外国美术史

外国美术史
在整个绘画世界中，无论是素描还是油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段。

人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒的动物线条，这些线条与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系。

到后来出现明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。

甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。

在古埃及画面经常覆盖着象形文字，在中国是刻写铭文。

加上色彩来点缀图象，勾勒线条和区分它们的各部分。

在欧洲是16世纪，色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓。

在西方，绘画技巧的采用是特殊的欧洲绘画观念的反应。

它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体；或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感；用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。

它们导致独特的西方艺术形式的出现--架上绘画--画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。

这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题，它与文艺复兴崇拜的"美"是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。

这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生--画家朝着视觉真实感的目的靠近--只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。

同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现，在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。

原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。

毕加索说:"画钩是绘画的祸根，"绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。

艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。

两者都有延续性和变化，而发展却不同。

在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。

不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。

诚然，艺术史比文学史的时间长得多。

很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。

伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。

它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。

一、辉煌的文艺复兴时期
1.文艺复兴时期简介
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。

它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。

"文艺复兴"的原意是"在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴"。

其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。

这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。

当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。

实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。

人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的
束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。

文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

2.意大利早期文艺复兴时期
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。

在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。

这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。

体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

（1）佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。

他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。

代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。

借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。

在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。

B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。

他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。

他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。

架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。

布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。

他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。

他对绘画发展做出了不可估量的贡献。

他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。

借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。

C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。

多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。

代表作品：
《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。

多纳泰罗运用古希腊人创立的"对应"构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。

这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。

《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。

在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。

代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。

不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。

人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。

在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。

这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。

真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。

E：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的"全才"，他非常重视数学这门科学对美术的作用。

关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。

对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。

（2）意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。

A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。

这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。

在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。

代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。

B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。

在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。

与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。

代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。

借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。

C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。

在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。

梅西纳的作品，
笔法柔和，色彩明快，情调宁静。

代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。

3.意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。

正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。

这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。

文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。

他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。

他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。

不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。

他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。

在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。

在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。

推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。

通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。

（1）达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da V inci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。

他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。

美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。

把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。

代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。

《蒙娜·丽莎》(约1503--1506)
达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。

蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。

这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。

（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。

在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。

不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。

或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。

在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。

代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。

在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象
时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。

（3）：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。

安格尔称他是绘画之神。

拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。

他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。

平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。

在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。

纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。

因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:"他本人成为所有后代画家的样板。

代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的"神的世界"。

这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。

（4）：提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。

其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。

在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。

它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。

A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。

他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。

成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。

代表作品：《戴荆棘冠的基督》(约1570)，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。

这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。

这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。

油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。

在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。

创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。

在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。

浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。

在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。

（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。

文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。

萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了"完美画家"的称号。

代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。

那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。

4.样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。

在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。

意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。

总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。

他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。

出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。

但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。

这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。

国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。

佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。

在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。

（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。

代表作品：《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。

他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。

整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。

（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。

罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。

代表作品：《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。

几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。

画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。

（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。

他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。

他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。

代表作品：《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。

暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。

5.意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。

由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏
陶，宗教气息十分浓厚。

文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。

与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。

（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为"低凹的土地"，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。

尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。

14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。

百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。

佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。

在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。

14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。

有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。

《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。

其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。

这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。

饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。

尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。

他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。

（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。

这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。

1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。

德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。

画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。

15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。

画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。

他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。

这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin
Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。

德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。

在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。

他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。

德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Y ounger,约。