保罗塞尚作品表现形式对我创作的影响

一、绘画作品中的形式
绘画就是画家通过手中的画笔把点、线、面三个绘画中的重要元素按照自己的绘画手法排列组合，加上画家想要表现的内心情感，依据恰当的美学法则，最终构成了平面物象。作品的形式美也尤此发出。所以绘画语言是具有形式美的。
丰子恺在《艺术从话》中说：有生即有情，有情即艺术，艺术非专科，乃人生之本能，艺术非专家，人人得而知也。这段话充分表明了绘画具有丰富多彩，形态各异的不同绘画语言，同样一副作品也能展现不同的形式美。而对于绘画艺术来说，绘画作品中的形式是整个创作的关键，形式是绘画作品的思想与观念的外在表现。如果没有形式的创作，就相当于没有内在思想与观念的价值存在，也没有相应的内涵，无法让观者与画家产生共鸣。所以，没有形式感或者形式感比较弱的作品，就如同没有打好地基的房子一样，里面的观念思想内容再怎么丰富再怎么前卫，也只是一个虚幻的概念产物，并不稳固也不实在。苏格拉底认为“真正的快感来自所谓的美的 颜色，美的形式，来自这一类事物：在缺乏这类事物时我们并不感觉到缺乏，也不感到什么痛苦，但是他们的出现却使感官感到满足，引起快感，并不和痛感夹杂在一起。”这也就是说明，苏格拉底认为人们对于形式美所产生的快感是没有痛感的而且一种纯粹的感受。形式美是一种绝对的存在，不是人体或者绘画中的美，而且在于独立于这些存在的直线、圆，用尺子和矩所形成的平面形和立体形。这些形状的美与别的自然事物的美不同之处在于，他们的本身本质就是绝对美，不是相对与其他事物而产生的。
图1 红、黄、蓝的构成 1921 绘画的形式美是绘画艺术的主体，没有这个研究，绘画难以实现有效的传达。普通的眼睛大部分都只是看到的是事物的表象，而只有艺术的眼睛才能看到隐藏在表象里面的形式，而且形式本身就是一种抽象，如果不去发掘，形式是不会自己显露出来的，比如漫无边际的田野树林，艺术家通过对自然田野和树的构成形式的提炼使其中隐藏的几何形式显现出来，从而吧普通眼睛里的田野树林变成为有形式感的艺术作品。在这其中最关键的就是借助于无际的田野和杂乱的树林，将其几何化线条化，进一步把线条和几何图案进行有秩序的组织。当把这些自然的形态进行某种方式的组合时，潜藏的形式就会突显出来，如图1，是蒙德里安几何抽象风的代表作《红、黄、蓝的构成》，这幅黄充分体现了上述所说。这样我们所感受到的各种线条各种几何图案组合，抽象的形式就得以显现，这就是绘画

作品形式的最大魅力。
在文艺复兴前，绘画只是一种图像学，画家把想要表达的事物或者内容以二维平面的形式在绘画媒介上再现出来。文艺复兴后，远近透视法开始在画面中表现出来，画面已不再是二维平面来表现三维物体，形成一种在视觉上的错觉，但这种错觉逐渐束缚住了二维画面的自由感。而从塞尚出现后，他打破了文艺复兴后的画面传统。将画面又重新回归二维自由，绘画史上出现了平面化的画面自由。塞尚的平面化是把握画布上的空间平面，把他所画对象的位置变换，对画面空间进行再构成，追求构造性与空间的实在性。
现代主义绘画之父保罗塞尚（Paul Cézanne. 1839-1906年）是19世纪末出现的一位在世界艺术史中有着重要关键作用的法国艺术家。他领悟了印象派的精髓，也是印象派的兴衰成败见证者和参与者。他使人们重新感受到了艺术历史的复兴；他关于绘画的主张和轰动一时的宣言被视为20世纪初探索绘画的引领作用。他对20世纪初艺术最大的贡献就是打破传统，用他一个人的力量为20世纪艺术史谱写了新篇章。塞尚对艺术规律有着不同的理解，他也有着打破常规和建立新规则的效率与勇气。他在静物画中严谨理性冷静的斟酌画面主体与画面形式，在风景画中仔细的研究线条研究画面结构，他所做的这些都是在寻找精确的几何形与他绘画主题的契合点。最终在塞尚不断的尝试某一处相同的景色或静物组合进行绘画时，找到了他需要的几何形与画面的契合点，也形成了他的艺术观点——把结构视为表现一切物体的根本和放弃一切传统法则，从零开始作画。
二、塞尚对画面形式研究的发展历程
（一）关于塞尚
虽然塞尚在20世纪末的艺术生活里只有六年的生命，但是整个20世纪艺术的变化和发展的许多方面都受到了塞尚的影响。所以塞尚被誉为现代主义之父。塞尚1839年出生于法国南部普罗旺斯地区，塞尚是十分优秀的学生，在拉丁文、法国文学方面的成绩尤其优秀，特别喜欢作诗和读书，热爱自然的一切风景和景物。而正是因为这些才能使塞尚不受任何清静的心灵或杂乱的感情所干扰，开启了一条非常理智的去思考的20世纪艺术之路：通过描绘世界的构成形式来寻找最终的艺术真理。
塞尚被誉为现代主义绘画之父，是因为从塞尚开始绘画艺术进入到了一个新阶段。绘画的真实再现功能以外的功能被展现出来，虽然这种主观性的绘画方式一直到存在，但知道塞尚才将它真正的确立。塞尚的绘画并没有脱离客观实在的再现性但却创造了一种新的认识世界感知世界的方法，他的这种方法不是曾经简单直白

的再现，而是试图创造一个更加真实更加能够表达画家情感的世界，他的世界让我们除了用再现性思维思考，还更加关注画面的本身，这就是他带给我们从艺术本质认识艺术的开始。
（二）对光线研究的画面
有一段时间塞尚与毕沙罗成为了邻居，而正是这段时间开启了塞尚对绘画语言的全新探索。他在毕沙罗的指导下开始研究自然，也为他以后的艺术观念的提出打下了坚实的基础，他开始户外写生，开始注重图案的重要性，在毕沙罗的指导下也懂得如何观察和捕捉光线，怎样用分离的眼光观察和描绘绘画对象。这个时期的塞尚抛弃印象派的小笔触和色调的微妙变化，使用大面积涂块以突出表现对象的体积感，追求作品的统一，这时期的作品在造型、画面结构方面尤其是画面的形式感都到达了一个新的境界，塞尚在1874—1875年画的人体画《三浴女》（图2）中画面的形式感体现的很明显，在这幅作品中塞尚解构了人体与自然的关系，这幅画体现出来了人体的活力与平衡感，而塞尚对人体的描绘方式与他描绘静物与风景的方式并无二致。画面中的三个女人身躯十分庞大，与当时普遍的审美观念时不相符的。而塞尚并不是想要表现人物身躯的美感，他是想要表现她们身上的活力与他需要的平衡感，人体与自然的平衡感。再来看这幅画的画面结构三个女人呈现出倒三角的结构形式，而最左侧的女人左臂伸出了画面，暗示着画面之外还有一人，而这个人只是在画面最左侧漏出一点头部，让整个画面又多了一层神秘。笔触尽管粗旷但色彩上的丰富变化很好的表现了画面人物的体积感。而塞尚在画面中对自然的处理也是很特别，他能够将人体的描绘方式与自然的描绘方式统一起来。在这种形于色的完美统一之中，塞尚成功的把这幅人体作品中作为绘画对象的人体与画家所刻画的在画布上的生命力融为一体。“色彩丰富到一定程度形也就成了。”这是塞尚在讲到他的画时最常说的一句话，这句话用在他的作品《三浴女》中是太合适不过了。
图2《三浴女》1874—1875
（三）进入结构时期研究的塞尚
这时塞尚的绘画相比之前更加成熟也更加具有画面的形式感，这个时期的塞尚画了大量的风景，他去观察自然希望用色彩重新创造自然，并且逐渐形成了一种他在画面结构上的规律：用不同的色块来作为画面元素，再通过对一定画面范围的调节，来使得相邻色块在画面中相互交织，互相表现出画面结构的本质。他认为，素描是正确使用色彩的结果。在他的作品《埃斯泰克的海湾》中的轮廓线就是两个色块汇合的地方，因为这些色块在亮度

或对比度方面的变化才能使边缘被完全限定住。如果说印象派的画家们是将画面中的轮廓线模糊化的话，那塞尚则是重新建立起轮廓线，因为清晰的轮廓线不会看起来像瞬间消逝的，这样这是保留了塞尚画面所强烈突出的永恒性。这幅画表现的空间没有像文艺复兴或者巴洛克时代那样有着深远的透视，色调是用的冷色调，像冬天早上那种寒风吹进骨头缝的冷，色彩是大面积的平涂。整幅画显得安静又清冷。《埃斯泰克的海湾》（图3）这幅画的视角像是在海湾上空进行鸟瞰，前景是树木和房屋建筑，可以清楚的看清画面上的屋顶烟囱。中景是一大片海湾，塞尚运用了浓烈的蓝色调从画布的左端一直延续到右端，在一整块的蓝色调中又有着细微的色彩变化，塞尚表现这块海面的方式与莫奈完全不同，塞尚重在凸显大海的蓝色色调来体现出海面的深邃，而莫奈则会更加偏爱体现出光影在水面的折射光线。后景的圣维克多山消失在海天相接的地平线上，高山与海和天融为一体，圣维克多山上的天空用了很淡的颜色与海湾对比。塞尚在这幅画的边缘切断了整幅画的空间，这样的手法可以使画面的空间变得不那么重要更多的突出画面的形式感，使空间变得模棱两可。抽象对于他来说只是一种方法知识绘画的一个中间站，他省略了他所看到的无关紧要的细节问题，只是为了重新建立起来绘画的真实性，在他所画的风景和大量的照片信息可以证明：绘画除了有独到的真实感之外也有一种艺术的形式感。塞尚的作品终于达到了他所期望的绘画高度——“艺术与自然平行”。
图3 埃斯泰克的海湾 1885
（四）塞尚的几何观念发展成熟时期
塞尚提出的几何观念主要有两个方面：第一是强调内容画面中每个物体的基本形然后根据画面效果和画面需要来进行调整，来进行物体的主次安排。利用黑色或者褐色的线条来强调部分物体的轮廓线，从而使得画面有一定的秩序感和归纳感。这些不仅在他的静物作品中有体现，同时也体现在风景和肖像画中，塞尚曾自己说过他把他的妻子、他的模特都当成苹果来画。塞尚还会有意识的拆分然后组合物体，他经常把静物画中的桌布台布拆分再组合成为不同形状的三角形，而桌布自身的质感被他完全忽略。由此可见，在塞尚的意识里，物体的几何形是第一位的，他通过在画面中强调物体的轮廓线以及物体的基本几何形状，用三角、圆、圆柱、正方体等几何形体组织画面的物体来实现他的”艺术与自然平行“。
第二就是塞尚重视平面形式的构成，他打破传统的透视观念，从画面构成的需要这点出发，

来重新组织物体的几何形，西方绘画中有严格的透视规律，近大远小、近实远虚等等，但在塞尚的画面中，他打破这种传统的透视法只为寻求他的几何形观念，他有意识的忽略画面中三维空间的形成，重视在二维画面上的物体的基本几何形，再来利用这些几何形来组织构成他的画面。塞尚这一忽视透视法的做法不仅仅表现在静物画上同样也表现于他的肖像画中，他的肖像画与正常的人体比例稍有不同，而他对这些比例的拉伸更多是基于为画面的构成考虑，塞尚的画面中更加注重人物与背景的关系，就如同他画静物画一般，更多的是注重物体在整个画面中的构成比例，更多的是为表现它们之间的协调、对比与统一。
塞尚的作品并没有太多华丽的颜色，在画面上也没有很多对光线的解读，而支撑塞尚画面最重要的元素就是他的画面形式。在塞尚的众多静物作品中，他在画面的表现形式上的成功是无人能及的，以《厨房的桌子》（图4）为例他在画面形式上的成功甚至超越了巴尔扎克的言语描述，对于塞尚来说，如果和其他的艺术家一样的话，那景物的魅力只是在于表现它所涉及的有关主题而已，是可以被画者简单刻意掌握的。所以塞尚的伟大就在于即使是静物画，他也会仔细的安排每一个物体将装有很多水果的果篮放在最远，把陶罐与瓷壶瓷杯安排为一个三角形，旁边和前面都安排了随意散落的水果在桌布形成山峰。做完这些他只是在看个不停，一直看到所有的物体的之间慢慢开始形成固定的关系，而这最后的固定关系就是使他画面稳定的结构。在画面中有的苹果看起来快要掉到地上，瓷壶也像是倾斜快要摔碎，感觉有些东西是变形的画面中的每个元素都是有必须在的位置就好像一挪动就会乱套。而这些正是塞尚静物画的独特之处，曾经就有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你的手里；但要是想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。”这样说的原因就是塞尚画画是在探寻一种永恒不变的形式去表现自然。
图4 厨房的桌子 1888-1890
塞尚被誉为“现代主义之父”，他至少影响了现代绘画五十年的发展。他是第一个意识到不能再基于传统死板的透视法的人，应该基于艺术家对自然对绘画的直觉来绘画，提出了新的空间构图方式，用全新的视角赋予了每个物体独立的空间。塞尚之所以能够为以后数十年的画家当成绘画的榜样，首先就在于研究几何结构的严谨态度和反复研究同一主题的毅力，塞尚的古典风格真实的存在于他所说的永恒而持久的与自