水粉静物教案

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水粉静物课教案
（部分内容）
第一章色彩概论
在学习绘画中，人们常说素描是重要的基础，而不重视色彩。

其实在绘画中，色彩也是不可忽视的重要基础。

如用歌曲来比喻、素描是词，色彩是曲，有了词、没有谱上好曲，歌是不会动听的。

色彩在画家的笔下产生着千变万化的效果，就如同音符的千变万化能谱写出迷人的曲调一样。

所以在绘画中，色彩具有很大的魅力。

色彩通过画家和美术设计师的画笔，表达形体和情感以及思想。

戏剧、电影、舞蹈等也都用色彩这一有力手段表达主题，感染观众。

设计艺术更是如此。

因此，在造型优美的、神态生动的作品构图中，常常有多种多样富于激情的色彩，在这些色彩中把戏剧和抒情的因素融汇了起来。

色彩是各种造型艺术家艺术思维的翅膀，可以把艺术家天才的想象带到丰富的色调和色彩构图的表现中，许多艺术家的杰作是离不开色彩这一灵魂的。

应用色彩能力的高低，便是色彩魅力的大小，这需要我们去不辞辛苦的练习，天天看、天天练，就象学习音乐要“练耳”，练习耳朵对音乐的辨别能力，而学画在“练眼”，练习睛眼对物体形、色的观察和表现的准确能力。

第二章静物画的起始
油画、水粉、水彩画的教学，往往是从静物画画起。

静物取材方便、丰富、俯拾即是，家用的杯、碟、碗、罐、盆，食用的瓜、果、菜等等，都可入画。

而且这些“模特”安静不动，便于观察分析，安排构图和深入的描绘。

第一幅静物画是油画。

始于十六世纪以前，据说是一位意大利画家巴巴里于一五O 四年的一只挂在墙上的鹧鸪鸟。

到了十六世纪以后，静物画逐渐形成一独立画种，与风景画、人物画分庭抗礼。

到十七世纪的时候，荷兰产生了许多画风非常精细的画家。

他们所描绘的花果仿佛刚从果园里摘下来，还带点点露珠。

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晓森是当时的代表画家之一。

十八世纪法国的夏尔丹热心于静物画，作常选择画室一角或厨房器皿等作画题。

其作品用色厚重结实。

十九世纪静物画到了顶盛时期，印象派画家画了不少静物画。

塞尚为着研究造型原理，他常常把画的苹果更换放在原来的位置；梵高把自己的桌、椅、皮鞋等不知画了多少次，都成了油画的杰作。

立体主义的画家，有许多把室内的静物作为自己的主要题材。

这样我们知道历来画家对静物写生的兴趣和题材的广泛性，那么我们学习静物画，是通过写生练习，达到用色彩造型的能力，以为我们的专业设计服务。

第三章色彩静物写生步骤
第一节构图与起稿
1、构图。

虽然说画静止的“模特”俯拾即来，但是画什么东西、
怎样画，必须先有构思，把东西拿来先有构图的设计。

常用构图形式有斜三角、立三角等，但这些形式并不是一层不变的，要灵活运用。

在摆静物时，可以根据内容多变化、多思考，达芬奇说过：
“思考处少，错误处就多”。

“面对着静物，先周密思考怎样摆效果更好。

动笔之前，先明确这次习作的目的，然后对着摆好的静物考虑构图，同时肯定主题，从而选择适合的构图角度。

在画的时候注意主要的物体放进画面，次要的舍之。

同时还要善于观察，要有锐利眼力。

写生的目的就是培养这种锐利的眼力，进而教手去准确的描绘它，养成手和眼的相互合作，平衡发展。

静物写生要锻炼掌握表达物体的主体感、质感和空间感。

2、色彩预备稿
在正式画之前，首先画一张小幅的色彩预备稿为好，这个预备稿，是对摆的静物最初的新鲜的感性认识，生动鲜明的画下来，这样做有三方益处：
①经营位置；②是探索几个大的色块关系和画面的调子；③似演员的彩排，增加上台正式表演的胆量和熟练。

3、素描稿
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作画先打稿这是常例。

水粉起稿以铅笔为好，熟练的画家往往直接用色打稿、挥笔而就，但对于初学者不能提倡。

素描稿除肯定构图外，要掌握对象的生动姿态，准确的画好轮廓。

轮廓准确与否，直接影响以后对形象的描绘。

在素描稿中不必画详细的细部和涂上明暗，但要严格分析对象的结构，画出透视关系，使之有一定的体积感。

第二节画大体色调
开始着色，要沉着冷静，还要大胆激情，从画面大块色彩部位开始，先不必涂细节部位。

用笔宜湿宜大，画大关系，先画暗部后画亮部，先画背景和画环境，后画主题。

力求颜色鲜明纯净，可少用几种色调配，暗部不要用白色，若必须用也是极少量。

这样先画出一个大色彩关系，以利于下一步深入的刻画。

第三节深入描绘
第一次色完成以后，就进入具体的深入描绘。

素描是用黑白灰等三面五调来塑造物体及其质感。

而色彩绘画，则借助色彩的丰富性能，用冷暖交替的规律来塑造形体。

如果在暖的光源照射下，其规律是：
①xx——偏冷
②亮面——偏暖
③灰面——接近固有色
④暗面——偏冷
⑤反光——偏暖
如果有天光光源照射下，其规律是：
①xx——冷
②亮面——偏冷
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③灰面——近于固有色
④暗面——偏暖
⑤反光——偏冷
以上这些规律都是相对而言。

当我们了解了这种光照下的物体变化，在刻画物体的时候，就不会使色彩紊乱。

上述规律是色彩的补色作用产生的。

在色彩绘画中，始终是处理矛盾，使之达到对立统一。

在画静物过程中，我们用冷暖色彩逐一的画每一件东西的形体和它的质感。

我们不能盯住一个地方画，若在一个地方画到七八成时，离远看看局部与整体关系是否协调，一个地方画僵了，就移笔画别处，也许别处画好，僵处也改观了。

一般是主要部位画好，次要处顺之而带。

具体塑造物体的阶段中，在大块色彩调子的基础上，寻求细致的色彩变化。

画面的每一部分都经过精心描绘后，一幅画就近于完成。

第四节画面整理
一幅画的整理，是在感情的基础上加以理性处理。

从整体到局部，又以局部回到整体上来，即把画面上的各种东西统一起来，这时会感到，一幅画的色彩漂亮与否，是由比较得来的。

一幅画全用漂亮色，会出现支离破碎感，大部分用灰色，小部分用明快色而易突出。

改画时有的使明度、纯度减弱，有的要
加强，把主次调整好。

第四章物体质感表现
静物画中的题材广泛，可画物体甚多，但是物体有异，表现手法则不同，必须随物而变。

第一节金属、瓷器质感表现
1、金属坚硬而光亮，金属物体高光强，暗部的反光也强，环境色的影响明显。

画时要注意：
①要整体概括；②用笔干而有力；③用色厚而明确。

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2、瓷瓶表面光滑，润色而有光彩，淡色瓶明暗分明，画时：
①用大笔从暗部画起，笔触要平滑；②上暗部色突过暗部界限，然后画明部色罩上突过处，用笔触和色调的混合表现其质感；③明亮部位画厚些，暗部薄而透明些，如果瓶上有花纹，可用细笔同时画。

第二节玻璃、花卉质感表现
1、玻璃器皿一般透明，明亮度强。

画时：
①首先要观察背景色，在背景色上稍加调整刻画，塑造立体形象，后加高光；②注意其光泽，明亮度要与整个画面调子协调；③过亮处要减弱。

2、花卉艳美多姿，种类繁多，要观察分析其形状结构。

画时：
①把每一朵花视作球体画。

画大瓣花，笔沾花色，笔尖点些暗色，照花瓣形状，一笔可就，明暗浑染，自然生动；②要概括，省去
繁琐，花朵便活泼有生气；③注意花朵姿色，姿有迎、背、俯、仰各种神态，色有红、黄、粉、紫、褚、白多色。

色在不同光线下，含虚有变，必有其妙；④花有叶配，花叶生姿不同，不可轻视，画时：
要虚实有别，则生动有观。

第三节水果、蔬菜以及衬布表现
1、水果、蔬菜色泽鲜艳，激人食欲，画时：
①水色饱含，运笔轻松；②色宜漂亮，一次或二次画完；③高光和反光宜湿时画。

2、衬布的布料质地不同，花色多异，画时：
①用色因物而定，用笔宜轻松流畅；②格布和花布简繁多样，画时不限一法，有人习惯于先画出底色，然后画格子，点花，这可以照顾整体效果。

也可以先画出图案，然后添色，或是涂底色时空出图案，然后添色等等。

第五章用水技法
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水粉画是离不开水的。

水粉的应用在作画时很重要，是不可缺少的技法，在水份的应用上，会出现各种不同画面效果，这个问题，主要靠实践中，去掌握和丰富它。

下面列举常用的水份技法：
1、用水多的情况
①画粗糙器物用水xx；
②画背景用水xx；
③画大块面用水xx。

2、用水少的情况
①画玻璃、瓷器以及光滑的物体用水xx；
②画多变化和表面细致的物体用水xx；
③画花、草以及建筑物的细部等用水xx。

综上所述，学画如同游泳，要在生活的海洋中，通过许许多多次写生实践，才能熟练掌握水粉静物画的技法。