解,注重让大学生抓住作品的内涵。
关键词:大学生;艺术教育;美术鉴赏教学;审美教育;鉴赏能力;艺术素质从当前大学生的美术教育内容看,美术教育有着较强的功利性,忽视了审美教育。
在美术鉴赏活动中,一些高校教师并没有对美术作品的文化内涵进行揭示,也没有整合美术作品的意义、内容和形式,这致使美术鉴赏教学没能发挥其应有的教育作用。
美术鉴赏活动作为一种艺术审美活动,它的有效开展可以提升大学生的艺术素质。
基于此,本文对艺术教育视野下的大学美术鉴赏教学进行研究,以期提高大学生的艺术素质。
一、注重现实生活的融入现实生活是美术创作的源头,要想有效开展美术鉴赏活动,需立足大学生的现实生活,让他们把目光投到实实在在的生活中,从中获得艺术真味。
比如,在随处可见的平面广告、视频广告中,有一些具备一定艺术审美价值的广告,教师可以多启发大学生,引导他们从中寻找和发现经典。
比如,美术作品《记忆的永恒》和《向日葵》以及《蒙娜丽莎》等以多种形式融入了广告画中,不仅赋予了广告画极高的艺术价值,而且广告的效益极好。
此外,在开展美术鉴赏活动的过程中,教师可带领大学生参观生活中的一些绘画作品展、建筑作品、雕塑作品等,让他们进行鉴赏和对比。
总之,大学生拥有一双善于捕捉的眼睛,便能抓住生活中随处可见的美的事物。
二、加深大学生对作品内容美、形式美及意蕴美的理解教师在实际开展美术鉴赏活动时,应选用有生活气息的美术鉴赏作品,也就是选择能直接反映社会生活的美术作品让大学生鉴赏。
为了加深大学生对作品的美的理解,教师应先让大学生了解作品所反映和折射的社会生活。
比如,欣赏油画《大典》这一作品时,很多大学生不能理解这幅油画的喜庆及庄严感,不能理解这一作品的内容之美。
美术鉴赏论文范文
美术鉴赏论文范文我对美术鉴赏的认识对于美术鉴赏,每个人都有自己的一番独特见。
我是建筑学的,对于艺术的欣赏认识算是一种必须的学习吧。
艺术资源博大精深,我们学习的只是其中的一小部分。
首先就让我谈一下自己对建筑艺术的认识吧。
从建筑方面来说,建筑美学以如何按照美的规律从事建筑美的创造以及创作主体、客体、本体、受体的关系和交互作用为基本任务,其具体内容是:建筑艺术的审美本质和审美特征;建筑艺术的审美创造与现实生活的关系;建筑艺术的发展历程和建筑流派、观念和风格的发展嬗变过程;建筑艺术的形式美法则;建筑艺术的创造规律和应具有的美学品格;建筑艺术的审美价值和功能;鉴赏建筑艺术的心理机制、过程、特点、意义、方法等。
根据当前建筑艺术的发展趋势,重点是研究建筑美与城乡环境的关系、建筑美的审美效应、建筑美与山水园林关系等。
接下来就具体的对我国的奥运会的水立方发表自己的认识。
“水立方”位于奥林匹克公园B区西侧,和国家体育场‘鸟巢’隔马路遥相呼应,建设规模约8万平方米,最引人注意的就是外围形似水泡的ETFE膜。
ETFE膜是一种透明膜,能为场馆内带来更多的自然光,他的内部是一个多层楼建筑,对称排列的大看台视野开阔,馆内乳白色的建筑与碧蓝的水池相映成趣。
这个看似简单的“方盒子”是中国传统文化和现代科技共同“搭建”而成的。
中国人认为:没有规矩不成方圆,按照制定出来的规矩做事,就可以获得整体的和谐统一、在中国传统文化中,“天圆地方”的设计思想催生了“水立方”,它与圆形的“鸟巢”,国家体育场相互呼应,相得益彰。
方形是中国古代城市建筑最基本的形态,它体现的是中国文化中以纲常伦理为代表的社会生活规则。
而这个“方盒子”又能够最佳体现国家游泳中心的多功能要求,从而实现了传统文化与建筑功能的完善结合。
为达此目的,设计者将水的概念深化,不仅利用水的装饰作用,还利用其独特的微观结构。
基于“泡沫”理论的设计灵感,他们为“方盒子”包裹上了一层建筑外皮,上面布满了酷似水分子结构的几何形状,表面覆盖的ETFE膜又赋予了建筑冰晶状的外貌,使其具有独特的视觉效果和感受,轮廓和外观变得柔和,水的神韵在建筑中得到了完美的体现。
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文
大学生艺术欣赏鉴赏论文范文艺术教育在育人方面,特别是在大学生人才素质培养方面有着独特的、不可替代的作用。
下面是店铺为大家整理的大学生艺术欣赏论文,供大家参考。
大学生艺术欣赏论文篇一:《试谈大学生艺术欣赏》悲剧和喜剧戏剧是综合艺术的一种,狭义专指以古希腊悲剧和喜剧为开端。
首先在欧洲各国发展起来继而在世界广泛流行的舞台演出形式,通过舞台演出而诉诸观众感官的艺术形式,其中心是演员的表演。
因之,又被人称为“舞台艺术”或“演员艺术”。
悲剧是戏剧的主要体裁之一。
它渊源于古希腊,由酒神节祭祷仪式中的酒神颂歌演变而来。
在悲剧中,主人公不可避免地遭受挫折,受尽磨难,甚至失败丧命,但他们合理的意愿、动机、理想、激情预示着胜利、成功的到来。
在戏剧史上,根据悲剧所涉及生活范围的不同,一般分为四种类型。
其一为英雄悲剧。
它往往表现政治斗争、阶级斗争、民族斗争中的重大题材。
直接表现各派政治力量、不同阶级之间的正面冲突。
其二为家庭悲剧。
表现家庭之间、家庭内部各种复杂的伦理关系及不同的人生价值观念、道德法则酿成的激烈的矛盾冲突及悲欢离合的爱情故事。
其三为表现“小人物”平凡命运的悲剧。
与“小人物”相对立的是来自社会各个角落的有形与无形的巨网。
最后一种其表现的矛盾冲突贯串整个人类社会生活,展现着人类从必然王国走向自由王国的艰难历程。
亚里士多德把悲剧定义为:是对一个严肃的、完整的、有一定长度的行动的模仿;引起怜悯与恐惧来使这种情感得到卡塔西斯(净化、宣泄)。
后世,很多美学家、戏剧理论家都曾从不同的角度确立悲剧的本质。
在悲剧中,人的欲望、情感、意志、能力都是历史的产物,体现着人类的本质力量,但都不可避免地遭受挫折、磨难,甚至是厄运,而且不可能在现实中实现。
这就构成了“历史必然的要求与这个要求的实际上不可能实现之间的悲剧冲突”。
在这种悲剧冲突中,主人公不仅要同为其造成挫折、磨难的强大外在力量搏斗,往往还要同主体的内在本质力量进行搏斗。
尽管突然降临的悲剧性情境似乎是偶然的,但是,这种情境只是为主体行动安排的必要契机,而行动都是源于主体的自我意识,是主体为了极限发挥自身的潜能而做出的。
《艺术鉴赏》论文
《美术鉴赏》课程论文论文题目《从区域曝光法浅谈近现代摄影》所在院系电子工程系专业班级应用电子一班姓名田野学号 G1310525成绩任课教师傅雪提交日期 2014.5.161927年,安塞尔.亚当斯25岁时拍摄的《约塞米特的半圆丘》获得成功,区域暴光法从此开始走向成熟。
从今以后,区域曝光法成为近现代摄影基本理论之一。
当我们谈到风光摄影的时候,安塞尔·亚当斯是一个绕不过去的名字。
他用完美无缺的技法呈现独具匠心的视野,向我们展现了美国的风光之美。
他的大多数作品使用黑白胶片拍摄,通过安装在镜头前的光学滤镜——红、黄色居多——突出天空,最后使用高超的黑白暗房技巧增添反差、控制细节。
说起安塞尔·亚当斯,我就很容易想到美国历史上另一位亚当斯——罗伯特·亚当斯,也是以风光摄影著称的摄影师。
罗伯特·亚当斯和安塞尔·亚当斯,虽然都叫亚当斯,但作品风格截然不同。
客观地说,论在摄影史上的地位,此亚当斯比我们熟知的安塞尔·亚当斯要高得多。
回顾历史,美国“新地形”摄影始于1976年的一个展览《新地形学》,地点是在伊斯曼之家。
参展摄影家力图以冷静的、客观的态度,面对被人类入侵和破坏的风景,从而呈现出一种全新的风景样式。
罗伯特·亚当斯就是其中一位非常重要的人物。
他的拍摄手法是直接面对现实,不加艺术性的美化,以客观冷静的态度表现社会现实。
从他的作品的,我们可以看出他和安塞尔·亚当斯的两大不同。
首先,拍摄对象不同。
安塞尔·亚当斯绝大多数拍摄的是自然风光,也有部分田园风光,但都抽离了社会背景。
罗伯特·亚当斯的西部景观照片面对的是西部城镇边缘地带,反映了城市化进程中人与自然的紧张关系,具有强烈的社会性。
其次,拍摄的态度不同。
安塞尔·亚当斯出于对大自然的热爱,对作品进行了大量的艺术化加工,以充分体现大自然的美。
罗伯特·亚当斯则本着客观冷静的态度,以平和的视角,不加美化的画面,直接反映现实。
美术鉴赏论文
美术鉴赏论文引言美术鉴赏是一门研究艺术作品的学科,通过对艺术作品进行深入解读和分析,以达到对作品的欣赏和理解。
本文将探讨美术鉴赏的重要性以及鉴赏的方法和技巧。
美术鉴赏的重要性美术鉴赏有着重要的意义和价值。
首先,通过鉴赏艺术作品,我们可以增强对美的感知能力,并培养审美情趣。
艺术作品可以唤起人们内心的情感和共鸣,让人们更加深入思考和感受。
其次,美术鉴赏可以拓宽我们的视野和知识面。
不同的艺术作品代表了不同的时代背景和文化价值观,通过对这些作品的鉴赏,我们可以了解到不同文化的艺术表达方式和艺术发展历程。
最后,美术鉴赏也可以培养我们的创造力和想象力。
艺术作品中的创意和表现形式可以激发我们自己的创作灵感,让我们能够更好地表达自己。
美术鉴赏的方法和技巧在进行美术鉴赏时,我们可以采取以下方法和技巧:1. 细观察:仔细观察艺术作品的细节,包括颜色、线条、构图等元素,从中获取更多的信息和感受。
细观察:仔细观察艺术作品的细节,包括颜色、线条、构图等元素,从中获取更多的信息和感受。
2. 文化背景了解:了解艺术作品所处的时代和文化背景,这有助于理解作品的意义和表达方式。
文化背景了解:了解艺术作品所处的时代和文化背景,这有助于理解作品的意义和表达方式。
3. 比较分析:将不同的艺术作品进行比较和分析,从中找出共同点和差异,深入理解作品的独特之处。
比较分析:将不同的艺术作品进行比较和分析,从中找出共同点和差异,深入理解作品的独特之处。
4. 跨学科思考:将其他学科的知识和观点融入美术鉴赏中,如哲学、历史等,可以提供更深层次的理解和解读。
跨学科思考:将其他学科的知识和观点融入美术鉴赏中,如哲学、历史等,可以提供更深层次的理解和解读。
5. 背景资料查询:在进行艺术鉴赏时,查询相关的背景资料和艺术家的介绍,有助于对作品的更全面理解。
背景资料查询:在进行艺术鉴赏时,查询相关的背景资料和艺术家的介绍,有助于对作品的更全面理解。
结论美术鉴赏是一项有趣而重要的学问,通过鉴赏艺术作品,我们可以提升自己的审美能力和文化素养。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性,平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益,请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间:9:00-18:30)。
自从梵高画了一组11张向日葵油画后,向日葵就属于梵高。《14朵向日葵》隔邻是高更的《梵高画向日葵》从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情!梵高化的向日葵好像在燃烧,浮雕般色彩如此强烈厚重,感情笔触如此饱满有力,真正是天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花。梵高嗜画向日葵,因向日葵是追光拜日的农民之花。画向日葵即画太阳,也是自画。太阳、向日葵及梵高融成一体。梵高和向日葵谱出相濡以沫生命与共的蓝与黄交响乐章,是其悲剧一生的?斯通
《向日葵》是梵高在法国南部所作。在法语里面,向日葵的意思是“落在地上的太阳”,人们往往把它看作是光明和希望的象征。梵高的向日葵不是一种亮丽明快、充满着希望和幻想的向日葵,而是比较疯狂的。在梵高的精神世界里面,他看到的一切对象都充满着一种生命———一种存在着压制和反压制关系的生命。
尽管向日葵那么美,高更因艺术理念分歧,无法与神经崩溃的梵高相处最终离开了。画了向日葵后的梵高便是金黄色的化身,把这金黄色的火焰撒遍天际田野,也涂上夜晚的星空,卷成旋涡直到麦田群鸦乱飞,才举枪结束了这场金黄色的癫狂。金黄色从此属于梵高。
仅用绚丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》,堪称梵高的化身,也可说是他的代表作。梵高集中精力创作《向日葵》系列作品时,正是他的艺术成熟时期,此时他非常喜欢使用黄色。
对于梵高而言,向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生,称他为向日葵画家,应该是恰如其分。
画家最不缺乏的就是对美的发现。但是在这个姹紫嫣红的世界上,为什么天赋甚高的凡高,会独独钟情于算不上特别美丽的向日葵?他又为什么会在一生中无数次把满腔的爱意奉献给它,包括生命的最后?这幅画究竟有着怎样的魔力,使其傲然屹立于世界经典名画之林。而且能被“佳士得”拍出天价?
《向日葵》油画,高99厘米,宽76厘米。作于1889—1890年间。是凡高以向日葵为体材的十三幅作品中,最大的一幅。画面中“从土壤到花瓶,隔阴阳二界”的向日葵即将枯萎。它象征着在巴黎某角落里奄奄一息的凡高,苍凉的“盘点着蓬勃的往事”,虽然“荒野和厅室,彰显着生命的两面“,但他仍然奋力“挣扎,在失水之前。”等待着那“风干之后”的解脱。呈血红色的茎已被剪断。此刻虽然“太阳浮在瓷瓶上方”它再也“不用摇头晃脑地追随星际的游戏”“生命至此,成熟与否”实在是“无关紧要”了。这种心情和即将辞世的凡高的心情,实现了“完美的契合”。画中明亮的黄色和阴暗的浅兰形成对比。使乎是一种非现实的美。而画面左上角用“跳动”的红点凃过,这“跳动”的色点融汇在浅兰色的笔触中。也就是这片小小的“火焰”意味着画家即将息灭生命之火的最后闪耀。奏响一支命运交响曲。 文森特?梵高(1853.3.30-1890.7.29)出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后印象派的三大巨匠之一。梵高年轻时在画店里当店员,这算是他最早受的“艺术教育”。后来到巴黎,和印象派画家相交,在色彩方面受到启发和熏陶。以此,人们称他为“后印象派”。
梵高一生中共作了11幅《向日葵》,有10幅在他死后散落各地,只有一幅目前在梵高美术馆展出。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我,有时甚至将自己比拟为向日葵。
以前听过台湾某艺人见到梵高《向日葵》原画泪流满面的报道,心想未免夸张,可当我见到这幅《14朵向日葵》时,也不由黯然叹息:这样拼了老命出力地画,不疯才怪,不短命才怪。
向日葵》确立了凡高在世界画坛上的地位。 凡高一生创作甚丰。但他作为一位极具个性的画家,很晚才被人们认可。然而由于他极端自我的形而上,在很长一段时间里不为世人赏识。所以一生穷困了倒,不得不长期依赖弟弟theo经济和精神的支持。诗中说;“明日或油彩脱落开始、拍卖的锤声和厚厚的纸币、才是对我前生哭笑不得的讥讽”是对这位一生追求精神至上的画家的点睛之笔。我认为,这首诗是对凡高《向日葵》最精准的解读。
英国伦敦大学玛丽女王学院做了一个有趣的研究:让一群从来没见过真花的蜜蜂“欣赏”四幅色彩绚烂的名画复制品,看看蜜蜂反应如何。结果发现,梵高的油画《向日葵》特别受蜜蜂青睐。大师笔下惟妙惟肖的向日葵竟让蜜蜂误以为真。蜜蜂多次停落在“向日葵”上,想品尝其中的“花蜜”。
玛丽女王学院的拉尔斯?希图卡教授领导了这项研究,研究结果将刊登在《光学与激光技术》杂志上。希图卡说,用进化的观点很容易解释“花朵类”油画的吸引力。他相信人类对颜色的选择是由进化而来的。希图卡指出,科学家已经证明,人类对颜色的分辨是从吃水果开始的,而梵高的画吸引蜜蜂的原因也和颜色有关。
生前寂寥、死后荣耀的画作一九七八年,在伦敦拍卖会上,梵高的《向日葵》以大约五十九亿日元的天价被日本人买走了,这个消息震惊了全世界。无论是有钱人的附庸风雅还是《向日葵》真的找到了会欣赏它的人。但是商业上的巨大利益,与梵高生前卖画所比,的确是一种巨大的讽刺。后来,梵高的作品《鸢尾花》和《迦赛医生像》分别以七十三亿及一二七亿日圆卖出。如果说现在画价飞涨是由梵高所引起的,也不为过。可是,梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅,而且价格非常便宜,仅为当时的四百法郎而已。在梵高死后不久,社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是,梵高本人却在还未获得正确评价之前,就自己拉下了人生的帷幕。
梵高强烈地爱上了遍地生长的高贵向日葵及炙热目眩般的阳光。他不无自嘲:“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加,越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻。
梵高是天才,也是疯子。你说他陷入癫狂割下自己的耳朵,可他偶尔清醒冷静得可怕。向日葵用色如此大胆强烈,因为他清楚地知道:岁月将使它们变得暗淡,甚至过于暗淡。可那股以螺旋的涡流向外喷射的金黄色烈火,百年之后还能深刻感受到。百年前的向日葵不是更加金黄炙热吗?我们都爱梵高的光与热,因为我们正常聪明世故得不会把自己逼向绝境。梵高知道高更喜欢他的向日葵多于莫奈的向日葵而高兴万分。高更这么形容:在我的黄色房间里,带紫色圆环的向日葵突出于一片黄色背景之前,花梗浸在一只黄色壶中,壶放在一张黄色桌上。金黄色的太阳透过我房间里的黄色窗帘,生气盎然沐浴在一片金黄色中。
他曾多次描绘以向日葵为主题的静物,他爱用向日葵来布置他的房间。向日葵是太阳之光,是光和热的象征,是内心翻腾的感情烈火的写照,亦是热爱生命选择生活的表现,但为何却成了梵高苦难生命的缩影。他自己则成了向日葵的背叛者,如此看来热爱生命与选择灭亡并不矛盾。梵高身为一个画家,成就了艺术却蔑视了生命。
他曾说过:我想用《向日葵》来装饰我的画室,让纯净的或调和的铬黄,在各种不同的背景上,在各种程度的蓝色底子上,从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色,闪闪发光;我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框,就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。梵高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒,这些色彩炽热的阳光,发自内心虔诚的敬神情感。16朵形态各异的向日葵,或绚烂或枯委,或隐或现,以淡黄色为背景,以深黄色为向日葵的主色调,另有几朵含苞未放以淡黑色点缀花蕊,颜色上给人一种强烈的对比,画面总体上给人一种明亮而又强烈的生命力,让人感到生活充满希望,阳光是那样的明媚,天空是那样的广阔。梵高许多以向日葵作为主题的作品一直在冲击着我的思想,一个如此热爱向日葵的画家为何却为如此轻视生命,自己选择走向生命的尽头。
梵高的十一幅《向日葵》中,有十幅在他死后散落各地,只有一幅目前在梵高美术馆展出。梵高总是一人独自生活,在他为爱徘徊的时候,唯一伴随他的只有强烈的孤独感。而 象征梵高化身的《向日葵》,在他死后则被西奥家人珍藏,一直保留至今……
梵高是世人公认的艺术大师,同时也是备受争议的“疯狂天才”,其代表作《向日葵》历来是为人称颂的名画之一。如今,这幅《向日葵》又获得一项殊荣———竟能引来蜜蜂驻足花蕊,实在令人赞叹不已!
梵高全部杰出的、富有独创性的作品,都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品,情调常是低沉的,可是后来,他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗,好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难,以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说:他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西,这就是太阳。他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩,而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身,并且多次描绘向日葵。
人们如果确能真诚相爱,生命则将是永存的,这就是梵高的愿望和信念。可是冷酷和污浊的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱,病发之时陷于狂乱,病过之后则更加痛苦。他不愿增加别人的负担,自杀身亡,享年只有37岁。
梵高最有名的作品是这幅画有16朵的《向日葵》。对于梵高而言,向日葵这种花是表现他思想的最佳题材。夏季短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向向日葵般结束自己短暂的一生,称他为向日葵画家,应该是恰如其分。