2021人教版美术六上《中国画和油画》教学设计

2021人教版美术六上《中国画和油画》教学设计
课堂类型：观赏评述
课时：2课时
教学目标：
1、知识目标：让学生们了解中国绘画的进展史和中国绘画的表现技法。

2、能力目标：增强学生们的知识和对美学的认识，提高他们的审美能力。

3、德育目标：培养学生通过观赏艺术作品去挖掘艺术的真谛。

教学重难点：
1、中国绘画工具都有哪些？各种不同的画法都能表达什么样的思想感情。

2、每幅美术作品都有一定的喻意，它的涵义是什么？
3、画作表现的是如何样的思想感情。

教具学具：课件、课本
教学过程：
一、组织教学：
二、讲授新课：
（一）导入:
把自己预备好的国画作品展现给同学们看，把他们的目光吸引过来。

接下来看过作品后大伙儿都明白那些是国画哪些是油画，问一问同学们想不想明白？今天我就来告诉大伙儿。

2、新授:
（1）分别的介绍作品的内容和具体要表现的含义。

（2）假如你是作者你会把画面设计成什么模样的呀？你都想在画面上画什么呀？
三、引导创新、应用实践
通过今天的美术课大伙儿都把握了什么知识，要想表现作者不同和内心情感。

我们应该用如何样的方向尝试用不同的角度去摸索问题。

假如我要画一幅作品，我应该如何样去表达。

四、反思小结
让同学们自己去总结作品，用自己的观点去说明同时在把握了最差不多的中国绘画的工具和分类外我们更应该进一步的去挖掘更加深刻的东西。

五、研究性作业：
同学们在了解中国绘画的同时让他们自己去书店或家里找一些有关中国绘画的书籍，去总结其创作意图。

教学随笔：通过本节课的学习，让学生们了解中国绘画的进展史和中国绘画的表现技法。

增强学生们的知识和对美学的认识，提高他们的审美能力。

培养学生通过观赏艺术作品去挖掘艺术的真谛。

附：
中国画：中国传统绘画的要紧种类。

中国画在古代无确定名称，一样称之为“丹青”，要紧指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴
画。

近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。

它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。

中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。

中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美乐趣，集中表达了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。

中国画的历史进展：
中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就显现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。

这些早期绘画奠定了后世中国画以线为要紧造型手段的基础。

两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳固统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描画本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在现在萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。

隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之出现出全面繁荣的局面。

山水画、花鸟画已进展成熟，宗教画达到了顶峰，并显现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并显现了具有时代特点的人物造型。

五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描画世俗生
活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。

而文人画的显现及其在后世的进展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。

元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出进展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭仿照，距离时代和生活愈去愈远。

中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中显现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。

国画形式：
中国字画的形式多姿多彩,有横、直、方、圆和扁形，也有大小长短等分别，除壁画，以下是常见的几种。

中堂：中国旧式房屋，天花板高大，因此客厅中间墙壁适宜挂上一幅庞大字画，称为“中堂”。

条幅：成一长条形的字画成为条幅，对联亦由两张条幅配成。

条幅可横可直，横者与匾额相类。

不管书法或手绘，能够设计为一个条幅或四个甚至多个条幅。

常见的有春夏秋冬条幅。

各绘四季花鸟或山水，四幅为一组。

至于较长诗文，如不用中堂写成，亦可分裱为条幅，颇为美观。

小品：所谓小品，确实是指体积较细的字画。

可横可直，装裱之后，适宜悬挂较细墙壁或房间，十分精巧。

镜框：将字画用木框或金属装框，上压玻璃或胶片，就成为压镜。

现代胶片有不反光及体轻的优点。

至于不反光的玻璃，可不能阻碍人对
画面的观赏，因此专门受欢迎。

卷轴：卷轴是中手绘的特色，将字画装裱成条幅，下加圆木作轴，把字画卷在轴外，以便收藏。

扇面：将折扇或圆扇的扇面上题字写画取来装裱，可成压镜。

由于圆形或扇形的形式漂亮，因此有人将画面剪成扇形才作画，然后装裱，别具风格。

册页：将字画装订成册，称为册页。

近代有文具店专门将装裱册页成本，以供人即席挥毫。

册页能够折叠画面各成方形，而与下列长卷有不同之处。

长卷：将画裱成长轴一卷，成为长卷，多是横看。

而画面连续不断，较册页逐张显现不同。

斗方：将小品装裱成一方尺左右的字画，成为斗方。

可压镜，可平裱。

屏风：单一幅可摆与桌上者为镜屏，用框镶座，立于八仙桌上，是传统装饰之一。

至于屏风，有单幅或摺幅，可配字画，坐立地屏风之用。

手绘材料：
中国字画可写在纸、绢、帛、扇、陶瓷、碗碟，镜屏等物之上，常见的有下列几种，壁画不入其列。

绢本：将字画绘制在绢、绫或者丝织物上，称为绢本。

古画卷本虽多，但易被虫蛀，亦被折损，反而纸本更易储存。

绢本看起来较名贵，但
底色不及纸本洁白。

由于绢本绘画前预备功夫较多，故不及纸通行。

纸本：中国字画用纸大致能够分为两种，一种容易受水的是生宣，生宣加了矾水就不易受水，是熟宣。

壁画：古人在墓穴、洞穴、寺壁、宫廷等绘制大幅壁画，许多的壁画遗留至今，成为国宝。

折扇：古人扇画多较细小，以便携带。

但现代人多用巨型扇画做室内装饰物，因此较古人更为有用。

圆扇：圆扇多呈圆形或椭圆形，面积不大。

但也有绢本、纸本之分。

古代宫廷用的大扇或者掌扇，大至高于人齐，现在专门少见。

陶瓷：花瓶、杯、碟、镜屏等器皿，亦有字画制作，所用颜料及制法不同，但字画原理及观赏不变。

器皿：除瓷器外，如日历、灯罩、鼻烟壶甚至现代领带及衣物等，亦有以字画作装饰，而且十分流行，独树一帜。

西方盛行的圣诞卡等，用中国字画作图案者甚为普遍。

工笔：确实是运用工整、细致、缜密的技法来描画对象。

工笔又分为工笔白描和工笔重彩两类。

工笔白描确实是完全用墨的线条来描画对象，不涂颜色。

白描本来大抵是用来打草稿的，宋代画家李公麟把它进展成独立的画种，他的白描如行云流水，变化无穷丰富，有专门强的表现力。

他画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌
肉骨骼的结构清晰，甚至马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，动态极为生动，是古代第一流的白描作品。

工笔重彩，确实是指工整细密和敷设重色的中国画。

在中国绘画的早期，工笔重彩占有要紧的地位。

湖南长沙马王堆汉墓发觉的帛画、差不多上道地的工笔重彩，专门是轪妃墓的T形“非衣”，构图巧妙，线描精细，设色绚丽，显示了当时工笔重彩达到了高度的成就。

古代绘画普遍使用丹砂和青绿之类的重彩颜料，因此称绘画为“丹青”，由此可见工笔重彩在古代绘画中的重要地位了。

写意画：是与工笔画相对而言的一种画法。

它要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。

据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描画嘉陵江的山水。

李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。

吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这能够想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。

这说明那时的绘画差不多有了工笔、写意的区别了。

到了宋代，苏轼提出“士人画”，主张画画“不求形似”，而应写情寄意，以表达作者主观的思想感情。

他留下的绘画作品只有一幅《枯木图》，画一株枯树、一块顽石，石后露出一、二枝竹子，树下几根细草。

这幅画抒发他政治上不中意的思想感情，但大书法家却给以极高的评判，说枝干“虬屈无故倪”，石“亦怪怪奇奇，如其胸中蟠郁也”。

元代以后，笔法简练、造型生动、酣畅淋漓、讲究意趣的写意画大盛。

油画：用透亮的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。

它起源并进展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。

产生15世纪往常欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。

在运用蛋彩画法的同时，许多画家连续查找更为理想的调和剂。

一样认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。

他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描画时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时刻适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。

他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛专门有阻碍。

油画技术专门快在西欧其他国家传开，专门在意大利的威尼斯得以迅速进展。

油画的要紧材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。

①
颜料，分矿物质和化学合成两大类。

最初的颜料多为矿物质颜料,由手工研磨成细末,作画时才进行调和鼻衄内。

近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。

颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。

因而，把握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。

②画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。

③
画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，许多画家也以刀代笔，直截了当用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。

④
画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。

一样做成不吸油又具有一定布纹成效的底子，或依照创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。

布纹的粗细依照画幅的大小而定，也依照作画成效的需要选择。

有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调,作画时还可不经意地露出底色。

通过涂底制作后,不吸油的木板或硬纸板也能够代替画布。

⑤上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气腐蚀和积垢。

⑥
外框，完整的油画作品包括外框，专门是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感受中朝纵深进展。

画框的厚薄、大小依作品内容而定。

古典油
画的外框多用木料、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。

油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。

几个世纪以来，艺术家在实践中制造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现成效。

油画要紧技法有：
①
透亮覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描画。

必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。

例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富成效，这往往是调色板上无法调出的色调。

这种画法适于表现物象的质感和厚实感，专门能活灵活现地描画出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流淌着血液。

它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时刻长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。

②
不透亮覆色法，也称多层次着色法。

作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。

由于厚薄不一，显杰出彩的丰富韵意与肌理。

透亮与不透亮两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅
画作中综合运用。

表现处在暗部或阴影中的物象时，用透亮覆色法能够产生稳固、深邃的体积感和空间感；不透亮覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。

19世纪往常的画家大都采纳这两种画法，制作作品的时刻一样较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描画。

③
不透亮一次着色法，也称为直截了当着色法。

即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感受或对画面色彩的构思铺设颜色,差不多上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后连续上色调整。

这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。

19世纪中叶后的许多画家较多采纳这种画法。

为使一次着色后达到色层饱满的成效，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。

平涂确实是用单向的力度、平均的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。

作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、
线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地表达出来，油画
材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。

油画的制作过程确实是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用能够表达艺术思想、形成艺术形象的技法的制造过程。

油画作品既表达了艺术家给予的思想内容，又展现了油画语言专门油画的进展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，出现出不同的面貌。

油画进展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。

15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的积极要求,许多闻名画家为逐步摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观看和直截了当描画，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描画现实生活的实景。

文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，因此形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。

与此同时，画家还分别探究解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。

人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬时视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个要紧光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。

人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中因此不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分表达出来。

因而，
古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。

古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素专门注重，形成了不同的风格。

文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一覆盖在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的成效。

l.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。

同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，r.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地出现室内外的所有景物。

意大利的提香是第
1个专门注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透亮颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感成效。

17世纪是欧洲古典油画迅速进展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探究，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。

油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。

油画的进展在19世纪有了新的趋向，要紧是油画色彩的变革。

法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的奉献。

他们吸取
了光学和染色化学的成果，以色光混合原明白得决油画的色彩问题。

从19世纪末叶开始，西方油画发生了全然性变化。

传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法差不多达到自躯体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。

油画不再以仿照自然、再现自然为艺术制造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。

艺术家不再通过油画形式如实描画自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。

在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式出现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式表达被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。

例如：忽视色彩而要紧作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡成效的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。

近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家能够制造任意的油画面貌。

随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一个体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为要紧画种的地位的趋势。