《艺术中的精神》读后张红玉感,
浅谈关于《中国艺术精神》的思考
浅谈关于《中国艺术精神》的思考作者：张家毅来源：《书画世界》2020年第03期内容提要：徐复观的《中国艺术精神》一书共分十章，九章均为论绘画艺术及其所蕴含的中国艺术精神，在附录中还有相当长的篇幅谈论书法和绘画的鉴定问题。
书中还辨析、校正了许多前人的考据错误，澄清了许多前人的绘事公案，呈现了广阔的学术视野，表现了学术的人类性和现代性。
他将中国艺术精神看作是承载作者艺术追求与作品历史境遇的核心媒介，中国艺术精神也成了21世纪研究中国文化艺术的重要理论基础。
关键词：老庄精神;中国人物画;中国山水画;气韵《中国艺术精神》是徐复观研究中国艺术精神的一部重要专著，书中除了第一部分通过对《论语》的解读论述了儒家学说中音乐的艺术理念，其余绝大部分篇幅都是通过中国古典画论来印证由《庄子》所奠定的中国艺术精神——出乎技艺而成就自由的人生。
徐复观充分的论述，一方面让我对《庄子》中所体现的人生哲学有了更加具体可见的体悟，也使我对中国画的思考更加深入，建立起了一些理论框架。
艺术精神是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质。
譬如，中国画不同于日本画，不是它们的物质媒介不同，而是内在的精神不同。
由此可见，艺术精神中蕴含一种文化的根本理念。
中国艺术的精神是什么？徐复观先生认为中国艺术精神（或纯粹的中国艺术精神）是庄子的精神，对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神，而纯艺术精神主要又体现在了在绘画上面。
老庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生;而中国的纯艺术精神，实际是由此思想系统所导出。
庄子所追求的道，与艺术家所呈现的最高艺术精神，在本质上是完全相同的。
落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神，乃是艺术精神的主体。
当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神。
因为笔者的专业研究方向为中国画，所以本文着重对《中国艺术精神》一书中有关中国画的部分进行分析。
中国艺术精神所成就的中国绘画，所体现的人生境界，与西方近现代文化的性格，呈现明显的不同：中国绘画，由人物而山水，山传色而淡彩，而水墨，这些都是出自虚、静、明的精神，都是向虚、静、明精神的自我实现。
论艺术里的精神阅读札记
论艺术里的精神阅读札记一、艺术与精神阅读的关系在探讨艺术与精神阅读之间的关系时，我们首先需要明确两者各自的本质和特点。
作为一种独特的表达形式，它不仅仅是对现实的再现或对情感的抒发，更是一种深入人心的力量。
艺术家通过各种媒介和技巧，将他们所观察、思考和感受到的世界呈现给观众，使人们在欣赏艺术作品的过程中，不仅得到美的享受，还能引发深层次的思考和共鸣。
而精神阅读，则是一种以文字为媒介，通过对经典文学作品或其他有价值的文本进行深入解读和思考的活动。
这种阅读方式强调的是读者与文本之间的心灵沟通，以及读者在阅读过程中所达到的精神层面的提升和超越。
精神阅读不仅有助于深化人们对文本的理解，还能引导读者形成独立的思考和判断能力，从而促进其精神世界的丰富和发展。
艺术与精神阅读之间存在着密切的联系，艺术作品往往蕴含着丰富的哲理和深刻的内涵，它们可以作为精神阅读的重要素材。
通过艺术品的欣赏，读者可以更加深入地理解作品所传达的思想和情感，从而拓宽自己的视野和思维。
精神阅读也可以为艺术创作提供灵感和动力，艺术家在创作过程中，往往会从经典文学作品或其他有价值的文本中汲取灵感，将这些元素融入到自己的作品中，使作品更加丰富多彩。
艺术与精神阅读是相辅相成的两种文化活动，它们共同构成了人类精神世界的重要组成部分，对于提升人们的审美素养、思考能力和人文精神具有重要意义。
1. 艺术作为人类情感和思想的表达形式作为一种独特的文化现象，是人类情感与思想的重要载体。
它通过各种形式和媒介，传递着人类内心深处的情感波动、思考成果以及对世界的理解。
无论是绘画、雕塑、音乐、戏剧还是文学，艺术都以其特有的方式，展现了人类心灵的丰富多样。
艺术作品中的情感表达，往往具有强烈的个性色彩和感染力。
艺术家们通过色彩、线条、音符、文字等元素，将自己的情感融入其中，使观众在欣赏作品的过程中，能够感受到艺术家所体验到的喜怒哀乐。
这种情感共鸣，使得艺术成为人类情感交流的重要桥梁，有助于增进人们之间的相互理解。
中国艺术精神读后感
中国艺术精神读后感中国艺术精神读后感1所谓艺术精神，就是指一种艺术单独具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。
谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述详细在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体；由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是牢固在绘画上面；老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生；而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出；当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。
但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神。
庄子所追求的道，与艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全一样的；对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。
人人都有艺术精神，但有人只是“表出”,有人是“表现”。
这就是个人艺术精神层次不同，有人只是享受这种精神，有人是在制造自己这种艺术精神。
艺术精神，其实也就是美学，美的精神。
这是一条走不完的路，你需要在美的这条路上一边观赏，一边开发你的艺术精神。
这条路有两个站，心斋和坐忘，到达这两者的历程，就是到达美的终点站的历程。
心斋，就是内心纯粹，无欲无求，我们需要有着这么一颗空灵的心去探究我们的艺术精神。
坐忘，就是摒弃四周环境的一切无关事务，做到只有用纯粹的意识去思索事物。
两者要求做到虚，静，明。
心斋是指内在的要求，坐忘是外在的条件，两者组合完成艺术精神的要求。
其中，心斋之心是艺术精神的主体。
说到最能表达中国传统文化的艺术精神的是书法绘画。
而书画从魏晋时期开头消失艺术精神的气息。
书画讲究的是气韵，在古人看来，光是气韵生动一词，就能穷中国艺术精神的极谊了。
简洁点说，气韵是评判一副作品好坏的标准之一，气韵生动可表达这幅作品有艺术精神；而缺乏气韵则会立刻使人觉得这作品水平不到位，表达不出艺术精神。
《中国艺术精神》读后感
《中国艺术精神》读后感《中国艺术精神》读后感（精选7篇）所谓艺术精神，也就是指的艺术的精神境界。
想知道中国艺术精神读后感怎么做吗？以下是店铺要与大家分享的《中国艺术精神》读后感，供大家参考！《中国艺术精神》读后感篇1从大二开始接触中国特有的中国绘画后，就经常听到有人谈论中国艺术的精神，当时也只是凭自己有限的知识去浅浅的探讨一下，并不能深入。
随着学龄和阅读的增长，自己也能够把中国艺术精神谈两三分。
这其中对我影响对大的一本书就是徐复观先生的《中国艺术精神》（广西师大出版社2007年版）。
这本书一共十章，前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神，其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。
整部著作以第二章为总纲领，重在探讨庄子为艺术而艺术的“纯艺术精神”，其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。
所谓艺术精神，就是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。
谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述具体在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体；由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面；老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生；而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出；当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。
但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神；庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。
徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。
但是，当我看完此书后，我也有一些迷惑不解的地方，比如说庄子的艺术精神，原本不在于艺术创作，而是落实于人生态度上，这一点大家应该都比较熟悉。
论艺术里的精神
在艺术创作中，艺术家需要保持一种孤独和寂静的状态。这种状态有助于他们 深入思考和体悟生活，有助于他们与自己对话，发现内心深处的情感和思想。 只有在孤独和寂静中，艺术家才能够真正地与自己、与世界对话，创作出具有 深度和内涵的艺术作品。
作者认为，艺术的创新来自于精神的自由。只有当艺术家摆脱了束缚和限制， 才能够创造出独特的、富有个性的艺术作品。这种自由不是简单的无拘无束， 而是在深入理解和掌握艺术规律的基础上的自由发挥。只有通过精神的自由， 艺术家才能够在艺术创作中不断创新和突破，创造出真正意义上的艺术品。
精彩摘录
《论艺术里的精神》是一本深入探讨艺术与精神关系的著作，作者以独特的视 角和深刻的思考，揭示了艺术作品背后的精神内涵和艺术家内心的奥秘。在这 本书中，作者精选了许多精彩的摘录，以下是其中一些：
“艺术是一种内心的独白，是精神的自我表达。”
这句话深刻地阐述了艺术与精神之间的紧密。艺术作品是艺术家内心世界的反 映，是他们情感、思想、观念的流露。在艺术创作中，艺术家通过自己的才华 和情感，将内心的精神世界转化为具体的形象和形式，赋予作品独特的魅力和 生命。
对于艺术家来说，创作不仅仅是为了展现美的形式，更是为了追求精神的真理。 这种追求使得艺术作品具有了深度和内涵，使其能够触动人的内心，引起人们 的共鸣。通过艺术家的创作，我们能够看到人类对精神世界的探索和追求，感 受到人类对真理的不懈追求。
作者在书中强调了精神在艺术中的重要性。一件艺术作品，只有具备了精神内 涵，才能够真正地触动人心。这种精神内涵可以是艺术家对生活的独特理解， 可以是他们对人类命运的深切，也可以是他们对自我内心世界的独特体悟。只 有通过精神的表达，艺术作品才能够超越简单的形式和技巧，成为真正意义上 的艺术品。
同时，康定斯基对于非具象艺术的推崇和理解也给我带来了新的启示。他认为， 非具象艺术更能体现艺术的本质，更接近艺术的精神。这让我对非具象艺术有 了更深的理解和欣赏，也让我认识到，无论在艺术还是在生活中，我们都不应 被固定的形式或规则所束缚，而应去探索和发现更多的可能性。
艺术中的精神
文化名著导读《艺术中的精神》——读后感书名：艺术中的精神作者：俄罗斯康定斯基著李政文魏大海译版次：2003年10月第一次版出版社：中国人民大学出版社作者简介：康定斯基1866年12月4日生于莫斯科，1944年12月13日于法国的纳伊逝世。
早年从事法律工作，后移居德国的慕尼黑致力于绘画艺术。
曾组织思想前卫的“黑骑士”社团，出版《青骑士年鉴》。
他先后发表了《艺术中的精神》、《形式问题》、《具体艺术》、《点·线·面》等著作，宣扬抽象艺术思想理论。
因此他被视为抽象艺术的开山鼻祖。
内容简介：《艺术中的精神》是康定斯基第一本系统阐发他的抽象艺术主张的理论著作。
在这本书里，他采取身心二元论的观点，沿用通神学者的说法，认为精神(灵魂)是世界的本原，物质只是蒙在真实世界之上的一层面纱，人们只能透过面纱才能看到闪光的精神。
康定斯基认为艺术家具备这种才能，是因为艺术是心灵的活动，是绝少有人觉察的“心灵震荡”，“是一种包藏在自然形式下的心灵的特殊状态”。
结构总序开始对康定斯基的生平进行了一番简介。
由此引出《艺术中的精神》的问世。
在这本书中，他采取身心二元论的态度，沿用通神学者的说法，认为精神（灵魂）是世界的本质，物质只是蒙在真实世界之上的一层面纱，人们只有透过面纱才能看到闪光的精神。
康定斯基认为艺术家具备这种才能，是因为艺术是心灵的活动，是绝少有人觉察的“心灵震荡”，“是一种包藏在自然形式下的心灵的特殊状态”。
而那些长于表现技巧的艺术家则不能称作真正的艺术家、写实的艺术统称做“无目的的艺术”。
这类艺术“是一种遭到阉割的艺术，不可能有未来”。
真正能唤醒现在、遇见未来的是艺术中的精神。
就好比一座金字塔的三角形，自然主义和写实主义的艺术只能是在三角形的底层，永远得不到升华。
而抛开了物质重负、纯粹高贵的艺术精神则一步步向三角形的尖顶攀登，最终登临绝顶的是艺术中的先知和贤哲，他们就像摩西，站在山顶俯瞰那围着金牛跳舞的芸芸众生。
《中国艺术精神》读后感整理
《中国艺术精神》读后感整理《中国艺术精神》读后感仔细读完一本名著后，想必你肯定有许多值得共享的心得，这时最关键的读后感不能忘了哦。
为了让您不再为写读后感头疼，下面是我收集整理的《中国艺术精神》读后感，仅供参考，欢迎大家阅读。
《中国艺术精神》读后感1中国传统的艺术精神主要体现在音乐，书画诗歌之中。
其实音乐或者书画只是古人用于实现人生价值的一种工具或手段，从而他们的艺术精神就隐蔽在里面。
古代的音乐，也就是礼乐，在孔子的改良传承后，最终起了一种教化的作用。
孔子的艺术精神是做到“美”与“善”的统一；而孟子的艺术精神是做到“仁”与“乐”的统一。
总结起来说，儒家的艺术精神就是由一人之修养而通于天下：格物，致知，诚意，正心，修身，齐家，治国，平天下！这应当是中国最早的从艺术精神里抽出来的精髓。
依据《乐记》记载，构成音乐三要素是“诗”，“歌”，“舞”。
这三个基本要素，是不借助于自身之外客观事物就可以成立。
有了这三种要素，就能借乐器以文之。
同时，乐三种基本要素是直接从心发出，是从人生命根源流出来，且具有明确节奏。
但乐器是通过协作这种节奏而发生作用，从而激发或者引导处藏于人生命中艺术精神。
人人都有艺术精神，但有人只是“表出”，有人是“表现”。
这就是个人艺术精神层次不同，有人只是享受这种精神，有人是在制造自己这种艺术精神。
艺术精神，其实也就是美学，美的精神。
这是一条走不完的路，你需要在美的这条路上一边观赏，一边开发你的艺术精神。
这条路有两个站，心斋和坐忘，达到这两者的历程，就是达到美的终点站的历程。
心斋，就是内心纯粹，无欲无求，我们需要有着这么一颗空灵的心去探究我们的艺术精神。
坐忘，就是摒弃四周环境的一切无关事务，做到只有用纯粹的意识去思索事物。
两者要求做到虚，静，明。
心斋是指内在的要求，坐忘是外在的条件，两者组合完成艺术精神的要求。
其中，心斋之心是艺术精神的主体。
说到最能体现中国传统文化的艺术精神的是书法绘画。
而书画从魏晋时期开头消失艺术精神的气息。
艺术中的精神
艺术中的精神作者：庄心悦来源：《艺术科技》2014年第02期在法国奥赛博物馆，有一幅凡·高的大画，画的是十九世纪法国的乡村阿尔。
夏日的午后，一个农民和他的妻子躺在麦子堆里睡着了，白金色的光。
这幅作品，感觉它什么都没有说，只是留下了一百多年前的这一瞬间。
凡·高对他弟弟说过：“没有什么是不朽的，包括艺术本身。
唯一不朽的，是艺术所传递出来的对人和世界的理解。
”我认为这便是艺术中的精神。
绘画有两种，一种为物质的，另一种为精神的。
物质的绘画是通过视觉的神经刺激来感动观者，是外在的，是自然主义的艺术、写实的艺术，即康定斯基称作的“无目的艺术”，试图照其本来面目、不加想象地复制客体。
代表着西方其一的美学传统“我思故我在”，着眼于人的现实本性，反映生活、表现生活。
物质性绘画艺术的眼睛是向外看的。
精神的绘画是通过心灵的激荡所产生的内心的共鸣。
它的眼睛是朝向内在的，描绘的是艺术家内心被激起的感觉，是人的超越本性，在客体中不是仅仅看到物质的东西，还可以看到某些比现实主义时期的客体更超脱形体的东西，这才是西方最根本的美学传统“我爱故我在”。
艺术作品中的表现力并不在于表达物体外表所显露的，而是强烈的情感。
这种表现力存在于画的全部结构中，画面中的一切包括物体四周的空间都很重要，要能传达情感。
凡是内在需要的，发源于心灵的，就是美的。
每一个文明时期都创造着其独特的不可能重复的艺术，因此任何艺术作品都是自己时代的孩子，然而它也应该像康定斯基说的那样是我们感情的母亲。
艺术的最早的精神作曲家梅特林克说：“世上没有任何事物能比精神更强烈地渴望美，而且十分轻松地自我改造为美。
所以，世上与献身美的精神主宰相抵牾的精神实在太少了。
”真正的艺术痛恶技巧，而那些长于表现技巧的艺术家不能被称为真正的艺术家，因为他们的目的在于满足人的欲望，而他们的任务不是主宰形式，而是使形式合于内容，他们应该有感而发，真正能够唤醒现在、预见未来的是艺术中的精神。
中国艺术精神读书笔记
中国艺术精神读书笔记中国艺术精神读书笔记“中国艺术精神”是一本古老的哲学巨著，汇集了中国古代传统文化中艺术理念和审美观念。
这本书深刻地表达出一种独特的中国艺术精神，被誉为“中华文化的经典之作”。
“中国艺术精神”的内容由艺术理论、哲学思想、审美观念以及艺术实践等五部分组成，旨在通过对艺术的审美、艺术的理论、艺术的形式和艺术的实践等方面的深刻细腻的探讨来展现中国艺术精神的历史文化底蕴及其独特的审美观念。
首先，“中国艺术精神”重视艺术理论。
它认为艺术理论是“人类对美的理解”，“对艺术形式的追求”，“对艺术表现力的思考”和“对艺术实践的指导”。
它把艺术理论作为艺术实践的基础，认为艺术理论和艺术实践是相辅相成的，并且要求艺术家在理论思考的基础上进行艺术实践，以此来拓展艺术的审美范畴。
其次，“中国艺术精神”强调艺术的形式。
它认为艺术是一种实践和体验，是一种美学追求和思想实践。
它强调形式的重要性，认为艺术形式应该体现出艺术实践的真实性和独特性，并有利于艺术实践的深入发展，从而使艺术实践变得更加有趣和实用。
此外，“中国艺术精神”还重视艺术实践。
它认为艺术实践是一种精神活动，是一种创造性的实践行为，是一种审美思维的发展和深化。
它要求艺术家要把艺术理论和艺术形式融入到艺术实践中，以此来实现艺术理论和艺术形式的发展。
最后，“中国艺术精神”指出艺术审美有其独特性。
它强调艺术审美是一种独特的审美观念，是一种对艺术实践及其结果的审美思考，是一种追求艺术审美本质的不断努力。
它提出，艺术审美必须以中国传统文化和社会实践为基础，且需要不断地追求艺术的审美本质，才能使艺术实践及其审美观念获得更好的发展。
总之，“中国艺术精神”是一本古老的哲学巨著，其内容涉及了中国古代传统文化的艺术理论、哲学思想、审美观念以及艺术实践等方面，深刻地表达出一种独特的中国艺术精神。
它强调艺术理论、艺术形式和艺术实践的重要性，并且指出艺术审美有其独特性。
通过对“中国艺术精神”的阅读，我们可以深入地了解中国传统文化的艺术理念和审美观念，从而更好地发掘艺术的审美本质，促进艺术实践的发展。
艺术中的精神读后感
艺术中的精神读后感刚翻开这本书的时候，我就感觉康定斯基像是一个特别热情的导游，拉着我就开始讲他眼中艺术里那些神神秘秘的东西。
他一上来就强调精神在艺术里的重要性，这可有点颠覆我之前的想法。
以前我看画就看个美不美，像不像，但是他告诉我，这背后的精神才是艺术的灵魂。
这就好比看人不能只看外表，得看内在灵魂一样。
康定斯基对色彩的解读简直太酷了。
他说每种色彩都有自己的性格，就像人一样。
红色是那种热情似火、充满活力的家伙，看到红色就像看到一场狂欢派对正在进行。
蓝色呢，是个安静的小绅士，总是带着一种神秘又深邃的感觉，就像夜晚的大海，平静下面藏着无尽的未知。
我从来没想过色彩可以这么生动，就像有了生命一样。
我看着周围的东西，都感觉那些颜色在跟我说话呢。
比如说我看到街边的红色信号灯，就感觉它在很激动地喊：“停！危险！”而蓝色的天空就像在温柔地说：“放松点，慢慢来。
”书里关于抽象艺术的部分也特别有意思。
以前我对抽象艺术真的是一知半解，看着那些歪歪扭扭的线条和乱七八糟的色块，就觉得这是画家在瞎画。
但是康定斯基告诉我，抽象艺术是画家把自己内心的精神世界直接表达出来，那些线条和色块都有着特殊的意义。
这就像是一种秘密语言，只有画家和真正懂艺术的人才能明白。
我就试着像他说的那样去看那些抽象画，想象自己进入到画家的精神世界里。
你还别说，看着看着，好像真能感觉到画家当时的情绪，有时候是兴奋，有时候是忧伤。
不过呢，这本书也不是那么好懂的。
有些地方我得反复读好几遍才能明白康定斯基到底在说啥。
他有时候就像一个哲学家，说得很深奥，我的小脑袋得转好几圈才能跟上他的思路。
但是这种感觉就像在挑战一个超级难的游戏关卡，当你终于通关的时候，那种成就感是没法形容的。
心得体会 《中国艺术精神》读后感
《中国艺术精神》读后感《中国艺术精神》读后感认真读完一本名著后，你心中有什么感想呢？让我们好好写份读后感，把你的收获和感想记录下来吧。
可能你现在毫无头绪吧，下面是小编整理的《中国艺术精神》读后感，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
中国传统的艺术精神主要体现在音乐，书画诗歌之中。
其实音乐或者书画只是古人用于实现人生价值的一种工具或手段，从而他们的艺术精神就隐藏在里面。
古代的音乐，也就是礼乐，在孔子的改良传承后，最终起了一种教化的作用。
孔子的艺术精神是做到“美”与“善”的统一；而孟子的艺术精神是做到“仁”与“乐”的统一。
总结起来说，儒家的艺术精神就是由一人之修养而通于天下：格物，致知，诚意，正心，修身，齐家，治国，平天下！这应该是中国最早的从艺术精神里抽出来的精髓。
根据《乐记》记载，构成音乐的三要素是“诗”，“歌”，“舞”。
这三个基本要素，是不借助于自身之外的客观事物就可以成立的。
有了这三种要素，就能借乐器以文之。
同时，乐的三种基本要素是直接从心发出的，是从人的生命根源流出来的，且具有明确的节奏。
但乐器是通过配合这种节奏而发生作用的，从而激发或者引导处藏于人生命中的艺术精神。
人人都有艺术精神，但有的人只是“表出”，有的人是“表现”。
这就是个人的艺术精神层次不同，有的人只是享受这种精神，有的人是在创造自己的这种艺术精神。
艺术精神，其实也就是美学，美的精神。
这是一条走不完的路，你需要在美的这条路上一边欣赏，一边开发你的艺术精神。
这条路有两个站，心斋和坐忘，达到这两者的历程，就是达到美的终点站的历程。
心斋，就是内心纯粹，无欲无求，我们需要有着这么一颗空灵的心去探索我们的艺术精神。
坐忘，就是摒弃周围环境的一切无关事务，做到只有用纯粹的意识去思考事物。
两者要求做到虚，静，明。
心斋是指内在的要求，坐忘是外在的条件，两者组合完成艺术精神的要求。
其中，心斋之心是艺术精神的主体。
说到最能体现中国传统文化的艺术精神的是书法绘画。
艺术中的精神读后感
艺术中的精神读后感一开始看这本书的时候，我心里直犯嘀咕，这艺术里的精神到底是啥玩意儿啊？是艺术家脑子里那些神神叨叨的想法，还是作品背后藏着的什么神秘力量？结果越看越觉得，康定斯基这个家伙就像个艺术界的魔法师，他把艺术的那层神秘面纱一点一点地揭开，让我瞅见了里面的门道。
康定斯基说，艺术这东西啊，可不只是画得像、雕得美就完事儿了。
它是有灵魂的，就像人一样。
一幅画儿、一件雕塑，那都是艺术家把自己的精神世界给掏出来，塞到作品里去的。
这就好比厨师做菜，一道好菜不仅是食材搭配得巧妙，还得有厨师做菜时的那份心意在里面，吃的人才能尝出不一样的味道。
艺术也是这样，那里面的精神才是最打动人的部分。
我印象特别深的是他对色彩的解读。
以前我看颜色，就觉得红色就是红的，蓝色就是蓝的，顶多就是觉得这个红色挺喜庆，那个蓝色挺忧郁。
但在康定斯基眼里，色彩就像是一群有性格的小精灵。
红色像是个热情的火娃，充满了活力和冲劲，能在画面上一下子就抓住你的眼球；蓝色呢，就像个安静的智者，默默地散发着那种深邃、冷静的气息。
他这么一说，我再看那些画的时候，就好像能感觉到色彩们在画布上开派对，每个颜色都有自己的角色和任务。
还有他讲的关于形式的那些事儿。
我以前觉得画画嘛，把东西画得像模像样就好了。
但他告诉我，形式也是有感情的。
一条歪歪扭扭的线和一条笔直的线，给人的感觉完全不一样。
那歪歪扭扭的线可能就像一个人在跳舞，充满了动感和变化；笔直的线呢，就像是站岗的士兵，严肃又稳重。
这就像是我们平时说话，同样的一句话，用不同的语气和语调说出来，那意思可就大不一样了。
这本书让我对那些看不懂的现代艺术好像突然开了窍。
以前我站在那些奇奇怪怪的画作前，就像个迷路的小孩，完全不知道画家在搞什么鬼。
但现在我明白了，那些看起来乱七八糟的线条、奇形怪状的色块，可能就是画家在表达他内心深处那些复杂的情感和独特的想法。
就像有些人高兴的时候会哈哈大笑，而有些艺术家高兴的时候就会在画布上涂满明亮的色彩和扭曲的形状，这都是他们表达自己的方式。
艺术作文之中国艺术精神读书笔记
中国艺术精神读书笔记【篇一：中国艺术精神读后感大全(3篇)】中国艺术精神读后感大全(3篇)【篇一：《中国艺术精神》读后感】从大二开始接触中国特有的中国绘画后，就经常听到有人谈论中国艺术的精神，当时也只是凭自己有限的知识去浅浅的探讨一下，并不能深入。
随着学龄和阅读的增长，自己也能够把中国艺术精神谈两三分。
这其中对我影响对大的一本书就是徐复观先生的《中国艺术精神》(广西师大出版社2007年版)。
这本书一共十章，前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神，其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。
整部著作以第二章为总纲领，重在探讨庄子为艺术而艺术的纯艺术精神，其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。
所谓艺术精神，就是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。
谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述具体在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神;而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体;由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面;老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生;而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出;当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。
但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神;庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同;对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。
徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。
但是，当我看完此书后，我也有一些迷惑不解的地方，比如说庄子的艺术精神，原本不在于艺术创作，而是落实于人生态度上，这一点大家应该都比较熟悉。
钱穆先生在《老庄通辩》中就曾说：循庄子之修养论，而循至于极，可以使人达至于一无上之艺术境界。
中国艺术精神读后感
中国艺术精神读后感中国艺术精神读后感中国艺术精神读后感从大二开始接触中国特有的中国绘画后，就经常听到有人谈论中国艺术的精神，当时也只是凭自己有限的知识去浅浅的探讨一下，并不能深入。
随着学龄和阅读的增长，自己也能够把中国艺术精神谈两三分。
这其中对我影响对大的一本书就是徐复观先生的《中国艺术精神》(广西师大出版社xx年版)。
这本书一共十章,前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神,其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。
整部著作以第二章为总纲领,重在探讨庄子为艺术而艺术的“纯艺术精神”,其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。
所谓艺术精神，就是指一种艺术单独具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。
谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述详细在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神;而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体;由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面;老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生;而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出;当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。
但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神;庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同;对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。
徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。
但是，当我看完此书后，我也有一些迷惑不解的地方，比方说庄子的艺术精神,原本不在于艺术创作,而是落实于人生态度上，这一点大家应该都比较熟悉。
钱穆先生在《老庄通辩》中就曾说:“循庄子之修养论,而循至于极,可以使人达至于一无上之艺术境界。
庄生之所谓无用之用,此惟当于艺术境界中求之,乃有以见其真实之义也。
艺术中的精神读后感
艺术中的精神读后感在这本书中，作者通过对不同艺术作品的分析和解读，深入探讨了艺术创作的真谛和艺术家的精神世界。
他认为，艺术家是一种特殊的存在，他们拥有独特的灵感和敏锐的感知，能够把生活中的点滴细小之处融入到作品中，传达出深刻的内涵和情感。
艺术家创作的作品往往不仅仅是一种形式的表达，更是一种心灵的表达，是对世界和人生的一种思考和体验。
艺术作品的精神是无形的，但却能触动人心，引起人们的共鸣和共鸣。
作者在书中引用了许多著名艺术家的作品，通过对这些作品的解读和分析，探讨了其中蕴含的情感和思想。
他认为，每一幅作品背后都有一个故事，都有一种情感和精神在其中流淌。
只有深入理解和感受这种精神，才能更好地欣赏和理解艺术作品。
在艺术中的精神中，作者还探讨了艺术创作与现实生活的关系。
他指出，艺术家常常受到生活中的启发和感召，通过对生活的感悟和体验，把自己的情感和思想转化为作品。
艺术作品是艺术家对生活和世界的一种回应和反映，是他们对美的追求和生命意义的探索。
艺术作品不仅仅是一种审美的享受，更是一种人文精神和文化内涵的体现。
艺术中的精神还涉及到艺术家的创作过程和心路历程。
作者认为，艺术创作是一种孤独而又高尚的过程，艺术家需要通过深入的思考和反思，把自己的内心世界和情感表达出来。
他们需要不断地探索和挑战自己，以求取更高层次的艺术境界和表达方式。
艺术家的创作精神和追求是一种无穷的力量，它能够激励人们不断地探索和追求艺术的道路。
在阅读《艺术中的精神》这本书的过程中，我深深感受到了艺术的伟大和力量。
艺术作品所蕴含的精神和情感，触动了我内心最深处的感觉和思想。
我更加清楚地意识到，艺术是一种超越时间和空间的存在，是人类灵魂的表达和升华。
艺术家通过自己的创作和表达，传达出了对生命和世界的一种认知和体验，呼应了人类对美和真理的追求和向往。
在读完这本书之后，我更加深刻地理解了艺术的精神和内涵。
艺术作品不仅仅是一种形式和表达，更是一种情感和思想的传达和表达。
《论艺术的精神》读书笔记【范本模板】
论艺术的精神设计艺术学院 10服装班邱国霞 2010081622 “有人说,艺术是时代的产儿.但是这种艺术，只能艺术地重复那些以被同时代人清楚地认识了的东西。
所以它没有生命力，它仅仅是时代的产儿,无法孕育未来.这是一种被阉割了的艺术.它是短命的，那个养育它的时代一旦改变，它也就立刻在精神上死亡。
在康定斯基的《论艺术的精神》中,艺术完全由一个具有着亚裔血统欧洲人用“精神"的力量释放包围-—艺术，在伟大的20世纪显现出了它前所未有的内在力量，被无数注重人性的艺术家和理论家重新解读与创造。
从这本书的总体风格来看，书中弥漫着沃林格尔对艺术表现的本质解释以及20世纪整个思想文化氛围下的尼采、叔本华等所提倡的自我意志的含混氤氲,这是把二元论作为世界观的典型体现,并且也是康定斯基的抽象绘画创作的思想源泉及理论基础。
论艺术的精神，是康定斯基的最重要的理论文献之一，这篇文章分为了概论与绘画两个部分。
概论中用引言、运动、精神转折点与金字塔四个小部分解释了他对于艺术品、艺术家等的定义与互动把艺术的过程与变化归结到精神的作用并以一种运动的方式把这个过程展现给读者.第一部分，概论：“所以一件艺术作品的形式有不可抗拒的内在力量所举，这是艺术中唯一不变的法则。
一件优美的作品是内涵和外表统一和谐的结果：换句话说，一幅画是个精神有机体,他像一切物质有机体一样,是由很多部分组成的。
”艺术的原动力来自于强大的精神力量，这种力量积极向上、催人奋进。
在作者对人类自身的认知中，灵魂与肉体紧密相连，它通过各种感觉媒介产生印象.演绎了欣赏艺术品的整个过程：感情(艺术家的）——〉感受-—〉艺术作品-->感受—->感情(观赏者的）.在这里，整个过程包含了几个概念：艺术家的感情,感受1，艺术作品，感受2，观赏者感情。
整个过程似乎揭示了作者的理论主旨:精神至尚.艺术品的形式应该“内在的，所以它孕育着希望和未来.”艺术作品包含着艺术家的灵魂，艺术家是“能够描绘一切事物的人。
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《艺术中的精神（俄/康定斯基）》读后感
张红玉
康定斯基一生中经历了两次世界大战，当时的欧洲正处于“世纪末”的颓废神秘的文化氛围中，这使他的艺术不可避免地受到当时流行于欧洲的“通神学”的影响，加上早年接受的音乐教育以及对瓦格纳音乐地崇拜，使他贬抑写实主义艺术而极力推崇抽象主义艺术，提倡绘画应当表现的是掩盖在事物的面纱之内的闪光的精神。
他认为“凡是内在需要的，发源于心灵的，就是美的，”并按照他的“内在需要原则”对绘画中的形和色等要素与心灵的关系作了独特的解释。
他甚至把色彩比喻成琴键、音缀、音符等，认为“色彩的和谐只能以有目的地激荡人类的灵魂这一原则为基础，色彩与形是内在精神和谐的物质媒介。
”
由于对形和色的及其关注，构建起了康定斯基对绘画的“内在声音”这一概念的提出和确认。
在此，他提出了通过色彩和形所表现出的“运动”和“张力”等术语，要求绘画与宇宙达到同一性。
鉴于此，他又特指点、线、面等作为绘画的基本要素它们在绘画中也有独立地表现价值，是构成绘画语言的基本元素，抽象绘画的价值就是这些元素内在声音地和谐展示。
康定斯基的这些主张带着明显的危机意识和改造现实的雄心，他的主张与理论体现了同时代的很多画家的艺术追求与审美理想，也正因为此，康定斯基成了20世纪以来伟大的抽象主义画家。
康定斯基把对艺术的追求比喻成一个三角形，要么爬到顶端，要么滑到底部，他认为这很形象，爬到顶端的永远是个别的出类拔萃的人，而那些多数的待在底部的人永远都死气沉沉。
由此，康定斯基非常主张绘画中对内在生命地传达。
他推崇凡高、塞上、马蒂斯、毕加索等一些画家，认为他们的艺术都是富有生命的艺术。
他认为各种艺术门类应当相互学习和借鉴，以弥补自己的不足，研究新的规律即创新艺术的方法。
“每一个深入自己艺术杰作隐秘内在的人，都是创建正向高空升腾的金字塔的令人钦慕的劳动者。
”
在谈到形和色彩的作用时，康定斯基认为他们都是绘画的基本语言，每一种色彩都代表一种声响，各种色彩混合在一起也有声响，当这些色彩的混合或组合为和谐的时候就构成了“音乐”，他把绘画与音乐的共性结合在了一起。
但他同时认为“只有形式才能作为对对象的描写，或作为对平面空间的纯抽象限定而独立存在，而色彩不能单独存在。
形式本身也有自己的声响，各种形式和谐组合也构成了音乐”。
可见，康定斯基在他的抽象绘画中始终不遗余力地强调形式和色彩作为绘画中的基本因素它们和音乐的共性问题。
每一个形式和形式的组合，每一块色彩和色彩的组合，都有音响。
它们的组合不是无目的无规律的，而如果要形成有目的有规律的组合的话，靠的是“内在必须原则”，从而是画面的各种形式和色彩最终形成统一，产生和谐的音乐和张力“所有的手法都是神圣的，假如它是内在必须的话”。
为了使他的理论和时间达到高度地统一，并向更高级发展，康定斯基对形式和色彩规律都做了大量的研究。
“形式是内容的外在表现，精神的呼唤是形式的灵魂。
”
然而，在当康定斯基的抽象主义艺术已经非常成就的时候，在谈到形式与精神关系问题时，康定斯基认为：“不管何种形式都是为精神服务的”。
从这个角度讲，抽象主义和写实主义作为两种风格不同的艺术表现方式，它们的目的是相同的，都是为召唤精神出现的。
伟大的抽象以伟大的写实基本形来显现，伟大的写实又为伟大的抽象所利用。
艺术表现为抽象还是写实取决于对抽象或写实的量的限定，它们的终极目标是一样的，都服务于人的精神。
从这个角度来讲：二者在对立性的关系中，可以划上相等的符号，即
写实=抽象
抽象=写实
于是他得到了最终的结论：
“纯粹抽象与纯粹写实完全一样，纯粹抽象也有存在的一面，也要对事物加以利用。
这里还可以划出另外一个符号，即最大限度地否定或最大限度地肯定对象性要素。
这种等式得以成立的原因在于双方皆将内在地呼唤具体化，且拥有同一的目的”二者在对立中统一。