机械复制时代的艺术

《机械复制时代的艺术》读书笔记

通过阅读《机械复制时代的艺术》[(德)瓦尔特·本雅明,译者：李伟郭东，重庆出版社，2006.10 ]这本书，我深刻体会到了我的阅读量实在太少，在此书中大量的引用了历史资料、、艺术思潮、学术理论、名人作品、伟人宣言等等作为例证，但是在看书的过程中很多次，我都惭愧地感觉到“陌生感”，对作者所举的例子很多不了解，这给我的阅读增添了不少阻碍，这也给了我深深的一击，提醒我扩大阅读量是迫在眉睫了，激励着我要在老师的引导下真正的静下心来多阅读！这篇读书笔记只能算是我在阅读这本书时的一些小小的感想，实在是写不出什么更有深意的文字了。

《机械复制时代的艺术》这部作品被西方学者奉为西方马克思主义文艺理论的经典著作,是本雅明的代表作之一，在世界美学史上占有重要的地位，对后人产生了广泛而深刻的影响。在本雅明看来，艺术作品在原则上是都是可以复制的，从古希腊的铸造和制模，中世纪的木刻、镌刻和蚀刻,到近现代的印刷复制、照相摄影和电影的产生，都是人类进行复制的过程，并且人类形象复制的能力也随着生产力的发展而取得不断的进展。

但机械复制艺术的出现是以传统艺术“光晕”（Aura）的消失为代价的，在《机械复制时代的艺术》中作者明确指出，从传统艺术到机械复制艺术经历了从膜拜价值到展示价值的转化，从礼仪到政治的过渡，以及从个人凝神思考到大众消遣的变迁，都体现出机械复制艺术带有原真性的“光晕”在慢慢消失。电影作为机械时代艺术的典型艺术形式，在对电影的分析中论证了机械复制作品的光晕渐暗，膜拜价值消失，受众及其接收方式都有了根本的变化。

本雅明认为任何艺术作品的原作都是独一无二的，它有着自身历史穿越时间的特殊存在，再高明再完美的复制也必然欠缺一个基本元素：时间性和空间性。但电影艺术的产生削弱了时空上的限制，电影的每一个拷贝、型号、规格、内容都是一模一样的，具有完全等同的价值，也不存在原作和摹本的区分，就无所谓原作的原真性了，面对这样颠覆传统的“大动荡”，本雅明是持乐观态度的，认为这是不可避免的，“世间万物皆平等”日渐增强，电影技术的发展使得许许多多艺术作品有

了同样的摹本，这些摹本使得人们可以更快捷地欣赏艺术，并且电影艺术十分聪明地用影视人物形象的光晕取代了演员头上的光晕。

在摄影中，展示价值抑制了崇拜价值，也就意味着膜拜价值的消失。在本雅明看来艺术作品起源于仪式，从巫术仪式到宗教仪式，人类用各种方式表达对于自身无法理解的力量的崇拜，即艺术作品的独特膜拜价值体现在仪式当中，但随着照相技术的来临，这样的价值被取代，转而侧重于艺术作品的展示价值了，艺术作品被不同的技术方法复制，使它们更适合被展览，而且被展览的程度不断增加，特别是在摄影中人像的消失，展示价值便超过了崇拜价值。

电影艺术提供的形象是一个分解成许多部分的形象，这与画家所提供的完整形象是有很大出入的，并且电影与绘画的欣赏方式也有很大的不同，绘画要求我们面对艺术作品深思熟虑、凝神思考进入到作品中，但电影从它的传播形态（点对面的公共传播）、放映场所（电影院）、感官方式（大银幕的震撼）等方面都要求欣赏方式的群体性，这样电影艺术被认为是游离于艺术品之外的大众消遣活动，无需智性的思维为前提，电影艺术的这种特点曾不被人接受，甚至被有名的学者职责——“是没有教养的、被痛苦折磨的社会底层人经过疲惫不堪的劳作之后所进行的消遣活动”，但电影艺术给人们带来的欢乐和享受在今日是有目共睹的。

总之，通过阅读《机械复制时代的艺术》这本著作，我认为本雅明在论述时缺乏了应有的客观性，他对历史的蜕败、机械艺术的发展持有一种悲观的情调，他亲眼目睹了艺术的时代裂变，并用文字将其进行归纳总结预见的同时，他思维的偏见是可见的，在他的感情倾向上始终有着对传统的留恋，对过去的传统艺术作品不自觉美化或理想化，而在描述“光晕”消失的机械复制时代的艺术时若隐若现的透露出悲情的色彩。