唱奏律的方法与程序
声乐训练知识：声乐训练中常用的韵律技巧有哪些
声乐训练知识：声乐训练中常用的韵律技巧有哪些声乐训练是一门综合型的课程，其中韵律技巧是不可或缺的一部分。
韵律技巧指的是声乐演唱中常用的一些技巧，它们可以帮助歌手更好地发声，表达情感，提高演唱技巧和水平。
下面，我们将从音准、节奏、呼吸、声音控制等方面，介绍一些常用的韵律技巧。
一、音准音准是声乐演唱中最基本的要素，它指的是演唱者在演唱中准确地掌握每一个音符的时值和音高。
因此，音准技巧的训练非常重要。
在声乐训练中，常用的音准技巧有：1.听音识谱训练：通过反复听歌曲并边听边练，帮助歌手准确掌握每一个音符的时值和音高。
2.琴声合唱训练：让学生与钢琴的演奏声合唱，帮助学生更好地掌握音准。
二、节奏节奏是声乐演唱中非常重要的一部分，它指的是歌曲中每个音符所占的时值。
良好的节奏感可以帮助演唱者更好地掌握歌曲的节奏和情感，使演唱更加地富有感情。
在声乐训练中，常用的节奏技巧有：1.手指敲击配合训练：教师通过手指敲击的方式，帮助学生更好地掌握歌曲的节奏和情感。
2.分节加速训练：从歌曲缓慢的节奏开始，通过分节加速训练，帮助学生更好地掌握歌曲的节奏和情感。
三、呼吸呼吸是声乐训练中不可或缺的一部分，它可以帮助演唱者更好地控制声音，以及更好地发挥声音的表现力。
在声乐训练中，常用的呼吸技巧有：1.腹式呼吸：通过深入的腹式呼吸，帮助歌手更好地控制声音，以及更好地发挥声音的表现力。
2.吐音呼吸训练：在呼吸的同时，通过吐音的方式进行训练，帮助歌手更好地控制声音和节奏。
四、声音控制声音控制是声乐训练中非常重要的一部分，它可以帮助演唱者更好地控制声音，提高演唱的感染力和表现力。
在声乐训练中，常用的声音控制技巧有：1.声调调整训练：通过调整声调，帮助学生更好地控制声音，提高演唱的感染力和表现力。
2.发声意识训练：通过加强发声的意识，帮助学生更好地掌握每个音符的表达方式，提高演唱的感染力和表现力。
总结起来，韵律技巧是声乐训练中非常重要的一部分，它可以帮助演唱者更好地掌握音准、节奏、呼吸、声音控制等方面，使演唱更加富有感情和表现力。
合唱及合奏指挥法图解
合唱及合奏指挥法图解在团体歌唱或乐器合奏时，由指挥者用指挥棒或者徒手来打拍，叫做“拍节法”。
指挥者要以适当的速度在空间中画出图形，驾驭节奏，并暗示出强弱缓急。
一、为什么需要指挥一张乐谱所能承载的内容是有限的，如何把它具体组织成美妙的声音，即是指挥的工作。
指挥决定最终的效果，是表现得经典抑或平庸的分水岭。
二、准备工作和合唱组织对于活动需要，临时点将的“指挥”，合唱组织责任比摆花瓶义务重要。
您也许要面对各种希奇古怪的想法和乱七八糟的人们……通常的合唱组织初期，其实还谈不上多少艺术修养，说考验您的组织和领导能力还差不多。
这个问题先搁着，在您可以考虑如何指挥之前，首先需要的是：熟悉曲谱（至少听记熟练）。
乐谱（或者说烂熟于心），正是您赖以吃饭的家伙，而对乐曲的理解水平决定了您能否有驾驭的能力。
把你理解的，正确的情绪传达给大家；用你的头脑和大家一起唱、用你的手控制住节奏和提醒。
经过反复的指导和练习，大家默契了这首曲子，指挥台上的你才是真正的指挥。
只要几个主要的、认真的队员注意你的指挥，你就能驾驭节奏；当你和队列的每一个部分都有默契，你将驾驭一切。
即使各种原因，没有这些条件。
只能要求大家唱齐、唱出气势则可，你也可以当大家的花瓶，手势既然中规中矩，谁也挑不了什么（毕竟专家还是少数地）。
如果您有时间，请看看下面提供的具体步骤：１、分析作品指挥首先要做的就是研究乐谱、分析作品。
我们不是莫扎特，一首你唱熟了的歌曲，除非看到曲谱，你根本不会发现自己原来遗漏了那么多细节！对作品的思想、风格、表现手法理解越深入，对作品的解释和表现就越到位。
强弱、快慢、情绪、段落结构等等，都纪录在乐谱上。
理解和熟记乐谱，是指挥的必经之路。
２、乐队编制合唱团声部位置安排有很多种，根据不同作品的需要，以及各声部的特点来安排。
如果是同声合唱（男声合唱或者女声合唱），至少会分高、低声部，人数配备比例参考：同声二部合唱３：２；同声三部合唱９：７：８；同声四部合唱７：４：４：５。
音乐演奏古典乐曲的基本演奏技巧
音乐演奏古典乐曲的基本演奏技巧古典音乐作为一种历史悠久且文化底蕴深厚的音乐形式，一直以来都备受人们的喜爱和推崇。
在演奏古典乐曲时，熟悉和掌握一些基本的演奏技巧是非常重要的。
本文将介绍一些演奏古典乐曲的基本技巧，以帮助对古典音乐有兴趣的人更好地演奏这些经典作品。
一、正确的指法和手位在演奏古典乐曲时，正确的指法和手位至关重要。
首先，要保持手指的放松和柔软，避免过度用力或僵硬。
其次，要注意正确放置和按压音符，使得每个音符都能够清晰而准确地发声。
此外，还要关注手指的弹跳和灵活性，以便更好地应对快速的音乐节奏和复杂的音位。
二、准确的节奏感和节拍掌握准确的节奏感和节拍掌握是演奏古典乐曲必不可少的技巧。
首先，要熟悉并理解乐曲的节奏结构和节拍分布。
其次，通过练习和反复演奏，培养自己的节奏感，确保每个音符能够准确地落在应有的位置上。
同时，要注意掌握乐曲的速度和节奏变化，以便更好地表达音乐的情感和意境。
三、充分理解和演绎乐曲的风格特点每个古典乐曲都有其独特的风格特点和情感表达，对于演奏者来说，理解和演绎乐曲的风格是至关重要的。
首先，要对乐曲的历史背景和作曲家的意图有一定的了解，这有助于更好地理解和演绎乐曲。
其次，要通过熟悉和分析乐曲的旋律、和声、节奏和动态等元素，把握乐曲的整体结构和情感走向，以便更好地表达乐曲的美感和内涵。
四、技巧的运用和表现力的培养除了基本的演奏技巧外，合理运用一些高级技巧和培养自己的表现力也能提升古典音乐的演奏水平。
首先，可以学习和掌握一些特殊的技巧，如琴音、颤音、连奏等，以增加音乐的层次和表现力。
另外，可以通过听音乐会、学习其他演奏家的表演经验、参与演出等方式，培养自己的表现力和舞台魅力，给观众带来更好的音乐体验。
五、持之以恒的练习和不断的提高演奏古典乐曲需要持之以恒的练习和不断的提高。
良好的演奏技巧是通过长期的练习和积累才能够获得的。
要保持每日的训练和练习，并不断寻求反馈和指导，与其他音乐爱好者或专业音乐家进行交流和互动，不断提高自己的演奏技巧和音乐素养。
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在节奏上掌握歌曲
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在节奏上掌握歌曲在唱歌过程中，掌握节奏是非常重要的一个方面。
一个有稳定节奏感的歌手能够更好地控制自己的音乐表达，让歌曲更加动感和生动。
本文将介绍一些技巧来帮助您在唱歌过程中更好地掌握节奏。
首先，熟悉歌曲的节奏结构。
要掌握歌曲的节奏，我们必须首先确定歌曲的基本节拍。
由于不同类型的歌曲可能会有不同的节奏感，因此我们需要对每首歌曲进行单独的研究。
例如，摇滚歌曲通常有一个强烈的四拍节奏，而爵士乐则可能有更加复杂的节奏形式。
了解歌曲的基本节奏结构将帮助我们更好地理解和快速吸收该歌曲的节奏感。
其次，使用击鼓机或节拍器助你掌握节奏。
在练习歌曲时，我们可以使用击鼓机或节拍器来帮助我们掌握节奏。
通过产生一个精确和稳定的节奏感，这些设备可以帮助我们建立起自己的节奏感。
我们可以尝试在适当的时候添加或删除击鼓机或节拍器，这样我们就可以学习到如何掌握歌曲的动态变化，从而更好地表现歌曲。
第三，练习和强化你的内部计时。
随着我们对歌曲的熟悉程度提高，我们也应该尝试在练习过程中减少击鼓机或节拍器的依赖，以更好地准确把握歌曲的节奏。
其实，好的歌手在演唱过程中会同时使用自己的声音和内部计时器来掌握节奏。
我们可以通过不断地唱歌来练习和加强自己的内部计时，从而更好地掌握歌曲的节奏感。
例如，我们可以尝试在练习中用手拍打或者轻声哼唱来控制歌曲的节奏。
最后，合理安排练习时间。
要想真正掌握歌曲的节奏，我们需要耐心的实践和练习。
我们可以把练习时间分摊到一天的不同时间段，这样可以在多个时段内逐渐加强我们的技巧。
我们需要保持上述技巧的全面应用，甚至在表演过程中带着少量的保险（如击鼓机或节拍器）以确保歌曲的整体节奏感。
总之，掌握歌曲的节奏是唱歌技巧中非常重要的一方面，只有掌握了节奏，我们才能更好地表现整个歌曲。
我们可以通过熟悉歌曲的节奏结构、使用击鼓机或节拍器、强化我们的内部计时以及合理安排练习时间等手段来改善自己的节奏感和表现技巧。
唱歌技巧和发声方法有哪些
唱歌技巧和发声方法有哪些唱歌是一种非常受欢迎和广泛发展的艺术形式，它需要一定的技巧和方法来实现最佳的效果。
下面将介绍一些常见的唱歌技巧和发声方法。
1.呼吸控制：呼吸是唱歌的基础，良好的呼吸控制可以提高气息的稳定性和持久力。
要深呼吸，尽可能从腹部扩张，而不仅仅是从胸部呼吸。
在高音部分需要更多的空气流动，所以要加强对空气的控制。
2.嗓音放松：唱歌时要保持嗓音的放松状态，避免过度紧张和用力。
放松喉咙和颈部的肌肉，并尽量使用腹式呼吸来减轻喉咙的压力。
3.音高准确度：唱歌时要尽量准确地命中音高。
可以通过使用调音器或钢琴来帮助练习，使自己对音高有更好的感知力。
通过练习音阶和音程来提高唱准的能力。
4.节奏掌握：掌握良好的节奏感是唱歌的基本要求。
可以通过听音乐并跟着节奏摇头或拍手来提高节奏感知力。
另外，使用节拍器或节奏练习软件也可以帮助你更好地掌握节奏。
5.发声技巧：发声是唱歌的核心部分，要注意用正确的发声方法来保护嗓子。
要注重清晰的发声和准确的发音。
口腔的开合和舌头的位置对于发声有很大影响，因此要保持舌头的放松和正确的口腔形状。
6.音色塑造：唱歌时可以通过不同的发声技巧来改变音色。
例如使用头腔发声可以产生明亮的声音，而使用混响和共鸣可以产生更丰满的声音。
要根据曲目和情感来选择合适的音色塑造方法。
7.音域扩展：通过练习音阶和音程来扩展自己的音域。
可以逐步增加高音和低音的范围，但要注意不要过度用力。
可以通过渐进式练习来逐渐扩展声音的范围。
8.表情和情感传达：唱歌不仅仅是发声技巧的展示，还涉及情感的传达。
要注重歌词的理解和情感表达，使自己的演唱更有感染力。
要注意用适当的音色和发声技巧来表达歌曲的情感。
9.实践与反馈：唱歌是一个不断进步的过程，要不断地实践和反馈。
可以参加唱歌比赛、演出或找一位唱歌专业人士来指导，从中得到反馈和提升。
尽管这些唱歌技巧和发声方法可以帮助你提高唱歌的技能，但并不是每个人都具备相同的声音天赋和潜力。
简单易学的音乐技巧
简单易学的音乐技巧音乐是人们生活中不可或缺的一部分，它有着丰富多样的形式，让人们在欢乐、伤感、激动等各种情绪中得到宣泄和满足。
然而，学习音乐技巧对于一些初学者来说可能比较困难。
本文将介绍一些简单易学的音乐技巧，帮助初学者更容易地掌握音乐。
一、律动感律动感是音乐的灵魂，它可以增加音乐的生命力和魅力。
对于初学者来说，培养律动感是十分重要的。
以下是几种增强律动感的练习方法：1. 跟随节奏击掌：选择一首简单的歌曲，在听歌的同时用手跟随节奏击掌。
开始时可以选择较慢的歌曲，逐渐加快难度。
这个练习有助于提高节奏感和律动感。
2. 简单的拍子练习：将拍子分成四等份，用手或脚敲打击打，练习固定的拍子和节奏。
起初可能会有困难，但随着练习次数的增加，你会逐渐掌握。
3. 听音乐感受律动：在听音乐时，用身体感受音乐的律动。
可以随着音乐摇摆、扭动身体，增强对音乐的理解和感受。
二、和弦基础学会和弦是学习音乐的重要一环，它使你能够伴奏和弹唱各种歌曲。
以下是几种简单易学的和弦：1. C大调和弦：这是一种基础和常见的和弦，以C、E、G三个音组成，可以用手指按住吉他的第一、二、三个品。
2. G大调和弦：这是另一种常用和弦，以G、B、D三个音组成，可以用手指按住吉他的第二、三、四个品。
3. D大调和弦：以D、F#、A三个音组成，用手指按住吉他的第二、三、四个品。
通过练习这些和弦，你可以逐渐熟悉各种常见和弦的按法，并能够在歌曲中运用。
三、简单旋律演奏学会演奏简单的旋律是学习音乐的重要一步，以下是几种简单易学的旋律演奏方法：1. 彩虹钢琴：排列一组大小不等的彩色纸片，每一张对应钢琴的一键。
可以通过按下不同颜色的纸片来演奏简单的歌曲。
2. 数字简谱：数字简谱是一种简化的乐谱，用数字代表音高和音长。
通过学习简谱，你可以用手指按下对应的琴键演奏简单的旋律。
3. 音高记忆练习：选择一首简单的歌曲，通过听歌记住各个音的音高，然后用手指或声音模仿演奏出来。
标准音调及节奏组合熟练掌握
标准音调及节奏组合熟练掌握在音乐学习中，标准音调及节奏的组合是非常重要的一部分。
只有熟练掌握了这些基本元素，才能够准确地演奏乐曲或进行音乐创作。
本文将重点讨论如何达到标准音调及节奏组合的熟练掌握。
一、标准音调的理解与实践标准音调是指音乐中的音高，准确地演奏出各个音符的音高是非常关键的。
为了熟练掌握标准音调，我们可以采取以下几个方法：1. 耳朵训练：通过听音乐、识别音高的方法，培养自己对音高的敏感度。
可以借助音乐学习软件进行训练，也可以多听各类音乐作品，提高自己的音高辨别能力。
2. 乐器练习：如果是自学乐器的话，可以通过指法练习来逐渐熟悉各个音符的音高。
如果是学习钢琴、吉他等键盘乐器或弦乐器的话，可以通过弹奏乐曲来熟悉不同音符的音高。
3. 耳机使用：在练习音乐的时候，可以佩戴耳机，听着演奏自己喜欢的乐曲，同时调节出最佳的音调。
通过这种方法，可以更好地感受到标准音调，并且可以调整自己的演奏以达到标准的效果。
二、节奏感的培养与练习除了标准音调外，节奏感在音乐中也是至关重要的。
一个准确的节奏可以给人一种稳定而有力的感觉，使音乐更加动感和有韵律感。
以下是一些提高节奏感的方法：1. 节拍器的使用：使用节拍器可以帮助我们更好地掌握音乐的节奏。
可以通过打击节拍器来训练自己的节奏感，或者使用手机上的节拍器应用来进行练习。
2. 跟随音乐：在练习音乐的时候，可以尝试跟随音乐的节奏进行演奏。
可以将乐曲进行分段练习，逐渐将每一个小节的节奏熟练掌握，然后再进行整体演奏。
3. 与他人合奏：如果条件允许，可以与其他乐器的演奏者合奏。
在合奏中，我们需要根据其他乐器的节奏来进行配合，在这个过程中，可以更好地熟悉和掌握音乐的整体节奏。
三、标准音调及节奏组合的综合训练最后，为了熟练掌握标准音调及节奏的组合，我们需要进行综合训练。
以下是一些方法：1. 同时训练：在练习音乐的过程中，我们需要同时注意音调和节奏两个方面。
可以分别进行标准音调和节奏的训练，然后逐渐将两者结合起来。
小学四年级音乐学习演唱和编曲的基本技巧
小学四年级音乐学习演唱和编曲的基本技巧音乐是人类与生俱来的天赋，能够启发情感、表达思想、增强团队合作能力。
作为小学四年级的学生，学习音乐的演唱和编曲技巧是非常重要的。
本文将为大家介绍一些小学四年级学生在音乐学习中需要掌握的基本技巧。
一、演唱技巧演唱是音乐学习的基础，通过演唱能够培养孩子的音乐感知能力、音准感和节奏感。
以下是一些小学四年级学生在演唱中需要注意的技巧：1. 良好的姿势：学生应该保持站立姿势，胸部挺直、肩膀放松，双脚稍微分开，双手自然下垂。
这样的姿势有利于呼吸和声音的发声。
2. 呼吸控制：学生在演唱时应该学会正确的呼吸方法，通过深吸气使腹部膨胀，然后慢慢呼气。
这样可以有效地控制音量和延长呼气时间。
3. 音准感：学生需要通过听音训练来提高音准感。
可以听一些简单的旋律，用手指或嘴巴模仿出来。
同时，老师也可以给学生提供一些简单的音阶练习来帮助他们培养音准感。
4. 节奏感：学生需要能够准确地把握音乐的节奏。
可以通过拍手、跺脚等方式来帮助学生感受节奏。
老师可以使用一些节拍器等辅助工具来让学生更好地练习节奏感。
二、编曲技巧除了演唱，学生还可以学习音乐的编曲技巧，通过编曲来创作出属于自己的音乐作品。
以下是一些小学四年级学生在编曲中需要注意的技巧：1. 熟悉乐器：学生可以选择一两种喜欢的乐器进行学习，如钢琴、吉他等。
通过学习乐器，可以更好地理解音乐的构成和编曲的原理。
2. 和声编排：学生可以通过使用和弦来编排自己的音乐。
了解和声规律和音程的运用，可以让学生创作出更加丰富多彩的音乐作品。
3. 创意发挥：学生可以根据自己的想法和情感，通过改变旋律、速度、音色等来编曲。
可以尝试使用不同的节奏和重复结构来创造自己的音乐作品。
4. 合作创作：学生可以与同学一起进行编曲的创作，通过合作可以互相借鉴和学习，创作出更好的音乐作品。
可以分工合作，每个人负责不同的部分，最后进行整合。
总结：音乐学习对于小学四年级的学生来说是非常重要的，可以帮助他们培养音乐感知能力、音准感和节奏感，同时也可以通过编曲来发挥创造力和团队合作能力。
小学五年级音乐节奏与合唱技巧
小学五年级音乐节奏与合唱技巧音乐是小学教育中不可或缺的一环，它能培养孩子们的审美能力、情感表达能力和协作意识。
在音乐学习中，节奏感和合唱技巧是非常重要的方面。
本文将介绍小学五年级学生在音乐节奏和合唱方面的学习技巧和方法。
一、音乐节奏技巧音乐节奏是指音乐中的时间感和韵律感。
五年级的学生已经有了一定的基础，可以通过以下方法进一步提高他们的音乐节奏技巧。
1. 节拍练习节拍是音乐中的基本单位，通过练习节拍可以帮助学生更好地理解和把握音乐中的节奏。
教师可以通过使用节拍器、拍子鼓等教具，帮助学生感受和打击不同的节拍，培养他们的节奏感。
2. 听音乐并拍节拍教师可以选择一些简单易懂的音乐，让学生跟随音乐的节奏拍打节拍。
在这个过程中，教师可以引导学生注意音乐中的不同节奏，帮助他们更好地理解和感受音乐。
3. 参与合奏活动组织学生进行合奏活动是培养他们音乐节奏感的有效方法。
可以选择一些简单的合奏曲目，让学生分配不同的节奏部分进行演奏，通过合作和协调，培养他们的节奏感和团队协作能力。
二、合唱技巧合唱是指多人同时演唱一首歌曲。
在小学五年级，学生可以通过以下方法提高他们的合唱技巧。
1. 合唱练习合唱练习是培养学生合唱技巧的基础，教师可以选择一些适合小学五年级的合唱曲目，让学生进行练习。
在练习过程中，教师可以注意学生的发音、音准和声音的统一性，并指导他们如何正确地调整自己的声音与其他人协调一致。
2. 分声部练习对于学生来说，分声部练习是提高合唱技巧的重要环节。
教师可以根据学生的音域和能力，将他们分为不同的声部，分别进行练习。
这样可以让学生更加专注地练习自己的声部，同时也培养他们对不同声部之间的听觉感知。
3. 表情与动作配合在合唱中，学生不仅需要注意自己的声音，还需要学会通过表情和动作来表达音乐中的情感。
教师可以引导学生根据歌曲的意境，加入适当的动作和表情，使合唱更加生动和有感染力。
总结：五年级是音乐学习中的重要阶段，通过提高学生的音乐节奏感和合唱技巧，可以更好地培养他们的音乐素养和协作能力。
音乐演奏技巧操作规程
音乐演奏技巧操作规程一、前言音乐演奏技巧是音乐家在演奏中所应用的技巧与方法，它直接关系到演奏的质量和效果。
为了帮助音乐爱好者更好地掌握和运用音乐演奏技巧，本文将介绍一些常用的音乐演奏技巧操作规程。
二、正确的姿势与手位在开始演奏之前，正确的姿势和手位是非常重要的。
一个良好的姿势可以更好地保护身体和手部的健康，并为演奏提供更好的支持。
以下是一些基本原则：1. 坐姿：坐直，双脚平放地面，保持身体放松但保持稳定。
2. 背部与手臂：保持背部挺直但不僵硬，将手臂轻轻地放在乐器上。
3. 手指：应稍微弯曲，放松但有一定的张力，以便更好地控制乐器。
三、技巧操作规程1. 指法（1）单指法：指按弦时，在适当的位置轻轻用指尖按住弦，并用力拉弦，产生有力而准确的音符。
（2）连奏：在多个音符需要连奏时，要确保指尖在指板上保持灵活，准确地依次按下各个音符。
（3）滑奏：滑奏是指用一个或多个手指滑动到相邻音符的技巧。
在滑奏时，保持手指与弦的接触，保持流畅和准确的音高变化。
2. 音色与声音控制（1）强弱音：在音乐演奏中，通过控制力度大小，可以产生不同的音强效果。
要注意强弱过渡的平滑性和自然性。
（2）颤音: 颤音是指手指快速振动弦产生的音效。
颤音的速度、振幅和稳定性都应得到控制，以达到音效的要求。
（3）弱音：弱音是通过减小弦的振幅来产生柔和效果的一种技巧。
要控制好弦的振幅，使其不失准确度。
3. 节奏与速度控制（1）节奏感：节奏感是音乐演奏中至关重要的一环。
要通过训练和感受音乐的节奏来掌握节奏感，使演奏稳定且准确。
（2）速度控制：根据音乐作品的要求，准确掌握演奏的速度，注意速度的平稳过渡和整体的统一性。
4. 剧情表达与情感传达（1）剧情表达：在音乐演奏中，通过动态变化、音符的延长或缩短等手法，将音乐作品的情节表现出来。
（2）情感传达：音乐是情感的表达，通过演奏技巧的运用，将音乐作品中所蕴含的情感更好地传达给观众。
四、技巧操作的练习与进阶1. 基础技巧操作练习初学者应通过反复练习基础的技巧操作，如指法、音色控制和节奏感等。
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在音乐演唱中处理好音乐旋律和音阶的变化和转换
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在音乐演唱中处理好音乐旋律和音阶的变化和转换在音乐演唱中，声乐技巧是非常重要的。
处理好音乐旋律和音阶的变化和转换是其中的一个关键要素。
在下面的文章中，我们将详细介绍如何处理这些方面，希望对学唱歌、学乐器的朋友有所帮助。
一、音乐旋律的变化处理音乐旋律的变化是音乐演唱中最重要的环节之一。
这种变化来自于音符的高低变化，旋律的抑扬顿挫和细节之处的处理。
为了不失去曲子原有的经典美感和魅力，我们需要处理好以下几个方面：1.注意音符的变化音符的变化是音乐旋律变化的基础，也是最基本的部分。
在唱歌的时候，我们需要根据音符的高低变化来调整喉咙的气流，以便达到正确的发声。
对于难唱的旋律，我们可以将它拆解成一个个音符，再慢慢地练习。
2.注意节奏的抑扬顿挫除了音符的变化之外，还有一个很重要的方面就是节奏的抑扬顿挫处理。
这要求我们能够清楚地识别出每个音符之间的间隔，并在唱歌的过程中加以处理。
这样，整首歌曲就会更具有魅力和表现力。
3.注意细节的处理除了音符和节奏之外，还有一些细节需要特别注意，例如：滑音、颤音、长音等等。
这些技巧的运用能够让整首歌曲更加流畅和美妙。
二、音乐音阶的转换处理除了音乐旋律的变化之外，音乐音阶的转换也是非常重要的。
这种变化常常出现在音乐的过渡部分，需要我们懂得如何正确处理才能达到好的效果。
在处理这个问题之前，我们需要清楚地了解什么是音乐的音阶：1.什么是音乐的音阶？音阶就是音乐中包含的一套音高排列规则，常用的包括大调和小调两种。
在音乐中，音阶的大小以及顺序常常会发生变化。
2.如何处理音乐的音阶变化？处理音乐的音阶变化需要一定的技巧和经验。
下面，我们将介绍一些处理音乐音阶变化的技巧。
(1).注意音高的变化在处理音阶变化的时候，需要特别注意音高的变化。
如果声音过高或者过低，容易失去音乐的整体感觉。
要把握好音乐的音调和音高变化。
(2).注意音符的连接在处理音阶变化的时候，需要注意音符之间是否相互连通，要避免出现过渡断裂的情况。
幼儿园音乐律动：节奏感训练与合唱表演方案
幼儿园音乐律动：节奏感训练与合唱表演方案一、幼儿园音乐律动的重要性在幼儿教育中，音乐律动的培养是至关重要的一环。
音乐不仅可以陶冶幼儿的情操，还能够促进幼儿的身心发展。
充分发挥音乐在幼儿园教育中的作用，需要进行具体的节奏感训练与合唱表演方案的制定和实施。
二、节奏感训练的重要性及方法1. 节奏感训练的重要性节奏感是音乐中至关重要的一环，它能够帮助幼儿培养音乐感知能力、动手动脑能力和合作精神，对于幼儿园音乐律动的培养至关重要。
2. 方法：（1）游戏式节奏体操：通过运用游戏的方式，激发幼儿的兴趣，让他们在游戏中感受音乐的魅力，培养他们的节奏感和音乐表现力。
（2）节奏器材使用：利用节奏器材如鼓、铃铛等进行节奏练习，让幼儿在实际操作中感受到音乐的节奏美感。
三、合唱表演方案的设计及实施1. 合唱表演的重要性合唱表演是幼儿园音乐教育中的一大亮点，它能够培养幼儿的音乐素养和团队协作能力，提升幼儿的自信心和表现力。
2. 方案设计：（1）选曲：选择简单、朗朗上口的儿歌、童谣，尽量符合幼儿的口味和能力，引起幼儿的兴趣和热情。
（2）排练：在排练过程中，要注重指导幼儿唱准音准，控制音量，培养团队意识，并且要适当加入简单的舞蹈动作，让表演更加生动、活泼。
四、个人观点和理解音乐律动在幼儿教育中的重要性不容忽视，它不仅可以为幼儿创造愉快的学习氛围，还能够促进幼儿的身心发展。
在设计幼儿园音乐律动的节奏感训练与合唱表演方案时，需要紧密结合幼儿的实际情况，注重启发幼儿的创造力和表现力，让他们在音乐律动中获得全面的培养。
幼儿园音乐律动的节奏感训练与合唱表演方案的设计及实施，对于幼儿的全面发展和成长至关重要。
我们应该充分利用音乐律动的力量，为幼儿的幸福成长提供更多的可能性和机会。
音乐律动在幼儿园教育中的重要性不仅限于培养幼儿的音乐能力，更重要的是它对幼儿的身心发展有着积极的促进作用。
音乐是一种语言，它可以让幼儿在悦耳动听的旋律中感受美好的情感，培养他们的审美情趣，增强情感交流和表达能力。
如何指挥乐曲的起唱、收尾以及段落、乐句的起止
如何指挥乐曲的起唱、收尾以及段落、乐句的起止作者：彭帅来源：《文艺生活·中旬刊》2020年第02期摘要：一首乐曲有了好的开始与收尾就成功了一半，善始善终”之所以重要是因为演员在指挥的带领下准确的投入音乐，会立即引起演员与观众之间艺术感情上的共鸣，而使乐曲的演出有了一个充满生机的开始;一个漂亮的，出人意料的或充满诗意或充满激情或令人回味无穷的收尾，无疑也会使人得到最后的艺术上的满足。
关键词：起拍;指挥;歌队中图分类号：J615.1文献标识码：A文章编号：1005-5312（2020）05-0076-01一、起唱（奏）的指挥原则由于除无伴奏合唱曲（或非演出场合的一般歌曲）以外，大多數歌曲都有器乐伴奏，因此，“起唱”所针对的一是无伴奏合唱（齐唱）之起唱，一是伴奏（前奏）的起奏，一是前奏（或间奏）后合唱声部的进入。
起唱的三个步骤（准备——预备拍[吸气]——开始）准备动作的姿式没有什么固定格式，一般是两手自然前举（胸肩之间）略弯曲，右手稍高。
肌肉及面部表情要放松而富有吸引力，大方端庄。
两手的高低、左右要与即将挥击的预备动作所需的活动方位相适应，如指挥4/4第四拍进入的乐曲时（预备拍是第三拍）其准备动作两手就不能分的太开，指挥第一拍进入的乐曲手不能抬的过高等（这一步骤可能主要是针对乐队或伴奏乐器的）。
预备拍的动作要符合三个要素，要能使歌队“欣然开口”（乐队欣然起奏）。
开始动作要准确，如无其他特殊要求，开始动作打出后即进入正常图式的挥击。
起拍（预备拍）动作的三个要素：（1）呼吸意义：这是一个普遍的要求。
无论任何一首乐曲从任何一拍起，器乐部分也不例外，都是不可缺少的。
没有整齐的呼吸就没有整齐的进入。
富有呼吸意义的起拍动作，是一个从拍点弹起后反射速度较快，并且伴以指挥者面部表情（作吸气状）的能够“迫使”歌队整齐的吸气动作。
做好它的“秘诀”就是自己也吸气，把自己吸气的感觉，用指挥动作给以视觉化的表达。
（2）速度意义：简单的讲，就是起拍的速度（即起拍的“起点”到乐曲的“始点”之间的时间距离）要符合乐曲所需要的速度。
唱京剧的技巧和方法
唱京剧的技巧和方法说实话唱京剧这事，我一开始也是瞎摸索。
那时候就觉得京剧唱起来韵味十足，特想学。
我最初遇到的大难题就是发声。
我试过很多方法，开始就想着扯着嗓子喊，就跟平常大声叫嚷似的，结果那声音又干又涩，一点京剧的韵味都没有，还把嗓子弄得难受极了，后来才知道这就完全错了。
唱京剧的发声得找到那种共鸣的感觉。
我就想，这共鸣像啥呢，就好比你在一个空房间里，声音撞到墙上再反弹回来，形成那种立体圆润的感觉。
后来我就试着找这种感觉，慢慢地从腹部运气，就像深呼吸但更有控制感，感觉气息像水流一样缓缓上升到喉咙，再从嘴巴平稳地出去，这样发出的声音就有了初步的醇厚感。
还有咬字，这可把我难住好久。
京剧的字可不像平常说话那么随便。
我记得有一次，我在学一段《贵妃醉酒》，里面有比较复杂的唱词。
我按照自己平时的发音习惯来，结果唱出来根本不是那个味。
后来我才明白，京剧咬字就像是在雕刻精细的小物件，每个字都得拆解，声母、韵母都得清晰且有韵味地过渡。
比如说“儿”这个音，在京剧里就有自己独特的念法，要把舌尖轻轻往上一卷，但还不能太生硬。
在演唱的节奏和韵律上，也是很有讲究的。
我之前总是把握不好。
比如说《四郎探母》中的一段，我老是快了或者慢了。
我就找那些老的京剧唱片来听，听多了突然就恍然大悟。
这就像是跳舞得跟着音乐的节拍一样，这个节拍拖住每个字的长短，高低起伏。
我发现京剧里有些字会拖音，拖音就像是在走路的时候突然停下来欣赏一下路边的风景，但是这个停顿又不能乱，要恰到好处。
另外在表演方面，京剧可不是光站着唱就可以了。
我一开始表演的时候就很僵硬，像个木头人。
后来我就学习那些京剧大师，观看他们的舞台视频，看他们是如何做到手势、眼神和身形都自然地融合在一起的。
手该怎么摆呢？有时候像捧着一个很贵重的东西在小心把玩，有时候又像驱赶蚊虫那样轻盈挥动，这都得配合着唱词内容。
眼神也很神奇，要能够把角色的情感传递出来，就跟用眼神讲故事一样。
不过这一块我觉得自己还得继续提高，目前还是有很多不自然的地方。
声乐技巧知识：声乐技巧——如何唱出准确的旋律
声乐技巧知识：声乐技巧——如何唱出准确的旋律唱歌是一项需要不懈努力和专业技巧的艺术，在声乐中，唱出准确的旋律是其中一项基本功。
通过正确的技巧和练习，我们可以更好地掌握唱歌的精髓，演绎出感人至深的音乐作品。
首先，准确的旋律要求我们有良好的音乐素养，掌握基本的音乐理论和乐理知识。
从音乐理论的角度来看，旋律是由一系列音符组成的，每个音符代表着不同的音高和时值。
在唱歌过程中，我们需要准确地掌握每个音符的音高和时值，通过合理的呼吸和发声技巧，让声音更加流畅自然。
其次，准确的旋律需要大量的练习和训练。
我们需要在正确的音高和时值下反复练习，形成肌肉记忆，提高我们的音乐感觉和音乐表达，从而更好地演绎出音乐作品。
在练习时，我们可以采用定点练习和整段练习的方式，逐步提高自己的准确度和稳定性。
第三，正确的发声技巧是唱出准确的旋律的关键。
我们需要通过正确的呼吸、发声和咬字技巧，将声音传递到正确的位置和部位，从而实现精准的音高和时值。
利用咬字技巧，我们可以更加清晰地表达音乐中的语言信息，并靠口腔的形状来发出更加丰富、连贯的声音。
同时，我们也需要注意声音的音色和表现力。
良好的音色可以让听众感受到你的情感和表现力，同时更加容易引起共鸣和接受。
在表现力方面，我们需要通过情感、语调、节奏、音调，以及与歌曲内容相符合的演唱方式，把音乐作品演绎得淋漓尽致。
最后，唱歌是一门艺术，我们还需要不断学习和提升自己的水平。
不仅要学会基本的唱歌技巧，还要学习各类音乐的表现方式和艺术化表达、提高自己的普及性，学会如何将声音和表演结合，从而更加成功地演绎出高质量的音乐作品。
对于那些想成为一个出色歌手的人，准确的旋律是一个至关重要的部分。
良好的音乐素养、大量的练习和训练、正确的发声技巧和表现力、以及不断学习扩展自己的音乐文化素养等都能帮助我们成为一个更优秀的歌手。
让我们一起努力，用美好的声音传达出我们的情感与思想，并带给听众们更多的感动和享受。
音乐课必备——音乐技巧掌握与乐器演奏
音乐课必备——音乐技巧掌握与乐器演奏音乐课是学生们最喜欢的一种课程之一，而要在音乐课上取得好成绩和更好的表现，则需要掌握一些音乐技巧和乐器演奏的技巧。
在本文中，我们将讨论音乐课必备的一些音乐技巧和乐器演奏的技巧。
一、音乐技巧掌握1. 歌唱技巧歌唱是音乐课的核心部分，而要取得好成绩则需要掌握一些歌唱技巧。
首先，需要善于掌握节奏、音高，尽可能准确地唱出歌曲的旋律。
其次，要注重声音的变化，如音量、音质、音色等因素。
在唱歌时，可以通过调整声音的明暗、粗细、高低等方面来达到更好的演唱效果。
2. 音乐表现力音乐表现力是指对音乐的情感和意境的表达。
在音乐课中，学生们需要学习如何通过音乐表现出不同的情感和意境。
如何让音乐更加生动有力地传达出来是一个非常重要的方面。
通过加强尾音、音节和音符的连贯性，并且注重曲式的变化，可以使表现力更加丰富和生动。
3. 正确发音发音正确与否对歌唱的准确性和清晰度有非常大的影响，打好发音基础也是音乐课的重点之一。
通过唇、舌、齿和声带四部分协作运动正确发音，若能结合音乐节奏和音高特点，就可以达到更准确、更流畅的表演效果。
二、乐器演奏技巧1. 重视基本功乐器演奏技巧的掌握离不开基本功的训练。
对于钢琴、吉他等乐器，要掌握正确的弹奏姿势，并通过锻炼手指灵活度和力度，以便更好地掌握乐曲的速度和节奏。
对于木管乐器、铜管乐器等，如长笛、单簧管、小号等乐器，则需要注重吹奏姿势、口腔协调性、呼吸技巧等方面的训练。
2. 训练节奏和速度在乐器演奏过程中，涉及到节奏和速度的控制。
为了更好地掌握这两个因素，需要进行有针对性的练习。
通过持续进行基础练习，如随拍跟奏、节奏练习、各种速度的练习等，不断增强乐器演奏的节奏和速度控制能力。
3. 注重灵活性和表现力乐器演奏中，还需要注重灵活性和表现力的发挥。
如何掌握乐曲的情感和意境，并将其在演奏中充分表现出来，是乐器演奏掌握的一项重要技能。
在演奏过程中，不断钻研乐曲的情调和上下文，在演奏上相应调整速度、不同的按弦、变化的音调高低、以及音量大小等等也是很重要的练习内容。
中秋节的传统音乐节拍演唱和演奏技巧
中秋节的传统音乐节拍演唱和演奏技巧中秋节是中国传统的重要节日之一，人们通常会在这一天欢聚一堂，共度团圆的时刻。
除了诸如赏月、吃月饼等活动外，音乐也是中秋节不可或缺的一部分。
在中秋节的传统音乐中，节拍的演唱和演奏技巧起着重要的作用，为我们带来欢乐和舒适的氛围。
一、传统音乐中的节拍演唱传统音乐中的节拍演唱是一种通过人声来表达音乐节奏的方式。
在中秋节的传统音乐演唱中，通常会有歌颂月亮和祝福的内容。
演唱者在节拍的基础上，通过歌唱来表达对中秋节的美好祝福。
在演唱过程中，合理运用呼吸、音调以及声音的抑扬顿挫，能够更好地传达出歌曲的情感和韵律。
对于节拍演唱来说，关键是把握好节奏感。
演唱者需要清晰地识别出每一个节拍，确保演唱的音符与节拍相匹配。
在传统音乐中，节拍通常是稳定和规律的，并且重复性较强。
因此，演唱者可以通过内心默数或是借助乐器的帮助来更好地把握住每一个节拍，从而实现准确的演唱效果。
此外，注重音色的控制也是节拍演唱中的重要一环。
音色的变化能够为歌曲注入更多的情感和表现力。
在传统音乐中，根据不同的歌曲和节拍，演唱者可以灵活地运用喉音和假声来改变音色，突出歌曲的特点和感情。
同时，注意音量的控制，合理运用轻声和高亢的演唱方式，能够给人以更丰富的听觉体验。
二、传统音乐中的节拍演奏技巧除了节拍演唱外，传统音乐中的节拍演奏也是不可或缺的一环。
以古筝、琵琶、二胡等传统乐器为代表的演奏者，通过手指、弦线等方式来演奏节拍，为中秋节的音乐增添鲜活的色彩。
在节拍演奏技巧方面，对于演奏者来说，准确把握住每一个节拍是关键。
不同的乐器在演奏节拍时，可以利用不同的技巧。
比如对于古筝演奏来说，演奏者可以借助指甲的轻触和弦线的振动，来准确地演奏出每一个节拍的声音。
而对于二胡演奏来说，演奏者则需要灵活运用手指的滑动和弓的拉扯，以达到准确的节拍效果。
除了准确把握节拍外，注重演奏的连贯性和流畅性也是很重要的。
在传统音乐中，节奏的变化较为复杂，有时会带有一些装饰音符等。
唱谱的正确方法
唱谱的正确方法唱谱的正确方法唱谱对于学习乐器者来说是一个重要的环节，有利于提高学生对基本音、音高、时值的认识，以下是小编帮大家整理的唱谱的正确方法，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。
(1)唱谱同时打节拍很多学生只唱谱不打拍，造成节拍、节奏混乱，唱谱应跟打拍子同步，一般可用脚或手打拍子。
动作应是上下动，即打下去是正拍，弹上来是反拍。
每个拍子打成下、上，即分拍。
这样有利于学习半拍的概念，使附点、切分、弱起等节奏变得容易。
很多学生之所以总是搞不清楚附点节奏和切分节奏就是因为只打拍点不打反拍。
另外，我反对一开始就把分拍唱成拍数的做法，这样虽容易搞清分拍数，但容易跟乐曲真正的拍数混淆，同时也不适用于时值较长的音符。
所以我的做法是眼看谱、嘴唱谱、脚打拍、手演奏、耳听奏。
这才是真正的开发智力、协调发展。
(2)唱谱要唱节拍数很多学生唱谱只唱音，不唱拍数，那就很难搞清这个音到底多长。
我的做法是超过一拍的音必须唱拍数，如2拍的Do就唱Do 2，三拍就唱Do 2 3，有几拍唱几拍，这样无论时值多长都容易区分，尤其碰到延音线节奏容易搞清拍数。
这对附点节奏也适用。
例如：前附点节奏1. 1 就可以唱成Do 2Do，加入之前拍子的下上打法，很容易搞清附点节奏。
(3)唱谱要加入乐谱中的各种记号只是唱音符、唱节奏还不够，音乐中有各种演奏记号、表情记号、力度记号等，唱谱应尽可能把各种记号唱进去，而不是等会唱音了甚至会演奏了再考虑这些记号。
比如跳音就应唱得短些，重音就应唱得强些，连音就应唱得连贯。
对于钢琴和吹管乐器，我特别要求学生要把换气也唱进去。
因为歌唱是需要换气的，对于钢琴来说，换气即意味着提手，有些学生弹琴老是不提手，一方面可能没有意识到非连音弹法，另一方面可能就是因为唱谱不换气。
这如同太极拳，吸气总是意味着身体的上提动作。
而对于吹管乐器来说，本身就要换气，唱谱中加入换气就更规范了演奏时的换气时机。
而经常被忽略的重要一点是，换气其实很多时候是音乐的乐句、段落，唱谱中加入合适的换气即意味着能很好地理解音乐的句子和段落。
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唱奏律的方法与程序
一、唱奏律的方法
律学，是研究律制构成与应用的科学。
律学必须对音乐所用的音律进行研究。
音乐所用的音绝大多数是有确定高度的，律制则是以某特定音程为基础，用数学方法规定的一系列乐音高度的体系。
体系中的每个单位称为“律”；音阶是按照音程关系的一定规程从律制中选择若干律而构成的音列，其中的每个单位称为“音”。
“音”与“律”合称“音律”时，除指律制外，兼指在高度上作精确规定的所有乐音。
“唱律”，即是用人的音声器官或相关乐器、相对准确地发出本质上符合具体“审美数理规范”之乐音频率及其关系的感性和理性反馈互动之心“心——音”过程。
“律制之音程、音列、音阶、和音、和弦、和声以及包括复调、配器技法所创构的各种体裁的音乐作品，都有“律”的规范、结构、运行，都可以成为“唱律”的对象。
“唱律”应有感性和理性一致的必要准备，方能“心中有数”、“得心应手”。
感性准备，谓“听律”。
“听律”要获得“以耳齐其声”之能力。
理性准备，谓“算律”。
“算律”要达到“以心存其律”的境界。
听律的基本要求是能真实清晰地感到人声或相关乐器声基音及其建立在基音上方的二倍音、三倍音、四倍音、五倍音……之存在，即一度、八度、五度、四度、三度等“自然泛音”音程之存在。
算律的基本要求至少明白三分损益律、纯律、十二平均律成律的计算方法、过程与结果，以及相应音阶、调式在不同律制中的律数同异。
结合我的专业，我想谈谈唱律在器乐教学中的作
用。
器乐教学中的乐器很多，有提琴类、通品类、键盘类、吹管类、泛音类乐器。
提琴类乐器倾向于五度相生律。
五度律有大小半音之分，所以胡琴音律上同名半音(c-#c)大于异名半音(c-b d)24音分。
在奏#c音时，常把#c紧靠上访的d音；奏b d音时，常把b d音紧靠下方的c音。
#c和b d两音的距离小提琴比胡琴更远。
在胡琴教学中用律学的视角，可把c和d分为9个单位，#c在第五个位置，b d在第四个位置。
#c
倾向于d音，b d倾向于c音。
当弦乐重奏、合奏时，五度律仍占主导地位，只在某些音响需要的地方，改用纯律音程或和弦。
在弦乐重奏中，d1和b1需要构成相对缩小的884音分的纯律大六度，d1与#f1需要构成相对缩小的386音分的纯律大三度。
在追求和声音准的弦乐重奏片断，常要求大音阶的二级音“要高些”，三级音和六级音“要略低”。
这是相对十二平均律或五度律而言的。
同样一个音，当它在曲调进行中与包含和弦内的音高处理是有区别的，曲调进行中多倾向于五度律音高，和弦内的音高多倾向于纯律。
”○1
二、唱奏律的程序
“在唱奏的过程中，唱奏者的思维必须要与自己如影随形。
它即
体现了唱奏者的先天因素，也肯定了唱奏者的知识、阅历和经
验的积累程度。
可以设想，一个成熟的唱奏者所具有的内涵，
随着时间的推移和空间的扩展，这种思维思想将由无序状态的
信息思维因子，逐渐过渡为相对有序的经验思维因子。
这种有
序化的经验思维因子的积极程度，表征唱奏者的艺术成熟程度。
当唱奏者接受一部音乐作品时，大脑中经验因子与作品表达的
情感发生共鸣，产生相应的内涵。
当然，不同层次的唱奏者，产生内涵的层次差别较大，因此这种思维思想，对具体的唱奏者是难以定量的。
一个与世隔绝的人不可能唱奏一首表现丰富内涵的音乐作品。
音乐作品的产生都有一定的环境、背景、历史条件和生活现实，都有作曲者本人的思维思想。
因此，内涵不仅具有层次性，而且具有客观性。
当然，内涵既是唱奏者的思维思想，也就不能完全离开唱奏者的本身的先天因素。
再次，就是唱奏的具体表现形式——外延。
这种具体表现形式，取决于唱奏者身体器官的完善程度及相互之间的协调性能，唱奏表现者表演技巧的熟练程度及在表现过程中对音符、音准、速度、节奏以及强弱的处理能力。
所以，外延本身也是由多因素决定的艺术表现手段。
比如：唱奏的速度。
每首乐曲的速度，唱奏者在具体处理时都不尽相同，一般应以处理的自认为合适就好。
这就表明，音乐作品是科学的和严密的，而在处理过程中却是多元性的。
表演者唱奏的速度，一方面受音乐作品规定的制约，另一方面在一定的范围内具有灵活性。
即慢有不同的慢，块有不同的快，慢中有快，快中有慢，只有根据情节，作出相应的处理，才能使唱奏达到出神入化、精美动人之境界。
在唱奏中，除了恰当掌握速度之外，正确处理音的强度也是一个十分重要的问题。
外延是唱奏的具体形式，是表演家再创作的具体体现。
它与唱奏者先天所具备的条件是分不开的。
最后，说说唱奏的音乐效果。
这是音乐表现方法的十分重要的问题，概括地讲，
效果是唱奏者内涵、外延及外界条件反馈统一的结果。
任何一个唱奏者完成自己的唱奏过程都是内涵与外延的协同。
但唱奏效果的外界评论却并非相同。
可对唱奏的特别精、特别高超的艺术家的表演却能被公认，这就表现，客观评价即是多层的、又是具有统一性的。
唱奏的内涵是表演者的思维思想，这种思维是由作曲家的曲谱与表演者经验思维因子协同而产生的。
唱奏的外延是表演思维思想的具体表现形式，它是由多种因素决定的协同过程。
而音乐效果，是由作曲家、表演家及外界的信息反馈之间的协同所产生的再创作过程，这种再创造过程的具体表现产生了音乐的效果。
”○2
注：○1来源于《复频弹性律学》——李曙明音律文集之唱奏律概说156——159页人民音乐出版社
○2来源于《天人乐舞》李曙明、贾纪文著408——412页
敦煌文艺出版社。