浅谈西方歌剧不同元素的艺术表现力

浅谈西方歌剧不同元素的艺术表现力

摘要：本文通过分析一些经典西方歌剧中的不同元素为营造歌剧氛围、渲染舞

台效果所起的作用，全方位展开论述西方歌剧不同元素的艺术表现力，

其中主要涉及音乐旋律、舞蹈、舞台布景与服装、道具等四个方面的元

素。

关键词：西方歌剧音乐旋律舞蹈舞台布景服装道具表现力

经典西方歌剧作为世界上最高雅、古典的艺术形式之一，由于它把音乐、舞蹈、剧情、舞台布景、颜色、服装、道具、灯光等符号完美融合，从而将剧情的张力冲突渲染到极致同时不失其精髓而经久不衰。可以说，每一部经典的西方歌剧的成功演绎，都离不开其中各种不同元素的精心设计和紧密镶嵌。有些元素——例如音乐、舞蹈、剧情等——是较突出的部分，强烈围绕主题来展现其感染力；另外有些元素并不如此明显，但也是不可或缺的组成部分，用以烘托主题，从侧面强调其独特的艺术表现力，通常可以起到意想不到的作用。下面就以一些具体的经典西方歌剧中的元素为例，分析西方歌剧中不同元素的艺术表现力。

一．音乐旋律——以《图兰朵》和《利哥莱多》为例

西方歌剧的音乐旋律是最普遍最重要的元素，艺术表现力最为突出。在舞台演绎中音乐旋律的转换可以凸显出场人物性格，渲染戏剧冲突，烘托舞台氛围，自然衔接剧情。在西方歌剧中音乐是主导因素；语言和音乐的结合更是直击观众心灵，具有强烈的震撼力。

西方歌剧中音乐的主要形式有：序曲，常采用歌剧中重要咏叹调的旋律素材，给予观众剧情暗示；幕间曲；咏叹调，歌剧中最为重要的歌唱形式；宣叙调，介于歌唱和朗诵之间的独唱，歌剧中要让故事进行下去，宣叙调是最好的音乐形式；重唱，造成生动的戏剧性和立体化的效果；合唱，音域宽广，音色丰富，力度变化大，音响层次多，表现力强。在舞台演绎中，歌剧音乐旋律的变化既有这些音乐形式的统一或切换，也有同一形式内旋律的渐变或突变。跌宕起伏，抑扬顿挫，从而逐渐将歌剧的演绎推向高潮。

普契尼的歌剧《图兰朵》中音乐旋律的起伏转换极有代表性地展现了西方歌剧中音乐旋律的艺术表现力。在第一幕中，开篇由铜管乐奏出的三个不和谐强音“la-fa-si”，气势磅礴，有震撼力，似乎也透露了一些图兰朵统治下的危险与压抑。接下来传令官唱出了一段近似于宣叙调的唱段，严肃而压抑，符合人物身份。在他最后说出“他将死于刀下！”时，弦乐急速转入一连串爆发性的上行音阶，给人以极度压抑之感。在短暂的几个强烈乐句之后，乐队自然地转入下一主题，此时卡拉夫出场，见到老父，父子重逢。这一部分由弦乐营造出了非常深情的氛围，乐队的高音部分与低音部分都非常流畅，配合上卡拉富的男高音和老父的男低音，仿佛父子心中涌动的热流一般，或深沉或激烈，极其精妙。

在这一幕的中段出现了一段木管轻微伴奏下的童声合唱，旋律取自中国民歌《茉莉花》。这段旋律作为图兰朵公主主题在全剧中出现了很多次，即这段固定基本旋律象征了图兰朵公主这个角色。《茉莉花》的曲调余音未绝，另一段音乐响起了。波斯王子走上了刑场，从容地面对死亡。这一段乐曲采取了西域乐曲的调式，充满了悲壮的色彩，体现了众人对即将死去的王子的深切悲悯。这段乐曲的开头比较轻缓，主要以弦乐表现婉转哀怨，但沉重的成分不断加强，男女声的哀悼性曲调此起彼伏。

图兰朵傲慢残忍的性格全貌，在第二幕第二场中，通过公主的咏叹调《从宫殿传出》得到了很好的表现。咏叹调从始至终保持在严肃、紧张、威严和仇恨之中。这段咏叹调充满了东方情调，其中民族调式与西方大、小调式体系混合使用，多变的调性加以相当模糊和声功能，恰似复杂、难以捉摸的角色性格。①在第三幕的开场部分，卡拉夫演唱了最著名的一首咏叹调《今夜无人入睡》。这一脍炙人口的唱段感情饱满，慷慨激昂，旋律高亢至远，令人回味无穷，充分表现出了卡拉夫内心感慨万千，表达出对明天的无限向往、对自己必胜的强烈信心和对图兰朵公主炽热的爱，成功地塑造了卡拉夫的英雄形象，把气氛推向高潮。

威尔第的歌剧《利哥莱多》十分善于运用音乐的特性和手法来准确的把握和表现人的思想情感，塑造人物形象，渲染舞台气氛，使其充满了独特的风格。具体表现在：利哥莱多的咏叹调《我们同样，我以舌头伤人，他以刀剑杀人》和《达官贵人们》，突破了原来传统式的咏叹调结构，用自由说话式的音乐语言，伴随着速度节奏的变化，活灵活现的表达了他做弄臣的无奈，不得不以强颜欢笑来掩饰内心的痛苦和复杂恐慌的内心世界。吉尔达的咏叹调《亲爱的名字》，华丽动人、旋律优美、洋溢着充满幻想色彩的浪漫抒情气息，表达了少女吉尔达初恋时那种热烈跳动而狂喜的心情。而公爵的咏叹调《女人善变》出现在剧尾，它以轻松、快活的节奏，流畅、花俏的旋律，淋漓尽致地勾画出了一位情场老手的荒淫无耻、腐化堕落、高傲轻浮、视女人为玩偶的本性。②

二．歌剧舞蹈——以《卡门》为例

西方歌剧中的舞蹈往往具有震撼人心的表达效果，或寓有深刻的象征意义，或衬托歌剧主题，推动剧情发展。其中热情澎湃的群舞最能给人以气势磅礴之感，艺术表现力极强。

比才的歌剧《卡门》中穿插着多样的舞蹈，强烈的舞蹈色彩使这部经典巨作气势恢宏，灿烂辉煌。从孩子们在乡间的舞蹈到卡门给唐何塞的舞蹈，无不艺术表现力十足，将歌剧底蕴推向极致。

在《卡门》所有的舞蹈中，最令人印象深刻的当属第三幕中出现的“西班牙斗牛士舞”。在节奏有力、声音雄壮的凯旋进行曲“斗牛士之歌”的旋律下，这一段群舞充满激情活力和勇敢,具有吉普赛人的豪放洒脱.富有弗拉门戈舞的浓厚风格，舞蹈节奏非常干净利索,热情奔放，是非常经典和值得欣赏的歌剧舞蹈。西班牙斗牛士舞的出现将歌剧演绎推向了最高潮，热烈的氛围使现场观众的热情也随之高涨。这一段豪爽激情的舞蹈表现出民众对于埃斯卡米里奥的欢迎和

①慈夫领，《天鹅之歌——普契尼歌剧<图兰朵>的艺术特征》，山东：曲阜师范大学音乐学系，2009

②周玲：《曼声长歌——意大利歌剧与美声唱法的实践性研究》，文化艺术出版社2009年版，第38-39页

狂热崇拜，成功地塑造了这位百战百胜的勇敢斗牛士的高大形象。

三．舞台布景与服装——以现代版《茶花女》为例

在西方歌剧所有的元素中，舞台布景是最先映入人们眼帘的，因此也最能给予观众第一时间的感触与震撼。事实上在各种经典的西方歌剧中，每一幕的舞台布景都是被精心设计的，通常它会体现出这一幕的特色，使这一幕的所有剧情都在这种特定的背景中展开，是整体氛围的营造者。也许很多观众并不十分注意舞台布景，但事实上，设计者已经巧妙地将舞台布景传达的歌剧隐义植入了观众的潜意识之中。

威尔第的歌剧《茶花女》的现代版中，正是舞台布景的独创新意使这部古典歌剧能够进行完美的现代化演绎。其舞台分为上下两层，整体是一个巨大的半圆形。之所以采用这样的结构，导演德克尔的理由是“要去建立最亲密的空间，在这巨大的舞台之上，令观众接近演出者，因此有这个圆型的架构，这自然吸引观众进入这个领域里”。在一片空旷的灰白色的舞台上，没有任何布景和装饰，只是在舞台的右侧放了一个巨型时钟，钟面是白色，指针为黑色。除此之外，就是间或作为道具出现在舞台上的沙发。另一方面，导演又不断变换灯光的效果来制造气氛、凸显人物的情绪、强化观众视觉上的震撼，比如与欢乐的舞会联系的明亮的灯光、与死亡相关的幽蓝色灯光、象征薇奥莱塔与阿尔弗雷德两人乡间幸福生活的淡黄色灯光等等。贯穿歌剧始终的巨大时钟是现代版《茶花女》的亮点，疯狂旋转的巨型时钟和时刻在场的老人，这两个简单的符号一直提醒着所有人薇奥莱塔大限将至。这种心理暗示让观众一开始就被剧情所深深吸引，自然完全进入到歌剧音乐和情节中去，拒绝任何可能产生的疏离。由此可以看出这一出色舞台布景的艺术表现力。

服装则是另一容易被忽略的元素，而实际上服装是最能直接展现人物性格与角色转换的元素，不同人物所着服装的不同塑造了他们不同的人物形象。在西方歌剧中，演员们的服装是华丽复杂而个性鲜明的，具有很强的艺术表现力。

现代版的《茶花女》中，男性演员的服装舍弃了眼花缭乱的贵族服饰，取而代之的是完全统一的黑色西装，主角薇奥莱塔也只是穿颜色单一式样简洁的连衣裙。然而这两个简单的符号却能够传达出很多信息。众人所穿的黑色西服套装是世俗的象征，符合他们在歌剧演绎中对薇奥莱塔一味追捧、纸醉金迷的形象。而薇奥莱塔的三套衣服更是导演有意所为，尤其是通过对薇奥莱塔连衣裙红色与白色的改变对堕落的和高尚的茶花女进行区分。第一幕中的火红色露背晚装连衣裙表明薇奥莱塔是一位张扬而充满野性，向往着欲望、性和暴力的交际花，而第二幕乡村生活中她身穿深色印花的绸质睡袍和雪白的连衣裙，表明了她角色的转换和剧幕的切换，但巨大时钟边悬挂的红裙仍然象征着她无法逃避的妓女身份。于是当第三幕薇奥莱塔换回红色连衣裙时，观众就可以自然而然地联想到她重回堕落生活。第四幕她的白色连衣裙显示她对爱情的忠诚和生命即将消逝的悲哀，越发烘托出她的圣洁，凸显了歌剧的主题。由此可见，服装（或颜色）在西方歌剧中有着独特的艺术表现力。

四．道具——以《塞维利亚理发师》和《蝴蝶夫人》为例

道具是西方歌剧中推动剧情发展的必不可少的元素。每一个道具的出现都有