平面设计方法与原理1
平面设计中的创意性思维 (1)
•
逆向思维(反向思维、逆反思维):从反面提出问题和思索问题的思维 过程,是发散思维的另一种特殊形式,打破原有思维套路,反其道行之 ,有助于拓宽艺术视野。应从多角度进行反向思维,运用结构颠倒、方 式颠倒、条件颠倒、作用颠倒、过程颠倒等反向思维方法。给人以心理 上的诙谐感,出奇制胜。
第三节面的形态
• • 面是线移动的轨迹。由线移动增大而成,或是由点扩大密集而成。 面由于图形分割的作用,往往产生正负形面,一个完整的图像由正形和负形共同构成 ,其造型美观与否,视觉冲击力如何也与其正负形构成密切相关。通常情况下,我们 的视觉总是首先捕捉到图像中显得较为完整的形象,然后才注意到负形。我们把图像 中相对主体的部分称之为正形,其余部分为负形。 面的交叉、重叠、组合构成使得面的形状千变万化,每个面其肌理变化、色彩配置、 及装饰手段的应用形成风格迥异的图形艺术形态。
•
形象提供
第四章 图形创意表现形式与手法
• • 一、同构图形 正如杂交水稻产生了新的品种一样,同构,是一种组合创新的方式,将表面上毫不相 关,却有着内在联系的不同物体进行组合,创造出富有新意的新形象,就是同构图形 。 同构图形是由物体相似因素(视觉的,心理的、经验或知识上的)组合而成的图形。 强调“创造”,不在于追求生活上的真实,更注重视觉上的艺术性和合理性。 A、异形同构、 B、置换同构、 C、异质同构
(二)联想
◆ “联想”应看作触发想象的“起点”,同一个“起点”引发了无数个 新的想象,即以一事物为开端引出其它事物的一种思维方式。它可以把相 距遥远甚至看上去毫不相干的事物连接起来,也可以从一事物中得到启发 ,引发一连串的构想。因果关系、逻辑推理也是引发联想的因素。联想是 图形创意通常运用到的众多思维方式中的一种,它同观察、分析与选择同 为图形创意的思维基础。
,第二篇 第一章平面设计
度来确定。
民用建筑的房间,窗台高度一般为900mm左右;
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幼儿园窗台高度为600mm左右;
展览建筑的房间,窗台高1800mm以上,以满足
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采光和布置展品的需要。 一些风景建筑、公共建筑的公共空间,如餐厅、 多功能厅、大堂等,为使室内阳光充足及观景需要, 常降低窗台高度或做成落地窗。
窄长条的窗洞往往是图书馆书库的 识别标志, 这是由内部书架的排列及光照需要 形成的
主要卧室,要求床能够双向布置,因此开间尺寸 应保证床在横向布置后,剩余的墙面还能开设一个门, 常取3.30m,进深方向应考虑竖向两张床.或者横竖两 张床中间加床头柜或衣柜.,常取4.50m左右。 小卧室则必须保证竖放一张单人床后还能开设一 扇门,故开间尺寸通常取2.40m—3.00m。
医院病房的开间进深尺寸主要是满足病床的布置 和医护活动的要求,3—4人病房开间尺寸常取3.30m— 3.60m,6-8人病房开间尺寸常取5.70m—6.00m
2、工作学习房间:办公室、教室、实验室、阅览室等
3、公共活动房间:商场营业厅、剧院、电影院的观众 厅、休息厅、博物馆展览馆中的陈列馆、展厅等 生活工作学习的房间:安静、少干扰,由于人 在其中停留时间长,希望有较好的朝向 公共活动房间:人流集中,出入频繁,人活动 面积及其交通组织比较重要,特别是人流的疏散 问题较为突出
种方式。
本章主要内容
1.1
建筑物使用部分的平面设计 1.2 建筑物交通联系部分的平面设计 1.3 建筑平面的组合设计
建筑物平面图的形成
从组成平面各部分的使用性质来分析
主要使用房间:住宅的起居室、卧室、
使用部分
教学楼的教室、办公室,商业建筑
中的营业厅 辅助使用房间:公共建筑中的卫生 间、贮 藏室及其他服务性房间,住宅 中的厕所、厨房,及各种设备用房
Photoshop平面设计实用教程-(1)精选全文
1.1.4 界面设计
界面设计是一块新兴的领域,已经受到越来越多的软件企 业及开发者的重视,但是绝大多数设计师使用的千万不要忽视Photoshop在文字设计方面的应用,它可以 制作出各种质感、特效文字 。
1.1.6 插画创作
Photoshop具有一套优秀的绘画工具,我们可以使用 Photoshop来绘制出各种各样的精美插画 。
1.1.2 照片处理
Photoshop作为照片处理的王牌软件,当然具有一套相当 强大的图像修饰功能。利用这些功能,我们可以快速修复 数码照片上的瑕疵,同时可以调整照片的色调或为照片添 加装饰元素等等 。
1.1.3 网页设计
随着互联网的普及,人们对网页的审美要求也不断提升,因 此Photoshop就尤为重要,使用它可以美化网页元素 。
1.2.7 面板
Photoshop CS6一共有26个面板,这些面板主 要用来配合图像的编辑、对操作进行控制以及设 置参数等。执行“窗口”菜单下的命令可以打开 面板。比如,执行“窗口>色板”菜单命令,使 “色板”命令处于勾选状态,那么就可以在工作 界面中显示出“色板”面板。
1.3 本章小结
在完成本章的学习以后,我们应该对Photoshop的发展 史和应用领域有一个初步的了解,应该熟悉Photoshop CS6的工作界面,以及熟练掌握Photoshop CS6的首 选项设置。为我们在设计的道路上找到一把属于自己的 “利器”。
主讲教师:
第1章 认识Photoshop CS6
本章简介
“工欲善其事,必先利其器”,只有完全掌握和了 解 Photoshop , 才 会 为 我 们 在 以 后 的 Photoshop 设 计 中提高工作效率。在本章我们将对Photoshop的发展史 以及Photoshop的应用领域做一个介绍,将着重讲解 Photoshop CS6 的 工 作 界 面 和 首 选 项 的 设 置 , 对 Photoshop CS6 有 一 个 整 体 的 了 解 , 在 大 脑 中 对 Photoshop CS6有一个完整的概念。
PhotoshopCS6平面设计基础教程 第1章 图像处理基础
中,然后释放鼠标左键。
• 通过快捷菜单:选择需要打开的文件,单击鼠
标右键,在弹出的快捷菜单中选择【打开方式】
/【Adobe Photoshop CS6】命令。
选择【文件】/【新建】命令或•按通【过C菜tr单l+N命】令键:,选打择开【“文新件建】”/【对打话开框】,命设令置,好相
单击
按钮即可新建空白文在件打。开的“打开”对话框中选择需要打开的文
● PSD(*.PSD)格式:该格式是Photoshop自身生成的文件格式,是唯一支持所有颜色模式的格 式。以PSD格式存储的图像文件包含图层、通道等信息。 ● TIFF(*.TIF、*.TIFF)格式:该格式可以实现无损压缩,是图像处理常用的格式之一,该图像格 式很复杂,但对图像信息的存储灵活多变,支持很多色彩系统。 ● BMP(*.BMP)格式:该格式是Windows操作系统的标准图像文件格式,能够被多种应用程序支 持,且包含丰富的图像信息,几乎不压缩,但文件所需的存储空间较大。 ● JPEG(*.JPG、*.JPEG、*.JPE)格式:该格式是一种有损压缩格式,支持真彩色,生成的文件 较小,是常用的图像文件格式之一。 ● GIF(*.GIF)格式:该格式是一种无损压缩格式。GIF格式的图像文件较小,常用于网络传输, 网页上使用的图像大多是GIF和JPEG格式。 ● PNG(*.PNG)格式:该格式可以使用无损压缩方式压缩图像文件,支持24位图像,能够产生透 明背景且没有锯齿边缘,图像的质量也较好。 ● EPS(*.EPS)格式:该格式是一种跨平台格式,可以同时包含像素信息和矢量信息。
件,然后单击
按钮。
• 通过最近使用过的文件:选择【文件】/【最
近打开文件】命令,显示最近打开过的10个文
件,选择需要打开的文件。
构成—平面构成
构成第一章:概述1、什么是构成“构成”是指一种建立在“解构”、“重构”基础上的造型方法。
其含义是将不同形态的几个以上的单元(包括不同的材料)重新组构成一个新的单元,并赋予视觉化的、力学的观念。
2、构成的起源由绘画发展而衍生出来的“构成”1)、古典主义十八世纪末至十九世纪初流行于以法国为中心的西欧诸国。
它的主要特征是,力求恢复古希腊、罗马古典美术的传统,多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事,在艺术形式上,注重造型和对称、和谐的构图,追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格。
在技巧上,古典主义绘画强调精确的素描技术和微妙的明暗色调。
2)、印象主义印象主义画派是19世纪后半期形成于法国的一个重要的绘画运动,这些画家个性十分鲜明,非常讲究实际,但他们没有确定的共同遵守的具体原则、其最明显的原则是:力图客观地描绘视觉现实中的片刻,表现纯粹的光的关系。
主要的印象主义画家有:莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱等等。
3)、立体主义1908年始于法国。
立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式,形成分离的画面--以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。
艺术家以许多的角度来描写对象物,将其置于同一个画面之中,以此来表达对象物最为完整的形象代表人物:毕加索和波罗克、费尔南·莱热、罗贝尔.德劳内等4)、构成主义与风格派构成主义又名结构主义;发展于1913~20年代。
构成主义是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合成的雕塑。
强调的是空间中的势,而不是传统雕塑着重的体积量感。
代表人物:卡西米尔.马列维奇、弗拉基米尔.塔特林、瑙姆.加博等风格派1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派,以《风格》杂志为中心。
创始人为T.van杜斯堡,主要领袖为P.蒙德里安(Piet Mondrian, 1872-1944康定斯基——抽象艺术之父瓦西里·康定斯基(1866 ~1944)Kandinsky,Wassily 俄裔法国画家,艺术理论家。
平 面 设 计 -第1课
为什么要学习素描理论?
• 素描是造型的基本功;具体说是培养造型能力的基础。造 型,包括造型的观念意识,造型的美学原则,造型的诸种 形式要素的运用和众多的表现手法,构成了绘画艺术语言 的基础 。 • 让设计者了解更多艺术理论知识。 • 基本工具
1.炭笔和炭精条 2.专用钢笔 3.专用美术铅笔
4.粉笔和色粉笔、蜡笔、毛笔
情游牧成故事,如何用文字诠释感情,如何将色彩吟唱成动人的音乐,建立自己的图像、文字思考、
创意,传授掌握美感的秘诀。设计,是学习,也是一场游戏,让灵感变成故事,由野故事启动创意, 让创意为生活带来好设计!
俊东老师给学好设计的首要建议:“掌握自身的特色!”知道自己要的是什么。无论是绘画或
摄影,以手工拼贴制作或运用计算机软件工具:最重要的是“完整传达自己的设计概念”。
学设计让人更有“创 意”
• 左脑思考VS右脑创造
真正让设计活灵活现 重要 灵魂是“创 意”。
第一课、诱人设计露三“点”
• 学习设计的重点诀窍
1.卡片表达人际关系 2.卡片凝聚“情感焦点” 3.掌握设计的“情绪原点”
4.卡片创造“情报卖点”
1.卡片表达人际关系
• 卡片是最普及的实用设计
1). 会用加法和减法 加一加 会让画面丰富起来 减一减 会使画面很耐看
平 面 设 计 课 程
平面设计在注重美感的当代,已经成为“文化的一个界面”,从阅读特性、视觉效果、 如何成为一个优秀的设计?设计的秘诀究竟在哪里?了解如何驯化文字排列成诗,如何放心
意识形态到艺术美感,版面构成赋予文字与图片“人性”。借由“版面设计”传授“结构美学” 的特性,体验设计的故事魅力。
平面设计-调色原理1
就是平面设计中颜色怎样搭配才好看!1.暖色调。
即红色、橙色、黄色、赭色等色彩的搭配。
这种色调的运用,可使主页呈现温馨、和煦、热情的氛围。
2.冷色调。
即青色、绿色、紫色等色彩的搭配。
这种色调的运用,可使主页呈现宁静、清凉、高雅的氛围。
3.对比色调。
即把色性完全相反的色彩搭配在同一个空间里。
例如:红与绿、黄与紫、橙与蓝等。
这种色彩的搭配,可以产生强烈的视觉效果,给人亮丽、鲜艳、喜庆的感觉。
当然,对比色调如果用得不好,会适得其反,产生俗气、刺眼的不良效果。
这就要把握“大调和,小对比”这一个重要原则,即总体的色调应该是统一和谐的,局部的地方可以有一些小的强烈对比。
平面设计中颜色的搭配十种基本的配色设计,分别叫做:无色设计(achromatic)、类比设计(analogous)、冲突设计(clash)、互补设计(complement)、单色设计(monochromatic)、中性设计(neutral)、分裂补色设计(splitcomplement)、原色设计(primary)、二次色设计(secondary)以及三次色三色设计(tertiary)。
基本配色——强烈最有力的色彩组合是充满刺激的快感和支配的欲念,但总离不开红色;不管颜色是怎么组合,红色绝对是少不了的。
红色是最终力量来源——强烈、大胆、极端。
力量的色彩组合象征人类最激烈的感情:爱、恨、情、仇,表现情感的充分发泄。
在广告和展示的时候,有力色彩组合是用来传达活力、醒目等强烈的讯息,并且总能吸引众人的目光。
基本配色——丰富要表现色彩里的浓烈、富足感可藉由组合一个有力的色彩和它暗下来的补色。
例如,深白兰地酒红色就是在红色中加了黑色,就像产自法国葡萄园里陈年纯美的葡萄酒,象征财富。
白兰地酒红色和深森林绿如果和金色一起使用可表现富裕。
这些深色、华丽的色彩用在各式各样的织料上,如皮革和波纹皱丝等等,可创造出戏剧性、难以忘怀的效果。
这些色彩会给人一种财富和地位的感觉.基本配色——浪漫粉红代表浪漫。
《平面设计》课程教学大纲1
《平面设计》课程教学大纲第一部分大纲说明一、课程性质、教学目的、任务和教学基本要求1.课程的性质、教学目的:《平面设计》是广播电视大学美术教育专业和装饰艺术设计专业开设的一门重要的专业基础课程。
开设《平面设计》课程的目的,在于培养学生正确的理性艺术思维方法,丰富学生的艺术表现手段,并通过一定数量的平面构成设计造型训练,掌握形式美的构成原则。
为学生今后在艺术设计造型和电脑美术设计造型方面打下一定的基础,提高学生的形象思维能力、设计创造能力和艺术思维能力。
2.教学任务和教学基本要求:《平面设计》课程基本的教学任务,在于指导学生通过一定数量的平面构成设计练习,掌握平面构成设计的基本技能,掌握装饰图案、抽象图案、几何图案的表现手段,并在练习的基础上掌握形式美的基本法则,掌握平面构成的各种基本表现手法。
本课程要求将形态分解为各种要素,从简单到复杂地研究这些要素以及它们之间的相互关系,并按照一定的形式美的构成原则进行组合设计,通过抽象形态体现形式美的法则,培养学生形象思维的敏感性,提高学生的形象思维能力和设计创造能力。
二、本课程与相关课程的衔接、配合关系在美术类专业开设的诸多美术课程中,《平面设计》是一门专业基础课程,应在学生有了一定素描基础之后开设,在它之后紧接着要开设《立体构成》。
这两门构成课程都是对学生进行造型训练的课程,它们是现代造型设计教学训练的基础,这些构成的基本法则在工业设计、建筑设计、商业美术设计等领域都有着广泛的应用。
三、教学方法和教学形式的建议平面构成设计主要从抽象的形态入手,培养学生在形态方面的创造性。
学生需要在教师的指导下,通过一定数量的平面构成设计练习,才能逐渐掌握技巧,掌握基本的平面构成设计规律。
因此,本课程需要通过教师对典型的平面设计构图的讲解,使学员逐步理解平面设计构图的基本规律和基本方法,并在教师的指导下进行平面构成设计练习。
教科书的每一章中都列举了不少典型的构成作品,教师在教学过程中还可以根据教学进度的要求选择适当的范例作品,进行必要的示范和讲解,利用作品范例向学生介绍构成的创作技法,课后还应并布置一定数量的平面构成设计练习作业,并主要由教师对学员的作业进行点评。
维设计基础1-形态的创造与构成
实验步骤和操作过程
实验操作
按照设计构思进行实验操作,注意观察 和记录实验过程中的各种现象和数据。
VS
分析总结
在实验结束后对实验结果进行分析和总结 ,归纳出形态创造和构成的规律和方法。
06
总结回顾与展望未来发展趋 势
课程重点内容总结回顾
形态创造的基本原理
学习了点、线、面、体等形态元素及其组合变化,掌握了形态创造 的基本原理和方法。
造出既美观又实用的产品形态。
奥迪TT跑车
03
由德国设计师设计,其圆润的车身线条和简洁的侧面轮廓,展
现出极具动感和未来感的汽车形态。
平面设计领域优秀实例
耐克“Swoosh”标志
由美国设计师卡罗琳·戴维森设计,其简洁、流畅的曲线形 状不仅易于识别,还传达出运动、速度和力量的品牌形象 。
联邦快递标志
由美国设计师林登·利德贝特设计,其运用箭头形状和隐藏 的数字“10”创造出既具有视觉冲击力又富有创意的标志 形态。
意象形态创造法
象征与隐喻的运用
创意与想象力的发挥
运用象征和隐喻手法,表达意象形态 所蕴含的文化内涵和情感意义。
充分发挥设计师的创意和想象力,创 造出独特且富有感染力的意象形态。
夸张与变形的表现
通过夸张和变形手法,强调意象形态 的某些特征,增强其表现力和感染力。
03
形态构成技巧探讨
点线面体运用技巧
表达情感
不同的形态能够引发人们不同的情感反应,如柔和的曲线给 人带来温馨、舒适的感觉,而尖锐的直线则可能让人感到紧 张、不安。
创造美感
通过对形态的创造和组合,可以形成美的视觉效果,提升人 们的审美体验。
形态构成元素及原则
构成元素
点、线、面是形态构成的基本元素。 点具有集中、凝聚的特点;线具有方 向性、运动感和连续性;面则具有二 维空间的延展性和封闭性。
平面设计构图技巧1 对称和平衡
平面设计构图技巧第一篇:对称和平衡构图——平面设计的入门学问。
做好这一点,需要把握一些技巧。
很多初学者关心这些问题,借这个机会我为大家安排了几篇教程,来对“构图技巧”这个初学者关心的问题运行讨论,抛砖引玉,开拓大家的思路。
在本组教程中,将为大家讲解到六种常用的构图技巧:对称和平衡、重复和群化、节奏和韵律、对比和变化、调和和统一、破规和变异。
在这一篇教程中,为大家讲到的是构图技巧是对称和平衡。
一、对称和平衡1、什么是对称?对称是照片沿中轴左右或上下重复的状态。
在自然界中,我们到处可看见对称的形式,如蝴蝶、蜻蜓、树叶、花朵等等。
对称的形态在视觉上有自然、安定、均匀、协调、整齐、典雅、庄重的朴素美感,很符合人们的视觉习惯。
所以在人们的生活中,经常会用到对称图形。
例如过节时点的红灯笼,各种各样的标志照片等等。
2、什么是平衡?对称图形由于过于完美,缺少变化,会给人一种呆滞,单调的feel。
所以,人们会在保持平衡的前提下,调节其部分元素,使画面具有变化性。
由于事物在运动中,时常处于不对称的状态,便出现了各式各样的不对称的平衡现象。
如下图。
平衡相对于对称具有更为丰富的形态。
当画面的对称关系被打破时,可调整力的重心使画面达到力的平衡。
力的平衡可分为下方三种情况:第一种:当两个事物相同时,力的重心位于两个事物中间位置,形成了绝对的平衡关系。
我们也称这种绝对的平衡关系为对称。
如下图广告作品中,采用了对称的形式,使画面达到了绝对的平衡关系,给人一种安定平和的形式美感。
第二种:当两个事物量感达到平衡时,形象上可有所差别。
例如下图汽车广告中,位于汽车左右的字母,虽然形象上不同,但却给人相同的重量feel。
这样处理的画面,不仅具有了变化性同时又使保持了平衡性。
【注意】这里说的差别是在保持力的平衡的前提下的差别,是有一定限度的。
第三种:当两个事物量感不同时,可调节力的重心使之达到平衡。
例如下图广告作品中,浅灰色较纯黄色会给人量轻的feel,所以画面在处理时,使灰色的面积大于黄色的面积,从而使画面取得了平衡。
Photoshop CC平面设计实战案例教程 第1章 Photoshop技能掌握
设计思路
1 2
用形状工具绘制招牌图形。 用图层样式制作图形效果,
然后加上文字。
1.4.5 渐变工具
使用“渐变工具” 可以在整个画布或选区内填充渐变色,并且可以创建多种颜 色混合的效果,其属性栏如图所示。“渐变工具” 的应用非常广泛,不仅可以用 来填充图像,还可以用来填充图层蒙版、快速蒙版和通道等。
启动Photoshop 2022,进入主页界面,如左下图所示。新建或打开图像文 件后,进入图像编辑工作界面,如右下图所示。工作界面由菜单栏、属性栏、标 题栏、工具箱、状态栏、图像窗口以及各式各样的面板组成。
1.1.2 设置工作区
Photoshop中的工作区包括图像 窗口、工具箱、菜单栏和各种面板。 Photoshop提供了适用于不同任务的 预设工作区,选择“窗口→工作区” 菜单命令,在打开的子菜单中可以看 到多个预设工作区,默认情况下选择 “基本功能(默认)”工作区,如图 所示。选择所需的工作区后,工作界 面中将显示相应的面板。
1.4.1 吸管工具与颜色选取
使用“吸管工具”可以在图像的任何位置采集颜色作为前景色或背景色。如左 下图所示为使用“吸管工具”设置前景色。如果要使用“吸管工具”设置背景色, 可按住Alt键单击该颜色。选择工具箱中的“吸管工具”,其属性栏如右下图所示。
1.4.2 画笔工具
“画笔工具” 与毛笔类似,选择该工具后,可以使用前景色绘制出各种线条, 还可以修改通道和蒙版。该工具是使用频率较高的工具,其属性栏如图所示。
1.3.4 实例:制作网店产品促销标签
本实例使用图层样式功能制作网店产品 促销标签,效果如图所示。
设计思路 1 使用选框工具绘制基础图形。 2 设置图层样式,得到想要的效果。
1.4 图像的绘制
平面设计中的透视原理
平面设计中的透视原理
在平面设计中,透视原理是一种常用的技巧,通过运用透视来创造深度和真实感,使平面作品更具立体感和逼真感。
透视原理基于视觉中的几何原理,通过模拟人眼的观察角度和距离来表现远近和空间感。
透视原理的主要特点是远近大小和透视变化。
远处的物体会看起来比较小,而近处的物体则显得较大。
同时,物体的边缘会有一定程度的透视变形,呈现出收敛效果。
在平面设计中,通过运用透视原理可以使作品更加立体,丰富视觉效果。
例如,在绘画中,运用一点透视可以使画面中的平面构造更加真实;运用两点透视可以表现出不同角度和视角;而运用多点透视可以表现出更复杂的空间形态。
透视原理也可以应用在摄影和插图设计中,通过选择合适的拍摄角度和视觉构图,以达到独特的立体效果。
在运用透视原理时,需要注意光影和比例的处理。
透视原理中明暗变化是非常重要的,光线的角度和强弱决定了物体的形状和质感。
同时,比例的掌握也非常关键,要确保物体在远离和靠近的过程中尺寸不失真,以保持透视的效果。
总之,透视原理是平面设计中常用的技巧,通过模拟视觉现象,使作品呈现出立体感和真实感。
运用透视原理可以丰富平面作品的表现力,创造出更具视觉冲击力的效果。
平面设计中的对比与重复原则
平面设计中的对比与重复原则平面设计中的对比与重复原则是设计师在创作过程中运用的两个重要原则。
对比原则使得设计更具吸引力和表现力,而重复原则则保持整体设计的统一性和连贯性。
本文将详细探讨这两个原则在平面设计中的应用和作用。
对比原则是指通过对比不同元素的大小、形状、颜色、纹理等属性来创造视觉上的差异和张力。
对比在设计中起到吸引用户注意力的作用,它使得设计作品更加有层次感和动态感。
通过对比,设计师可以强调重要信息、突出主题、加强视觉冲击力。
例如,字体的对比可以使重要的标题更加醒目,颜色的对比可以吸引用户的注意力。
对比的形式多种多样,可以是大小的对比,如大号标题和小号正文;可以是形状的对比,如圆形和方形;可以是颜色的对比,如黑白对比或者亮暗对比;还可以是纹理的对比,如粗糙和光滑的对比。
通过对比,设计师可以在有限的空间内创造出丰富多样的视觉效果。
然而,在运用对比原则时,设计师需要注意两个方面。
对比原则的运用要符合设计的目的和主题,不宜过分夸张或违背设计的整体风格。
对比过多或过于强烈可能会造成视觉的混乱和不适,因此,需要在适当的范围内运用对比,保持整体的平衡和和谐。
与对比原则相对应的是重复原则。
重复原则是指在设计中重复使用相同或相似的元素,以增强整体的统一性和连贯性。
重复可以是形式、颜色、线条、图案等元素的重复。
通过重复,设计师可以打破单调,增加视觉的多样性和动感。
重复原则在平面设计中起到了增强视觉记忆性和一致性的作用。
当用户在设计中看到相同的元素时,他们会自然而然地将其与之前的信息进行联系,从而加深对信息的记忆。
同时,重复还可以形成设计的整体感,使观者感受到设计的完整性和一致性。
例如,重复使用相似的颜色、图案或线条可以构建出一个连贯的设计主题。
然而,设计师在运用重复原则时也需要遵循一些原则。
重复的方式要有巧妙的变化,以免给用户带来单调感。
重复要符合设计的整体风格和主题,不应过度使用或与其他元素冲突。
设计师还要注意重复所产生的空间需求,避免元素之间的重复过于密集或占用过多的空间。
平面设计作业(1)
平面设计作业引言平面设计是一门以二维空间为基础,通过图形、文字、颜色等元素进行视觉传达的艺术。
在本次平面设计作业中,我们将探讨平面设计的基本原理、设计流程以及一些常用的设计工具和技巧。
基本原理构图构图是平面设计中最基本的原理之一。
一个好的构图可以帮助设计作品更加吸引人、清晰明了。
常用的构图方法包括:对称构图、三分构图、黄金分割构图等。
无论采用何种构图方式,都需要注意元素之间的平衡和呼应。
色彩色彩在平面设计中起着重要的作用,可以表达情感、引起共鸣。
设计师需要掌握色彩搭配的原理,如对比色、类似色、互补色等,以及色彩的明暗、饱和度等概念。
通过合理运用色彩,可以让设计作品更加生动、有吸引力。
字体字体选择也是平面设计中的重要环节。
不同的字体风格可以传达出截然不同的感觉,如正式、随性、时尚等。
设计师需要根据设计要表达的概念和情感,选择适合的字体,并注意字体的排版和对比度。
设计流程确定需求在进行平面设计之前,我们首先需要确定设计的需求。
明确设计的目标、受众群体以及传达的信息,这对于后续的设计工作非常重要。
通过与客户或团队的沟通,确定设计的要求和限制。
素材收集素材收集是设计流程中的一项重要工作。
设计师需要收集与设计主题相关的图像、图标、文字等素材。
这些素材可以通过拍摄、采购、下载等方式获取。
合适的素材可以为设计作品增添美感和视觉冲击力。
创意构思在完成素材收集之后,设计师开始进行创意构思。
根据需求和收集到的素材,设计师可以动脑筋想出多种设计方案。
创意构思阶段可以是笔记和草图,并与客户或团队成员交流和讨论,以获得更多的灵感和反馈。
设计制作设计制作阶段是将构思转化为实际设计作品的过程。
设计师使用设计软件如Adobe Photoshop、Illustrator等,进行图像处理、排版和效果添加等操作。
在设计制作的过程中,设计师需要注意素材和文字的合理组合、色彩的运用以及构图的平衡。
完善修改设计作品完成之后,需要进行完善和修改。
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平面设计方法与原理(32课时理论教学)
教学目的:
1、艺术设计的方法与原理是按照艺术设计的基本规律,遵循市场原则,要求学生在系统学习过程中必须掌握的一门课程。
2、通过对艺术设计设计方法与原理的了解,使之能够掌握设计的一般规律,在进行设计的过程中对设计系统的完成有理论的指导意义。
3、完整理解,了解艺术设计学科结构体系,目标清晰。
教学方法:
1、理论与实践教学结合,对重点设计案例通过分析讲解,培养学生思考主观能动性。
2、重点突出,分级讲解,尤其对成熟和著名个案。
3、通过预设个案教学,使学生能够结合自身设计方案,互动交流,有意识培养学生的合作精神。
4、通过教学,培养正确的学习与设计方法、理念
教学内容:
1、设计概论与设计策略
2、设计的整体原则与系统方法
3、设计目标与市场策略
4、设计策划
5、设计个性与共性
6、设计的个别性与系统性
7、设计沟通与表现素质
8、设计方法与设计表现
艺术设计概论
在我国的学科分类中,美术学、音乐学、舞蹈学、戏剧学、电影电视学分别由美术历史和理论、音乐历史和理论、舞蹈历史和理论、戏剧历史和理论、电影电视历史和理论衍变而来。
相应地,与它们相并列的艺术设计学也应该是关于艺术设计的历史和理论的学科。
为了阐明它的研究对象,首先必须弄清楚艺术设计的概念。
艺术设计作为设计活动的一种,和其他设计活动相比,既有共同性,又有特殊性。
一门非常作为有意义的课程,设计方法与原理,就是对艺术设计如何去驾驭思想于各交叉性学科间。
用市场的观念,艺术的方法创造适合人的有价值的产品。
所以,艺术设计的范畴就显得很广泛,的确也是这样,他可以是音乐的,电影的,普通的日常消费品。
这种方法和原理,我认为就是对各种知识运用和把握的程度,包括社会学、心理学、设计学等。
一、艺术设计的概念
设计作为一种人类有意识的活动,其含义是“在正式做某项工作之前,根据一定的目的要求,预先制定方法、图样等”。
设计有两种表现形态:在一些情况下,它只是生产过程的内部因素,产品的原型保留在生产者的头脑中;在另一些情况下,设计是相对独立的活动,生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。
这和艺术创作相类似。
有些艺术创作要先有草稿、草图,而有些艺术创造则不需要草稿、草图,虽然它们也先有设计,那是存在于意识中的形象。
设计和形式的关系特别密切。
设计是形式的守护者,是再现、重造形式的一种机制。
斧子锈蚀了,房屋倒塌了,然而它们的形式保留下来了。
设计要通过生产制作才能获得某种形式,成为有一定的时间、空间和功能特征的产品。
技术设计赋予艺术设计以内容,艺术设计赋予这种内容以形式,这种形式不仅包括产品的外观,而且包括产品的结构。
在某种意义上,艺术设计对于技术设计是第二性的设计,技术设计的产品是艺术设计作进一步改进的对象。
不过,在设计的实践过程中,艺术设计的构思往往在技术设计之前形成。
在人类社会发展史上,设计和生产之间的关系有若干种类型:⑴设计和生产相互适应,它们是统一的行为;⑵设计适应于生产;⑶设计独立于生产,但是对生产的影响很小;
⑷设计独立于生产,并对生产产生重大影响,以至于生产服从设计。
在同一个历史时期中,这些类型中的若干种往往是相互交织的。
设计究竟什么时候成为一种独立的活动,是一个值得研究的问题。
吉尔博特(K.Gilbert)和库恩(H.Kuhn)的《美学史》(纽约,1960)在阐述文艺复兴美学时指出,欧洲在文艺复兴时期设计艺术从艺术领域中独立出来,并成为3种艺术样式——绘画、雕塑和建筑的基础。
艺术家在手工工场中从事设计,而不是创作绘画和雕塑。
艺术家从文艺复兴美学的中心概念——和谐来看待设计,把设计理解为自然界万物的形式。
手工艺者根据他们绘制的图样制作家具、瓷器和织物。
设计成为一种专门的活动。
19世纪末到20世纪初,产生了更新消费产品、更新它们的形式和功能的社会需求,这种需求促使工业领域中的技术设计成为一种独立的活动,而工业自动化对技术设计的独立化产生强烈的影响。
艺术设计是英语design的译名,它是现代工业批量生产的条件下,把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐地结合起来的设计。
艺术设计作为一种职业,是在20世纪初期产生和形成的。
20世纪科学技术的高速发展和新的社会需要的产生,使得产品形式和功能的更新成为自觉的追求。
设计越来越从生产过程中解放出来,明显地、直接地依赖于消费而远离生产。
不是设计为生产服务,而是生产为设计服务。
艺术设计逐步成为协调人和环境、个人和社会、生
产和消费之间的手段。
艺术设计和技术设计都是商品的设计,商品设计调节以商品为中介的社会关系,所以,艺术设计和技术设计都具有社会性。
艺术设计在解决物与物关系的同时,还侧重解决物与人的关系,涉及产品的外观造型、形体布局、操纵安排、面饰效果、色彩调配等属于艺术设计的范围。
艺术设计要考虑到产品对人的心理、生理的作用,从而提高产品在市场上的竞争力。
另一方面,艺术设计又不同于工艺美术和实用美术设计。
它所设计的产品,首先满足消费者的物质需要,以实用功能为最终目的。
它对产品的外形、图案、装饰、色彩的关注,必须以产品特定的功能和内部结构为基础。
它的对象主要不是手工艺品,而是批量生产的工业产品。
艺术设计是艺术、科学和技术的交融结合,集成性和跨学科性是它的本质特征。
艺术设计师和实用美工师的区别在于,后者只是在工程师设计或制作出产品的功能形式和技术形式后,才从事自己的创作。
艺术设计师则相反,他从一开始就和从事设计的工程师(机械设计师、电器设计师)一起工作,因为他对整个产品负责,而不仅仅对产品的艺术性负责。
所以,仅会“画画”决当不了艺术设计师,艺术设计师必须了解生产技术。
(因为)艺术设计是一种文化设计。
他需要对文化史的了解和理解,包括文化的意义。
(比如,对于瓷器的理解为例。
一件茶具,茶碗,画的是浓墨的写意,我们用对产品的文化的理解,过去的产品和现在的产品在使用文化上意义一样,即使现在的茶碗上是印刷的花纹、图形,甚至是写实的照片,它还是用来喝茶的茶具,这种茶具作为一种传承功能的工具,但是,从时间的历史跨度却有着截然不一样观念,因为同样的载体上,古代人,特别是文人墨客,品茶时诗兴大发,就可以随手在器皿上写诗绘画,这是的茶器是一种结合浓厚的文人气息的茶具文化功能,现代在新的印刷技术、照相技术下,写实具有现在时代意义,这种写实具有新的装饰标准,人的情趣发生了变化,并且多样化,这时候我们再来衡量设计的意义和标准时,就必须考虑到多角的因数和设计元素。
这就要看设计的目标对象,设计目标定位就显得特别有意义。
不同的区域市场,不同的年龄目标,不同的文化需求使设计细分具有时代价值,这种价值直观体现在设计和市场层面就是附加值的直观、准确的实现。
)
艺术设计师直接设计的是产品,间接设计的是人和社会。
人、人的外貌和生活方式的设计,是艺术设计师的真正目的。
艺术设计受到文化的制约,同时它又在设计某种文化类型。
艺术设计师通过设计新器物以改变文化价值。
艺术设
计能够产生巨大的经济效益,并对生活方式造成强烈的冲击,所以受到西方工业化国家的高度重视。
长期以来,我国对艺术设计的研究主要集中在工艺美术领域。
艺术设计则要求艺术和技术结合起来。
为了适应现代设计的新要求,湖南大学等工科院校于80年代在我国较早地创办了工业设计专业。
我国对艺术设计理论的研究主要包括3个层次:一是基本理论性的,如设计概念、设计原理一类;二是分述理论性的,如产品设计、织物设计、家具设计、工具设计、装潢设计、传达设计、室内外环境设计理论一类;三是应用理论性的,如造型基础、色彩基础、图案学、材料力学、加工工艺学一类。
艺术设计的百年历史还表明,艺术设计在其发展过程中不断发生变化,变易性是它的一个明显特点。
成立于1919年的德国包豪斯学校专门培养艺术设计人材,它是艺术设计发展史上重要的里程碑。
“包豪斯”在德语中的意思是“建筑之家”,它的历任校长——格罗皮包斯、迈耶、米斯·凡德罗都是著名的建筑师。
艺术设计活动的复杂性和综合性,决定了艺术设计理论的复杂性和综合性。
相应地,艺术设计理论也要综合有关的知识领域,这里有哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等。
以这些知识为基础,才能构建自成体系的艺术设计理论。
艺术设计活动作为一个系统,包括艺术设计创作、艺术设计作品和艺术设计欣赏三个部分。
艺术设计创作至关重要,艺术设计作品的使用价值在消费中怎样实现或者实现的怎样,取决于设计创作。
艺术设计学研究艺术设计同市场和消费需求的关系,艺术设计方法与原理就是研究通过怎样的程式来实现好的设计作品的课程。
在整个教学环节中,我们将通过系统的方法和练习懂得如何进行设计的沟通和实现。
如设计策略、设计定位、设计系统、设计管理的方法、设计与文化、设计与市场(消费)、设计的市场开拓与推广以及设计元素的使用与价值体现等。
练习:设计的内涵诠释,1500字。