歌剧作品演唱中声乐技巧的不同运用
例析歌剧咏叹调的演唱技巧
例析歌剧咏叹调的演唱技巧1860年,意大利民族运动取得了胜利,在挣脱了外族的奴役和统治后,意大利王国终于得到统一。
统一后的意大利,人们生活的主题已不再是战争。
文艺中所反映的爱国主意激情和英雄主义逐渐成为过时的题材。
于是,十九世纪晚期的文学家、剧作家在受到以法国作家左拉为代表的自然主义文学思潮的影响下,纷纷把创作的笔触转向了更贴近于现实社会的主题,更强调描写下层社会生活的真实原貌,着眼与感情冲动下产生的激烈行动,常常以情变、妒杀为题材。
与此同时,这股思潮也强烈影响了当时的意大利歌剧舞台,作曲家玛斯卡妮把意大利作家维尔加的小说《乡村骑士》写成了独幕歌剧搬上了歌剧舞台。
1890年,玛斯卡妮的歌剧《乡村骑士》在罗马首演,获得了爆炸性的成功,此剧也就成为了他的成名之作。
故事描写的是意大利西西里岛的下层社会生活:年轻英俊的图里肚背叛了女友桑图扎的爱情,经受不住旧情人、有夫之妇罗拉的诱惑,与罗拉旧情复燃了。
桑图扎把心中的痛苦告诉了不知内情的图里肚的母亲露齐亚。
在劝说图里肚回心转意无果之后,伤心愤怒的桑图扎终于将事情的真相告诉了罗拉的丈夫——马车夫阿尔菲奥,最终引起了一场血腥的决斗,图里肚被马车夫刺死,悲痛绝望的桑图扎随即昏倒在地。
《你知道吗？好妈妈》是桑图扎对露齐亚诉说内心痛苦并请求她为自己祈祷时唱的一首咏叹调。
是一首经常用于音乐会的演唱和声乐教学的经典曲目,经久传唱、感人至深。
一、全曲的音乐风格本曲具有浓郁的意大利南方独特的情调和气息。
音乐的开场有十小节前奏,由悲伤和激动的两层动机组成,是引导咏叹调基本情绪的引子。
咏叹调以舒缓的音乐开场,前三十小节,作曲家用小调式的曲风细腻地刻画出女主人公内心的独白,旋律流动而紧凑。
从三十一小节开始,音乐发生了变化,在乐队先行奏出的主旋律的铺垫下,演唱以弱拍进入,四个模进式的短小动机不断把音乐向高声区推进,从而形成了全曲的第一次高潮。
接下去的旋律通过转调和节奏的变化构成新的音乐形象以痛苦和愤怒为基本情绪,音乐速度加快,乐句短小具有动感,乐队以低音乐器为主,创造出紧张不安的气氛,由此引导旋律向第二个高潮推进。
中国民族歌剧声乐作品及其演唱风格的把握
中国民族歌剧声乐作品及其演唱风格的把握歌剧，顾名思义就是利用歌唱来表达戏剧发展情节的一种艺术表达方式，歌剧的综合性很强，它融合了音乐、戏剧、文学、舞蹈、舞台美术等多种艺术形式。
民族音乐则是一个国家传统音乐与歌剧的有效融合，即在歌剧中融入传统音乐创作的内容进可以拉近歌剧与国民的心理距离，还有利于推动歌剧的本土化发展，中国民族歌剧的发展就体现这一特点。
歌剧对于我国民族音乐体系来讲，属于“舶来品”，它是建立在对西方经典歌剧模仿与再创作的基础上发展出来的一种具有中国特色的歌剧艺术形式。
建国之后，中国民族歌剧得到了极大的发展，无论是在歌剧创作内容上，还是在舞台表现上都呈现出了新的生机，一系列反映当时特殊的发展历史的声乐作品，如《白毛女》、《洪湖赤卫队》、《小二黑结婚》、《刘三姐》、《江姐》等，与观众见面，并获得了巨大的成功。
从中国民族歌剧近百年的发展历史中，我们看到了西方歌剧与中国时代发展的融合，并形成了新的音乐发展风格，因此，对中国民族歌剧声乐作品以及演唱风格进行把握，对于新时期推动我国民族音乐的发展具有重要价值。
一、中国民族歌剧声乐作品的艺术特点1.曲折跌宕的戏剧情节在歌剧表演中，歌唱是展现故事情节的一种艺术手段。
歌剧的整个情节需要完整的故事体系支撑，如文学创作中的起、承、转、折。
歌剧表达中需要有完整的故事情节和丰满的人物形象，只有这样才能够准确生动地为观众再现感人肺腑的故事。
例如民族歌剧《江姐》就是阎肃先生根据小说《红岩》创作而成，该作品的历史背景是是在解放战争胜利的前夕，共产党人江竹筠带领战士坚持都挣到最后一刻，最后应用牺牲的故事，整个故事在《红梅赞》、《绣红旗》、《看长江》等经典唱段中，一波三折，逐层推进，体现了老一辈共产党人不畏困苦的坚强意志，以及等待新中国成立的拳拳爱国之心；再如歌剧《小二黑结婚》则是根据作家赵树理的同名作品改变，整个故事通过对民兵队长小二黑以及小琴的爱情故事的表现，抨击以金旺为代表的地痞无赖对当时中国农村的控制，并结合小二黑和小芹的抗争，体现了中国共产党对中国农村带来的新变化和新生机。
戏曲元素在声乐作品演唱中的运用
戏曲元素在声乐作品演唱中的运用戏曲元素在声乐作品演唱中的运用一、引言戏曲元素是中国文化的重要组成部分，它融合了音乐、舞蹈、表演等多种艺术形式，具有悠久的历史和丰富的内涵。
在声乐作品演唱中，戏曲元素的运用可以增添作品的韵味和内涵，丰富了演唱的表现形式，使作品更具魅力和感染力。
本文将就戏曲元素在声乐作品演唱中的运用进行深入探讨，并分享个人观点和理解。
二、基本概念声乐作品是指以歌唱为主要表现形式的音乐作品，包括歌剧、歌曲、合唱等多种形式。
而戏曲元素是指中国传统戏曲中的音乐、唱腔、表演技巧等要素。
在声乐作品演唱中，通过引入戏曲元素，可以使作品更加具有中国传统文化的特色和韵味，更好地传达作品的情感和内涵。
三、戏曲元素的运用1. 唱腔戏曲中的唱腔具有独特的旋律和表现力，通过在声乐作品演唱中引入戏曲唱腔，可以增加作品的表现力和感染力。
比如在演唱中国民歌时，可以借鉴京剧或黄梅戏的唱腔技巧，使歌曲更具中国风情。
2. 腔调戏曲中的腔调是指不同角色或情节所对应的音乐旋律和节奏，通过在声乐作品演唱中运用戏曲腔调，可以更好地表达作品中的角色和情感，使作品更加生动和具体。
比如在歌剧《茶花女》的演唱中，可以运用京剧的腔调来刻画不同角色的性格和情感。
3. 表演技巧戏曲表演技巧包括身段、脸谱、动作等多种元素，这些技巧也可以运用到声乐作品的演唱中。
通过在演唱中运用一些戏曲表演技巧，可以使演唱更加生动和有趣，增加观众的欣赏乐趣。
四、个人观点和理解戏曲元素在声乐作品演唱中的运用，可以为作品增添独特的魅力和表现力，丰富了作品的内涵和情感。
在当今世界文化交流日益频繁的背景下，将戏曲元素融入到声乐作品的演唱中，既能传承和弘扬中国传统文化，又能使作品更具国际化的视野和魅力，具有重要的意义和价值。
五、总结通过以上的探讨，我们可以得出结论：戏曲元素在声乐作品演唱中的运用，可以为作品增添独特的魅力和表现力，丰富了作品的内涵和情感。
在今后的声乐演唱中，我们可以更加注重戏曲元素的运用，为作品注入中国传统文化的精髓，使作品更具魅力和感染力。
歌剧的演唱技巧
歌剧的演唱技巧歌剧的演唱技巧包括以下几个方面：1. 呼吸与发声：每位歌唱者必须充分理解和运用气息发声和气息控制的方法，这是整个声乐功能系列中较重要的一环，也是整个歌唱建筑的基础。
2. 打开喉咙与稳定喉头：这是歌唱基本功训练的核心，也是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一。
正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音的关键。
3. 声音的共鸣：要使声音传得远，充满剧场，且圆润、优美动听，这是要经过专门训练的。
要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头，打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，自如灵活。
4. 正确的咬字与吐字：通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更生动地表现歌曲和情感。
5. 音准与节奏：在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。
6. 心理状态：在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，有良好的心理状态和歌唱欲望。
7. 乐感：从开始练声起，就要同音乐结合起来。
练声也要有良好的乐感，音程、音阶一方面是技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。
8. 声音的控制：表演者对声音的运用应该有浓有淡，有明有暗，有刚有柔，有放有收，有深有浅，有隐有显。
歌唱声音色彩的变化对比是演唱的重要手段。
无论是在一首歌曲还是在一段歌剧中，都必须运用各种不同音色变化对比的演唱方式，来增强演唱的感染力。
总的来说，在歌剧的演唱中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不可，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的。
如需更多信息可以阅读相关书籍或请教专业人士。
歌剧音乐剧欣赏
《窦娥冤》
《小二黑结婚》
《白毛女》
延安鲁迅文艺学院集体创作。贺敬之、丁毅执笔，马 可、张鲁、瞿维、焕之、向隅、陈紫、刘炽等作曲。 1945年初作于延安，同年 4月在延安首次公演。新中 国成立后，几经修改，使剧本更为精炼、紧凑。采用 山西、河北、陕西等的民歌和地方戏的曲调，并借鉴 西欧歌剧的创作经验，是在新秧歌运动基础上发展起 来的中国第一部新歌剧。剧中的《红头绳》、《漫天 风雪一片白》、《我说、我说》等，都是音乐会上的 保留曲目
走进歌剧
主 讲 人：林可欣
人文与社会科学学院文艺教研室
什么是歌剧
歌 剧
• 概念——以歌唱为主要表现手段的一种戏剧，将 音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、 文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞 台美术等融为一体的综合性艺术 ,发展至今 已有四百余年的历史。
歌剧中声乐部分
一、美声唱法
二、声部划分
阉伶歌手
阉伶歌手最早出现在16世纪。通过 残忍的阉割手术来改变男童发育后的声音。 17、18世纪阉伶歌手的盛行，大大 发展了各种歌唱技巧，因此在声乐史上被称 为 “美声歌唱的黄金时期”。
43
【歌剧声音的分类】
• 歌剧中歌手所扮演的角色可以依照他们各自不同的音 域、力量和音色来分类。
• 男歌手音域由低至高分为：男低音、男中音、男高音、 假声男高音。 • 女歌手音域由低至高分为：女低音、次女高音以及女 高音。女高音还可细分为花腔女高音、抒情女高音和 戏剧女高音等不同种类。 • 基本上男声的音域皆低于女声，但盛行于17、18世纪 的阉人歌手能唱到女低音，甚至女高音的音域。从而 创造出了歌唱史中的“黄金时代”。
欣赏歌曲片段，说说歌曲的名称
《斗牛士之歌》
歌剧的名词解释
歌剧的名词解释歌剧，作为一种经典的艺术形式，承载着丰富多样的文化内涵和艺术表现力。
它结合了音乐、戏剧、舞蹈和视觉艺术等多种元素，通过声乐演唱和舞台表演来展现故事情节和情感的复杂性。
在这篇文章中，我们将对歌剧相关的名词进行解释，以帮助读者更好地理解和欣赏这一独特艺术形式。
1. 歌剧（Opera）歌剧是一种结合了音乐和戏剧的艺术形式。
它通常包括对白、唱腔、合唱和舞蹈，以及由乐队演奏的音乐配器。
歌剧的创作要素包括曲调、旋律、和声、节奏和音色，通过这些要素的巧妙结合，演员可以用歌唱来表达角色的情感和内心世界。
2. 声乐（Vocal）声乐是歌剧表演中最重要的一部分，它通过歌唱来传达角色的情感和台词。
声乐要求演员具有广泛的音域、良好的声音发声和控制技巧，以及对音乐语言和表演理解的深度。
声乐技巧包括共鸣发声、正确的发音和呼吸控制，这些技巧能够帮助演员在演唱中达到更加准确和感人的效果。
3. 剧本（Libretto）剧本是歌剧的故事情节和台词的文本。
通常由剧作家编写，剧本的内容包括对话、情感描写和指示演员表演的动作。
剧本的写作要求精确、简洁，能够清晰地表达角色的内心和情感，同时也要与音乐和舞台创作相协调。
4. 指挥（Conductor）指挥是歌剧演出中的核心角色。
指挥家负责统领演唱者和乐队，负责音乐节奏、速度、音色、动态和表情的控制。
指挥通过挥棒和肢体语言来传达对音乐的解读和情感的表达，从而指导演员和乐队合作，达到音乐和表演的完美统一。
5. 配器（Orchestration）配器是指将音乐创作中的不同乐器安排和组合在一起，以达到最佳的音乐效果。
在歌剧中，配器是非常重要的，它通过不同的乐器声部和音色的交替和重叠，增强了音乐的表现力和戏剧性。
配器的工作通常由作曲家或指挥家来完成。
6. 舞台设计（Stage Design）舞台设计是歌剧演出中的重要环节，它通过舞台布景、道具、灯光和视觉效果的设计来创造戏剧性的场景和氛围。
歌剧《漫步街上》声乐演唱技巧研究
117SONG OF YELLOW RIVER 2021/ 04歌剧《漫步街上》声乐演唱技巧研究杨靖一摘 要：在歌剧艺术研究中普契尼属于较为重要的研究对象，在创作的诸多歌剧作品中女主人公形象生动，让人记忆深刻，为此在国内外与“托斯卡”、“咪咪”、“蝴蝶夫人”等女主角相关的研究成果较多。
其中，《艺术家生涯》中的女主角“穆赛塔”个性鲜明，通过研究其演唱作品利于积累研究经验，提升歌剧演唱水平。
本文通过针对歌剧《漫步街上》声乐演唱技巧进行研究，以期为演唱者有效诠释该作品提供参考。
关键词：《漫步街上》；声乐演唱技巧；人物特点中图分类号：J617.2 文献标识码：A作者简介：杨靖一（1999-），女，郑州工业应用技术学院本科在读学生。
19世纪中期瓦格纳歌剧风靡欧洲，其他歌剧及歌剧作者显得黯然失色，在本世纪末瓦格纳理想主义遭到人们质疑，这带领歌剧艺术走上变革之路，此次变革掀起“真实主义”热潮，用双眼描绘现实世界纪录真实发生的一切，成为人们评价艺术作品重要标准。
左拉、福楼拜、巴尔扎克等文艺学者均认为生活是高级艺术来源，要用小人物、小事情取代高谈阔论，在艺术创作中为现实主义谋求一席之地，旨在引发共鸣并启发思考。
现实主义并非艺术学说中的“新品种”，在歌剧领域是对浪漫主义的一种延续，是社会低迷状态下的创新与探索，其宗旨是审视社会矛盾，更加靠近真理，用音乐语言扩大描写范围，丰富艺术手法，使现实主义下的歌剧作品更具表现力。
普契尼善于刻画小人物，《艺术家生涯》在现实主义影响下诞生，为提高歌剧表演有效性，探析《漫步街上》声乐演唱技巧显得尤为重要。
一、普契尼简介及《艺术家生涯》故事梗概（一）普契尼生平普契尼（1858—1924）出生在意大利卢卡城古老的音乐世家，他的先辈多数从事与音乐有关的事业，承袭音乐家这个职业长达两百年。
普契尼有7个兄妹，他排行第5，在5岁时他的父亲离世，父亲对他的影响并不大，母亲紧衣缩食为的是让普契尼走上音乐道路，千方百计激发起他对音乐的热情。
歌剧《沂蒙山》经典唱段分析——以《爱永在》为例
由于最后一次乐段放慢拉长，情绪上进行了较好的转换和过渡，为第四部分的乐曲进入做好了铺垫。
第四部分（82-99小节）是E商调式。
这一段恰到好处的利用了三连音，促进了歌曲情感的进一步展开，分为两大乐句。
第一个乐句从“你的方向，梦的方向”到“爱永在，不徘徊”，第二乐句“你的方向，梦的方向”到“不徘徊，爱永在”，两个乐句都是变化重复的关系。
尾声（100-107小节）音乐的旋律为上行，音高从中音区递进到高音区，出现了该曲的最高音，是歌曲最后的高潮，呼应了主题。
三、《爱永在》歌曲的演唱技巧（一）演唱的情感处理歌曲分为四个部分，每个部分的速度、力度和情绪的变化都是不一样的，音乐层次上也有较大的变化。
演唱者应结合不同的场景、音乐情绪，进行准确的表达。
第一部分音乐为中速，旋律较为平稳，演唱过程中要贴合人物情绪。
如“从山里，望山外，层层叠叠隔云海”到“从芳草绿，望到雪花白”演唱时要用平缓说话的方式娓娓道来。
当唱到“风吹过来，云飘过来”到“哪怕山高山矮”时，虽然旋律是重复出现的，通过伴奏织体可以看出音乐流动性和旋律加强了，演唱时速度可以适当加快一些，更能流露出真实的情感，唱出对家乡人、物、景的思念之情。
第二部分在第一部分的情感基础上进一步地递进，如“那干插墙的影子”到“那村头的老碾子”都是在回忆家乡的人、物、景，可以体现出主人公的思绪万千和对家乡的迫切想念。
第33小节在伴奏织体中运用了左右手的反向八度，目的是推动音乐情感再一次表达，因此在演唱“那望不尽的山”到“就像白雪皑皑”时，情绪表达应层层递进略微激动一些深情一些，在速度和力度的处理上应紧凑加强一些，凸显乐曲的流动性，将主人公对家乡的不舍和思念表现得淋淋尽致。
第三部分音乐情绪、速度、力度与第一部分和第二部分的抒情方式形成鲜明的对比，从48到49小节伴奏织体变换为明显的进行曲风格，迅速地进入不一样的情景当中，也预示演唱者的情绪与前面部分要有所调整。
从48到81小节的节拍为四分之二拍，速度为每分钟138秒，节拍和速度的变化让我们看到军队整齐划一和军人时刻准备冲锋陷阵的场景，在演唱时声音要铿锵有力，重弱音要突出，情绪激昂。
歌剧发音技巧教案
歌剧发音技巧教案一、教学目标1.了解歌剧演唱的基本功和技巧；2.学会正确的发音方法；3.培养学生的音乐表演能力。
二、教学内容1.歌剧演唱的基本功训练；2.歌剧发音的技巧；3.歌剧角色表演技巧。
三、教学过程第一部分：歌剧演唱的基本功训练1.呼吸练习：让学生尝试用腹式呼吸，感受腹部的运动，练习深呼吸和顺畅呼气。
2.声音放松练习：让学生放松整个身体，特别是喉部和颈部。
练习放松喉咙，感受声音的共鸣和放射。
3.声音控制和调节：练习声音的高低、强弱，掌握音调的准确性和音量的均衡。
4.唱歌姿势和表情：教授正确的唱歌姿势，让学生理解唱歌时的合适肢体动作和面部表情。
第二部分：歌剧发音的技巧1.发音训练：教授英语、意大利语、德语等常用歌剧语言的发音技巧，包括元音、辅音和连音等。
2.音调准确性：重点训练高音和低音的正确发声方式，以及各种语调和乐句的表达方式。
3.歌剧演唱特点：分析不同类型的歌剧，学习演唱时应该注意的细节，如速度、节奏、情感等。
第三部分：歌剧角色表演技巧1.角色认识：学习歌剧中不同角色的特点和性格，理解角色的情感表达和内心感受。
2.角色诠释：练习演唱时如何配合角色的语言、动作和表情，使表演更加生动和真实。
3.舞台表演：学习在舞台上的移动、站姿和互动技巧，使演唱更加吸引人。
四、教学方法1.讲授法：介绍基本功训练和发音技巧的原理和方法；2.示范法：教师示范发音和演唱技巧，让学生跟随学习；3.实践法：让学生自己练习发音和演唱，互相纠正和评价。
五、教学评价1.学生能够正确运用腹式呼吸并掌握声音的控制和调节技巧；2.学生能够准确发音，特别是歌剧常用的语言；3.学生能够理解不同角色的特点和情感，能够通过演唱表达角色内心感受；4.学生的舞台表演能力得到提高，能够在舞台上展示自己的唱歌和表演技巧。
六、教学反思1.教师要根据学生的实际情况进行教学调整，根据学生的不同水平安排不同难度的练习；2.在教学过程中要注意激发学生的学习兴趣和积极性，让学生愿意参与互动和合作；3.教师要及时给予学生反馈和指导，鼓励学生充分发挥自己的才能和个性。
中西方女中音歌唱家演唱特点及方法的对比
中西方女中音歌唱家演唱特点及方法的对比作为世界上最古老的艺术形式之一，歌唱一直都是人类表达情感、传递信息的重要方式。
无论是东方还是西方，歌唱都是文化传统中不可或缺的一部分。
在中西方文化的影响下，中西方女中音歌唱家在演唱时有着各自独特的特点和方法。
本文将就中西方女中音歌唱家在演唱中的特点和方法进行对比分析。
我们来谈一下中西方女中音歌唱家的音域。
在西方歌剧中，女中音通常被要求有着广阔的音域，能够自如地唱到高音和低音，以应对不同的音乐作品和剧情需要。
而在中国的传统戏曲中，女中音的音域相对较窄，重点在于表现形象和情感，对音域的要求并不是很高。
我们来谈一下中西方女中音歌唱家的发声技巧。
在西方歌剧中，女中音通常需要采用“共鸣”、“混响”等声音技巧，以产生较大的声音效果，以应对歌剧剧场的空间和音乐的要求。
西方歌唱家还需要注意声音的清晰度和音准，以确保观众能够清晰地听到每一个音符。
而在中国传统戏曲中，女中音通常需要使用一些特殊的技巧，如“花腔”、“发声”等，以表现出古典戏曲的风格和特点。
我们来谈一下中西方女中音歌唱家的表演方式。
西方歌剧中的女中音通常需要通过唱、跳、演等多种方式，以表现出歌剧作品中的角色和情感。
在歌剧表演中，女中音需要不仅需要有出色的歌唱技巧，还需要有出色的表演技巧，以实现歌剧作品中的人物形象和剧情表达。
而在中国传统戏曲中，女中音通常需要通过面部表情、手势、身段等方式，以实现戏曲作品中的人物塑造和情感传达。
我们来谈一下中西方女中音歌唱家的培训方法。
在西方，女中音通常需要接受专业的音乐训练，学习声乐技巧、音乐理论、音乐历史等，以提高自己的音乐素养和专业水平。
女中音还需要接受表演训练，学习舞台表演、角色表演等，以提高自己的表演技巧和舞台魅力。
而在中国，女中音通常需要接受传统戏曲的专业培训，学习戏曲唱腔、戏曲表演、戏曲身段等，以提高自己在戏曲领域的专业素养和演艺水平。
中西方女中音歌唱家在演唱中有着各自独特的特点和方法。
歌剧的声乐演唱形式
歌剧的声乐演唱形式
歌剧的声乐演唱形式可以说是非常独特的。
歌剧中常见的声乐演唱形式有：咏叹调、合唱、二重唱、三重唱、四重唱、伴唱等形式。
其中，咏叹调是最为常见的表现形式，也是歌剧唱法的核心。
它的特点是旋律华丽而繁复，技巧性高，要求演唱者能够运用扩声技术，以达到音量和音色的完美表现。
而合唱，则是能够在表现团体场面时起到重要作用的一种演唱形式，但也需要演唱者们非常高的技巧和默契。
二重唱、三重唱、四重唱等形式则是体现演唱者与自己或其他角色之间情感交流和互动的重要手段。
总的来说，歌剧的声乐演唱形式非常丰富多样，不仅要求歌唱技巧高超，同时也需要演唱者能够清晰准确地表现人物情感和剧情变化。
浅议莫扎特声乐作品的演唱技巧
浅议莫扎特声乐作品的演唱技巧【摘要】莫扎特的声乐作品在古典音乐史上具有重要的地位，其作品包括歌剧、宗教音乐等多种形式。
在演唱这些作品时，歌唱者需要掌握一定的技巧。
针对歌剧作品，演唱者需要注重声音的表达和情感的传达，同时要注意气息控制和声音的稳定。
在演唱宗教音乐作品时，演唱者需要更注重清晰的发音和情感的真实表达。
意大利歌剧和德国歌剧在演唱上也存在一定的区别，演唱者需要根据作品特点有针对性地进行演绎。
表达情感和声音控制是演唱莫扎特声乐作品的重要技巧，能够更好地表现作品的内涵和情感。
结合以上要点，演唱莫扎特声乐作品需要注重细节把握和技巧训练，以更好地展现作品的魅力和韵味。
【关键词】莫扎特声乐作品、演唱技巧、歌剧、宗教音乐、意大利歌剧、德国歌剧、表达情感、声音控制、气息控制、关键要点。
1. 引言1.1 莫扎特声乐作品的重要性莫扎特声乐作品在音乐史上具有重要的地位，他的歌剧作品和宗教音乐作品被认为是声乐作品中的经典之作。
莫扎特的声乐作品不仅在技巧上要求高，同时也要求歌手有出色的表现力和情感传达能力。
他的作品涵盖了各种不同的情感和主题，从欢快的喜歌剧到深沉的宗教音乐，展现了他的音乐才华和创作广度。
演唱莫扎特声乐作品不仅是对歌手声乐技巧的考验，更是对其音乐理解和表现力的挑战。
深入理解莫扎特声乐作品的演唱技巧对于歌手来说至关重要，不仅可以提升其音乐水平，更能够更好地展现莫扎特音乐的魅力和深度。
在学习和演唱莫扎特声乐作品的过程中，歌手需要注重细节的把握，力求达到音乐作品所要求的完美表现。
2. 正文2.1 歌剧作品的演唱技巧歌剧作品是莫扎特声乐作品中最具挑战性的部分之一，要想成功地演唱这些作品，歌唱者需要具备一定的技巧和能力。
以下是演唱歌剧作品的一些关键技巧：1. 明确角色定位：在演唱歌剧作品时，歌唱者需要深入理解角色的性格、情感和情节，从而能够将角色的内心世界真实地呈现出来。
只有深入理解角色，才能真正地将角色活灵活现地展现出来。
亨德尔声乐作品中女高音咏叹调的艺术性及演唱方法
亨德尔声乐作品中女高音咏叹调的艺术性及演唱方法亨德尔（Georg Friedrich Händel）是巴洛克时期最杰出的作曲家之一，他的音乐作品涵盖了交响乐、室内乐、键盘音乐和声乐作品等多个领域。
在他的声乐作品中，女高音咏叹调（aria）是一种极具艺术性和挑战性的音乐形式，而演唱这些咏叹调需要歌唱者具备高超的技巧和艺术修养。
女高音咏叹调是巴洛克时期歌剧的重要组成部分，通常用于描写角色的内心世界、情感起伏和心理变化。
亨德尔的咏叹调既有动人的旋律，又有复杂的音乐结构，因此演唱这些咏叹调需要歌手对音乐的理解和掌握能力。
演唱女高音咏叹调需要歌手具备卓越的音乐技巧。
亨德尔的咏叹调旋律优美，音域宽广，要求歌手能够轻松地完成高音和高音区域的音乐段落。
歌手需要有强大的发声能力和合理的吐字发音技巧，以清晰地表达出曲中的情感和内涵。
亨德尔的咏叹调中常常包含较为复杂的装饰音乐和唱法，如装饰音、装饰音阶、颤音等，要求歌手能够轻松地运用这些装饰音乐，赋予曲目更为丰富的表现力。
演唱女高音咏叹调需要歌手有扎实的音乐背景知识和对作曲家的理解。
亨德尔的声乐作品深受意大利歌剧的影响，他善于创造出丰富的音乐形式和充满戏剧性的旋律，有时甚至在一个咏叹调中包含了多个不同的乐曲段落。
要演绎好亨德尔的咏叹调，歌手需要深入理解作曲家的音乐风格和创作意图，以做到准确地把握音乐的情感走向和音乐结构的特点。
演唱女高音咏叹调还需要歌手具备出色的表演能力和舞台魅力。
亨德尔的咏叹调往往描写角色的情感冲突和内心挣扎，需要歌手能够将这些情感用声音表达出来，并通过表演的手势、面部表情等方式将角色的态度和情感呈现出来。
演唱亨德尔的咏叹调需要歌手在音乐技巧的基础上，还要具备出色的表演能力和情感表达能力。
演唱亨德尔的女高音咏叹调需要歌手具备卓越的音乐技巧、音乐理解能力和表演能力。
只有具备了这些基本素养，歌手才能在演唱中充分展现出亨德尔声乐作品的艺术魅力和音乐魅力，将作曲家的音乐语言通过自己的声音和表演完美地传达给观众。
歌剧发音技巧
歌剧发音技巧
歌剧发音技巧主要包括以下几个方面：
保持喉咙的松弛状态：喉咙是声音的源头，保持喉咙的松弛状态是发声的基础。
避免喉咙过分紧绷，可以让声音更加自然、流畅。
注意声音的共鸣：共鸣是指声音在口腔、鼻腔等共鸣腔体中产生共振的现象。
通过调整共鸣腔体的大小和形状，可以改变声音的音色和音量。
在歌剧中，为了达到更加丰富的音色效果，演员需要熟练掌握不同共鸣腔体的运用。
调整音调和音准：音调和音准是歌剧发音技巧中的重要因素。
演员需要根据不同的角色和情感需求，调整自己的音调和音准，以达到更加生动、感人的表演效果。
掌握气息的运用：气息是发声的动力，掌握正确的气息运用方法对于歌剧表演至关重要。
演员需要学会控制气息的流量和节奏，使声音更加持久、有力。
注重语言的清晰度：在歌剧中，演员需要准确地表达歌词的含义和情感。
因此，注重语言的清晰度是必不可少的技巧之一。
通过练习咬字和发音，演员可以提升自己在语言表达方面的能力。
融入情感：情感是歌剧表演的核心，演员需要将自己的情感融入到角色中，通过声音、表情、动作等表现形式传达角色的情感。
综上所述，歌剧发音技巧需要演员具备全面的音乐素养和表演能力。
通过不断地练习和实践，演员可以提升自己在歌剧表演中的发音技巧，为观众带来更加完美的艺术享受。
歌剧演唱在声乐教学中的特点及其发展趋向
歌剧演唱在声乐教学中的特点及其发展趋向【摘要】歌剧演唱在声乐教学中的特点体现在其要求学生具备高超的技术和表演能力，兼顾声音的美感和情感的表达。
声乐教学方法的演变经历了从传统的歌唱技巧训练到注重个性和表现力的转变。
在今天的声乐教学中，技术和表演的平衡变得越来越重要，强调综合发展，培养学生综合素质。
国际化趋势加速了声乐教学的交流与合作，促进了全球声乐教学的提升。
科技与声乐教学的结合成为未来趋势，通过数字化手段提升学生的学习体验和效果。
未来，声乐教学将进一步发展，注重个性特色的培养，拓展国际视野，结合科技创新，培养更多高水平的歌唱人才。
【关键词】歌剧演唱, 声乐教学, 特点, 方法, 技术, 表演, 平衡, 国际化, 科技, 结合, 发展趋向, 未来展望, 总结1. 引言1.1 背景介绍在声乐教学领域中，歌剧演唱一直扮演着重要的角色。
作为声乐表演的一种形式，歌剧演唱不仅要求歌唱者具备出色的声乐技巧，同时还需要具备优秀的表演能力和对戏剧性情感的把握。
在教学实践中，歌剧演唱常常被用来培养学生的声乐技巧和综合表演能力，因此受到越来越多声乐教师和学生的关注与重视。
随着音乐教育的发展和声乐教学理念的不断创新，歌剧演唱在声乐教学中的地位也变得更加重要。
通过学习歌剧演唱，学生可以在传统声乐技巧的基础上不断拓展自己的音乐表达能力，提高声乐表演的水平。
探索歌剧演唱在声乐教学中的特点以及其在声乐教育中的应用意义，对于提升声乐教学质量，培养高素质声乐人才具有重要的现实意义。
在这样的背景下，本文旨在探讨歌剧演唱在声乐教学中的特点，分析声乐教学方法的演变，探讨技术和表演的平衡问题，探讨声乐教育的国际化趋势以及科技与声乐教学的结合，从而为声乐教学实践提供新的思路和理念。
1.2 研究目的研究目的：本文旨在探讨歌剧演唱在声乐教学中的特点及其发展趋向。
通过对歌剧演唱在声乐教学中的独特性和价值进行分析，希望揭示其在声乐教学中的重要性和影响。
《民族歌剧选段《等着我,亲爱的人》艺术特征与声乐教学探究》
《民族歌剧选段《等着我，亲爱的人》艺术特征与声乐教学探究》一、引言民族歌剧作为中华文化瑰宝，具有深厚的历史积淀和丰富的艺术特征。
选段《等着我，亲爱的人》作为其中一部代表性作品，融合了浓厚的民族风情与深刻的艺术内涵，展现了独特的声乐魅力。
本文将深入探究《等着我，亲爱的人》的艺术特征，并探讨其在声乐教学中的价值与应用。
二、民族歌剧选段《等着我，亲爱的人》的艺术特征1. 旋律特点《等着我，亲爱的人》的旋律优美动听，具有鲜明的民族特色。
在旋律的编排上，选段运用了丰富的音乐元素，如级进、跳进等，使得整个旋律线条流畅、富有张力。
同时，旋律中还融入了地方戏曲的元素，使得歌曲更具地方特色。
2. 歌词内容歌词内容深情款款，表达了强烈的情感诉求。
歌词以第一人称的视角，描述了主人公对爱人的思念与等待，情感真挚、感人至深。
此外，歌词的押韵、平仄等运用得当，使得整首歌曲更加动听。
3. 表演形式选段在表演形式上具有丰富的表现力。
演员通过唱、念、做、打等表演手段，将情感与故事情节紧密结合，使得观众能够更好地理解和感受歌曲所表达的情感。
此外，舞台布景、服装、道具等也为歌曲的表演增添了独特的艺术魅力。
三、声乐教学探究1. 技巧训练在声乐教学中，教师可以针对《等着我，亲爱的人》的技巧进行训练。
如呼吸技巧、发声方法、音准把握等。
通过科学的训练方法，帮助学生掌握歌曲的演唱技巧，提高演唱水平。
2. 情感表达歌曲的情感表达是声乐教学的重点。
教师可以通过分析歌曲的歌词、旋律等，引导学生深入理解歌曲的情感内涵。
同时，教师还可以通过示范演唱，让学生感受歌曲的情感表达，从而提高自己的演唱表现力。
3. 实践教学实践教学是声乐教学的重要组成部分。
教师可以组织学生进行舞台实践、合唱排练等活动，让学生在实践中锻炼自己的演唱技巧和表现力。
通过实践教学，学生可以更好地理解歌曲的艺术特征，提高自己的演唱水平。
四、结论《等着我，亲爱的人》作为民族歌剧的代表性选段，具有独特的艺术特征和深厚的文化内涵。
歌剧《水仙女》中《月亮颂》的创作特点及演唱技巧
歌剧《水仙女》中《月亮颂》的创作特点及演唱技巧《水仙女》是由英国作曲家埃尔加创作的一部歌剧，于1901年首演，被誉为英国音乐史上最杰出的歌剧之一。
其中，《月亮颂》是该剧的一首经典曲目，具有独特的创作特点和演唱技巧。
《月亮颂》创作特点1.旋律优美舒展。
《月亮颂》的旋律优美舒展，音乐旋律与歌词相融合，充分表现了月亮的高洁纯粹与神秘无尽。
整首曲子气势恢宏，在听众心中营造出一种宏伟的场面感。
2.曲式严谨紧凑。
伴随着广阔的音域，主旋律在整首曲子中得到了反复，大量使用插入歌词佐以环绕声部，加强反复性和曲式紧凑度，使整首曲子的节奏感更加明显。
3.配器丰富多彩。
埃尔加对乐器的运用非常独特，使用了大量的弦乐器、铜管乐器和木管乐器，并在曲子高潮部分增加了法国号的反唇吹法，给人们留下了深刻的印象。
4.表现方式富有感染力。
尤其是在一些高潮部分，曲子中使用了高音乐器，并采用越来越密集的模式，音量逐渐增大，这种表现方式增强了曲子的感染力，使听众很容易被感染和感动。
《月亮颂》演唱技巧1.正确把握歌曲的中心内容。
歌曲的内容是歌唱家所要传达和表达的，要想演唱好《月亮颂》，首先要理解歌曲的含义和感情，并准确把握其中心内容，这样才能将情感表达得更为准确和深刻。
2.正确运用声乐技巧。
歌曲的演唱离不开声乐技巧的支持，在演唱《月亮颂》时，要注意呼吸和发声的技巧，保持声音的稳定和平稳，同时要注意发声的力度和喉部的疲劳。
3.注重音乐的表现方式。
音乐是表现情感的艺术形式，演唱《月亮颂》时，要注重音乐的表现方式，掌握音符的演唱和乐器的合作，准确把握每一个音符，以最佳的状态和最纯净的声音表现出每一个音符和情感，使听众真正感受到曲子中的情感。
4.整体感与节奏感的把握。
整首曲子音乐的节奏和整体感非常重要，要想演唱好《月亮颂》，必须掌握歌曲整体的气氛和情感，同时要把握曲子的节奏感和反复性，让听众在听歌的过程中，感受到歌曲整体的情感和节奏，获取更为完整的表演效果。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
歌剧作品演唱中声乐技巧的不同运用
作者：董雷
来源：《北方音乐》2015年第05期
【摘要】歌剧最早起源于意大利，顾名思义是音乐的戏剧，在艺术表现上主要以歌唱的形式来推动剧情的发展，是将音乐、舞蹈、故事情节等完美的融为一体的综合性艺术。
在歌剧表演中对演员的歌唱手法和声乐技巧更为看重。
歌剧在二十世纪初最早传入中国，伴随并目睹中国民主革命的全进程，因而歌剧在依托其复杂的历史背景下，借鉴西洋歌剧宝贵艺术经验的基础上，形成了自己独特的艺术及演唱风格。
进入新世纪以来，歌剧声乐技巧方面的教学在我国得到关注和研究。
很多音乐院校已经成立了专业系统的声歌系，在很大程度上提高了国人对歌剧鉴赏水平。
本文主要通过对不同时期、国家歌剧创作特点、声乐技巧的研究，运用和声、复调等专业技法结合现代歌剧声乐的发展现状，为我国歌剧方面的教学和声乐发展提供理论依据。
【关键词】歌剧；声乐技巧；美声唱法；中国歌剧
一、歌剧的声乐形式及其诞生
歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱。
其中独唱中又包含：宣叙调、咏叹调、谣唱曲、咏叙调等。
本文主要对独唱和重唱进行重点说明。
歌剧在人类文明发展史中起着非常重要的作用，诞生于16世纪末、17世纪初意大利的佛罗伦萨，当时的意大利作曲家佩里根据诗人里努尼的剧本写出最早的歌剧《达芙妮》，由于历史宗教信仰等问题没有被保存下来。
但此后在当时艺术盛行的意大利，歌剧逐渐被上流人士所接受，在歌剧的发展中无论是声乐技巧还是艺术表演形式在17世纪其发展都达到了空前的效果，更创造了歌剧的鼎盛时代——巴洛克时期，掀起了音乐上的文艺复兴时代。
二、独唱的基本含义及运用
独唱包含：宣叙调、咏叹调、谣唱曲、咏叙调等。
（一）宣叙调的基本含义
宣叙调在歌剧的表现中是开展剧情的段落，音高和节奏都与语言叙事中的抑扬顿挫相类似，宣叙调在歌剧演唱中对故事情节的发展起着推动的作用。
最初起名为宣叙调是因为，应剧情的发展和人物的设定，在表现上不能一味的演唱，要有剧情的介绍，如同有两个人在对话，宣泄音乐节奏的同时又不失叙述事件本身的作用，半说半唱的进行，意为宣叙调。
（二）宣叙调的运用
随着歌剧几百年的不断发展，宣叙调在表现形式上更加注重对于节奏的把握，对于整个剧情的发展都起着承上启下的关键作用，一般常用于剧情的开头。
比如歌剧《茶花女》第一幕中开场用的就是宣叙调的独唱，巴黎妓女玛格丽特与阿尔芒的《饮酒歌》则是所有唱段中最家喻户晓的一首，已成为音乐会上久唱不衰的保留曲目，由此可见宣叙调对于整个剧情的重要。
而宾客散后，茶花女独自对阿尔芒表白，独唱中对阿尔芒的想念和爱慕，通过宣叙调运用更是表现的淋漓尽致。
而这一段成为歌剧史上的经典之作，得益于对于宣叙调的自如把握，运用到位，可谓是画龙点睛之笔。
（三）咏叹调的基本含义
咏叹调作为独唱中的一种形式，在歌剧中主要负责男女主人公抒发感情的部分，在情绪表达上直抒胸臆，音乐结构上完整有节奏，既能突出主人公的情感抒发，又可完整的表现演员们高超的声乐技巧。
这里可以与上面所说的宣叙调截然相反，可做个对比，一目了然。
宣叙调在歌词、音乐和戏剧方面，都是和咏叹调截然不同的。
咏叹调在歌词选择方面常用抑扬顿挫的韵文，而宣叙调的歌词则常用散文，抒发心中所想；咏叹调在歌唱技巧方面是抒情缓慢的节奏，而宣叙调在结构上没有严格的定义，其音调和节奏是随着语言而变化的；咏叹调在歌唱中主要以独唱的形式表达，一般在主人公情绪平静时演唱，主要表现人物情感的抒发。
而宣叙调虽然也是在独唱中进行，但是在演唱过程中伴随的是与剧情发展相呼应的动作语言所紧密配合的。
（四）咏叹调的运用
在歌剧中，咏叹调是最能体现主人公性格和思想感情的声乐独唱曲，好听的旋律一般都集中在咏叹调，相当于话剧中的独白。
以意大利作曲家威尔第创作的《茶花女》为例，在第三幕中表现玛格丽特的忧思和孤寂《再见，往昔美丽的梦》中就用了凄美绝望的咏叹调，如下“啊！我要生活在欢乐里，把痛苦的岁月消磨，我的命运早已注定，它会像清风微弱的吹过。
就是太阳升起在西边，我的生活也不会有任何改变。
光阴不会停留，一年又是一年，这空虚无望的生活，丝毫不会改变！”。
就在她绝望的悲叹和窗外深情的爱情颂赞声中，大幕合上了。
（五）谣唱曲的基本含义
谣唱曲与咏叹调相类似，是较为短小的咏叹调，技巧不很复杂，表现形式上也是以抒发主人公的感情为依托，基本穿插在宣叙调中间的抒情段落，也有些是独立段落。
（六）谣唱曲的运用
在《艺术家的生涯》选段《人们叫我咪咪》中，当最后朋友们离开了以后，咪咪独自一人在她生命即将结束的时候，就唱一段非常短的咏叹调，声嘶力竭中好像是用尽全力和鲁道尔夫告别。
她唱道：“我刚刚假装入睡，是因为我有话要跟你一个人说”。
这就是典型后浪漫主义的小资产阶级式抒情的咏叹调。
三、重唱的基本含义及运用
（一）重唱的基本含义
重唱顾名思义就是由多人同时或穿插演唱的歌剧声乐表现形式，按照不同角色各自特定的情绪和戏剧情节同时歌唱，一般为二人以上的重唱，每个声部由一人担任，基本上不分主次。
有时会把持赞成和反对意见的角色组织在一个作品里。
就可能是三重唱、四重唱、五重唱。
（二）重唱的运用
在罗西尼的《塞维尼亚理发师》里有六重唱，在莫扎特的《费加罗的婚礼》里甚至有七重唱，十几个人一起唱，有时还分组，一组三、五个人，各有自己的主张，有同情费加罗的，有同情伯爵的，还有看笑话的，作曲家卓越的功力就表现在能把那么多不同的戏剧音乐形象同时组织在一个音响协调、富有表情的音乐段落里面，这就与我们的戏曲很不相同了。
这时就充分表达了重唱可以用在戏剧高潮，形成热烈的或冲突的气氛，也可以是和谐抒情的气氛。
四、歌剧作品演唱中声乐技巧的日常教学
（一）保证歌剧作品情绪的抒发，在声乐上进行准确定位
首先在选择歌剧演唱者中，要对学生进行准备的声部定位，要有一定音域宽度。
歌剧作品在演唱中与其他歌曲的演唱是不同的，表演性的歌曲演唱中曲目和声部都是因人而异的，可以随时调整和改编，编曲、节奏上都有一定的宽限性。
但是对于歌剧作品，要求就会比较严格，首先基于歌剧剧本考虑，选取的歌曲不能更改，节奏音调也不能随意挑动，不然会严重影响作品的整体感觉和音乐形象、韵味和风格。
我国的歌剧教学在现阶段已经取得了显著的成效，对于歌剧声乐技巧的教学是一项严苛的教学任务。
在教学中不但要掌握歌剧艺术的基本特征并且要根据学生的特点和嗓音条件，有针对性的选择歌剧作品进行教学。
因此，在中国歌剧声乐曲目的教学选材中，除了中国传统音乐以外，可以挑选不同风格的作品进行教学，以开拓学生的视野，培养他们对中国民族音乐和中国歌剧的创造力、表现力。
（二）注重对国外最新歌剧作品的研究，并及时向学生传达
我国高等院校要想培养出优秀的歌剧演唱人才，除了要增强对学生基本功的训练，使学生在表演和演唱中都得到很好的学习锻炼，同时还要求教师自我提高，不断挑选国内外杰出的歌剧声乐剧目与曲目，并结合实际条件对学生的具体声线进行研究和考察，对号入座。
教师需要大量积累国内外歌剧经典之作，不断提高学生在歌剧演唱过程中的能力和对剧中人物的把握，对不同情感的处理方式，演唱中与表演上得到完美的结合。
我国的歌剧教学上主要还是以独唱为主，包括上文所提到的宣叙调、咏叹调、谣唱曲。
在教学中教师要结合不同独唱形式的特点对学生进行歌剧的教学。
与此同时，也可以采取一些重唱和对唱的歌剧选段来提高学生的声乐表演欲望和能力。
五、结语
本文通过对歌剧的声乐形式及其诞生的研究，主要从三个声乐技巧上进行系统阐述。
纵观我国现阶段的歌剧教学能力，已经在很大程度上得到提高和改善，通过对不同时期不同国家的国外优秀歌剧作品的研究，意在强化我国的歌剧教学水平，达到强化声乐技巧、提高艺术表现力锻炼声乐演员之间的协作能力。
将国内外艺术作品以交流与协作的艺术方式进行排练演出，使歌剧表演课程有国际性、前瞻性，为学生搭建起声乐表演教学国际化的研究和实践平台。
我国由于历史环境的特殊性和环境因素的影响，在歌剧上的研究同其他国家相比，还存在一定的滞后性。
但是随着近年来高等学府及社会民间艺术团体的不断努力，歌剧在我国的发展成效还是显著的，高校声乐专业的教学以及中国歌剧作品的表演，虽已具备了一定的经验，培养了一大批歌剧方面的优秀人才。
但是如果想追赶上外国在歌剧方面的研究，还需要我国音乐教育工作者不断突破、不断总结、创新教学，为传承和发扬我国歌剧艺术事业做出努力。
参考文献
[1]陈琼.对歌剧《塞维尼亚理发师》中黎戈莱托的三首重唱的价值解析[J].中国.武汉音乐学院学报，2013（10）.
[2]音璠.威尔第歌剧《茶花女》的演唱风格[J].山西财经大学学报，2012（11）.
[3]陈立芳.宣叙调在歌剧演唱风格的把握[J].艺术教育，2011（07）.
[4]陈晓.威尔第歌剧《茶花女》中人物的文学个性分析[J].星海音乐学院学报，2014（02）.
[5]陈芸.论莫扎特歌剧创作的价值趋向[J].交响.西安音乐学院学报，2011（04）.
作者简介：董雷（1973—），女，天津人，硕士，讲师，研究方向：声乐表演教学。