浅析肌理对画面效果的影响

浅析肌理对画面效果的影响

专业：美术学姓名：黄鑫学号：08410111 指导教师：赵宏斌

摘要

本文主要根据肌理在油画创作中的重要作用，来探析肌理对绘画作品画面效果的作用与影响。

本文从肌理的含义入手，通过阐述古典油画技法形成及制作方法，并结合现代绘画成功的肌理运用范例来论述肌理在绘画创作中的作用。通过深入分析不同肌理的自身特性以及在绘画中运用，进一步论述肌理对画面效果的重要影响。

关键词：肌理油画肌理技法画面效果影响

肌理作为一种艺术语言，它的作用在于将绘画中的诸多造型因素单独的或者综合的表现出来。我们知道油画有色彩、构图、空间、明暗、笔触、肌理等诸多造型因素，油画材料的本身特性让我们能够在二维平面的底子上运用油画技法，从而通过运用物质本身特性所产生的独特肌理效果更真实的表现事物。“肌理是客观存在的物质的表面形式，它代表材料表面的质感，体现物质属性的形态。换句话说，任何物质表面都有它自身的肌理形式存在，而这种肌理形式是认识物质的首要因素，也是视觉中研究肌理形态的实质。”[1]

本文从肌理的技法运用角度来论述，油画肌理对于表达艺术家的观点和意念有重要作用，以及如何好的运用肌理为我们的创作服务。

一、肌理的含义

1、什么是肌理

什么是肌理？肌理指的是物体表面的纹理。“肌”：皮肤之意，“理”本意是指玉石的纹路，此处是指纹理、肌理。不同的物体都有其自身物质属性，因此也就有各自不同的肌理形态，比如说软和硬、干和湿、粗糙和光滑等等，这些不同

的肌理形态会给人带来不同的感觉。艺术上所说的肌理和文学中的肌理还是有一定差异的。一般人们提及肌理一词，很自然会想到表面的纹理，而对于从事油画创作的画家而言，肌理指的就是画面的纹理效果，这其中就包括了画面底子的制作，颜料的堆积，不同形式的笔触，以及各种不同工具在画面留下的特殊印记等等。在画面中表现具体物象，很多时候都要借助于肌理来表现。物象的各种形态特征通过肌理在画面中的表现与观者视觉碰撞来产生共鸣，只有这样画家的情感与思想才会被观者所感知。肌理在这个过程中很好的传达了画家的思想，成为画家表现物象和传递思想的一种手段。我们在美术馆中欣赏一幅幅美轮美奂的绘画作品时，我们的大脑中会呈现出立体的、平面的、粗糙的、光滑的等等各种形象特征，这些都是依赖于肌理在画面中的表现，让我们能够更加真实的感知不同物象的差异，更进一步了解画家的创作思想与意图。

2、肌理的不同形式及特点

（1）平面化的肌理

马蒂斯《舞蹈》布面油画 260 × 391cm 1910年

平面化的肌理结构大多采用平涂笔法，色层上的厚薄的差异不大。虽然是平涂的笔法，由于用笔的不同，显露出来的颜色的细腻程度也不尽相同，因此这一类型又可以分为两种。一种是笔触细致，颜色柔润、融合，画面表面又平又滑。早期的油画很多属于这一类型，近、现代的安格尔也是这一类型。另一种用笔虽然平涂，但是扫、涂的痕迹较为明显，用色也不细腻，作品的风格比较粗放，强调色块的对比，很多近、现代的画家都使用这种方法，如高更、马蒂斯，我国的董希文和吴冠中等。以马蒂斯为例，从他的画面中可以明显的看出他偏爱平涂的画法，把绘画看做平面的装饰，而有意减弱画面的深度感和物象的体积感。同时，根据感情的需要，将高纯度的的平面色块在画面中组合，使其在画面形成冲突对比或平衡、和谐的关系，产生音乐般的节奏。在其代表作品《舞蹈》中，只有三种色彩，蓝色的天空和绿色的大地代表了蓝色的天空和绿色的大地的和谐；

也可以看做是蓝色的夜空和绿色草原的对应下的安静和谐调。砖红色的人体，表现了女人一种原始的古朴、健康的美丽，也与蓝天绿地形成了对比中的均衡和谐。不管怎样理解，在这幅画上马蒂斯把色彩搭配的简约而又巧妙，用自然的笔触，把色彩的功能发挥到了单纯、协调，赏心悦目的地步。在奔放、热烈的氛围中，有一种平衡的内在和谐，让人感受到一种肃穆、纯洁的精神陶冶。由此可见，平面化的肌理有助于画家将自然界中的各种色彩进行主观而艺术化的提炼，并将平涂的色块依据画家某种内在的需要进行组合、对比，从而产生出音乐般的节奏，画面中那些和谐的色彩肌理，更加表现出画家内心所追求的与自然界的和谐。（2）立体与装饰化的肌理

毕加索《格尔尼卡》布面油画 776.6× 349.3cm 1937年

通过以上所述我们了解到平面化的肌理对画家创作的影响是深远的。其实，肌理作为油画技法的一种表现形式，一直在不断的发展和创新，到20世纪的毕加索和布拉克，他们的画面肌理逐渐开始向立体化、装饰化发展。他们受塞尚用几何形体来表现自然的思想启示，尝试在画面中创造结构美，他们努力去削减作品本身的描述性和表现性的成分，试图组织起一种几何形体化的画面结构，虽然其作品依旧保持着一定的具象性，但是从根本上看，他们所描绘的与客观再现有着很大差距。以毕加索为代表的立体画派，他们的画面中那些人物、风景、静物等等，常常被处理成几何形体元素的块面结构，用立体形式的艺术语言来描绘大自然。他们以其独特的艺术视角提炼绘画最本质的精神，给人们强烈而新颖的立体感。随着20世纪科技的不断发展，在绘画上就要求能够适应现代观念的绘画形式，来重新阐释传统的一些概念。从他们早期的作品中我们不难发现，他们的画面主要强调构图的分析，以及将所描绘对象进行分解，然后把所描绘物体的各面形象同时展现在画面中。他们作品中各种物象已经不再是传统绘画中那样特征明确、主体鲜明，取而代之的是看其来像是杂乱堆积的块面，色彩也近于单纯色

调，同时加入一些奇怪的特殊符号来暗示画面中物体的实际形象。画面形式的改变，尽情发挥色彩和肌理的表现力，观者可以同时欣赏到物象的多个面，从而把绘画形式及空间的革新推向了符合逻辑的结果，严重冲击了人们固守了几百年的审美模式。布拉克热衷于这种几何化的表现形式，他以其独特的表现方法压缩画面的空间深度，是物象介乎于平面与立体的效果之间，在他的一些作品中还出现了一些数字、乐符拼贴，把一些旧报纸、废纸片、照片、车票等材料粘贴在画面上，从而开创了综合表现手法的先河。

（3）抽象化的肌理

杰克逊·波洛克《1948年作品第五号》油画 120× 240cm 1948年

柏拉图说过：“我说的形式美，指的不是多数人所了解的关于动物或绘画的美，而是直线和圆以及用尺、规和矩来用直和圆所形成的平面形和立体形。这些形状的美不是象别的事物是相对的，而是按照他们的本质就永远是绝对美的。”

[2]

抽象绘画是非形象的或者说是非对象的绘画，有着强烈的神秘性、自发性和非合理性。抽象主义的画家并不在意对物象本身的描绘，更加倾向于表现画面肌理本身以及色彩、块面和线条的构成秩序。抽象表现主义的基本特点是忽略物象本身的描述，以表现性或者构成性的方法来表现概念。俄国至上主义绘画代表马列维奇的绘画可以说是纯粹的抽象艺术，他用圆形、方形、三角形等几何形体和单纯的黑、白构成的画面，表现了“单纯的情感”，将绘画推向了非具象的极端。抽象表现主义的代表之一杰克逊·波洛克，采用以颜料滴、洒、甩、泼的方法进行创作，使画面充满强烈的表现性。他把棍子或笔尖浸入盛着珐琅和颜料的罐子中，然后把颜色滴或甩到画布上，凭直觉和经验从画布四面八方来作画。这些留在画布上纵横交错的颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身