世界名画系列(一)
适合小学生画的世界名画有哪些
适合小学生模仿的世界名画有哪些？
1、《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
2、《无名女郎》是俄国画家伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依于1883年创作的一幅现实主义肖像画，是画布油画，现收藏于莫斯科的特列恰科夫美术博物馆。
3、《向日葵》（法语：Les Tournesols；荷兰语：Zonnebloemen；英语：Sunflowers），是1888年8月—1889年1月期间荷兰画家文森特·梵高所绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品。
4、《星月夜》（The Starry Night）是荷兰后印象派画家文森特·梵·高于1889年在法国圣雷米的一家精神病院里创作的一幅油画，是梵高的代表作之一，现藏纽约现代艺术博物馆。
在这幅画中，梵高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。
整个画面被一股汹涌、动荡的蓝绿色激流所吞噬。
5、《日出·印象》（英语：Impression Sunrise；法语：Impression,Soleil levant）是法国印象派画家克劳德·莫奈于1872年在勒阿弗尔港口创作的一幅油画。
该画描绘了晨雾笼罩中的日出港口景象。
梵高作品介绍 PPT课件
• 向日葵称得上是我的东西。
• 我想画上半打的向日葵来装饰我的画室，让纯净的或调和 的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子 上……我要让这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框,就 像哥特式的教堂里的彩绘玻璃一样。
• 高更前几天对我说，他在莫奈家看到一幅向日葵的油画， 向日葵插在一个精美的日本花瓶中，不过他还是比较喜欢 我画的这一幅。
表现主义
梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情， 可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是 现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术 家的典型，但他们的个人性格特点又有某些不同。高更是个攻击传统观念的人， 语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家， 则充满了一种天真的热情的深沉的爱。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、 《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。 不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧； 同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索自由抒发内心感 受的风格，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
割耳朵后自画像
十五朵向日葵
这些简单地插在花瓶里的向日葵，呈现 出令人心弦震荡的灿烂辉煌。梵·高以重 涂的笔触施色，好似雕塑般在浮雕上拍 上一块黏土。黄色和棕色调的色彩以及 技法都表现出充满希望和阳光的美丽世 界。然而在画此作的同时，画家死命想 抓住的这个世界还是缓慢却无情地溜走 了。或许这画的表面反映了他悲剧性的 短促一生接近终结时期的心理状态。他 是个热爱自然并能从简单的事物看到纯 粹之美的画家，他说他宁可画从窗户向 外看到的树影而不想象中的美丽幻像。
100幅世界名画
100幅世界名画1、路易斯.利奥波德.布瓦伊——桌球这可是人家1807年画的，看看两百年前欧洲人的生活吧。
2、列奥纳多·达·芬奇——蒙娜丽莎成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
3、达维特——拿破仑穿越阿尔卑斯山本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。
对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意。
4、普基廖夫——不相称的婚姻该画描绘了一青春少女与一老者结合的爱情悲剧。
老者被画家描绘得苍老憔悴，而少女则面色红润，充满青春活力。
画家以同情少女的笔调，鞭挞了不合理的社会现实。
5、安格尔——大宫女这幅画在巴黎展出时，曾引起了极大的争议和抨击。
评论家德·凯拉特里说得较为尖锐，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。
”然而安格尔的学生阿莫里·杜瓦尔则辩解说：“凯拉特里可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。
假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了！”6、约翰.埃.密莱——盲女两个相依为命的孩子，一个是盲女，另一个更小的女孩紧紧依偎在盲女怀里，一边抬头去观看天上的彩虹，一边在给盲女讲解大自然的美丽。
云际彩带当空，原野一片金黄，空气是润湿的，在远景的小道上有几头走动着的牛羊，近处有飞鸟起落。
盲女只能倾听小伙伴的讲解，她连停歇在她披肩上的蝴蝶也无从感受，但她似乎已嗅到了新鲜的空气，听到了原野里生灵的声音。
7、拉斐尔——雅典学院全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者。
作者希望以回忆历史上黄金时代的形式，寄托他对美好未来的向往。
8、柯罗——珍珠女郎有人知道这幅画的玄妙之处吗？该画在世界十大名画中名列第七，可不是浪得虚名哦……9、泰奥多尔.居丹--肯特海滩该画描绘的是在狂风暴雨的海浪中即将倾覆的帆船，人们纷纷逃离帆船，乘上救生船逃命，狂涛汹涌，人们在挣扎。
西方绘画最著名的500幅世界名画欣赏
西方绘画最著名的500幅世界名画欣赏1、无名女郎 1883年克拉姆斯柯依俄国×99cm 布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。
画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。
究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。
画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。
2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。
作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。
这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。
这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。
3、蒙娜丽莎 1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利77cm×53cm 板油彩巴黎卢浮宫藏达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。
据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。
画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。
画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。
这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。
4、亚威农少女毕加索西班牙 1907年油画 244×厘米纽约现代艺术博物馆这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。
十大世界名画背后的故事
十大世界名画背后的故事你一定听说过下面这10幅享誉世界的名画。
但是，你也许还不知道画中人物的原型是谁？艺术家创作的灵感来自哪里？创作作品时，艺术家又身在何处呢？现在，让我们一同来探究一下它们背后的有趣故事吧。
1. 《蒙娜丽莎》文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》令全球无数人着迷，至今仍有许多人揣测画中女子的身份。
有研究学者认为，画中人是一个名叫Lisa Gherardini的富家女。
女孩的爸爸和达·芬奇的爸爸是好朋友，达·芬奇很可能是受父亲之命绘制了这幅肖像。
2. 《最后的晚餐》在达·芬奇最初创作的《最后的晚餐》里，耶稣在桌子下的脚是可以看见的。
但是1652年，建筑工人在修建一个通道的时候不小心把壁画下方挖掉了一块，这幅达芬奇的巨作才变成了今天这个样子。
3. 《星夜》梵高的代表作《星夜》描绘的是法国南部的一个小镇圣雷米的夜景。
事实上，创作这幅作品的时候，梵高正在这个镇上的一座精神病院里接受治疗。
4. 《戴珍珠耳环的少女》关于维梅尔这幅著名肖像画的画中人究竟是谁，一直众说纷纭。
有研究学者猜测，画中这位戴珍珠耳环的少女正是画家的女儿——玛利亚。
5. 《美国哥特式》当格兰特·伍德准备创作这幅作品时，他原本打算让他的母亲担任画中女性角色的模特，但是他又担心长时间的站立可能对母亲的健康不利。
最后，他让妹妹装扮成母亲的样子，并以此为原型完成了画作。
6. 《记忆的永恒》据说，达利创作这幅作品的灵感来源于他看到阳光下融化的芝士片。
7. 《秋韵：第30号》抽象表现主义绘画大师杰克逊·波洛克以他独特的“滴画法”闻名于世。
他喜欢把巨大的画布平铺于地面，然后把颜料一层层的滴在画布上。
在创作这幅作品时，艺术家使用了许多非常规的工具，例如棒子、小刀和毛巾等把颜料滴溅在画布上。
8. 《坎贝尔汤罐头》1962年，安迪霍沃尔在创作这个系列时，他根据当时市面上能够买到的32种口味的坎贝尔汤罐头创作了这32幅丝网版画。
世界上最著名的24幅名画
世界上最著名的24幅名画1、蒙娜丽莎意大利画家列奥纳多·达·芬奇的作品，纵77厘米、横53厘米，作品是画在一块黑色杨木板上的，现收藏在法国卢浮宫博物馆。
2、拿破仑穿越阿尔卑斯山达维特作品，画作妙处在于远景简约和近景细腻，色彩冷暖对比非常强烈，战马及人物刻画得非常到位。
3、珍珠女郎柯罗创作于1868年至1870年。
作品描绘了一个戴着用树叶编的“花环”的女子。
一片树叶在她额前投下影子，观众误认为影子是珍珠。
4、拾穗者法国巴画家让·弗朗索瓦·米勒于1857年创作的油画，现珍藏在巴黎奥塞美术馆中。
作品描绘农村秋收后，农民在地上拣拾剩余麦穗情景，似乎在倾诉着农民的饥苦与贫困。
5、向日葵荷兰画家文森特·梵高作品。
夏季很短暂，而向日葵花期更是不长。
梵高亦也像向日葵那样早早结束了他短暂一生。
6、岩间圣母达芬奇作品。
画中有奇怪形状悬石，还有鸢尾花、紫罗兰、银莲花、蕨类植物。
年轻母亲手搂抱着下跪幼婴，另一只手伸向儿子。
一连串的手势代表着保护、祝福等含义。
7、萨福和帕沃法国画家大卫作品，191×132厘米，现在藏于法国巴黎罗浮宫。
作品以女神萨福为主题。
萨福，公元前7世纪至6世纪古希腊的女诗人，也被誉为第10位文艺女神。
8、无名女郎是俄国画家克拉姆斯柯依作品，创作于1883年，是一幅肖像画，现收藏在莫斯科特列恰科夫美术博物馆。
描绘了一个19世纪后期俄国青年女知识分子的形象。
9、西斯廷圣母意大利画家拉斐尔·桑西的作品，创作于1513年至1514年间，现收藏在德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆。
作品有一种喻示：圣母是神母亲，同时又是人母亲。
10、日出·印象莫奈于1873年在阿弗尔港口创作的，作品是一幅海景写生画。
日出时分，海面上雾气迷朦，而水中则反射着天空和太阳颜色，岸上的景色隐隐约约，给人有瞬间的感觉。
11、奥尔加斯伯爵的葬礼埃尔格雷考作品。
100幅世界名画赏析（建议收藏）
01乔托《犹大之吻》Kiss of JudasGiotto1305乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。
基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。
在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。
乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。
02马萨乔《纳税银》The tribute moneyMasaccio1427画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。
画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。
右侧，彼得交给税吏纳税银。
马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。
03扬 · 凡 · 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 Arnolfini portraitJan van Eyck1434这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出 扬 · 凡 · 艾克 卓尔不凡的传递细节和光线的能力。
夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。
装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。
」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。
04保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》Battle of san RomanoPaolo Uccello1440乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。
前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。
背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。
乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。
05波提切利 《维纳斯的诞生》The Birth of VenusSandro Botticelli1482-1486希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。
世界名画
1、无名女郎 1883年克拉姆斯柯依俄国 75.5cm×99cm 布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。
画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。
究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。
画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。
2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利 108.5cm×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。
作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。
这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。
这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。
3、蒙娜丽莎 1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利 77cm×53cm 板油彩巴黎卢浮宫藏达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。
据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。
画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。
画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。
这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。
4、亚威农少女毕加索西班牙 1907年油画 244×233.5厘米纽约现代艺术博物馆这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。
世界名画-梵高-系列作品
世界名画-梵高-系列作品展开全文文森特·威廉·梵·高(Vincent Willem van Gogh，1853-1890)，中文又称"凡高"，荷兰后印象派画家。
出生于新教牧师家庭，是后印象主义的先驱，并深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。
梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后他投身于绘画。
他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。
1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。
1888年，来到法国南部小镇阿尔，已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。
同年与高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。
此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画，1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
荣誉:梵·高死后，他的名气越来越大。
随着作品在各地的展出和书信的出版，甚至传记小书的出版，梵·高在世界各地逐渐家喻户晓，俨然已成了最受爱戴的艺术家之一。
“梵高不仅是一个伟大的画家，而且是一个出色的作家与哲学家！”获得这项殊荣的时候，梵高已经去世了47年。
暴风雨的天空从床头望去的教堂阿利斯康的小路老人卧室向日葵星空梵高自画像梵高自画像房子篮子苹果蒙马特沙滩上的渔船夜晚露天咖啡座姨妈家的表妹邮递员约瑟夫·鲁兰的肖像鱼尾菊鸢尾花远处的田野摘橄榄子午线世界名画-梵高-杏花。
[精华]从10副世界名画提炼出10种经典色彩
![[精华]从10副世界名画提炼出10种经典色彩](https://img.taocdn.com/s3/m/224e365b842458fb770bf78a6529647d272834fe.png)
0000从10副世界名画提炼出10种经典色调如果你想了解颜色，为什么不看看那些真正经得住时间考验的经典作品呢？伟大的画家对色彩都有自己独特且敏锐的理解，当你驻足他们的画前，你总会被那种色彩所吸引。
下面我们收集了十幅世界名画，让我们看看世界名画的经典色调吧。
0001、《星夜》000《星夜》绘于1889年，作者是当时并不出名的画家凡高，一名荷兰后印象派画家。
他后来切断自己的左耳，用报纸包起来交给一名妓女。
据说，这幅画是梵高在法国南部的疗养院的房间里，望向窗外所看到的。
梵高这个人可能有些怪异，顽固，不过他确实对色彩很有感觉。
《星夜》中大胆、冷静的色调占据帆布画布的大部分面积，同时这些色彩又粗糙地和热情温暖的星光色彩融合一体。
0002、蒙娜丽莎000“层次渲染”和“明暗对比”：两个词汇可以用来描述达芬奇这幅《蒙娜丽莎》有意思的风格。
层次渲染是一种混合色彩而形成的一种微妙的颜色风格，所以这幅画看上去有种微醺的感觉。
明暗对比让这幅画在某些特定部位，比如眼睛和手部有种很深邃的感觉。
色调是黑色和成熟、复杂的色彩。
0003、呐喊000《呐喊》这幅画是表现主义派爱德华·蒙克在1893年到1910年创作的。
这幅画的历史一直让人着迷，而且它也总是成为盗贼们的目标，它在1994年和2004年被偷了两次，后又被收回。
这幅画很有趣的地方在于，它用了友好而平滑的色彩，表现了一种紧张和不安的形象。
可能灵感就是来自最不可能的地方吧！0004、最后的晚餐000你可能会说：“这不是《最后的晚餐》！”达芬奇《最后的晚餐》是从16世纪后期才开始流行的，而这是威尼斯画家丁托列托的作品。
丁托列托使用强烈的色彩，有趣的视角和疯狂的照明效果来描绘场景，这是绝美的。
0005、周日下午在拉·格兰德·加特岛0000要真正欣赏这幅画，你得近距离看。
乔治·修拉于1884年，用现在所谓的点画法，创作了这幅作品，近距离看时，你能看见无数纯色的小点聚在一起，形成从远距离观看的凝聚效果，想想这是多么费工夫的工程啊！显然，修拉也是一位色彩大师。
世界名画系列之人体名画
世界名画系列之人体名画（1）：泉1、泉1856年让－奥古斯特－多米尼克·安格尔法国163cm×80cm 布油彩巴奥赛博物馆藏76岁时的安格尔，创作了《泉》这幅作品，反映了画家对美的全新观念，即用精湛的技巧去创造古典美感是十分必要的。
《泉》实现了他对人体美与古典美完美结合的形式追求。
在这里，他展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。
他描绘一位举罐倒水的裸体少女，身躯略呈S型，婀娜多姿，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。
《泉》是他最负盛名的作品，是他于1820年在意大利期间作为习作开始的，1856年才在巴黎完稿，据说原名是《维纳斯》，但画家经过数十年的世俗漂泊，修改了少女脚边的小天使，把整理秀发改为倒倾水瓶，使之成为一幅具有古典主义象征意义的名作。
也许安格尔在寄托对青春的无限眷恋--少女充满活力的胴体正象她脚边的那朵含苞欲放的雏菊，散发着长久的魅力，给人以宁谧的思绪、无尽的隽永。
少女是画家衰老年岁的产儿，她的美资超过了所有的姐妹，集中了她们的美于一身。
安格尔的艺术形式美是成功的，他笔下的裸体屏弃了一切非自然的成分，因而她们的美是可供任何时代膜拜的典范。
泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。
最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。
26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画，据说曾有助手帮他绘制，如有人认为这幅画最初是由他的两个学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗协助完成的。
安格尔一生在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才显现出来。
《泉》，（1956年）是安格尔最著名的画作之一。
为了创作好这幅作品，安格尔竟酝酿了36年的时间。
它通过一个抱罐倒水的裸体少女形象，表现了画家终身追求的古典美。
蒙克《呐喊》赏析
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三、画面的构图与绘画技巧滋生出震撼人心的力量
这幅画长90.8厘米，宽73.7厘米，构图比较垂直，将焦点集中在画中 人身上，为呐喊的声音创作了更多的空间。
蒙克充分地使用动荡的、弯曲的、倾斜的线条，将桥梁、天空和大地 联系在一起，把那个瘦骨嶙峋、双手捂着耳朵呐喊的人物置于画面的前景， 道路直接伸向观众，呐喊直接面向观众，使整个画面产生一种强烈的节律 感。画中没有一处不充满动荡感，天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺 直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节 奏。所有的要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。
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生平事迹：
1863年 12月12日出生于挪威雷登，在 克里斯蒂安尼亚（现奥斯陆）长大。
1879年 蒙克为成为一名工程师而进工 学院念书。然而频繁的患病中断了他的 学业。
1880年 蒙克为了成为一名画家而离开 工学院。
1881年 蒙克考进了奥斯陆皇家艺术和 设计学院
1885年 蒙克前往巴黎。他的作品开始 显示出法国画家的影响；
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二、压抑与鲜艳的色彩的同时运用表达情绪的恐惧与不安
在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽 然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表 现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。同时，他在此基础上运用 了夸张的表现手法，比如奇特的造型和动荡不安的线条。一方面，画 中的天空颜色十分刺眼，就像滚动着的血红色波浪，令人感到震颤和 恐怖，仿佛整个自然都在流血。另一方面，全画的色彩又是郁闷的： 画面中的色彩混浊压抑，除了天空，其它景物的颜色中都参入了黑色， 给人以不祥的预感。海面阴暗处的紫色伸向远处显得阴沉。同样的紫 色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、 惨淡的棕灰色中。燃烧的血红色彩以及象征死亡的黑色，表现了一种 极度恐惧的情感。
世界名画《呐喊》赏析
在这幅画上�蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、 绿色的树以及红色的天�都被夸张得富于表现性�但并没有失去其色彩大致的真实性。全画 的色彩是郁闷的�浓重的血红色悬浮在地平线上方�给人以不祥的预感。它与海面阴暗处的 紫色相冲突�这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色�重复出现在孤独者的衣服 上。而他的手和头部�则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。
画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线�与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明 对比。整个构图在旋转的动感中�充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一 声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受�把凄惨的尖叫变 成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法�或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能 量的图像化表现相联系。蒙克在这里�将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑�转化为一种令 人信服的抽象意象。如此�他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。
挪威画家爱德华蒙克�EdvardMunch�1863—1944��堪称二十世纪表现主义艺术的先 驱。他出生于挪威洛顿。童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下不可磨灭的印记。这使他 早年画下了许多以疾病与死亡为主题的作品。他曾在克里斯蒂安尼�今奥斯陆�工艺美术学
世界名画及介绍
世界名画不仅是艺术领域的杰作，也是人类文化宝库中的瑰宝。
每一幅都承载着丰富的历史背景和艺术价值。
以下是一些备受推崇的世界名画及其简介：
1. 《蒙娜丽莎》：由意大利文艺复兴时期的画家列奥纳多·达·芬奇创作，这幅油画以其神秘的微笑和精湛的光影处理闻名于世，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
2. 《最后的晚餐》：同样出自达·芬奇之手，这幅作品描绘了耶稣与十二使徒共进最后晚餐的场景，充满了动态的构图和深刻的宗教象征意义。
3. 《格尔尼卡》：西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索创作的这幅巨型油画，以震撼人心的视觉语言描绘了战争的惨烈和人类的苦难，现藏于马德里国家索菲亚王妃美术馆。
4. 《星月夜》：荷兰后印象派画家文森特·梵·高的代表作之一，以其独特的色彩运用和涡旋状的星空表现而著称，现藏于纽约现代艺术博物馆。
5. 《大宫女》：法国画家让-奥古斯特-多米尼克·安格尔的作品，以其精致的线条和东方主义的装饰风格而知名。
6. 《戴珍珠耳环的少女》：荷兰画家约翰内斯·维米尔的这幅画作以其精湛的光影效果和神秘少女的形象而著称，是维米尔的代表作之一。
7. 《维纳斯的诞生》：意大利画家桑德罗·波提切利的这幅作品描绘了罗马神话中爱神维纳斯的诞生场景，以其优雅的线条和神话主题而闻名。
8. 《创造亚当》：意大利文艺复兴时期的画家米开朗基罗在梵蒂冈西斯廷教堂天顶上创作的一幅壁画，描绘了上帝与亚当的手指相触的场景，象征着生命的赋予。
这些名画不仅在艺术史上占有重要地位，也影响了后世无数艺术家的创作。
每一幅作品都是独一无二的艺术珍品，值得我们细细品味和深入研究。
【世界名画】三等车厢
【世界名画】三等车厢【世界名画】三等车厢2014-12-04油画世界作者简介奥诺雷·杜⽶埃(Honoré Daumier)1808年2⽉26⽇－1879年2⽉10⽇是法国著名画家、讽刺漫画家、雕塑家和版画家。
是当时最多产的艺术家。
奥诺雷·杜⽶埃是法国19世纪最伟⼤的现实主义讽刺画⼤师。
他出⽣于马赛⼀个有⽂学修养的玻璃匠家庭，6岁时全家迁居巴黎，由于⽣活贫困，杜⽶埃少年时就⾃谋⽣计，杜⽶埃20岁时师从于法国皇家博物馆馆长、画家涅努⽡学习绘画，尔后⼜随布登学习，还在业余时向⽯版画家拉⽶列学习版画艺术。
已经40岁的杜⽶埃开始画油画，他的油画仍如同讽刺画⼀样，造型不求形似，只重视⾊块与形体的“神肖”。
杜⽶埃的艺术⽣涯始终与法国的现实主义相联系，他运⽤现实主义和浪漫主义相结合的艺术语⾔，塑造⾃⼰独特的艺术形象。
为了真理和正义，他⼀⽣坎坷，遭到过监禁、罚款，作品被销毁，难以谋⽣。
巴黎公社时投⾝于⾰命，被选为艺术家联合会执⾏委员。
拿破仑三世为笼络⼈⼼，曾授予他“荣誉勋章”⽽被拒绝，他始终是位不屈的为正义奋⽃⼀⽣的伟⼤现实主义⼤师。
画作赏析《三等车厢》正是画家表现普通市民⽣活的代表作品。
漫长的旅途中，只能坐在三等车厢⾥的都不是有钱⼈，这⾥空⽓憋闷、⼈群拥挤，但却是观察⼤多数⼈真实⽣活状况的最佳场所。
就像今天学画的学⽣特别喜欢去⽕车站练习速写⼀样，来⾃不同背景的⼈集中在⼀起，呈现出迥异的姿态和⾯容。
杜⽶埃在构图上处理得很巧妙，他利⽤车厢⾥⼀排排对⾯相向的座位，⾃然地将⼈物安排在空间⾥⾯。
有的可以看到正⾯，有的只有背影，有的则露出侧脸，但⾄少，每⼀个⼈都能保证被观众看见。
当你逐⼀去认真凝视的时候，便会觉得在每个⼈的⾝后，都有⼀番⼈⽣的故事，即使只看到背影，似乎也能猜测出他的性格。
靠窗户、戴⾼礼帽的⽼⼈看上去谦逊⽽⾃尊，可能尽管⽣活清贫但仍然富有教养，⽽另外⼀位戴圆顶帽⼦的男⼠则像开朗⽽风趣的⼈，他的谈话吸引了周边的乘客。
世界名画鉴赏
世界名画鉴赏1. 达芬奇自画像意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。
他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。
在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。
2．岩间圣母画为祭坛画 ,达芬奇，189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆.此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。
此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。
此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。
人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。
3．最后的晚餐《最后的晚餐》达.芬奇油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。
在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。
构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。
画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。
这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作4．创造亚当《创造亚当》米开朗基罗壁画1508年米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。
因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。
不可不知的100幅世界名画,100幅美术作品。
不可不知的100幅美术作品1.《被囚禁的马里尤斯》让－热尔曼·德鲁埃法国画家把这一冲突性的场面，处理成象舞台剧一样，呈平面性展开：马里尤斯身披红袍，斜坐在椅子上，凛然地面对欲行刺的刺客，刺客掩面提剑欲刺之。
画家捕捉的就是这一瞬间，并把它定格在画布上，体现了明显的新古典主义手法；大块面的造型，色彩整体凝重，背景处理为帷幕状，突出前面两人的紧张气氛；但忠于新古典主义的理性原则，使两人之间徒具紧张的形式，而不具备紧张的神情。
2.《拍卖奴隶》让－莱昂·热罗姆法国是一个西方艺术家眼中的东方场景。
近东地区司空见惯的奴隶拍卖，引起了画家的注意。
被剥去衣衫的女奴，裸体站在台上被拍卖，台下是争相竞价的商人，他们伸出手指－－暗喻买奴隶的价格，女奴们茫然地望着这一切，听凭命运摆布……。
可以看出，热罗姆是怀着同情与怜悯之心创作这件作品的，表明了他的良知与对奴隶制的不满。
3.3.《笛子演奏会》门采尔整幅作品色彩辉煌华丽，冷暖、明暗的转换与过渡，与画面情绪相融，恰到好处。
人物刻划主次、身份、等级分明。
处在灯光照耀下的贵族们，服饰华丽，却被画家以灰调子淡化；处于暗部的乐手们，在烛光下显出全神贯注的神情。
真正处于焦点而又被人关注的，是那位笛子演奏家，他姿态潇洒、神情专注，陶醉于曲调中。
4.《玛利亚.美狄奇的教育》鲁本斯他的作品写实、写诗、写情、写力，突破古典的约束，歌颂人的力量，有着无止境的空间变化。
该画讲述玛利亚由阿波罗和水星带着进入音乐和演讲圣地。
在米罗瓦身边学习朗读，希腊美惠三女神在水星的介绍下，参与了对玛利亚的教育，赋予她美貌。
在画中鲁本斯重点突出了三女神的形体之美。
5.《贩卖孩子的商人》约瑟夫-玛丽·维安法国这是一幅人神合一题材的绘画，有着典型的新古典主义风格。
人物造型严谨，肃穆而冷静。
女主人被刻划得高贵而矜持，女商人则从提篮里抓出一个带翅膀的小男孩(无疑这是小天使)，构成一个充满戏剧性的场面。
世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索
世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索《和平鸽》是为联合国专门创作的世界友谊作品，从此和平鸽来代表和平。
世界名画《和平鸽》的创作者谁呢？下面是店铺整理的世界名画《和平鸽》的创作者，欢迎阅读。
世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索而把鸽子作为世界和平的象征，并为世公认，当始于毕加索。
1940年，希特勒法西斯匪徒攻占了法国首都巴黎。
当时毕加索心情沉闷地坐在他的画室里，这时有人敲门，来者是邻居米什老人，只见老人手捧一只鲜血淋漓的鸽子，向毕加索讲述了一个悲惨的故事。
原来老人的孙子养了一群鸽子，平时他经常用竹竿拴上白布条作信号来招引鸽子。
当他得知父亲在保卫巴黎的战斗中牺牲时，幼小的心灵里燃起了仇恨的怒火。
他想白布条表示向敌人投降，于是他改用红布条来招引鸽子。
显眼的红布条被德寇发现了，惨无人道的法西斯匪徒把他扔到了楼下，惨死在街头，还用刺刀把鸽笼里的鸽子全部挑死。
老人讲到这里，对毕加索说到“先生，我请求您给我画一只鸽子，好纪念我那惨遭法西斯杀害的孙子”。
随后，毕加索怀着悲愤的心情，挥笔画出了一只飞翔的鸽子——这就是“和平鸽”的雏形。
1950年11月，为纪念在华沙召开的世界和平大会，毕加索又欣然挥笔画了一只衔着橄榄枝的飞鸽。
当时智利的著名诗人聂鲁达把它叫做“和平鸽”，由此，鸽子才被正式公认为和平的象征。
象征意义爱情的使者在遥远的过去，鸽子曾被人们看成是爱情的使者。
比如在古巴比伦，鸽子乃是法力无边的爱与育之女神伊斯塔身边的神鸟，无数的少女都为之着迷，在生活中则把少女称为是“爱情之鸽”。
和平的象征直到纪元初，鸽子才被当做和平的象征。
《旧约·创世纪》记载，上古洪水之后，诺亚从方舟上放出一只鸽子，让它去探明洪水是否退尽，上帝让鸽子衔回橄榄枝，已示洪水退尽，人间尚存希望。
诺亚知道洪水已开始退云，平安就要来到。
洪水退去后，在世间一切生灵面前呈现了长满绿色树木的山谷和开着鲜花的幽静小道。
从此，人们就用鸽子和橄榄枝来象征和平。
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世界名画系列（一）世界名画500幅（一）近期整理了500幅世界名画，因每张都有作品详细信息和作者介绍，所以每期展示25-30幅作品，敬请细细品味！500《林中雨滴》希施金俄国布面油画1891年203x124cm 俄罗斯莫斯科特列恰科夫美术馆藏这幅《林中雨滴》是看到的无数世界名画中最美的一幅风景画，所以把它作为正一艺术推出世界名画欣赏500幅的压轴之作。
画家描绘了橡木林中微雨的情景，地下汪着泥泞，泥水中还有倒影，空气中飘着蒙蒙的雨意，若隐若现，令远景显得模糊、空蒙、远淡、飘逸，增加了空间感，使画面一下通透起来。
那条泥路弯弯曲曲通向远方，画家的朋友萨维茨基照例又在画面上给添加了几个人，一对夫妻打着伞，前面还有一位猎人扛着枪。
行进的路和行进的人把观众的视线引向画面的深不可测之处，让人不知雨雾深深深几许？伊凡·伊凡诺维奇·希施金（Ivan I.Shishkin 1832—1898）是俄国19世纪巡回展览画派最具代表性的风景画家。
他一生为万树传神写照，描绘俄罗斯北方大自然的宏伟壮丽，探索森林的奥秘，被人们誉为“森林的歌手”。
希施金出生在维亚特卡省的一个商人家庭，他自幼就生活在森林之中，对森林怀有深厚的情感，也使他获得有关森林的许多知识，从学画起就立志画大森林。
他20岁时来到莫斯科，考入绘画雕刻建筑专科学校，入莫克里茨基工作室学习。
毕业后升入彼得堡美术学院，入画家伏罗比约夫画室学习五年，前后九年的艺术学习，使他绘画基础非常扎实。
28岁以优异成绩获得金奖，走出校门，赴德国和法国深造。
33岁又获彼得堡美术学院院士称号，1873年被聘为教授。
希施金的风景画多以那些巨大的、充满生命力的树林为描绘对象，大森林的磅礴美丽与神秘魅力被他的画笔渲染得淋漓尽致，美不胜收。
在希施金的画笔下，林木的形象独具个性、豪放大气，象征了俄罗斯民族的性格。
他一生绘画树木，描绘俄罗斯北方大自然的壮丽，表现森林的奥秘，被称为“森林的歌手”。
画家克拉姆斯柯依称赞希施金是“俄国风景画发展的里程碑”。
希施金的朋友萨维茨基也是巡回展览画派中一位很有成就的风俗画家，他们同是皇家美术学院出身，两人私交极好，常一起参加彼得堡的艺术活动。
萨维茨基是希施金画室的常客，希施金经常邀请萨维茨基为他的风景画添加生色之笔。
希施金的《林中雨滴》是萨维茨基在画面上添加了几个人。
希施金的另一幅代表作《松林的早晨》画中可爱、亲和的大小黑熊也是萨维茨基所画。
499《夏日海边》德雷珀英国布面油画1910年127x76cm 私人收藏这是一幅让一切都黯然失色的人体艺术油画。
这幅画的不同寻常还在于，德雷珀通常描绘的年轻女性都是海妖或仙女，而这次却是例外的画了海边两个漂亮的人间少女，神奇地描绘了两位女性肌肤的柔软透明，鲜活灿烂并以史诗式的丰厚博大达到了奇迹般的极致，这幅作品是对人类心灵和人性光辉无与伦比的赞美。
赫伯特.詹姆斯.德雷珀(Herbert James Draper 1863-1920)英国维多利亚时代的宫廷画家，以画海上女妖（sirens）、人鱼（mermaids）的等相关系列画作闻名。
德雷珀出生于伦敦。
曾就读于圣约翰伍德艺术学校，并于1884年进入Royal Academy学习。
经过几年在西班牙，摩洛哥，意大利，法国，荷兰和比利时的游历后，回国在肯辛顿成立了一个画室。
他1894年在Royal Academy展出了他的"The Sea Maiden”获得了第一次公开的成功，并成为当时非常受欢迎的画家。
莱斯特画廊1913年举办了德雷珀的回顾展览。
德雷珀于1920年9月22日逝世于伦敦。
498《溜冰者》斯图尔特美国布面油画1782年90x70cm 美国华盛顿美术馆藏这幅画是斯图尔特的成名作，画面中描述的是一位身着高雅的黑色上衣、戴着帽子的高个儿男子，正在伦敦海德公园九曲湖的冰面上作出华丽的转身动作。
天空的气流，定格在林边的溜冰场，溜冰者或一群或三三两两，矫健的身影，回旋、倒退、双臂伸展，似大鹏飞翔。
唯独这一位，仿佛有天使邀请，独自完成美丽优雅的冰上动作。
双臂合抱，身体前倾，小心感知，谨慎顺应。
大胆轻巧滑行，终于在旋转的空间，身体与地面，达到完美极致。
脚下一个个圆的迹痕，是身体与自然默契的亲吻。
斯图尔特通过溜冰者完成了描绘运动中人物的杰作。
吉尔伯托·斯图尔特（GilbertStuart，1755-1828年），美国画家。
斯图尔特出生于罗德岛北肯辛顿，在纽波特度过童年。
他大约在14岁师从苏格兰画家科斯莫·亚历山大学习绘画，后者于1772年把他带到爱丁堡。
不久，亚历山大去世，斯图尔特回到纽波特，他开始以画肖像为生，由于美国独立战争的影响，订画的人不多，只得于1775年6月从波士顿重返英国，师从本杰明·韦斯特。
在伦敦一面作画，一面在教堂里弹风琴，勉强维持生计。
在那里斯图尔特得到美国画家B.韦斯特的帮助，并参加了皇家美术院的展览。
1782年因创作油画《溜冰者》(华盛顿美术馆)而出名，使他的订件增多，从此斯图尔特创建了自己的工作室。
《亨利埃塔·文恩》（Henrietta Vane）及其它在英国时期的作品，体现了托马斯·庚斯博罗及乔治·罗姆尼对他的影响。
这些画像善于表现性格，不采用美国原来那种一本正经的、乏味的方法，而是画理想化的肖像。
497《浴前涂粉女郎》加雷特西班牙布面油画1890年90x70cm 私人收藏这幅画描绘了浴前正在全身涂粉的西班牙女郎。
雷蒙多·德·马德拉索·加雷特（Raimundode Madrazo y Garreta 1841-1920），出生于罗马。
自幼从其父学画，大多时间生活的巴黎，并在那里上的美术学校。
他高超的技术成就了他成为杰出的沙龙风格肖像画画家。
496《中国女士》亨瑞美国1914年布面油画102.9x57.2cm 现藏美国密尔沃基美术馆这是一位中国有产阶层的中年女子形象。
她方脸，细眉，双手交叉，穿着偏肥的青缎衣，安详地坐着，显得臃肿而肥胖。
从艺术上说，除了这女人身上的衣服描绘较细腻外，没有多少特别之处。
这幅画之所以出名，是因为2007年2月在中国美术馆举办了“美国艺术300年”画展，这个女人能够从美国无数的画中脱颖而出送来中国展览，恐怕与画中渗透着中国元素不无关系。
比起美国其他出版物里出现的中国人来，这个胖女人看起来还算比较顺眼的了，起码富态，不邪恶。
罗伯特·亨瑞（Robert Henri，1865-1929年），美国画家、教师。
他是垃圾桶画派领袖之一。
亨瑞是非传统艺术的支持者，也教授非传统艺术，极大地影响了美国画家。
他的大部分作品是充满活力、自然的人物肖像画。
《玛丽·盖勒格》和《穿白衣的荷兰女孩》是他的代表作品。
亨利出生于俄亥俄州辛辛那提市，在费城和巴黎学习绘画。
495《飞船自动记录仪》乌里宾俄罗斯2010年布面油画120x120cm 私人收藏这幅画描绘了航空航天仪器前站立的裸女形象。
这个象大伞一样撑开的仪器，据说是用于俄罗斯宇宙飞船的高级静态试验自动记录仪。
这个仪器应该是放在海边上，这个美女应该是站在大海边的沙滩上，但画面中给人的感觉象是耸立在宇宙的某一个星球上，高高在上。
这幅画向人们传递了两个信息：俄罗斯美女的身材是全世界最好的，俄罗斯的航空航天技术是全世界最棒的。
格纳迪·乌里宾（GuennadiUlibin 1973-），俄罗斯年轻的画家，他的作品在许多著名的画廊和国际艺术节上展出，多次获得奖项。
494《睡觉的孩子》佩罗夫俄国1870年90x60cm 布面油画私人收藏这幅描绘了两个衣衫褴褛的小孩子熟睡的场景。
两个孩子躺在铺着破草席的床上，晨光洒在他们身上，映得本来就破烂的衣服更加褴褛，他们是不是在在饥饿中梦见了冒着热气的奶茶，香喷喷的烤鸭？衣衫褴褛的他们就像是俄国农奴制改革后社会的缩影，让我们看到那个时代俄国普通百姓的悲哀。
画家对穷苦人民的同情从画中真切地传递出来。
瓦西里·格里戈利耶维奇·佩罗夫(1834-1882)）俄罗斯著名画家，风俗画派的创始人之一，是批判现实主义的奠基者。
佩罗夫出生于多波连斯克一个地方检察长家庭，18岁进入莫斯科绘画艺术建筑学校学习，在学校民主氛围的强烈熏陶下，年轻画家养成了自己的艺术观念和社会立场。
在别罗夫的早期作品中，他以辛辣的讽刺，揭露了社会上不道德的、假仁假义的行为现象，他的绘画题材广泛多样,反映了1816年农奴制改革后的俄国社会面貌。
彼罗夫的作品具有浓郁的生活气息和强烈的爱憎感情。
493《和谐》卡卢金俄罗斯2010年平面艺术110x80cm 私人收藏这是一对母子躺在床上的温馨画面。
母亲上裸露出一对洁白的乳房，是为了随时需要喂奶的方便。
小孩白皙的皮肤显然是母亲的遗传。
小孩安静地闭目酣睡，母亲睁大眼睛操心地守护；小孩盖的是白色的纱布，母亲的睡衣则是红色的；这幅画无论色彩还是情景都给人一种和谐柔美娴静的感觉。
阿纳托利·卡卢金（AnatolyKalugin 1959-），俄罗斯艺术家，他擅长于把摄影艺术和油画艺术与电脑处理技巧结合起来创作出一种奇特的平面艺术。
他的艺术作品如梦如幻，使观者分不清这究竟是画作还是摄影，不由自主的陷入他创造的梦境之中。
492《大水花》霍克尼英国布上丙烯1967年242.6×243.8cm 私人收藏这是霍克尼代表作《大水花》。
画面是加州正午碧蓝的天空、笔直的屋顶、笔直的游泳池、跳板、和椰树。
色彩鲜亮沉默，声音被直线排除在外，阳光与阳光下的建筑物，让人感觉到窒息式的平静，但那个大水花让这一切有了对手，仿佛有东西暗藏着还没说，我们的内心也跟着画家一起激动起来。
和画面其他部分的画法不同，水花用的是更细小的画笔，霍克尼当时花了两个星期来描绘这个水花，他说，我喜欢这样的情形，用两星期的时间去画两秒钟的事情。
大卫·霍克尼（David Hockney1937-）英国画家，是当今国际画坛最有影响力的大师之一。
生于英国布拉德福，就读于皇家艺术学院。
霍克尼1961年去美国，此后多次居住在美国并有自己的工作室，创作了一批有世界影响的杰作。
尽管霍克尼在美国生活了几十年，但他的艺术与美国波普艺术的喧嚣聒噪却始终保持着距离。
霍克尼的艺术是细腻而私密的，对艺术潮流怀有一种若即若离的冷漠态度。
491《捉迷藏》史蒂文斯比利时布面油画1878年74.3x51.8cm 美国密歇根大学美术馆藏这幅《捉迷藏》，实际上画家是借捉迷藏游戏描绘美丽少女形象和室内装饰，高贵典雅的人物和环境和谐统一，画家从日常的风俗题材中表达了对生活的热爱。
作者阿尔弗雷德·史蒂文斯(Alfred Stevens 1823-)是19世纪后期比利时杰出的现实主义画家，以画优雅的现代女性而闻名。