编曲与作曲的艺术探讨

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音乐作曲与编曲

音乐作曲与编曲

音乐作曲与编曲音乐作曲与编曲是音乐创作的重要组成部分。

作为一门艺术形式,它要求作曲家和编曲家具备音乐理论知识、创造力、技巧和经验。

本文将从作曲和编曲的定义、作曲过程和编曲技巧等方面进行探讨。

一、作曲的定义和过程作曲是指通过音乐思想的构思和创造,创作出新的音乐作品的过程。

作曲家通过灵感的迸发和对音乐形式、和声、旋律和节奏等元素的运用,创作出独特的音乐作品。

作曲是音乐的创作源泉,是表达作曲家情感和思想的重要方式。

作曲的过程主要包括以下几个阶段:灵感、构思、创作和修改。

首先,作曲家需要获取灵感,这可能来自于日常生活中的经历、情感或其他音乐作品的启发。

其次,作曲家将构思自己的音乐思路,确定作品的形式、风格和主题等。

然后,作曲家通过编写乐谱或使用音乐制作软件将音乐想法转化为可听的音乐作品。

最后,作曲家会不断地修改和完善作品,以使之更加完善和符合自己的初衷。

二、编曲的定义和技巧编曲是指将作曲家创作的基本乐曲进行改编和扩充,为音乐作品增添新的元素和色彩的过程。

编曲家通过重新安排和调整乐曲的旋律、和声、节奏和乐器等要素,使之更加精彩和多样化。

编曲通常用于管弦乐和合唱乐团等大型音乐团体的演奏。

编曲的技巧涉及到对乐器的了解和运用。

编曲家需要了解不同乐器的音域、特点和配器技巧,以达到音乐作品的最佳效果。

此外,编曲家还需要了解不同音乐风格和曲式的特点,以选择合适的编曲手法和表现方式。

例如,在古典音乐中,常使用对位法和复调方式进行编曲;而在现代流行音乐中,常使用合成器和电子音效等技术进行编曲。

三、音乐作曲与编曲的关系音乐作曲和编曲是相辅相成的两个过程。

作曲家创作的音乐作品需要经过编曲家的加工和改编,以适应不同乐团和演奏场合的需求。

编曲家通过对作曲家原创作品的重新调整和增添,使之更加立体和丰富。

因此,作曲家和编曲家之间需要紧密合作,共同完成一部完整的音乐作品。

四、音乐作曲与编曲的重要性音乐作曲和编曲是音乐创作的重要环节,对于音乐表达和传达艺术情感起着重要作用。

编曲与作曲的艺术探讨

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二、研究的现状 国内研究现状:在国内,先作曲再编曲是一个被 广泛接纳的创作流程,“编曲”这个尚且年轻的 音乐语汇,从诞生之时就已经有了“约定俗成” 的从属地位。作曲中心论认为,在旋律创作上, 应当尽量尊崇旋律的第一性,编曲是为优化和丰 富旋律而服务的一种形式。作曲者所传递出的风 格气息、情感特点,通过编曲来辅助展现。就好 比逛服装店,选择“对味”的外衣来装饰打扮。 如果要求苛刻,会专门找到服装设计师为其度身 订造一件。
编曲与作曲的艺术探讨
指导教师:

专业:10级音乐学 学生: 学号:
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一、பைடு நூலகம்究背景及意义

选题背景:编曲与作曲,许多人也许认为他们之 间的差别并不是很大,或许从字面上觉得这是有差 别的,但却说不出所以然来,所以这是有必要要我 们去了解的。就单从字面上来说,我们都知道编曲 更多的是对旋律的再改编,而作曲更多的是对旋律 的创作。但是从根本上说,这二者都属于创造范畴。 特别是编曲,其实就是一个再创作的过程。所以, 对于这个概念的正确、深刻了解,有助于我们更加 清醒认识到编曲与作曲的区别,也更有助于对此的 深入研究。
。 在。
研究的现状
国外研究现状:在国外,他们会普遍觉得,如果 作曲在编曲之后,会给旋律创作带来局限性和潜 移默化的影响,最典型的例子就是“快餐式万能 和弦编曲”,它给歌曲限定了基调,还有那些确 实有一定“锁定”意味的和弦组合,在这种情况 下让不同的人作曲,甚至都可能会出现一样的旋 律。但不能因此就将“编曲之后的作曲”视为是 不可行的,因为实际上还存在一个编曲水准问题 。

三、研究的意义 自从编曲诞生以来,似乎二者之间就像 是前世的死敌一样,从来没有停止这二者 之间无休无止的争辩,甚至堂而皇之的分 成两个派系,编曲为主的派别和作曲为主 的派别,分别就编曲重要还是作曲重要、 编曲为先还是作曲为先、编曲与作曲的差 别等进行了无休无止的争辩。

音乐创作中的技术与艺术结合

音乐创作中的技术与艺术结合

音乐创作中的技术与艺术结合音乐创作是一个融合了技术与艺术的过程。

技术在音乐创作中扮演着至关重要的角色,它可以帮助音乐人更好地表达自己的创意,提高作品的质量。

然而,技术并不是一切,艺术是音乐创作的灵魂,是决定作品是否成功的关键因素。

本文将探讨音乐创作中技术与艺术的结合,以及二者之间的互动关系和影响。

首先,让我们来看看技术在音乐创作中的作用。

随着科技的不断进步,音乐制作软件和硬件的发展,使得音乐人在创作过程中有了更多的选择和可能性。

数字音频工作站(DAW)、合成器、采样器等工具让音乐人可以在电脑上完成整个创作过程,从编曲到录音混音再到母带制作。

这些工具的发展,使得音乐创作变得更加便捷和高效。

此外,技术也带来了更多音乐效果和处理方法,音乐人可以通过技术手段创造出各种新奇的音乐效果,让作品更加丰富多彩。

然而,技术并不是万能的。

在音乐创作中,技术只是一种手段,用来帮助音乐人实现他们的创意。

即便拥有最先进的工具和设备,如果没有艺术感觉和创造力,音乐作品依然会显得平淡无奇。

因此,技术与艺术的结合至关重要。

技术可以为艺术提供更多的可能性,而艺术则赋予作品生命和灵魂。

正是技术与艺术的完美结合,才能创造出真正优秀的音乐作品。

在音乐创作中,技术与艺术之间存在着紧密的互动关系。

技术的不断发展和创新推动了音乐风格和表达形式的变革。

例如,电子音乐的兴起,离不开合成器和采样器等技术工具的支持。

这些新的音乐风格和表达形式又反过来刺激了技术的进步,促使音乐制作工具和软件不断更新和优化。

技术与艺术互相促进,共同推动音乐的发展。

除了音乐制作过程中的技术应用外,技术还对音乐的传播和推广产生了深远的影响。

互联网的普及音乐的兴起,使得音乐作品可以更加便捷地传播到全球各地,让更多的人有机会接触到不同风格和类型的音乐。

音乐制作软件和社交媒体平台的发展,也为音乐人和音乐爱好者提供了更多的交流和合作机会。

通过技术的支持,音乐创作和分享变得更加便捷和多样化。

高中音乐学习作曲与编曲的基础知识

高中音乐学习作曲与编曲的基础知识

高中音乐学习作曲与编曲的基础知识音乐作曲与编曲是音乐学习中非常重要的一部分,许多人对此感兴趣,但却缺乏一些基础知识。

本文将介绍高中阶段音乐学习中作曲与编曲的基础知识,帮助学习者更好地理解和运用这方面的技巧和方法。

一、作曲的基础知识作曲是创作音乐作品的过程,需要掌握音乐理论和基本的音乐元素。

以下是一些常见的音乐元素与技巧:1. 节奏:节奏是音乐中时间的组织方式。

了解如何使用不同的音符长度和间隔来创造出感染力和变化的节奏模式是作曲的基础。

2. 和声:和声是指多个音符同时或依次奏响时产生的音乐效果。

掌握和声规则和常用的和声进行,能够帮助作曲者构建和谐的音乐结构。

3. 曲式:曲式是音乐作品整体结构的安排和组织方式。

了解常见的曲式形式,如ABAB、ABA等,有助于作曲者构思和编写音乐作品。

4. 主题与变奏:主题是音乐作品的核心思想或基本音乐片段。

通过对主题的变奏和发展,可以创造出多样性和曲调的复杂性。

5. 调性:调性是音乐作品中的调的选择与运用。

了解不同调式的特点和调式间的转换方法,可以为作曲者提供更多的音乐创作可能性。

除了以上的基础知识,作曲者还应该根据自己的风格和创作意图,学习和熟悉各种乐器的特点和演奏技巧,以便更好地运用在音乐作品中。

二、编曲的基础知识编曲是将作曲的创作内容用乐器演奏所需的各种声部,并根据演奏范围和技巧的要求进行安排的过程。

以下是一些编曲的基础知识:1. 乐器:了解各种乐器的音域、音色和演奏特点,有助于根据需要选择和安排适合的声部。

2. 和声编写:根据不同乐器声部的特点,合理安排和组织和声,形成和谐的音乐效果。

3. 乐队编制:根据作品的要求,选择合适的乐队编制,安排各种乐器的声部和声域,达到音乐作品的整体平衡和完善。

4. 知音选择:根据作品风格和编曲目的,选择合适的知音,为作品注入特定的情感和表达方式。

5. 吉他和弦编写:如果涉及到吉他编写,作曲者需要学习和熟悉吉他和弦的构成和编写规则,以便在作品中运用。

拉威尔《波莱罗舞曲》作曲技法与配器手法探析

拉威尔《波莱罗舞曲》作曲技法与配器手法探析

拉威尔‘波莱罗舞曲“作曲技法与配器手法探析偶潇潇(合肥幼儿师范高等专科学校艺术系,合肥 230001)*摘 要:被誉为管弦乐大师的拉威尔,在舞曲编创中有着独特的作曲技法和配器手法,丰富了管弦乐队的艺术表现力,也体现出其在乐曲和声创作上的创新思维㊂以‘波莱罗舞曲“为案例,分析了拉威尔在曲式结构㊁和声运用㊁调式运用上的民族风格和独特技法㊂通过对‘波莱罗舞曲“配器手法的剖析,引导音乐爱好者学习拉威尔精湛的配器技术㊂关键词:拉威尔;波莱罗舞曲;作曲技法;配器手法d o i :10.3969/j.i s s n .2095-5642.2020.11.014中图分类号:J 614.5 文献标志码:A 文章编号:2095-5642(2020)11-0087-09‘波莱罗舞曲“是20世纪初期法国印象派作曲大师莫里斯㊃拉威尔(M a u r i c eR a v e l)一生音乐创作中最令世人称道的经典交响乐曲㊂拉威尔7岁开始勤练钢琴,师从著名钢琴家查理斯㊃勒内(C h a r l e sR e n e ),14岁考入巴黎音乐学院钢琴系,开启了他一生演奏与作曲之路㊂凭借自身独特的和声风格和配器手法,拉威尔在多部自创钢琴作品中融入了欧洲各地域风格鲜明的音乐元素,以寻求音乐的色彩与朦胧感㊂‘波莱罗舞曲“创作于1928年,作为拉威尔晚年创作的最后一首管弦乐作品,其旋律明快㊁主题豪放,绚烂夺目的作曲技法和精妙绝伦的配器手法都彰显出拉威尔惊世骇俗的音乐创作天赋㊂目前,拉威尔在学界备受关注,很多学者对拉威尔及其作品展开过深入的研究㊂杨鸿意[1]研讨了拉威尔双钢琴作品‘波莱罗舞曲“的 交响化 音乐分析与演奏,这对于该曲演奏提供了有价值的信息;林畅[2]对于拉威尔管弦乐序曲‘天方夜谭“的配器进行了讨论,并对拉威尔配器思维和乐队色彩的技术特征展开了分析;申佳[3]对于拉威尔早期钢琴作品音乐风格进行了研究和讨论,具有较强的理论性㊂本文重点对‘博莱罗舞曲“的作曲技法与配器手法进行研究㊂一㊁‘波莱罗舞曲“创作简介(一)‘波莱罗舞曲“创作背景1928年,旅居美国的拉威尔受到美国舞蹈家伊达㊃鲁宾斯坦(I d aR u b i n s t e i n )的委托邀请,要创作一首节奏鲜明㊁情绪欢快的舞曲供她的芭蕾舞团演出使用㊂舞蹈家伊达㊃鲁宾斯坦对拉威尔讲述的舞蹈演出情境:在西班牙一家咖啡馆内,年轻姑娘通过慵懒而欢快的肢体为周围的客人跳起波莱罗舞,客人们将逐渐被明快的音乐旋律和高涨的情绪所感染,然后纷纷加入跳舞的队伍,最后一齐将狂欢的舞曲推向高潮㊂伊达㊃78*收稿日期:2020-07-08 基金项目:2018年度安徽省哲学社会科学规划青年项目隐性知识视角下中国钢琴作品民族意蕴的显性化研究 (A H S K Q 2018D 80) 作者简介:偶潇潇(1981 ),女,汉族,安徽合肥人,讲师,硕士,研究方向:作曲理论与教学㊂成都师范学院学报2020年11月鲁宾斯坦最初的想法只是让拉威尔将钢琴组曲‘伊比利亚“改编为独立的管弦乐曲,但由于音乐版权的问题,拉威尔决定创作一首具有西班牙民族风情的全新管弦乐曲 ‘波莱罗舞曲“㊂(二)‘波莱罗舞曲“作品取材拉威尔在‘波莱罗舞曲“的创作中借鉴了西班牙民间舞蹈波莱罗和法国小步舞的一些编曲特色,但在音乐旋律和节奏的编创上却别出心裁㊂他利用了大量西班牙传统民间音乐素材,但并非借鉴很多 波莱罗 民间舞蹈的音乐元素,尤其是在伴舞乐曲的速度上显得较为缓慢,这与西班牙 波莱罗 民间舞蹈快节奏的音乐形成了巨大反差,即便是舞曲的高潮部分也表现得非常克制,没有过分的渲染激情和热烈[4]㊂由此可见,拉威尔只是在舞曲的名字上借用了波莱罗的名称而已㊂(三)‘波莱罗舞曲“音乐风格在‘波莱罗舞曲“中,拉威尔继承了西班牙古典音乐的风格,并揉入了不少欧洲印象派音乐的元素,形成了舞曲旋律新颖㊁主题节奏鲜明㊁音色布局巧妙的音乐风格㊂由于整个乐曲更多需要借助萨克管对音色做特殊的处理,使得这首舞曲更多具有民族管弦乐曲的特色㊂‘波莱罗舞曲“从整体上看,气势宏大的管弦变奏曲是由贯穿全曲的节奏和交替出现的两个固定旋律构成,其在音乐风格的打造上,体现出了精妙的作曲技法和高超的配器手法㊂这支舞曲作为一个开放 渐强 的西班牙民族风情管弦乐曲,紧紧围绕着两个主题循环往复,旋律轻快优美却始终未做任何深度性拓展,只是简洁地选用了重复的手法,而舞曲编乐的全部变化都体现在复杂的配器手法上[5]㊂二㊁‘波莱罗舞曲“作曲技法(一)‘波莱罗舞曲“曲式分析首先,‘波莱罗舞曲“的曲式主题主要由两个固定旋律变奏法构成㊂由图1谱例可以看出,第一主题的旋律由规范化的欧洲古典C自然大调写成㊂调性程式固定,旋律色彩明快,前后属音和主音相互照应㊂图1‘波莱罗舞曲“谱例之一而从图2谱例可以发现,第二主题具有浓郁的西班牙民间调式风格,旋律色彩相对低沉㊂该部分曲式内容与第一主题相仿,第一乐句落在E音上,而第二乐句结束复归于C音㊂两个主题节奏变化中,常用连音延续㊁重音移位来形成不规则的律动,这呈现出了更多西欧印象主义音乐元素的色彩[6]㊂88第36卷(总第333期)偶潇潇:拉威尔‘波莱罗舞曲“作曲技法与配器手法探析图2‘波莱罗舞曲“谱例之二其次,‘波莱罗舞曲“的曲式结构为典型的 二重变奏曲 ,整首舞曲的两大主题在固定的旋律节奏下,分别被重复八次变奏,使得管弦乐的基本风格持续增强㊂(二)‘波莱罗舞曲“和声分析从拉威尔编创的民族管弦乐曲‘波莱罗舞曲“的和声构成看,其和弦是由三个或三个以上的音混合而成,而通过和弦的衔接所形成的多声部的音符的音高构成就被称为和声㊂和声是一种基本音乐作曲技法,它具备组织功能和色彩功能双重属性,其组织功能主要体现为实现音高纵向编织效用,定调或解构乐曲调式的效用,拓展或消解某些乐曲组织的效用㊂总的来看,和声的组织功能是以乐曲的调性为基础的,调性如果出现问题,和声的组织功能自然就失去了存在的意义,而和声的色彩功能强调的主要是乐曲的音响效果[7]㊂在拉威尔的‘波莱罗舞曲“中,起头的背景节奏由军鼓来打造,乐曲的基调通过主和弦与属和弦交替构成的弦乐组来完成实现,整首舞曲和声构成的最大特色在于持续音的合理应用㊂持续音在管弦乐的编创中属于特殊的织体要素,它可以是单音,也可以为和弦式的,或旋律化音型的,且可以在中高低三个音区单独或同时运用㊂持续音的合理应用能够让管弦乐音响变得充盈㊁饱满㊁和谐㊂在拉威尔‘波莱罗舞曲“中,低音区的持续音在第二主题中以大提琴八度叠加的手段在主音上显现乐曲的固定节奏,让低音变得厚实,也增强了乐曲的和声效应[8];从中音区的持续音来看,编创者更多使用了长笛㊁圆号来模仿小军鼓的背景节奏,构成动态的属持续音,这增强了舞曲的和声功能,使得乐曲的音响效果显得较为鲜亮而高亢,其丰富饱满的音色支撑推动了整首舞曲逐步走向高潮;从舞曲高音区的持续音看,主要出现在乐曲的结尾部分,编创者使用短笛完成了属音对小军鼓背景节奏的模仿,相对乐曲中低两个音区持续音的组织功能看,图3谱例织体高音区持续音的功能更多具有色彩功能㊂总体上,拉威尔在‘波莱罗舞曲“中,综合应用了各类型乐器在各个音区以动态属性的持续音反复模仿西班牙风格舞曲的演奏节奏特点,这让整个曲子显得更为明亮亢奋㊂98成都师范学院学报2020年11月在‘波莱罗舞曲“的二度和弦的作曲技法中,一般有二种结合方式,既可以是大二度音程与小二度音程各自范围内的结合,也可以是两种音程相互之间的融合㊂通过图3谱例可以发现在‘波莱罗舞曲“中,编创者灵活选用了二度和弦,用竖琴演奏的两个大二度音程完成衔接融合㊂此处的二度和弦与舞曲第二主题旋律音阶保持着对应的和谐度,这就增加了整首舞曲音乐的色彩性,呈现出更多西班牙民间舞蹈的艺术演奏风格㊂图3‘波莱罗舞曲“谱例之三(三)‘波莱罗舞曲“调式调性分析乐曲的调式是指核心音符与自身音高存在关联的群音调配所组合成的体系,而乐曲的调性主要指的是调式与主音的结合,通常乐曲分析中的C/D/E/F/G大调㊁a小调等都是调性㊂对于‘波莱罗舞曲“的调性,学界多数学者认为;整个舞曲基本运行在C大调上,只有在舞曲的最后章节由C大调转为E大调,但最后还是回复到C大调上㊂但对其中具体的变化并未做过多的补充性阐释,而笔者将侧重从西班牙八声音阶和复合调性两大方面来作出详尽的解读[9]㊂西班牙作曲家埃斯普拉(E s p l a)首次创设出了具有西班牙民族风格的八声音阶(见图4谱例)㊂八声音阶有两个最大的特征,其一是曲调主音与五度音的关系为降五度,其二是曲调主音上方存在各类型的三度音㊂在拉威尔的‘波莱罗舞曲“中,第一主题旋律的音阶为C大调上的音符,而没有出现多样的变化音㊂但在第二主题旋律中,C大调上出现了多样的变化音,主音也由C和E两块来构成㊂图4‘波莱罗舞曲“谱例之四从图5谱例中可以发现,舞曲的第二主题可以划分为两个乐句,前一乐句的音阶主音为E,且与五度音b B的关系为降五度,而主音上方存在不同的三度音,其呈现出典型的西班牙民族风格的八声音阶的特色;而舞曲第二主题的后乐句的音阶为C,主音上方也存在各类的三度音和五度音㊂整首舞曲的低音持续性地维持在C调主音之上,所以舞曲C调中,属音更多具备调式的功能,但主题的旋律从未脱离C大调的范畴[10]㊂09第36卷(总第333期)偶潇潇:拉威尔‘波莱罗舞曲“作曲技法与配器手法探析图5‘波莱罗舞曲“谱例之五通过上面的具体剖析,能够推导出拉威尔‘波莱罗舞曲“中的主体旋律基本遵从西班牙民间调式的创制规律,从未脱离C大调的中心,尤其是第二主题的旋律主要由E/C为主音混合编写而成,显示出了较强混合调式作曲技法㊂复合调性是上世纪初音乐编创者较多使用的一种作曲技法㊂具体来说,它指的是在自然音乐段落中,通过运用多样的调性重叠,使音乐段落所呈现出的多个调性特征㊂拉威尔在‘波莱罗舞曲“中就反复运用了这种复合调性㊂在舞曲第一主题的第四次重复性呈现中,乐曲的多调性始终围绕着C大调,即便结尾的高潮期出现了短期E大调的转变,而这也仅仅局限在八个小节上㊂从图6谱例中可以看出,短笛以E大调,圆号以G大调,钢琴以C大调协同演奏出第一主题旋律,这就是具有明亮色彩的典型三重调性㊂图6‘波莱罗舞曲“谱例之六而从图7谱例中不难发现,‘波莱罗舞曲“在此乐段选用英国管㊁单簧管的混合来演奏C大调的主题旋律,以双簧管来演奏G大调主题旋律,这就呈现出典型的双重调性,营造出了更多具有西班牙音乐风格的五度音响效果㊂19成都师范学院学报2020年11月图7‘波莱罗舞曲“谱例之七通过以上的剖析,能够发现‘波莱罗舞曲“在编创中通过利用复合调性来呈现不同的主题旋律,使得听者更能感受出西班牙民间舞曲的风味[11]㊂‘波莱罗舞曲“中演奏旋律的乐器均固守统一于C大调,所以舞曲旋律音响效果就一直会显得饱满而灵动㊂由此不难发现,尽管‘波莱罗舞曲“有着较为明显的西班牙基本调式和复合调性的搭配应用㊂但从整首作品看,从头到尾都以低音声部为主㊁属音反复交替,但舞曲的主体旋律风格始终未脱离C大调的氛围㊂三㊁‘波莱罗舞曲“配器手法在‘波莱罗舞曲“中,编曲者对不同乐器的灵活搭配运用也十分精妙,这些乐器在该舞曲中扮演着不同的角色㊂第一,其中最重要的是以笛子㊁簧管㊁萨克斯为主的木管乐器组,它们在整个舞曲中不但肩负着独奏的角色,还要和其它乐器协同演奏主体旋律,并要在和声部分充当乐曲填充角色㊂第二,以提琴为主的弦乐器组作为舞曲主属和声演奏的主要乐器,是‘波莱罗舞曲“的音响主体,其在舞曲中也能起到柔化其它乐器组的功效㊂第三,以圆号为主的铜管组在整个舞曲中会起到辉煌亮音的效果㊂第四,以小军鼓为主的打击乐器组的使用,多为烘托舞曲基调和将舞曲持续推向高潮的效用[12]㊂第五,以竖琴㊁钢片琴为主的色彩性乐器在舞曲中的重要地位同样不容忽视,可以为乐曲增添多元的音符色彩㊂(一)木管乐器组的运用在20世纪,木管乐器组在乐曲创作中被用来表现有个性的音色,以期在乐曲中形成强烈的色彩对比,呈现出不同民族特色的音乐风格㊂拉威尔在‘波莱罗舞曲“的配器手法上,持续性体现了木管乐器组的综合性运用,无论是旋律主题的独奏还是合奏,以及在背景音乐演奏中和声音乐的填充,都利用了木管乐器组的特性,表达出舞曲音乐的层次感和细腻的情感㊂从独奏主题旋律看,在舞曲的第一主题演奏中,带有浓郁叙述意味的长笛独奏,其音色效果给人耳目一新的感受㊂而木管乐器组的混合音色主要体现为铜管乐器组㊁弦乐器组的综合应用(见图8谱例),木管乐器与铜管乐器小号形成的混合音色出现在舞曲第一主题的第三次变奏中㊂此外,在木管乐器演奏中融入弦乐器小提琴进行八度旋律分奏,使得整个舞曲的旋律音色会变得更为柔和饱满㊂29第36卷(总第333期)偶潇潇:拉威尔‘波莱罗舞曲“作曲技法与配器手法探析图8‘波莱罗舞曲“谱例之八当然,在‘波莱罗舞曲“的配器手法中,木管乐器也时常被用来充当背景节奏㊂在不少片段中,长笛被用来与小军鼓搭配一起充当背景节奏,实现对舞曲主题的衬托,让背景节奏呈现更多音高,让和声织体显得更为活泼㊁流畅㊂此外,在‘波莱罗舞曲“中,编曲者在舞曲的和声填充层也经常性地选用木管组乐器来演奏和声织体,以此来烘托舞曲的主旋律线条㊂(二)弦乐器组的运用弦乐器组在‘波莱罗舞曲“中也经常性被使用,它的基本拨奏主属持续音和弦功能决定了其在整个舞曲中作为音响主体的重要地位,尤其是在舞曲音乐的后半程,弦乐器实际扮演充当了背景节奏㊁混合演奏主题旋律的角色,其音响特色会使得整个音乐旋律主体变得更为充盈㊂提琴被编曲者运用混杂在笛子㊁圆号㊁小军鼓中,让其协同演奏舞曲的背景节奏,整体音色显得更为柔美自然㊂可以认为,弦乐器组充当和声伴奏部分的演奏角色,使得舞曲的音乐层次变得更为丰富清晰,伴奏音响色彩更为饱满㊂(三)铜管乐器组的运用铜管乐器组在‘波莱罗舞曲“中常被用于独奏主题旋律,还经常性地与木管乐器以及弦乐器达成混合音色,充当背景节奏等㊂从铜管乐器组独奏主题旋律的运用看,‘波莱罗舞曲“第二主题旋律中利用长号在乐曲中高音区演奏,让伴奏声部的音响色彩显得洪亮而雄浑㊂而长笛与小号被混合演奏舞曲的八度旋律,使得高音部分由长笛鲜亮悠扬的音色所主导,而小号部分的发音显得更为饱满㊂在图9谱例中,小号在高音区被选用,与木管组以及弦乐器来混合演奏和声主题旋律,营造出一种明亮而热烈的氛围,能够将乐曲逐步推向高潮[13]㊂图9‘波莱罗舞曲“谱例之九39成都师范学院学报2020年11月(四)打击乐曲组的运用在拉威尔的‘波莱罗舞曲“的配器手法中,打击乐器也被赋予了重要的任务,其中小军鼓在舞曲的演奏中自始至终都扮演着关键性的角色,而钹和大锣被用在舞曲的结尾之处,也起到强有力的烘托作用㊂在乐曲相关片段中,小军鼓一直维持不变的节奏,成为主题旋律最好的注释,强化的是背景节奏的力度,直到第二主题第八次音色出现变奏为止㊂(五)色彩性乐器的运用在‘波莱罗舞曲“中,钢片琴和竖琴被广泛用来演奏各种音响,其中竖琴的泛音以及在内声部的伴奏可以通过音色的区分为舞曲增添多元的音符色彩㊂图10谱例中,钢片琴与短笛调配所形成的混合音色共同演奏旋律主题,其中由钢片琴的清脆音响达到的音高要强于乐谱八度,有效激发出短笛明快而悠扬的音符色彩㊂图10‘波莱罗舞曲“谱例之十而在图11谱例中,竖琴的泛音与弦乐的拨奏让整首舞曲的主题旋律脱颖而出,音乐层次显得更为明晰,起到很好的和声填充效用㊂图11‘波莱罗舞曲“谱例之十一(六)音色变奏与配器思维‘波莱罗舞曲“中,各乐器组的灵活搭配与单独使用,实际上只是拉威尔配器手法运用的一种外在表象,其实质还在于音色变奏与配器思维的一种体现㊂ 音色变奏 是乐曲编创者通过配器手法,不断实现乐器组的切换与混合,使之产生不同的音响色彩㊂‘波莱罗舞曲“中 音色变奏 的配器手法,让循环往复的主题旋律以色彩斑斓的形式呈现出来㊂舞曲第一主题的首次音色变奏,最先由单簧管在中音区独奏,其后选用音质悠49第36卷(总第333期)偶潇潇:拉威尔‘波莱罗舞曲“作曲技法与配器手法探析扬的长笛与其搭配,很好地体现了音质的衔接和区分㊂该曲段的伴奏声部主要由长笛和小军鼓的混合演奏背景音效来实现,悠扬的长笛软化了小军鼓略显生硬的音色,保证了各个织体层次的清晰,使得音乐整体节奏变得更为流畅饱满㊁柔润优美㊂当然,拉威尔在‘波莱罗舞曲“中除了惯常性地使用 音色变奏 这个配器手法之外,还在乐曲编创中体现了其 渐强 的配器思维㊂舞曲旋律主题力度的变化主要是通过乐器种类的丰富和数量的增多来实现混合音色的持续加厚,舞曲最初为木管乐器的独奏,经过变奏后出现了铜管组圆号㊁小号的参与,混音效果得到明显增强,音色力度得到提升,在后续的几次变奏中,无论是主题旋律还是背景节奏上都有了更多铜管乐器和打击乐器的加入,使得整首舞曲的音质厚度得以持续性地增强,最后直接把整首乐曲推向高潮㊂四㊁结语通过对‘波莱罗舞曲“作曲构思的分析,可以看到拉威尔在曲式结构㊁和声运用㊁调式运用上的民族风格和独特技法㊂通过对‘波莱罗舞曲“配器手法的解析,能够窥见管弦乐大师拉威尔是如何在音乐编创中将大型乐队中各乐器组及单个乐器精妙地衔接融合为一体,进而推动舞曲出现两个主题以及八声音阶㊂而 音色变奏 和 渐强思维 是拉威尔舞曲配器手法的独到之处,值得学术界后期对此进行深入研究㊂参考文献:[1]杨鸿意.拉威尔双钢琴作品‘波莱罗舞曲“的 交响化 音乐分析与演奏探析[D].武汉:武汉音乐学院,2015:16 21.[2]林畅.拉威尔管弦乐序曲‘天方夜谭“的配器研究[D].北京:中央音乐学院,2014:11 19.[3]申佳.拉威尔早期钢琴作品音乐风格研究[D].长沙:湖南师范大学,2007:22 24.[4]赵杰.交响乐配器的百科全书 波莱罗舞曲赏析[J].歌海,2008(4):10 11.[5]汪甍.音乐的色彩魔方 拉威尔配器艺术风格艺术[J].文艺争鸣,2011(4):127 130.[6]任雨声.浅析拉威尔‘波莱罗舞曲“的配器特征[J].乐府新声(沈阳音乐学院学报),2014,32(4):66 70.[7]戎涓仁.简析拉威尔‘波莱罗舞曲“的创作风格[J].音乐时空,2015(5):70 71.[8]李永铎.管弦乐大师 拉威尔和‘波莱罗“舞曲[J].音响技术,2006(6):77 79.[9]李华宸.浅谈小军鼓在拉威尔‘波莱罗舞曲“中的作用及演奏法[J].乐器,2014(4):42 44.[10]向耀莉.单纯与丰富 论‘莫里斯㊃拉威尔(M a u r i c eR a v e l)‘波莱罗舞曲“之配器[J].音乐创作,2014(11):170 172.[11]于季芳.拉威尔著名作品赏析 ‘波莱罗舞曲“[J].大众文艺,2010(2):51.[12]麻峰.拉威尔的‘波莱罗舞曲“配器技法分析[J].齐鲁艺苑,2012(1):39 42.[13]戎涓仁.拉威尔‘波莱罗舞曲“的配器分析[J].北方音乐,2015,35(6):58.AP r o b e i n t o t h eC o m p o s i t i o na n dO r c h e s t r a t i o nT e c h n i q u e s o fR a v e l sB o l e r oO U X i a o x i a o(D e p a r t m e n t o fA r t,H e f e i P r e s c h o o l E d u c a t i o nC o l l e g e,H e f e i230001,C h i n a)A b s t r a c t:R a v e l,k n o w na sa m a s t e ro fo r c h e s t r a lm u s i c,h a su n i q u ec o m p o s i t i o na n do r c h e s t r a t i o n t e c h n i q u e s i n t h e c o m p o s i t i o no f d a n c em u s i c.T h i s n o t o n l y e n r i c h e s t h e a r t i s t i c e x p r e s s i o no f t h eo r c h e s-t r a,b u t a l s o r e f l e c t sh i s i n n o v a t i v e t h i n k i n g i n m u s i ca n dh a r m o n y c r e a t i o n.B y t a k i n g B o l e r oa sac a s e, R a v e l s n a t i o n a l s t y l e a n du n i q u e t e c h n i q u e s i n t h e s t r u c t u r eo f t h em e l o d y,t h eu s eo f h a r m o n y,a n d t h e u s eo f m o d ea r ee x p l o r e d.M u s i cl o v e r sa r e g u i d e dt ol e a r n R a v e l ss u p e r b o r c h e s t r a t i o nt e c h n o l o g y t h r o u g h t h e a n a l y s i s o f t h e o r c h e s t r a t i o n t e c h n i q u e s o f B o l e r o.K e y w o r d s:R a v e l;B o l e r o;c o m p o s i t i o n t e c h n i q u e s;o r c h e s t r a t i o n t e c h n i q u e s(编辑:杨晓玲校对:暮晨)59。

音乐学中的音乐编曲与编配

音乐学中的音乐编曲与编配

音乐学中的音乐编曲与编配音乐是一门艺术,它能够触动人们的情感,传递信息,甚至改变人们的心情。

而音乐编曲与编配则是音乐创作过程中不可或缺的环节。

本文将从音乐学的角度探讨音乐编曲与编配的重要性以及其在音乐创作中的应用。

一、音乐编曲的定义与重要性音乐编曲是指对原曲进行重新编排、重新创作的过程。

通过改变曲调、节奏、和声、乐器等元素,使得原曲更具个性化和艺术性。

音乐编曲可以使一首曲子更加丰富多样,增加音乐的层次感和表现力,同时也能够适应不同的演唱者和演奏场合。

音乐编曲在音乐创作中扮演着重要的角色。

它能够使得音乐更具创新性和独特性,为作品注入新的活力。

通过音乐编曲,作曲家可以将自己的思想和情感更好地表达出来,同时也能够更好地与观众产生共鸣。

二、音乐编配的定义与应用音乐编配是指为一首曲子选择合适的乐器和声部,并进行合适的分配和安排。

通过音乐编配,可以使得曲子更加丰满、和谐和平衡,同时也能够突出乐器的特点和音色。

音乐编配在音乐创作和演奏中都起着重要的作用。

在音乐创作中,作曲家可以通过音乐编配来决定乐器的选择和运用,从而达到自己想要表达的音乐效果。

在演奏中,音乐编配能够使得乐团或乐队的合奏更加和谐,每个乐器都能够发挥出最大的作用,形成整体的音乐效果。

三、音乐编曲与编配的技巧与要点1. 创新与保留的平衡:音乐编曲与编配不仅要注重创新,还要保留原曲的特点和风格。

在进行编曲和编配时,需要综合考虑原曲的节奏、旋律、和声等要素,使得编曲和编配后的作品既能够与原曲保持一致,又能够有新的突破和发展。

2. 乐器的选择与运用:音乐编配需要根据曲子的风格和表达要求来选择合适的乐器。

不同的乐器有不同的音色和表现力,合理运用乐器可以使得音乐更加生动和丰富。

同时,还需要注意乐器之间的平衡和协调,避免出现过于单一或过于杂乱的音响效果。

3. 和声与节奏的处理:音乐编曲与编配要注重和声和节奏的处理。

和声是音乐的基础,通过合理的和声处理可以使得音乐更加和谐和丰满。

高中音乐教学中的编曲与作曲技巧

高中音乐教学中的编曲与作曲技巧

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和声的构建
了解和声的概念和作用
学习基本和声语汇和标记
掌握和声的进行和组织方 法
实践运用和声构建音乐作 品
曲式的选择与运用
曲式的基本概念:曲式是音乐作品的结构形式,包括乐段、乐句、音符等元素。
选择合适的曲式:根据音乐作品的内容和风格,选择合适的曲式,如奏鸣曲式、回旋曲式、 变奏曲式等。
运用曲式的技巧:在音乐作品中运用曲式技巧,如转调、离调、旋律的展开等,可以增强 作品的表达力和感染力。
学习编曲与作曲 技巧的相关软件
了解音乐制作工 具的应用场景和
优势
掌握音频编辑和 处理软件的使用
方法
深入了解音乐理论知识与实践经验
掌握音乐基本理论:了解音阶、和声、曲式等基础知识,为编曲与作曲提供理论 支持。
学习经典音乐作品:分析经典作品的曲式结构、和声运用等,提高对音乐作品的 理解和鉴赏能力。
实践编曲与作曲:通过创作小作品,实践编曲与作曲技巧,不断摸索和总结经验。
音乐作品推广 与传播的途径
音乐作品推广 与传播的策略
音乐作品推广与 传播的案例分析
音乐作品的版权保护与授权使用
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版权保护:确保音乐作品的原创性和作者的权益,防止未经授权的使用和复制
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授权使用:允许他人使用版权归属于他人的音乐作品,需获得作者的许可或遵循相关的版权法律法规
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音乐实践中的版权问题:尊重版权,避免侵权纠纷,促进音乐行业的健康发展
音乐视野。
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激发创作灵感: 与专业音乐人交 流,可以获得更 多的创作灵感, 丰富自己的音乐
作品。
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提高实践经验: 与专业音乐人合 作,参与实际的 音乐制作和演出, 提高自己的实践

音乐行业中的作曲与音乐制作技巧

音乐行业中的作曲与音乐制作技巧

音乐行业中的作曲与音乐制作技巧音乐是人类文化的重要组成部分,而作曲和音乐制作则是创作出美妙音乐的关键要素。

在音乐行业中,作曲与音乐制作技巧的掌握至关重要。

本文将介绍一些在音乐行业中成功的作曲与音乐制作技巧,以帮助那些热爱音乐创作的人们在这个领域获得更大的成功。

一、音乐作曲技巧1. 灵感的获取音乐作曲的第一步是获取灵感。

而灵感则来源于我们周围的世界。

可以通过观察大自然、生活中的人与事物、阅读书籍或是与他人的交流中获得灵感。

在创作过程中,将自己的情感和感受融入其中,创作出有深度和内涵的音乐作品。

2. 基础理论知识的掌握作为作曲家,掌握音乐理论知识是必不可少的。

这包括音符、节奏、和弦、音阶等基本元素的理解和运用。

通过系统的学习和实践,深入理解和把握音乐的构成规律,能够使作品更加丰富多样且具备个人特色。

3. 曲式和结构的运用音乐作品的曲式和结构是决定整首作品形式和发展的重要因素。

熟悉不同的曲式类型,如复调、变奏曲、奏鸣曲等,能够帮助作曲家在创作过程中更好地组织音乐材料,使音乐作品更加有条理和完整。

4. 和声的运用和声是指不同音乐元素在音乐作品中的相对关系。

合理的和声运用可以增加音乐作品的层次感和丰富度。

通过学习和实践和声规则和技巧,如和弦进行、声部编写等,作曲家能够创作出旋律与和声和谐统一的音乐作品。

二、音乐制作技巧1. 选取适合的音色与乐器音色是音乐作品的灵魂,选择适合的音色和乐器可以使作品更加生动和鲜活。

在音乐制作过程中,根据作品风格和表达的需求,选择合适的音色和乐器,使音乐作品与听众产生共鸣。

2. 节奏与编曲的设计节奏是音乐中极为重要的元素之一,对于音乐的表达和节奏感的把握直接影响作品的效果。

在音乐制作中,作曲家需要注意节奏的合理处理,运用编曲技巧来使音乐更加丰富多变。

可以尝试使用不同的打击乐器,合理设置伴奏,使整个音乐作品更加丰满。

3. 音频处理与混音音频处理和混音是音乐制作中至关重要的环节。

通过使用各种音频处理器和混音器具,作曲家可以对音频信号进行调整、修饰和融合,以达到理想的音频效果。

人工智能在音乐创作中的作曲与编曲演讲稿

人工智能在音乐创作中的作曲与编曲演讲稿

人工智能在音乐创作中的作曲与编曲演讲稿今天,我站在这里,心中充满了激动与期待,因为我将与大家共同探讨一个令人振奋的话题——人工智能在音乐创作中的作曲与编曲。

在这个充满无限可能的新时代,人工智能正逐渐渗透到我们生活的方方面面,而它在音乐领域的应用,更是开启了前所未有的音乐创作新纪元。

让我们先来看看,人工智能是如何在作曲领域大放异彩的。

想象一下,曾经那些需要灵感和创造力的作曲工作,如今可以通过人工智能来实现。

它不仅能够学习大量的音乐理论和旋律结构,还能根据用户的喜好和需求,创作出符合大众口味的音乐作品。

比如,有一位名叫AIVA的人工智能作曲家,它通过学习大量的音乐作品,成功创作出了多首风格各异、情感丰富的音乐,让人惊叹不已。

而在编曲方面,人工智能同样展现出了惊人的能力。

它可以根据已有的音乐素材,自动进行和声处理、旋律编排和节奏安排,最终生成完整的音乐作品。

这种高效、精准的创作方式,不仅大大提高了音乐制作的效率,还为音乐创作者们提供了更多的创作空间和可能性。

例如,在电影配乐领域,人工智能可以迅速分析电影的情节和氛围,为电影创作出贴合剧情的音乐,让电影更具感染力和传唱度。

当然,人工智能在音乐创作中的应用,并不意味着它会完全取代人类作曲家。

相反,我认为,人工智能与人类作曲家的合作,才是未来音乐创作的最佳模式。

因为人工智能虽然能够提供大量的创作素材和灵感,但它始终缺乏人类的情感和生活体验。

而这些恰恰是音乐创作中最珍贵、最不可或缺的部分。

人类作曲家可以将自己的情感和创意注入到人工智能创作的音乐中,让音乐更加富有生命力和感染力。

那么,我们应该如何看待人工智能在音乐创作中的发展呢?我认为,我们应该以开放的心态来迎接这个变革。

人工智能的发展为我们带来了更多的创作工具和可能性,我们应该充分利用这些工具,提高自己的创作效率和质量。

同时,我们也应该保持对音乐的热爱和敬畏之心,不断挖掘自己的创意和灵感,为音乐创作贡献自己的力量。

写曲子的作用

写曲子的作用

写曲子的作用
作曲是创作音乐的核心,其作用主要体现在以下几个方面:
1.情感和思想的表达:作曲家通过运用旋律、和声、节奏和曲式等元素,将
自己的音乐思想和情感表达出来。

2.构建音乐骨架:作曲的过程涉及到构建音乐的骨架,确保各个音乐元素之
间的协调和平衡,从而形成完整的音乐结构。

3.考虑音乐的表现形式和风格:作曲家在创作过程中会考虑到音乐的表现形
式、情感表达和艺术风格等方面,以期创作出具有独特魅力的音乐。

4.创新和创造力:作曲不仅需要扎实的专业知识和技能,还需要丰富的想象
力和创造力。

作曲家总是在以往的音乐成果中汲取经验,对前人的音乐表现手段与各种手法进行分析、判断、提炼,通过自己的重新设计、安排、想象进行新的创造,产生新的音响。

编曲则是将作曲家所创作的音乐骨架以更具体的形式呈现出来。

它包括对旋律、和声、节奏和曲式等元素的进一步细化和修饰,以及对乐器的选择和配置。

编曲的作用在于使音乐更加丰富、生动、具有表现力和吸引力,从而更好地传达情感和艺术意图。

总的来说,作曲是创作音乐的核心,而编曲则是将这种音乐核心以更具体的形式呈现出来。

它们的作用和目的是不同的,但都是为了创作出具有独特魅力和表现力的音乐作品。

中国风流行歌曲的编曲研究——以《醉梦令》为例

中国风流行歌曲的编曲研究——以《醉梦令》为例

摘 要:流行音乐最早起源于美国,广义的范围包含Hip-hop(嘻哈)、Rap(说唱)、Reggae(雷鬼)、New age(新世纪)、Jazz(爵士乐)、Funk(放克)、R&b(节奏布鲁斯)等风格;狭义是指Pop(流行歌曲)。

当今,中西方音乐相互交融,流行歌曲中出现越来越多“中国风”的元素,如周杰伦的《菊花台》、王力宏的《花田错》、胡彦斌的《红颜》、林俊杰的《江南》、王则西的《醉梦令》等,他们的作品将西方元素与中国风元素完美结合,广受大众的喜爱。

本文首先介绍“中国风”流行歌曲的概念,之后走进流行音乐人王则西的背后,分享原创歌曲《醉梦令》的创作之路,并对其编曲方面进行分析与深入研究。

关键词:流行音乐;中国风;编曲;王则西何为“中国风”元素歌曲?很多人首先想到的是以“宫商角徵羽”五声调式为基础创作的歌曲,配器方面也是以葫芦丝、古琴、箜篌、琵琶、马头琴等中华民族传统乐器编配的,演唱方面善用民族唱法、原生态唱法、格萨尔王式说唱方式演绎等[1]。

这种表述只是表面层次的阐述,其更深层次的内涵在于蕴含着中华民族5000多年的文化精神底蕴,包含着更多的人文情怀,如汉乐府、唐诗、宋词、元曲等诗词元素,如昆曲、京剧、越剧、川剧、黄梅戏等戏曲元素。

诚然,“中国风”流行歌曲是在流行音乐(Pop)的基础上加入了“中国风”元素来诠释。

接下来,笔者带大家一同走进“中国风”流行歌曲,分析“中国风”流行歌曲起源与特点,然后对音乐人王则西的原创歌曲《醉梦令》在编曲方面进行分析与研究。

一、走进“中国风”流行歌曲20世纪80年代到90年代初,很多流行歌曲中隐约出现了“中国风”元素。

当时,邓丽君、陈慧娴、黄霑、王菲等知名音乐人创作的作品中汲取了很多中国古代诗词、曲牌精华。

我们耳熟能详的《沧海一声笑》《滚滚红尘》《但愿人长久》《红尘来去一场梦》《独上西楼》《甜蜜蜜》等歌词和旋律方面都展现了“中国风”的概念,但“中国风”流行歌曲并没有很好地得到传播。

歌曲 我们的中国梦 作曲赏析

歌曲 我们的中国梦 作曲赏析

歌曲我们的中国梦作曲赏析摘要:一、歌曲背景及创作意义二、歌曲结构分析1.旋律特点2.歌词内容3.编曲风格三、艺术表现手法1.演唱技巧2.情感传达四、对我们的启示和影响正文:【一、歌曲背景及创作意义】《我们的中国梦》是一首充满正能量的歌曲,由著名作曲家王平久作曲,诗人甲丁填词。

这首歌创作于2012年,旨在弘扬民族精神,凝聚民族力量,为实现中华民族伟大复兴的中国梦助力。

歌曲以中国梦为主题,通过歌词和旋律表达了对国家、民族和美好生活的向往。

【二、歌曲结构分析】1.旋律特点:《我们的中国梦》的旋律优美、激昂,采用抒情与激情相结合的表现手法。

歌曲以A大调为基础,旋律线条流畅,节奏稳定。

歌曲高潮部分充满力量,展现了中国人民为实现梦想的坚定信念。

2.歌词内容:歌词以中国梦为核心,通过描绘国家繁荣、民族振兴、人民幸福的美好画卷,表达了对民族复兴的使命担当。

歌词既有对过去的回顾,也有对未来的憧憬,展现了中国人民不忘初心、继续前进的信念。

3.编曲风格:歌曲的编曲采用民族音乐元素,融入现代音乐风格,呈现出既有民族特色又具有时代感的作品。

编曲中运用了钢琴、弦乐、打击乐等多种乐器,使得歌曲充满丰富的表现力。

【三、艺术表现手法】1.演唱技巧:歌曲的演唱要求较高,歌手在演唱过程中需注重情感的传达,同时掌握气息、共鸣等技巧。

歌曲的高潮部分需要展现激昂的情绪,低谷部分则需表达真挚的感动。

2.情感传达:歌曲的情感核心在于对中国梦的诠释。

歌手在演唱时应深入理解歌词内涵,通过歌声传递出对国家、民族和人民的热爱,激发听众的情感共鸣。

【四、对我们的启示和影响】《我们的中国梦》这首歌曲教育我们要始终保持对美好生活的向往和追求,牢记民族复兴的使命,为实现中国梦而努力奋斗。

歌曲以其强烈的感染力和感召力,激发了无数中华儿女为国家、民族付出的努力和汗水。

同时,歌曲也传递出中华民族团结一心的精神风貌,为全体国人提供了团结奋进的动力。

总之,《我们的中国梦》这首歌曲以其独特的艺术魅力,成为了弘扬民族精神、凝聚民族力量的代表作品。

编曲技术对作曲的影响与挑战

编曲技术对作曲的影响与挑战

编曲技术对作曲的影响与挑战随着科技的不断发展,音乐制作领域也迎来了前所未有的变革。

编曲技术作为其中的重要一环,对作曲的影响与挑战也日益凸显。

本文将从多个角度探讨编曲技术对作曲的影响,并分析其中所带来的挑战。

首先,编曲技术为作曲提供了更多的创作工具和资源。

在过去,作曲家只能依靠传统的乐器来创作音乐,而现在,借助编曲技术,作曲家可以使用各种合成器、采样器以及音频处理软件,将各种声音和乐器的音色进行组合和调整,创造出独特的音乐效果。

这种多样性的音乐创作工具为作曲家提供了更广阔的创作空间,使他们能够更好地表达自己的音乐理念和情感。

其次,编曲技术改变了作曲的创作流程。

在过去,作曲家需要亲自演奏乐器或者指挥乐团来实现他们的音乐构思,而现在,借助编曲技术,作曲家可以使用MIDI键盘或者编曲软件直接输入音符,然后由计算机生成相应的音乐。

这种方式不仅提高了作曲的效率,还使得作曲家能够更加专注于音乐的构思和创作,而不必过多关注演奏技巧。

然而,编曲技术也带来了一些挑战。

首先,随着编曲技术的普及和发展,许多人都可以轻松地制作出音乐作品,导致音乐市场上的竞争变得更加激烈。

作曲家需要通过创新和独特的音乐创作来吸引听众的注意力,才能在众多作品中脱颖而出。

其次,编曲技术的使用也带来了版权和盗版等问题。

由于数字音乐可以轻松地复制和传播,作曲家需要采取相应的措施来保护自己的作品,以免遭受侵权和盗版的损失。

此外,编曲技术对作曲家的音乐素养和技术要求也提出了新的挑战。

虽然编曲技术为作曲提供了更多的创作工具和资源,但作曲家仍然需要具备音乐理论和和声知识,以及对各种乐器音色的了解。

只有掌握了这些基本的音乐素养和技术,作曲家才能更好地运用编曲技术,创作出高质量的音乐作品。

总之,编曲技术对作曲的影响与挑战是不可忽视的。

它为作曲家提供了更多的创作工具和资源,改变了作曲的创作流程,但同时也带来了激烈的市场竞争、版权和盗版问题,以及对作曲家音乐素养和技术要求的提高。

创作音乐作品中的编曲与编配技巧

创作音乐作品中的编曲与编配技巧

创作音乐作品中的编曲与编配技巧音乐创作是一项复杂而有挑战性的任务,其中编曲和编配技巧是不可或缺的要素。

通过巧妙的编曲和编配,音乐作品可以达到更加丰富多样的音乐效果和表达,并为听众带来更好的音乐体验。

本文将探讨音乐创作中的编曲与编配技巧,以及它们对音乐作品的影响。

一、编曲技巧编曲是指将作曲家创作的乐曲进行改编,以适应不同的演奏组合和表现形式。

在编曲过程中,需要考虑以下几个方面:1. 音色搭配:不同乐器的音色各具特点,通过合理选择、组合和安排乐器,可以丰富音乐的层次感和表现力。

比如,在流行音乐中常常使用吉他、贝斯和鼓等乐器来打造简洁明快的节奏感;而在交响乐中,管弦乐器则被广泛使用,以展现宏大的气势和情感。

2. 和声处理:和声是指音乐中不同音符的排列和组合关系。

通过巧妙处理和声,可以创造出多样的和声效果,使音乐更加富有层次和变化。

例如,使用和弦进行转位、逆行或颠倒等技巧,可以增加和声的张力和复杂度,使音乐更具吸引力。

3. 翻奏与变奏:翻奏是在保留原曲基本结构的前提下,对旋律进行重新演绎和处理,使之更具变化和创意。

变奏则是在原曲基础上进行改变和发展,通过改变音调、速度、节奏等元素,赋予音乐不同的情感和风格。

翻奏和变奏的技巧可以使乐曲增添新鲜感,吸引听众的注意力。

二、编配技巧编配是指将作曲家的音乐构思转化为具体的乐谱和演奏指导。

通过合理的编配技巧,可以实现音乐作品的精确演奏和表达。

1. 乐器配器的选择:乐器的选择直接影响到音乐作品的风格和效果。

根据音乐的风格和情感需求,选择合适的乐器来演奏和表现,可以使音乐更加贴合主题和表达。

比如,在舞台音乐剧中,通过使用弦乐器、管乐器和键盘乐器等多种乐器,以及人声的编配,可以创造出宏大而动人的音乐场景。

2. 节奏与和声的编配:在编配过程中,需要合理处理节奏和和声。

通过对旋律线与和声特征的结合和调整,可以使音乐更加连贯、和谐,增加整体音乐的表现力。

同时,编配也要考虑到不同乐器之间的配合和对话,使之相互呼应、协调,达到整体效果的最佳化。

关于“编曲”与“作曲”的判定探讨

关于“编曲”与“作曲”的判定探讨

关于“编曲”与“作曲”的判定探讨作者:李一岚来源:《群文天地》2012年第02期摘要:采用民间音乐因素进行歌曲创作是目前众多作曲家选择的创作方式之一,由于民间音乐具有题材广泛、内容丰富、曲调朗朗上口等特点,所以由民间音乐素材而创作出的众多歌曲都得到了一致的好评。

而一首歌曲默默无闻的时候没人会去关心它的来历出身,当一首歌曲红遍大江南北的时候,对于歌曲应该署上“编曲”还是“作曲”就引起了众多的议论和话题。

本文根据笔者自身的经验对“编曲”和“作曲”的判定进行深讨。

关键词:编曲;作曲;判定;探讨我国文化博大精深,而民歌、曲调也是自古便有。

由于我国地域广,民族多,所以我国的民歌曲调具有题材广泛、内容丰富等特点,我国从100多年前就已经利用民歌音乐开始创作歌曲。

随着时代不断的发展,利用民歌音乐创作歌曲的形式已经形成了一种体系,从简单到复杂,从单薄到丰满,挖掘民间音乐元素已经成为目前歌曲创作的重要手段之一。

细数目前歌坛上的经典歌曲,利用民间音乐元素进行创作的歌曲已经占据了一定的位置,就连流行歌曲中都有众多的歌曲借鉴了民间音乐元素,例如目前炙手可热的歌手周杰伦,就将极具中国风特色的曲调利用到流行歌曲中,并且取得了一定的良好成绩。

而对于利用民间音乐元素创造歌曲会出现两种署名形式:一是“编曲”;二是“作曲”。

尽管大部分人对两个词没什么具体的概念,但是实际上两个词之间有着巨大的差异,这也是近几年针对于民歌改编创作中出现的争议问题。

一、目前对于“编曲”和“作曲”的判定从概念上讲,编曲是针对于已经存在的旋律进行更多的拓展,但对于原曲的主要旋律和内容并不产生过多的改变,对于如今的流行乐来说,编曲更多的是技术元素;而作曲是指作曲家将自己创作出来的,和前人不同的音乐利用乐谱进行记录的方式。

从概念上讲,两者的判定可能还比较容易一些,但是如果在“利用民间音乐的歌曲创作”上,编曲和作曲的判定就很难区分。

目前从学术上讲,对于利用民间音乐创作的歌曲上,编曲和作曲都存在对民间音乐元素借鉴的成分,其主要分别就在于借鉴的多少。

歌曲作词作曲类比

歌曲作词作曲类比

歌曲作词作曲类比在音乐创作中,歌曲的作词与作曲往往被视为同等重要的艺术形式。

它们共同构建了一首歌曲的内在灵魂和外在表现,为听众带来了丰富的情感体验。

本文将对歌曲的作词与作曲进行类比,从十个方面进行深入探讨。

一、题材选择作词如同写作,需要选择合适的题材。

对于歌曲而言,题材的选择往往决定了歌曲的主题和情感基调。

作曲则通过旋律和节奏来进一步表现歌曲的题材。

因此,题材选择是歌曲创作中至关重要的一环。

二、情感表达无论是作词还是作曲,情感表达都是核心要素。

作词者需要通过文字传递情感,而作曲者则通过旋律、节奏和和声来表达情感。

两者的结合使歌曲的情感表达更加丰富和深刻。

三、音乐结构作曲不仅要考虑旋律的流畅性,还需考虑音乐的结构。

这包括前奏、主歌、副歌、桥段和尾声等部分。

同样,作词也需要根据音乐结构来安排歌词,以确保歌词与旋律的和谐统一。

四、词句创作作词中的词句创作是表达歌词意义的关键。

通过巧妙的遣词造句,作词者可以创造出独特的意象和意境。

同样,作曲中的乐句创作也是构成旋律的重要元素,它影响着歌曲的整体风格和情感表达。

五、韵律安排韵律是歌曲创作的核心要素之一。

作词者需要合理安排歌词的韵律,使其既符合语言习惯,又能与旋律相得益彰。

同样,作曲者也需要根据韵律来设计旋律和节奏,确保歌曲的整体和谐性。

六、意象塑造在作词中,意象塑造是通过文字描绘出的形象或场景,以增强歌词的视觉效果。

同样,作曲中的意象塑造则是通过旋律、和声和节奏来构建音乐形象,为听众创造独特的听觉体验。

七、风格定位歌曲的风格是决定其吸引力和辨识度的重要因素之一。

作词和作曲都需要考虑风格定位,以确保歌曲的整体协调性和独特性。

合理的风格定位能够使歌曲在众多作品中脱颖而出。

八、创意展现创意是歌曲创作的生命力。

作词者和作曲者都需要发挥创意,为作品注入新的元素和亮点。

无论是歌词的构思还是旋律的创新,都能使歌曲更具吸引力和辨识度。

九、和声运用和声是作曲中不可或缺的元素,它为旋律增添了丰富的色彩和层次感。

如何作曲、编曲

如何作曲、编曲

整理了一段时间!我再发一个有关作曲技巧的贴子!都是个人积累的一点儿经验!希望对大家有用!作曲之前,你们需要确定准备写的歌曲是几段体的!一段体,两段体,还是三段体!两段体和三段体比较常见,就不说了!一段体最典型的例子是:西部歌王王洛宾老先生的作品《在那遥远的地方》!1. 使用和弦加入经过音来作曲。

适用于先写和声进行,然后再加入旋律。

此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说,非常和谐!旋律的和声走向特别明显!但是,一般篇幅比较短小!这时候,吉他的不同的速度和扫弦节奏,不同的分解和弦的指法。

强弱节拍的不同变化,我们可以感觉到不同的旋律的!会产生不同的创作灵感的!如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。

适用于写长段的旋律!先写旋律,后写和声!如:大调自然音阶: 1 2 3 4 5 6 7小调自然音阶: 6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。

这一点,我要重点讲一下!我们可以使用各个国家,或者各个民族的特色音阶来作曲!如:a. 我国常用的五声音阶:大调五声音阶: 1 2 3 5 6小调五声音阶: 6 1 2 3 5b. 和声小调音阶: 6 7 1 2 3 4 #5c. 大佛里吉亚音阶: 1 b2 3 4 5 b6 b7 (Phrygian-Dominant)也有人把它叫做;弗拉门戈音阶!d. 自然音阶的各种不同的模式:伊奥尼亚模式: 1 2 3 4 5 6 7 (Ionian)也就是大调自然音阶!多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式: 3 4 5 6 7 1 2 (Phrygian)利底亚模式: 4 5 6 7 1 2 3 (Lydian)混合利底亚模式: 5 6 7 1 2 3 4 (Mixolydian)爱奥尼亚模式: 6 7 1 2 3 4 5 (Aonian)也就是小调自然音阶!洛克里亚模式: 7 1 2 3 4 5 6 (Locrian)以上自然音阶以不同的音作为开始,向下顺次排列的方式,叫做: 旋法调!e. 减音阶: 1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶: 1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶: 1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶: 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶: 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶: 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶: 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 (Super-Locrian)l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 (Hindu)m. 吉普赛音阶: 1 b3 #4 5 b6 b7 (Gypsy)n. 匈牙利音阶: 1 #2 3 #4 5 6 b7 (Hungarian)o. 匈牙利小调音阶: 1 2 b3 #4 5 b6 7 (Hungarian Minor)p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1 q. 旋律小调音阶: 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6 r. 日本音阶: 1 3 4 6 7s. 俄罗斯音阶: 6 (b7) 7 1 2 3 4 (#4) 5 (#5)t. 爵士小调音阶: 1 2 b3 4 5 6 7u. 阿拉伯音阶: 1 b2 3 4 5 b6 b7v. 拿波里大音阶: 1 b2 b3 4 5 6 7w. 拿波里小音阶: 1 b2 b3 4 5 b6 7x. 东方音阶: 1 b2 3 4 b5 6 b7其实,简单地说,就是在你作的自然音阶旋律中,你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音,也就是半音!可以升高半音,或者降低半音!看你自己的喜好了!4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。

音乐编曲知识:编曲中的低音设计技巧

音乐编曲知识:编曲中的低音设计技巧

音乐编曲知识:编曲中的低音设计技巧音乐编曲是指根据作曲者的创作意图和音乐表现要求,对乐曲进行重新设计、重组和改编,使之在演奏中达到更佳的效果。

编曲包括对乐曲的和声、旋律、节奏、曲式等方面进行重新设计,其中低音的设计是非常重要的一部分。

低音既是乐曲基础和稳定的基础,也是乐曲结构的支撑和承载。

下面我们来探讨一些编曲中的低音设计技巧,以帮助编曲者更好地进行音乐创作和表现。

一、了解乐器特性在进行低音设计时,首先要了解每种乐器的低音特性。

不同乐器的低音音色和表现力是有所差异的,比如低音提琴的低音深沉浑厚,低音吉他的低音则更富有弹性和韧性,而大管风琴的低音更加厚重和庄严。

了解不同乐器的特性,可以更好地选择适合的低音乐器进行编曲,也可以更好地利用乐器的特色来进行低音设计。

二、低音与和声的关系低音在乐曲中既扮演着旋律的角色,又承担着和声的责任。

在编曲中,低音的设计与和声的搭配是非常重要的。

低音既要与和声和谐统一,又要有一定的独立性和表现力。

在进行低音设计时,要考虑低音与和声的关系,合理安排低音的音程和音型,使之既能支撑和完善和声,又能独立成章,为整个乐曲增添魅力。

三、低音的节奏和韵律低音的节奏和韵律也是低音设计中需要考虑的重要因素。

低音的节奏和韵律不仅影响着整个乐曲的节奏感和动感,也是低音表现力的重要体现。

在进行低音设计时,要注意低音的节奏感和韵律,可以根据乐曲的风格和表现要求,选择合适的低音节奏和韵律,通过低音的表现,使整个乐曲更加生动有力。

四、低音的变化和发展在乐曲的发展过程中,低音的变化和发展也是需要考虑的重要因素。

低音既要在乐曲的不同部分中有所变化和发展,又要与乐曲整体结构相呼应和融合。

在进行低音设计时,要考虑低音在不同乐曲段落中的发展和变化,可以通过低音音色、音域、音型等方面的设计,使低音与乐曲的发展更加统一和连贯。

五、低音的色彩和表现低音的表现力和色彩也是编曲中需要重点考虑的内容。

低音不仅是乐曲的基础和支撑,也是乐曲表现力的重要组成部分。

编曲和作曲的区别在什么地方

编曲和作曲的区别在什么地方

编曲和作曲的区别在什么地方我们常常在听歌的时候,屏幕上会显示编曲和作曲是不同的人完成的,有很多人都以为编曲和作曲是同个意思。

其实,它们是有区别的,下面,店铺跟大家分享一下作曲和编曲的区别,一起看看。

编曲和作曲的区别一、作曲作曲,简单地说是指把自己想到的前人没有创作过的曲子用简谱或五线谱等方法记录下来,把自己的旋律表达出来。

但很多人在思想上会产生一个误区,把编曲也归纳进作曲的范围之内,其实两者是两个完全不一样的概念。

简单地说,作曲是把旋律无中生有想出来,而编曲则是依照旋律,添加上各种音色,配上和弦,把作的曲表达出来。

作曲的准确定义是compose,即“组织”的意思。

什么是组织?就是对素材进行整合、组装、创造性地安排、使用。

因此,严格地说,按照早期西方音乐的标准,旋律创作不一定属于真正的作曲,对素材进行严密的安排组织并成为最后可以演奏的音乐才是作曲。

对于数字音乐时代的今天,由于科技的发达,就算没有最后的演奏步骤(或者说部分音乐并不适合去真实演奏)也可通过软硬件来得到想要的音乐效果。

所以,在今天来看,创作出来的音乐最后是否能够真实演奏已无关紧要。

作曲是在完成音乐内容的创作,单纯的一条旋律决定不了音乐想要表达的内容。

包括旋律(若有明显旋律)和打击乐(若有打击乐)在内的音乐整体音响效果(包括:调性的选择及变化,纵向的音高排列,横向的和声连接、声部对位,节奏穿插,音色的选取及搭配)、节拍(及其变化)和速度(及其变化)才是表达音乐内容、情绪、氛围的关键所在,改变其中一个因素就有可能改变整个音乐的内容。

明确这些才能称之为作曲。

现在是数字音乐时代,很多音色都是非物理乐器音色或物理乐器音色的再处理,这就要求作曲者本人对编曲要有所了解,才能达到更多音色及效果的运用。

对于已经有完整作曲的音乐作品(比如比较传统的交响乐,或其他已经有完整所有声部创作的歌曲、纯音乐作品等),编曲只是对音色的把握与声场的控制。

对于电子音色和一些特殊效果起主导作用的音乐作品(比如类似于好莱坞电影配乐中的电子交响乐,画面音乐等),单说作曲是包括编曲的。

关于编曲和作曲的区别

关于编曲和作曲的区别

关于编曲和作曲的区别编曲与作曲,这两个词虽然只有一字只差,但是他们之间却有很大的区分。

经常有伴侣搞不清编曲和作曲之间的区分。

对此,我今日整理了一篇关于编曲和作曲的相关内容,一起来看看两者之间的区分吧。

什么是编曲?编曲就是伴奏。

一首歌曲作曲后假如没有编曲的话,那就不能称之为一首完整的歌曲。

编曲伴奏是由许多种乐器组成的,比如钢琴、吉他、鼓、贝司等等,好听的歌曲需要配上好听的伴奏才算是完善。

歌曲制作的一般流程是作词、作曲、编曲伴奏、录音、后期混音。

什么是作曲?作曲就是一首歌的旋律,也就是这首歌是怎么演唱的,演唱的那个曲调就是作曲。

作曲的方式有许多种,学过乐理的音乐人作曲的时候可以直接写出来简谱。

不懂乐理的一些自由创可以使用录音工具进行存储即兴的作曲旋律。

编曲和作曲的区分1.编曲,就是在不影响原曲主要旋律和内容的基础上对乐曲的表现形式做了更多的拓展。

在现代音乐中特殊是流行音乐中,作曲和编曲往往是两个人,因为许多作曲者只有对旋律的把握和灵感,而编曲者于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。

简洁来说,作曲者是给了骨架,而编曲者则是给了血肉。

2.作曲可以用五线谱把曲子记下来,编曲就需要下载一些编曲软件和音源。

3.作曲是编曲的基础,作曲是指作出一首歌的主旋律,即歌谱,而编曲是在主旋律的基础上,在适当的地方配以鼓点,和声,各种电子效果等。

4.在古典音乐里原本是没有编曲这个概念的,因为全部的作曲家都是自己写好了乐谱,规定了全部乐器的协作。

但是随着时间的消逝,和曲谱在演出中和日常的练习中被人们发觉了更多的表现方法,这时候就消失了编曲。

包括调性的选择及变化,纵向的音高排列,横向的和声连接、声部对位,节奏穿插,音色的选取及搭配、节拍(及其变化)和速度(及其变化)才是表达音乐内容、心情、氛围的关键所在,转变其中一个因素就有可能转变整个音乐的内容。

明确这些才能称之为作曲。

假如大家想学习编曲作曲又不知从哪开头,那么中音阶梯音乐培训机构是你不错的选择。

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2编曲与作曲的概念·······················································3
2.1编曲的概念·························································3
2.2作曲的概念·························································3
致谢···································································10
1
1.1研究背景
编曲与作曲,许多人也许认为他们之间的差别并不是很大,或许从字面上觉得这是有差别的,但却说不出所以然来,所以这是有必要要我们去了解的。就单从字面上来说,我们都知道编曲更多的是对旋律的再改编,而作曲更多的是对旋律的创作。但是从根本上说,这二者都属于创造范畴。特别是编曲,其实就是一个再创作的过程。所以,对于这个概念的正确、深刻了解,有助于我们更加清醒认识到编曲与作曲的区别,也更有助于本论文的深入研究。
福州大学阳光学院
本科生毕业设计(论文)
题目:编曲与作曲的艺术探讨
系别:艺术
专业:音乐学
年级:10级
学号:
姓名:
指导教师:
2014年5月20日
编曲与作曲的艺术探讨
摘要
众所周知,目前众多作曲家较常选择的创作方式是采用民间音乐因素进行歌曲创作,由于民间音乐具有题材广泛、内容丰富、曲调朗朗上口等特点,所以由民间音乐素材而创作出的众多歌曲都得到了一致的好评。而一首歌曲默默无闻的时候没人会去关心它的来历出身,当一首歌曲红遍大江南北的时候,对于歌曲应该署上“编曲”还是“作曲”就引起了众多的议论和话题。本论文在论题的探讨上,目的在于为编曲与作曲的发展做一次系统性的总结,从而最终成功实现编曲与作曲的概念界定,进一步推进编曲与作曲的发展前进,为中国诸多音乐人提供更丰富详实而可靠的理论实践依据。
而且,编曲对于编曲者的要求,也是极为严格的。因为他需要很强的组织创造能力。比如,演说或者逻辑推理。编曲者的高明之处,甚至会让你从曲子中直接听出故事的喜怒哀乐以及人生百态等。例如最近演绎的风风火火的各种音乐秀节目,其实很多都是老歌,但是通过编曲者和演绎者的再演绎,让乐曲瞬间拥有了全新的生命,赋予了新的意义。
4 编曲与作曲的关系及其对作品的重要作用···································5
4.1编曲与作曲的关系···················································5
4.2编曲与作曲对作品的重要作用·········································6
3 编曲和作曲的艺术魅力···················································4
3.1编曲的艺术魅力·····················································4
3.2作曲的艺术魅力·····················································4
3.2 作曲的艺术魅力
在早期的音乐中,作曲的定义更加直接,就是对素材进行严密的安排组织的过程,这个过程的最终目的就是要使之能够成为音乐来演奏。可以说,这是一个完完全全的创作的过程,相比于编曲,作曲就具有更为广阔的创作空间,主要进行的是对音乐内容的创造。我们都知道,音乐内容是音乐的精神与核心,所有元素都要服务于这个主体,而且每个声部都是平等的,其中包含织体、曲式、编配、速度、节拍等,这些中的某一个元素的变化就能让整体音乐发生变化,而这些的确定也是对作曲的唯一限定。
关键字:编曲 作曲 艺术探讨
目 录
1 绪论···································································1
1.1研究背景···························································1
但是,作曲在某些特定的场合和范围内,它的定义要更具体,或者说范围更为缩小。例如我国国内娱乐性质的商业歌曲中,作曲指的就是创作音乐的过程与行为,并且一般指的是整首音乐的歌曲写作和谱曲工作。而这个,相对于专业的音乐领域来说,仅仅只是作曲的一小部分而已。
4 编曲与作曲的关系及其对作品的重要作用
我们都知道,事物总是辩证对立而存在的,看起来编曲与作曲好像也是这样。但是事实上并不如此,我们需要从编曲与作曲的源头,以及二者所在的不同场合去研究,从而更加深刻的了解编曲与作曲的关系与作用,为实践提供有效的参考价值。
1.2 研究现状
具笔者的不完全统计以“编曲与作曲的艺术”为关键词,分析得出相关理论资料有523篇,其中期刊论文363篇、学位论文241篇、会议论文2篇、音乐艺术9篇。其中《群文天地》期刊中的《关于编曲与作曲的判定》,对编曲和作曲的研究目的清晰,与本文的研究方向相似、其余文献侧重编曲作曲法等领域的研究。现阶段我国编曲与作曲各方面的理论研究还不够完善,本文对于编曲以及作曲在现实中的学习应用能够起到辅助作用。(万方数据库为主)
编曲与作曲到底是一个什么关系?从属?前后?递进?还是别的什么?在进行课题研究的时候,我们发现要正确说出他们的关系,只能从不同的场合和角度去阐述,单一的角度和场合只能讲述其中一种关系的特性。
4.1 编曲与作曲的关系
有些朋友总是把作曲与编曲混为一谈,认为编曲等于作曲。其实编不等于作曲。作曲是给一首歌词谱上旋律,可以直接把旋律写下来,或者直接唱出来;编曲是把已经形成的这首歌的旋律用编曲软件制作出来,或者用MIDI键盘等乐器录制出来,俗称制作这首歌的伴奏。当然,编曲者可以自由地对一首歌的旋律进行加工,包括对歌曲风格的界定,节奏类型的选择以及和弦的编配。把一首歌完整成功完美地记录下来也需要看编曲者的功力,因为编曲者不仅需要对音律敏感,需要有对音乐的理解能力,还需要一定的制作技术,对歌曲伴奏的乐器进行选择,在配器中能使乐曲达到和谐的效果。当然,作曲,编曲都离不开歌词,都需要在理解歌词的基础上来诠释一首歌。所以,一首完美的原创歌曲,词作,曲作,编曲,后期混缩都占有十分重要的作用。
ห้องสมุดไป่ตู้3 编曲和作曲的艺术魅力
编曲与作曲一直以来被比较,出现编曲为主和作曲为主两种论调,到底哪种是正确的,本文旨在针对编曲与作曲进行研究分析,以及综合以往前人对编曲和作曲的研究,对编曲与作曲的艺术价值进行一个探讨。
3.1 编曲的艺术魅力
编曲在很大程度上可以特别到决定一首歌的精神风格、味道以及乐器种类的搭配等。而且,现在音乐领域上的许多人,都认为编曲是对作曲的再创造,我们姑且先不谈对错,就有一点可以确定的是他们认为一首歌是否快歌、慢歌、摇滚或者抒情等,在作曲的时候就已经完全决定了,却在进行编曲的时候进行了更加细致而具体的具象化,让这首歌变得更加特色鲜明,从而也更加易于识记和传诵。当然,如果作曲者本身对曲子没有一个很鲜明的界定的话,那么编曲者就需要对曲子进行一个定调,有点像是补充说明的意思。
2.2 作曲的概念
作曲,是指创作音乐的行为,或者音乐创作的过程。严格地说,按照西方音乐的标准,旋律创作不一定属于真正的作曲,对素材进行严密的安排组织并成为最后可以演奏的音乐才是作曲。
作曲主要是对音乐的素材进行一个整合、组装,以及创造性的进行安排与使用,使其能够形成一定的规律,从而在这些规律或旋律中获取人们的共鸣。这从作曲的英文定义就可以看得出来,它的英文定义叫做compose/composition,也就是组织的意思。看起来好像是和编曲差不多的意思,但其实二者之间差别很大,这个我们稍后会提到。作曲的诞生由来已久,可以严格的说,从音乐诞生以来,作曲就跟着一起出生,几乎达到了形影不离的地步,哪怕是很早之前的音乐也有作曲的影子存在——因为那些旋律是人为组织的。
1.4 研究内容
我们这次论文主要研究的有这几块内容:
第一、正确认知编曲与作曲的概念。
第二、正确理解编曲与作曲的关系与作用。
第三、探究编曲与作曲各自的艺术价值所在。
课题论文主要表现的内容是将编曲与作曲进行一个概念梳理,同时进行区分对比,以及对编曲与作曲的之间的紧密联系、前后顺序、艺术价值以及遇到问题进行系统的介绍和详解、深入研究,并最终得出相应的结论。论文的框架内容包含开题报告、文章摘要、关键字、绪论、文献综述、相关概念、编曲与作曲的艺术魅力探讨以及编曲与作曲的先后顺序、编曲与作曲中遇到的问题等运用文献法和实践调查法的方式进行全面的分析整合,从而得出结论,并最终服务于编曲与作曲的实践操作。
1.5.1 研究方法
(1)文献法
通过在学校图书馆相关数据库如中国知网、万方中国学位论文全文数据等搜集音乐方面的相关文献,对其进行阅读、鉴别、梳理分析,研读并分析编曲和作曲方面的文献,提出研究的基本问题并勾勒初步思路。主要经历以下几个主要步骤:搜集文献、整理文献、进行文献综述和述评、展开论述。
(2)实践调查法
具体实践,进行简单的编曲和作曲,亲身体会编曲和作曲所体现出的艺术魅力。
2 编曲与作曲的概念
很显然,前人对编曲与作曲的艺术探讨,已经有了很系统详细的认识和研究,也让我们更明确了本论的论题目标和方向。那么现在,让我们一起来看一下关于编曲与作曲的一些概念界定,对二者之间全面、完整、系统而正确的认识,也会为我们指引更为正确的研究方向。
2.1 编曲的概念
编曲,按照我国专业音乐领域对于词汇的运用与工作方式来理解(就普遍现象而言),是指结合音乐制作(Music production)的编配方式,就是利用各种手段,在不影响原曲主要旋律或内容的基础上,对乐曲的表现形式进行更多的拓展和延伸的一个过程。它并非只是从乐器、音色搭配的角度为乐曲进行的编配,也不是单指用电脑及软硬件实现音响效果的制作。这使得“编曲”这个词更像是一种职业、工作名称,而不是某音乐概念与作曲技术。
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