拜罗伊特音乐节十年印象

拜罗伊特音乐节十年印象
轰动至此真味何寻？
撰文/David S.C.Liu
2011年瓦格纳歌剧《汤豪舍》的首演之夜，在拜罗伊特小城引起轰动。

小城音乐节每年重温一部瓦格纳作品，今年的形式尤为特别。

第一幕演出结束之时，现场嘘声不断。

观众反应异常吝啬，听不到半点儿回应谢幕的掌声，因为根本没有幕布，何谈谢幕。

舞台布景全然曝露在外，人们所期待的舞美设计悬念，从进场之初便已揭晓。

面对没有幕布的尴尬，有些人嗤之以鼻，有些人则抱着好奇的心态紧紧盯住舞台，试图体味其中用意。

这种演出编排形式绝非传统，令其出彩或引起非议的或许是主办方强调的所谓“实质的概念”。

据演出的发行人兼导演赛巴斯蒂安·鲍姆加滕（Sebastian Baumgarten）介绍：“《汤豪舍》是一次巨大的实验，试图用主人公的英雄形迹及其所招致的否定来表现一个概念，剧
情不再是主导歌剧表演的唯一要素，主人公的表现同样重要。

”
一部分观众被设计坐在舞台上，鲍姆加滕希望他们能始终置身于演出场景，尽情观察表演的进程，哪怕是中场休息的时候，这群特殊观众也能目睹更换场景的整个过程，完全沉浸于故事的氛围与思路，而不被幕间休息所打扰。

第一幕刚一结束，海德堡瓦格纳协会的秘书长盖比·普雷斯顿（Gabby Preston）就抱怨说：“我们无法理解这样设计场景的用意，不但没有幕布，还把观众放在台上。

瓦格纳本人如果看到了，也会彻底否决，这与《汤豪舍》的浪漫情节有任何关系吗？毫无关系！”
实验性改编在争议声中继续，或许这才是问题的关键所在。

笔者2000年首次造访拜罗伊特小城剧院，彼时正值瓦格纳歌剧《尼伯龙根的指环》上演124周年纪念。

时至今日，瓦格纳歌剧的编排与这座古老剧院一起，经历了翻天覆地的变化。

二战以后，《指环》编排最大的改变发生在1976年。

指挥家兼前卫作曲家皮尔·布莱
兹（Pierre Boulez）介绍了当时的新理念：将20世纪当代音乐加入拜罗伊特的演出编排。

当时的反响是轰动的，但这种轰动并非赞赏，而是来自于观众对新式编排的彻底否定。

到了九十年代，时隔20年后，七十年代的创新编排重回《指环》舞台，人们却称之为“现代式的经典编排”，肯定的评价已经形成，不言而喻。

2000年，新一轮《指环》与公众见面，呈现出瓦格纳歌剧在21世纪的演绎形式，舞台设置、舞蹈编排以及戏服设计全部焕然一新。

歌剧演员换上了现代的服装，《女武神》的男主角西格蒙德由普拉西多·多明戈（Placido Domingo）饰演，他当时穿了一套三件式西装，手持步枪，与以往身着宫廷礼服的剑客形象相去甚远。

在2005年《指环》亮相拜罗伊特之时，已经有5部瓦格纳歌剧先后接受了新式编排，趋势已经越来越明显，全新的理念大行其道：引进现代化编排手法，用时下流行的方式解读瓦格纳的初衷。

2007年，理查德·瓦格纳的重孙女——凯瑟琳·瓦格纳（Katharina
Wagner）将《纽伦堡的名歌手》搬上舞台，凯瑟琳接替父亲沃尔夫冈（Wolfgang Wagner）执掌剧院，并向世人再度证实，实验与创新将继续下去。

今年的《汤豪舍》即秉承了这一实验精神。

故事情节主线没有改变：年轻的游吟诗人汤豪舍，既流连世俗之爱又追求纯洁理想的精神之爱，却无法在两者之间找到平衡点。

当他在维纳斯山（Venusberg）与维纳斯为伴之时，内心渴望着伊莎贝拉；而当他返回现实世界，不得不被道德准则约束的时候，又盼望回到维纳斯的身边。

在瓦尔特堡（Wartburg）的歌唱比赛上，为了赢得伊莎贝拉的芳心，汤豪舍被指定吟唱一首纯爱的情歌，而当他开始放歌的时候，满口尽是无拘无束的世俗享受，全然违背了对伊莎贝拉的纯洁之爱。

当他赴罗马寻求拯救的时候，教皇断然回绝了他，斥责其罪行确凿无疑。

苦苦等待、祈祷汤豪舍归来的伊莎贝拉变得日益消瘦，直至耗尽生命。

此时重返故乡、姗姗来迟的汤豪舍只能望着爱人的棺材，不久后黯
然离世。

最终，维纳斯的咒语破灭，汤豪舍只能以伊莎贝拉的死亡来获得救赎。

赛巴斯蒂安·鲍姆加滕：《汤豪舍》
这样的情节完全忠实于传统，而舞台设计却另当别论。

以往的编排大多超脱不了中世纪的环境，而今年，场景设置在一个沼气池中，在那里，腐朽之物被加工变成有机废料。

在维纳斯山的场景中，升降舞台启动，展示出瓦格纳所描绘的炼狱景象，周边环境骤然改变，舞台由代表炼狱的一只大笼子占据，里面关着类人生物以及三只蝌蚪。

如此创新的编排具有震
撼效应，因为人们无法揣测到其中潜在的隐喻。

可以预期，这种编排将在拜罗伊特剧院持续上几年（通常情况下是5年），与歌剧院的经营初衷保持一致：每五年进行一次新的编排，无论先前的版本成功与否。

诚然，目前的版本在不久的将来定会被取代，新的编排将以更匪夷所思的形式出现，以此来激起观众的愤怒。

不过，这正是拜罗伊特近年来所推崇的：为了吸引更多年轻、与时俱进的观众，演出编排的翻新会越来越频繁与积极。

知名乐评家亚历克斯·罗斯（Alex Ross）写过一篇颇有见地的音乐评论，他评价2006年版的歌剧《帕西弗》时讲道：“这种挑衅和激怒的意义在于，假如你批判它，那么你就进入了煽动者（演出的制作人）特意为你设计的角色中。

换句话说，制作人希望你讨厌这种编排，希望你发出嘘声，这样他们的目的就达到了。

”
从另一种角度讲，新一代的观众期待看到新的、与上世纪完全不同的产品，这很容易理
解。

歌剧院不断创新的初衷，究竟是为了迎合年轻听众，还是呼吁社会关注歌剧院堪忧的前景，尚不得而知，也很难衡量。

不过一种氛围已经明朗：老一代的观念逐渐势微，并且如我10年间所看到的，步入拜罗伊特的瓦格纳乐迷中，白发苍苍的长者慢慢变少。

无论如何，瓦格纳谱写的音乐与对白依然如故。

当我为解读舞台设计的玄机而伤神之时，就干脆闭上眼睛，只享受音乐与旋律本身。

对瓦格纳作品的理解无论幻化作何种外在形式，其依托的也无外乎最初创作的音符与唱词，或许这才是其中的真味所在。