舞美设计要遵循什么要素_舞美设计的要素介绍

舞美设计要遵循什么要素_舞美设计的要素介绍
舞美设计是舞台设计中的一个重要组成部分，它的设计可以直接影响表演的效果。

那么，在舞美设计中要遵循什么要素呢?以下是由店铺为大家整理的舞美设计的要素介绍，希望能帮到你。

舞美设计的三要素
三要素之一――环境”。

环境是剧本中规定的时空间的历史、社会、地域、自然、人文……等人物生活的背景材料。

人物、情节、事件、局式的发生都离不开自然环境与社会环境，超越现实的神话也要有仙境或其他假想的幻境。

环境的要素在舞美构思中可以虚拟它，可以不表现但不能不思考，尤其是要找出它众多因素中与该剧的人物、事件、主题联系最密切、最有机的因素是什么，譬如《西厢记》中的普救寺的环境特征，它是世俗以外的净土，动荡社会里的绿舟，在这种超凡脱俗、寂静冷漠的环境里，萌发张生与莺莺热烈的世俗恋情，这种以冷衬热、以出世的景反衬人世的情，使《西厢记》的环境具有独特的审美情趣。

在现代戏中，环境因素有时也是现实生活对艺术家创作的灵感激发。

京剧《焦裕禄》中焦裕禄所在的兰考县经常要与风沙弥漫的艰苦自然条件作斗争，把飞扬的风沙构成点线图案，通用于全剧，以衬托出坚持与自然作斗争的焦裕禄的精神，这是将环境因素转化为精神因素的剧例。

“气氛”是烘托戏剧情感的重要因素，它是设计者展示剧中人物的心理空间，创造浓郁的舞台气氛，通过抒情写意的舞台画面处理，给观众以强烈的情绪感染。

气氛、情绪往往是联系戏剧诸因素的枢纽和核心，从见景生情、情景交融，融情于思、达之于辞，人乎其内、出乎其外，表达了情景、情思、情与内心外在的动态联系。

在京剧《夏王悲歌》和川剧《死水微澜》中，编导与舞台设计主要抓住人物心理空间的表现和开拓，情调气氛的强烈烘托，都在很简练的舞台空间结构的基础上，着力于灯光对舞台气氛的渲染，烘托戏剧情绪和强
化人物心理、情感、意识的流动，找到了创作的切人点，创造了富有特色的有生命力的戏剧演出形式。

评剧《大海潮》是表现郑成功与施琅在国家、民族危亡的关键时刻，展开非常激烈的政见和人性的搏斗，设计者用凝重的舞台画面，浓郁的场面气氛，烘托了这个历史正剧的气势。

《青蛇传》(见《中国舞台美术1983-1998》)，则以神奇的景观，为神话剧创造舞台氛围。

所以，从剧本题材的演出风格出发，也能把握舞台气氛，并作为设计创作契机。

“动作”要素出自戏剧空间结构的功能性和作为行动艺术的戏剧基本特征，它是戏剧中惟一不可舍弃的要素。

传统戏曲简陋的空间与流畅的戏剧动作相得益彰的美学精神，是戏曲舞美设计必须考虑的重要艺术处理参照系。

和戏剧动作更有机联系的是平台(包括转台)，仅举几例：豫剧《大明魂》(见《中国舞台美术1983―1998》)的平台结构，不但构成刑场的场面调度，把行刑台置于后区正中高点上，使主人公在台口的最强区位可以用淋漓尽致的表演发挥，然后从容地从斜坡走向刑台，逐步升高同时走向舞台焦点，使特定环境和人物特定的内心情感、舞台动作产生有机的总体效应。

豫剧《王屋山下》(见《中国舞台美术1983-1998》)是表现在王屋山下的较为闭塞的农村在新时期面临机遇和挑战，歌颂了一代新人的成长。

该剧设计使用了人工机械的土转台，但它的旋转往往并不用在场景的转化，而是强调人物的动作及内心情绪的张扬。

如用转台推出人物静场唱段中的情绪起伏，加强心理节奏。

又如剧中有坐汽车而去的外商代理人，而随后剧中人用摩托和自行车以不同速度进行追赶的三组人物，以不同舞台动作和物象，加上转台的旋转，构成有趣的你追我赶的戏剧场面。

这些都是从人物内在行动和戏剧动作出发，来构想和使用转台的。

所以，这个能局部转动的大平台，既适合于表现商场的嘈杂人流的空间结构，又适用于不同场次的戏剧规定情境和人物动作的需求。

为戏曲使用大平台，而又不失其时空和表演动作的流畅性，进行了可贵的艺术实践和成功的探索。

以上是从舞美三要素的分部特征寻求设计契机，此外还可以将总体特征的意境内涵，与外在的演出形式特征这两个方面，作为设计创作的重要切入点。

浅谈舞美设计
人们一提戏剧就会想起著名的剧目，比如《贵妃醉酒》《霸王别姬》等等，再者会想起著名戏剧演员，比如四大名旦，而很少有人关注舞美设计。

那么舞美设计指的是什么呢?从舞台美术的内容上来看，它包括布景、灯光、化妆、服装、效果、道具等，这些内容的综合设计被称之为舞台设计。

舞台设计的任务是根据演出剧本的内容和演出的其他具体要求，在统一的艺术构思基础上，通过运用多种多样的造型艺术手段，达到创造出剧中环境和角色的外部形象，渲染舞台气氛的目的。

舞台美术是我们欣赏一出戏剧时最直感的造型部分，是我们接受艺术感染最有力的媒介，也是艺术享受和使观众思想潜移默化的重要艺术手段。

舞美设计主要包括舞台布景设计和舞台灯光设计。

舞台布景设计是一项综合性的复杂工作，通常会涉及到建筑、材料、照明、科技及美学等诸方面。

它的风格和形式对于一部剧作来说至关重要，能从根本上影响一部戏剧的风格和样式。

因而，导演和舞台设计师合作的默契与否，舞台布景设计的是否得当，常常会关系到剧作演出的成败。

随着社会的发展，科技的提高，现代科技的许多成果被应用到舞台中来，从而为我们创造了布景、道具越来越精美，气势越来越宏大的舞台奇观。

韦伯的著作《歌剧魅影》之所以获得巨大成功，长盛不衰，除了剧情惊险和扣人心弦的戏剧悬念外，舞台布景的功劳不可抹煞。

变化多端的舞台机关成为它吸引观众的一个重要手段，也许给观众留下深刻印象的莫过于剧中的地下湖场景了。

作为“幽灵”的栖身所在，这个地下湖充满了神秘感和恐怖色彩，玛利亚・布琼森通过声音、光线和各种灯光，为我们传神地塑造了这个虚幻而美丽的世界。

类似电影蒙太奇的手法令这个恐怖的世界不再令人畏惧，使观众对孤独和敏感的“幽灵”有了更深刻的认识。

布景设计可以大致分为两部份：一为布景设计，一为布景制作组。

布景设计当然
是通过布景设计师来完成了。

布景设计师的工作通常来说可以分为以下几个步骤：首先，在详细地研究了剧本之后，将创作概念与导演讨论、沟通，然后把自己的想象与导演的想象结合，找到一个合适恰当的切入点作为创作舞台布景的入手处。

然后就要开始绘制草图，大致勾勒出自己心目中的舞台形象和布置，然后与导演再作进一步的讨论。

接下来，一旦方案被导演和整个创作小组所接纳，设计师就要充分了解演出的剧场，特别是舞台空间及其设备，对需要加以调整和改进的部分有一个准确的把握和认识。

在实地考察结束之后，设计师就要绘制平面图和立体透视图了，在平面图中要准确注明每一幕布景的位置及尺寸，每一个道具的具体摆放时间和位置以及舞台区位的运用等，作为制作装置布景及道具的依据。

同时需要为灯光设计师提供明确的舞台环境，使他们的工作可以同步进行，并根据现实的变化不断加以调整。

最后，在一切都基本确定以后，舞台设计师就可以依照整个装置布景的比例，缩小制作模型，作为进一步制作布景的参考。

布景模型对于剧场其它工作部份有很大参考价值，可以使导演和演员更好地了解所要接触的戏剧环境。

布景制作组的工作相比起来就更为琐碎，他们要在拿到设计师的平面图和立体图后，采购材料，并按照图示制作出符合演出要求的各种布景。

正是整个小组默默无闻的努力，才有了缤纷舞台之上五颜六色的奇妙景观。

舞台灯光又称舞台照明，是舞台美术造型的重要手段之一。

它运用舞台灯光设备如照明灯具、幻灯、控制系统等以及技术手段，在演出过程中，随着剧情的进展和表现人物的需要，以光色及其变化显示环境，渲染气氛，创造舞台空间感、时间感和剧作所要求的意境，并提供必要的特殊效果如风、雨、云、水、闪电等。

正是灯光的存在，使得舞台上立体的布景与运动着的演员统一起来，形成一幅幅移动着的画面。

舞台灯光概括说来，具备以下几种功能：1.视觉照明。

这是灯光的基本功能，使剧场观众得以清楚地观看到舞台的全部和演员们的表演。

2.突出人物。

这项附加功能主要通过舞台追光来实现，用一束明亮的光线扫过较暗的舞台，由于人的视觉原理，自然地会去注意舞台上最亮的区域，从而完成对剧中人物的特写。

3.加强美感。

这项
附加功能需要通过舞台诸因素合力才能够得以实现，在灯光、舞台布景、服装、化妆等多要素的联合作用下，将观众带入一个如梦幻般的氛围，从而对故事发展和行进的戏剧环境有身临其境的感觉。

剧中的灯光一般会由专门的灯光师负责完成，他需要在同创作小组不断协调后，准确掌握演出剧场和舞台所需灯光的数量、灯具的负荷量以及灯光布置的大致位置。

在剧本和音乐以及舞蹈都基本确定并进入排练后，依据剧情和演出剧场的实际条件，设计出最佳的灯光方案。

在进入最后的排练阶段后，作为舞台美术的重要一环，灯光应该参加演员的着装走台排练，检查灯光设计是否有不合理之处，直至最终确定灯光方案。

舞台灯光不仅能够创造浓厚的戏剧氛围，而且有助于形成统一的戏剧风格。

剧作的主题、导演的理念、服装的华美、舞蹈的绚丽，诸多只可意会不可言传的音乐剧精神主要依靠灯光来表现。

作为舞美的重要元素，舞台灯光日益成为成功塑造人物形象、装饰演出舞台的重要手段。

正如著名的舞美设计师罗伯特・埃德蒙・琼斯所说的：“舞台设计是一种风度，一种情调……它共鸣，它加强，它鼓舞，它是一种期望，一种预示，一种张力”。

随着舞台美术在我国民族传统基础上的发展越来越快，成效越来越多，舞台美术的重要性更加显而易见了。

可以预料，未来舞美的设计与体现，将会更加自动化，更加立体化，更加多维化，但是，取得成绩的同时也伴随着诸多问题，比如，继承传统与革新的问题，创作思想与创作方法的问题，艺术和技术的关系问题等等。

这些问题不解决，舞台美术创作就有着盲目性。

因此，作为一名成熟的舞台美术设计师，我们一方面要站在舞美创作第一线上战斗，一方面也要抓紧开展理论研究工作。

从而创造出更多足以能感染观众，带动观众情绪与想象力的优秀作品。

舞美设计的工作程序
(1)设计部门：
包括布景、服装、灯光设计，它将舞台技师(负责布景监制和舞台技术管理)、绘景人员集中一起，列入艺术室的编制，作为创作人员，便于经常和编剧、导演交流。

在专业上加强互相了解，利于提高艺术
合作质量，以及形成学术风格，也有在艺术室的编制下成立美工组，除了剧目的创作排练阶段及个别成员的特殊需要，一般不参加日常的演出。

(2)制作部门：
负责布景、服装、道具的制作和维修工作，大单位有木工、雕塑工、缝纫工、绘制景的辅工，设布景、服装车间，甚至是独立核算单位，完成本单位任务后，承接外活儿，制作人员不参加演出。

一般单位制作部门不齐全，编制在舞台队，和演出部门没有严格的分工，如木工就是舞台装置，缝纫工就是服装管理等，除制作工作外，参加日常演出。

(3)灯光部门：
包括电工和灯光演出管理人员，能从事简单灯具的制作或改装、维修，特殊效果灯具的工作，有时和音响、效果部门合编一组，便于电声系统的统一管理。

(4)服装部门：
戏曲剧团的传统衣箱分“大、二、三衣箱”，各有负责管理人员，通称“箱倌”。

他们要熟悉传统剧目的人物扮相及赶场换装等规律，剧团新编排剧目的演出服装也由他们分戏、分类管理，主要保证演出，由于传统戏装制作难度大，他们一般不能制作。

(5)化妆部门：
传统戏曲后台的“梳头人”与管理“盔箱”的“箱倌”(传统戏曲后台共有五箱：大、二、三衣箱、旗包箱、盔箱)。

他们要精通传统剧目中各行当角色的头饰、扮相，掌握勒头、化妆的高超技能，也有制作头套、修理头盔的能力。

新编剧目也由他们负责女演员的发型，统一底彩、管理头饰以及演员化妆前的后台准备工作。

(6)道具部门：
传统戏曲后台的“旗包箱”的“箱倌”，管理砌末道具中的各类旗子、刀枪把子、灯笼蜡台等手持道具。

他们往往会纸扎工艺，能制作、塑型、敷彩，有时还能帮助制景部门制树木花草及需要塑型的物件。

(7)装置部门：
传统戏曲演出中的“检场人”，对传统戏演出的桌椅换场定位，摆场，“布城”操作，以及“撒火彩”等，具有丰富的演出经验和技能。

新编剧目中负责布景平台装置、迁换。

其中有些人具备指挥装车、装台以至布景监制的能力，可以帮助设计，胜任或分担舞台技师的部分职责。

演出迁换景工作一般都安排演员或剧团行政人员参加，以解决舞美部门人员不足的问题。

(8)音响部门：
包括声控和音响效果，从声控角度和乐队有密切关系，但一般剧团编人舞美部门，便于电声器材的统一管理。

(9)行政管理：
人数少的单位，设舞美队长，下按专业部门分组;人数多的大单位，还设行政管理干部，负责财会及采购，由于他管理着剧团的大量器材、戏装，这些工作也很重要。

因此，在舞美工作程序上，由于剧团规模和完成任务时间的差异，在工作进度上可能有所不同，有些工作环节可能合并或精简，但在主要关节的程序上会大致相同。