编曲知识集锦(
编曲的基础知识
编曲的基础知识
一、乐理基础
1、音程：音程是指两个音之间的音高差距，也就是两个音之
间的关系，比如半音、全音、大三度、小三度等。
2、节拍：节拍是指音乐中的一系列节奏，它是由一系列的节
拍组成的，比如2/4拍、3/4拍、4/4拍等。
3、节奏：节奏是指音乐中的一系列音符，它是由一系列的音
符组成的，比如八分音符、六分音符、四分音符等。
4、和声：和声是指将多个音符组合成一个完整的音乐结构，
它是由一系列的和弦组成的，比如三和弦、五和弦、七和弦等。
二、作曲技巧
1、和声变化：和声变化是指将原有的和声变化成新的和声，
比如从三和弦变化到五和弦、从七和弦变化到六和弦等。
2、旋律变化：旋律变化是指将原有的旋律变化成新的旋律，
比如从简单的旋律变化到复杂的旋律、从慢的旋律变化到快的旋律等。
3、节拍变化：节拍变化是指将原有的节拍变化成新的节拍，
比如从2/4拍变化到3/4拍、从4/4拍变化到6/8拍等。
4、音色变化：音色变化是指将原有的音色变化成新的音色，
比如从清脆的音色变化到浑厚的音色、从柔和的音色变化到刚劲的音色等。
编曲乐理知识
编曲乐理知识乐理中所说的“编曲”，按照我国专业音乐领域对于词汇的运用与工作方式来理解(就普遍现象而言)，是指结合音乐制作(Music production)的编配(Orchestration)方式。
下面就跟随店铺的步伐一起来了解一下编曲的相关乐理知识吧!编曲乐理知识(一)“编曲”，按照我国专业音乐领域对于词汇的运用与工作方式来理解(就普遍现象而言)，是指结合音乐制作(Music production)的编配(Orchestration)方式。
它并非只是从乐器、音色搭配的角度为乐曲进行的编配，也不是单指用电脑及软硬件实现音响效果的制作。
这使得“编曲”这个词更像是一种职业、工作名称，而不是某音乐概念与作曲技术。
编曲乐理知识(二)负责编曲的作曲者可以说是商业歌曲领域的核心人物。
因为他们可能是整个商业运作中唯一懂作曲的人。
工业化的商业运作也使曲调创作(谱曲、歌曲写作：Song writing)成为了另外的人。
还有更细化的分工，可能一首歌的各个声部与音乐要素会分配给不同的人作曲。
比如一个人负责创作曲调与和声，一个人负责创作弦乐队声部，一个人负责创作电声乐队声部，一个人负责创作打击乐声部等。
部分作曲者也会以营利为目的，面向大众、企业等做一些音乐生意。
大部分没接受过音乐教育与作曲训练的大众只有对于曲调的感觉，仅仅是可以哼出一些简单的曲调，而没有能力作曲、制作来完成音乐的创作与音频的生成。
因为曲调无法体现完整的音乐形态，也决定不了音乐内容。
所以他们就会付作曲者一些酬劳进行编曲。
很多人一想到“编曲”这个词语就会联想到从事流行音乐创作中的某种职业或工作。
其实二者并没有必然联系，也有可能是商业运作导致的习惯上的认识。
作曲者所编配的音乐可以是流行音乐，也可以是古典音乐、民族音乐或其他音乐类型。
只制作不作曲的人一般被称为“MIDI工程师”。
注：国内娱乐性质的商业歌曲作者写法绝大部分并不专业，“作曲(Compose/Composition)”指的是创作音乐的过程与创作音乐的行为，所以对于音乐作品来说“作曲”表示的是完整音乐作品的创作，相对专业的音乐领域会明确标注参与作曲、制作、录音、演奏等的人员及其参与的部分。
音乐编曲知识：编曲中应避免的一些和声错误
音乐编曲知识：编曲中应避免的一些和声错误在音乐编曲中，和声是非常重要的一个部分。
和声指的是不同音符在同时发出时所形成的和声效果，它可以使整个曲子更加丰富和动听。
而和声的错误使用则会使曲子失去重心，给人不协调、不和谐的感觉。
因此，在编曲的过程中，必须学会避免一些和声的错误。
一、单纯和弦单纯和弦（Simple Chord）指的是只使用三个音符构成的和弦，包括主和弦和属和弦。
一些初学者喜欢只使用单纯和弦，而避免使用其他和弦，这会使整个曲子缺乏转调的变化，难以体现曲子的情感和表现力。
为了避免这种错误，在编曲的过程中需要学会使用其他类型的和弦。
比如七和弦、九和弦、变化和弦等，这些和弦不仅可以增加曲子的变化性和丰富性，还可以使曲子更加有层次感和情感感染力。
二、和声平板和声平板指的是所有和弦都是同样的旋律构成，没有转化和变化，整个曲子听起来很平庸，没有激情和感情色彩。
在实际编曲中，切勿使用这种和声类型，否则会使曲子显得很乏味。
为了避免和声平板的错误，需要深入了解和声变化原理，学会使用不同的转调和调性来改变音乐的情感和表现方式。
此外，也可以巧妙运用音乐节奏、音高等元素来改变和声效果。
三、和声过于简单有些编曲者在处理和声时，喜欢使用相同的旋律构成和弦，这会使得整个曲子的和声过于简单，难以体现出曲子的情感和表现力。
为了能够使曲子更加丰富、动听，必须合理使用多种和弦类型，创造出新颖、独特的旋律和节奏。
四、和声时序不合理在编曲时，必须掌握合理运用时序的技能，否则会出现和声时序不合理的错误。
比如在和声过程中，节奏的强弱应该合理运用，否则会使曲子的整体感觉失衡。
对于和声时序不合理的情况，可以学习使用音乐节奏、速度掌握、和声配合等技巧来解决。
通过练习，不断积累，提高应对各种和声变化的能力，能够更好地处理和声问题，使得曲子效果更加完美。
总结在音乐编曲过程中，和声是不可忽视的一个部分，合理的和声运用可以令曲子更加和谐、动听。
在编曲中需要注意避免单纯和弦、和声平板、过于简单、和声时序不合理等一系列和声错误。
编曲需要掌握的知识
编曲需要掌握的知识
1. 音乐理论：理解调式、和弦进行、节奏、音高等基础理论知识；
2. 和声学：了解声音之间的关系，如和弦的构成、和声规则等；
3. 乐器的音色特点：对不同乐器的音色和演奏方式有一定的了解，以便能够合理选择和使用乐器；
4. 曲式结构：了解不同类型曲式的特点和结构，如ABAB形式、ABCD形式等；
5. 编曲技巧：掌握编曲中常用的技巧，如变调、分声部编写、和声处理等；
6. 数字乐谱：能够阅读和编写数字乐谱，用以记录编曲的过程和音乐思路；
7. 软件运用：熟悉音乐制作软件，能够运用软件进行编曲和音色设计；
8. 听音技巧：具备辨别和分析音乐，以及评价音乐作品的能力；
9. 合作能力：能够与他人合作，在音乐制作中协调沟通，使得编曲作品更加出色。
这些是编曲所需要的一些基本知识，掌握这些知识将有助于提高编曲的水平和质量。
当然，编曲还需要不断的实践和经验积累。
编曲要会哪些乐理知识
编曲要会哪些乐理知识编曲需要的基础乐理知识—方法1.分解和弦如果善用分解和弦，相当于开发了一个和弦的更多可能性。
是否决定键盘部分总是弹些三和弦、七和弦的很僵硬呢?通过开发分解和弦，上行、下行、删去一些音、加上一些音——任何好听的组合方式，这样开发出的琶音们虽不在节奏上有明显作用，但往往是一段好旋律的开始。
并且，由于这是从和弦演变来的旋律，它也会妥妥地位处和声进行中，不必担心“跑调”。
图中例子的前4小节和后4小节就是僵硬的和弦与灵巧的分解和弦的效果对比。
2.和弦转位以根音为最低音的和弦叫原位和弦，如果以三音、五音或者七音为最低音的时候叫做和弦转位。
转位时通常“被转位”的音会产生八度变化，听上去更灵气的同时，八度的调整也能丰富编曲的频谱，使整体听上去更加悦耳。
图中例子用的是C,D,Eb,F和声进行，同样是前4小节与后4小节做了对比。
感兴趣的你可以打开DAW或在键盘上试一试，感受其中的不同。
3.低音的变化最常见的贝司编曲方式就是走和弦的根音，由于其乐器的音域特性，通常也是扮演最低音的角色。
那么贝司老走低音这种寻常的，或者说不动脑子的路线，肯定是难以出彩的，何不试试多尝试一些变化呢?4.模式≠音阶“模式(mode)”可能对于你来说是一个比较新鲜的概念，但它能让你对音乐有一个全新的视角。
音阶的概念大家都很熟悉，从简单的小调音阶、大调音阶到各种不同地域、人文、演奏乐器所相关联的音阶。
但模式究竟是个什么东西呢?其实很简单：C调大调音阶(CDEFGAB)，太常见不过，有什么好研究的呢?如果你试试将演奏开启的音换一换位置，不从C开始呢?打开工作站，先弹奏C调大调音阶(CDEFGAB)，然后从D开始弹奏，或者F开始。
这种音阶用作极简音乐的loop会非常适用。
5.单音也可以很有魅力写旋律是比较苦的差事，但如果节奏足够牛掰，你所需要做的就是弹一个音就足矣。
试着在主歌部分就弹一个音，在桥段加一些音引入副歌。
这种方法能让你集中能量于节奏律动和音色音效上，而不是总把筹码压在旋律创作上。
编曲必备知识大全
编曲必备知识⼤全站长导读学习编曲究竟要学习什么知识呢？本篇⽂章总结了编曲必备知识、回复⽂章前序号，例如：1,2,3……快速查看近期推送⽂章，回复“⽬录”，还能快速找所有的⽂章分类⽬录。
正⽂如下⾸先，枯燥的乐理我就不细讲了（←你⾃⼰不想吧？！），只是定性概括地说⼀些东西，东拉西扯什嘛的。
编曲，主要就是和声织体的编写，来更好地烘托主旋律。
和声⾃然是重中之重（T→S→D→T、和弦功能和倾向性、和弦的变化什么的纯理论上的东西我就不⼀⼀累述啦），⽽和声的表现形态和表现⽅式有很多种，通过不同的⾳⾊、不同的演奏⽅式巧妙地融合互补。
除此之外，还有复调⾳乐的应⽤（理论之类的我也就先不啰嗦了）。
所以，我就先从织体编写⽅⾯，胡诌些编曲技巧上的认识吧。
和声乐器的织体表现形态分为两种：静态和动态。
静态，也称和声形态，乐器主要是以持续性的和弦长⾳演奏，很多歌曲中⽤到的pad铺底、弦乐等就是这种形态，可以根据实际情况选择演奏单⾳、⾳程或是和弦，这主要取决于你对织体厚度的要求（当然总的原则是上秘下疏中不空）。
和声乐器主要⽤于融合各种⾳⾊，增加氛围感和⽴体空间感。
动态，也称节奏形态，乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏⽅式填充织体的内声部层，使⾳乐获得前进的推动⼒，节奏型的适当变化可以使⾳乐增加活⼒和感染⼒，更好地表达情绪的变化。
接下来说⼀下Bass。
Bass的写作⼒求得到的是⼀个清晰流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲，注意好⾳程关系，⽽作为低⾳乐器，跳进往往⽐级进更能得到清晰明朗的效果，若使⽤级进，则连续下⾏效果会⽐较好。
从织体上讲，应处理好Bass和底⿎的关系，尽量避免低频碰撞。
从⾳⾊上讲，注意搭配底⿎和Bass的⾳⾊就⾏。
从⾳区上讲，低⾳下潜越深越好，但也要注意Bass的⾳域，保持⾳⾊的清晰度。
在和弦⾳的重复中，低⾳重复也是要注意的，如果和声乐器的低⾳⾳区与Bass演奏⾳区相接近，这时，两者的低⾳最好相同（其他低⾳乐器也是⼀样），这样可以加强低⾳声部，反之容易混淆，织体表达不清晰。
编曲的专业术语
编曲的专业术语1.序曲Overture：一首管弦乐曲，用于引出整个作品。
2. 前奏曲 Prelude：一首独立的音乐作品，用于引出下一首乐曲。
3. 引子 Incidental music：为电影、戏剧、电视剧等提供的音乐。
4. 和声 Harmony：指音乐中同时 sounding 的不同音符。
5. 主旋律 Melody：指一首曲子中最主要的旋律。
6. 乐章 Movement：一首大型乐曲中的部分，通常包括多个乐曲。
7. 交响曲 Symphony：一种大型管弦乐曲，通常由四个乐章组成。
8. 奏鸣曲 Sonata：一种小型管弦乐曲，通常由三个或四个乐章组成。
9. 重奏协奏曲 Concerto：一种大型管弦乐曲，通常由三个乐章组成，包括独奏乐器和管弦乐队。
10. 前奏曲 Preambule：一种短小的乐曲，通常用于引出另一首乐曲。
11. 狂想曲 Rhapsody：一种自由主题的管弦乐曲，通常由一个乐章组成。
12. 小夜曲 Serenade：一种轻柔的管弦乐曲，通常由多个乐章组成。
13. 练习曲 Etude：一种强调技巧的钢琴曲，通常由一个乐章组成。
14. 奏鸣曲 Sonatina：一种比较小型的奏鸣曲，通常由三个乐章组成。
15. 前奏曲 Prélude：一种短小的乐曲，通常用于引出另一首乐曲。
16. 行板 Andante：一种缓慢的乐曲，通常用于表达情感。
17. 速度 Tempo：指乐曲的速度，通常用意大利语标记，如Allegro（快）、Adagio（慢）等。
18. 节奏 Rhythm：指乐曲的节奏感，通常由不同强度的拍子组成。
19. 旋律主题 Motif：乐曲中的一个小旋律，通常由多个音符组成。
20. 合奏 Chorus：指多个乐器或歌手一起演奏或唱歌的状态。
幼儿编曲常用知识点总结
幼儿编曲常用知识点总结一、基本概念1.编曲：是指根据音乐作品的要求，通过音乐学的知识和技术手段，将音乐用符号表达出来的过程。
2.乐器编曲：是指把音乐作品通过乐器表现出来的一种形式，是音乐创作中的一种重要环节。
二、基本技能1.乐器演奏技能：掌握各种乐器的演奏技巧，包括钢琴、吉他、小提琴等常见乐器。
2.音乐理论基础：掌握音乐基本知识，包括音名、节拍、音符、音程等。
3.曲式结构：了解不同曲式（如奏鸣曲、交响曲、协奏曲等）的结构特点和演奏方法。
4.编曲软件运用：熟练掌握各种编曲软件（如Finale、Sibelius等）的使用方法。
5.音色搭配：熟悉各种乐器的音色特点，能够进行合理的音色搭配。
6.合唱编曲：掌握合唱作品的编曲技巧，包括声部的安排、和声的处理等。
7.指挥技巧：掌握基本的指挥技巧，能够指导乐队进行规范演奏。
三、常用知识点1.和声编曲：懂得和声编曲的基本方法，包括和弦的进行、声部的安排等。
2.节奏编曲：熟悉各种节奏的编曲技巧，包括打击乐的节奏、舞曲节奏等。
3.音乐形式：了解不同音乐形式（如AB型、三段体、变奏曲等）的特点和编曲方法。
4.旋律编曲：了解旋律编曲的基本技巧，包括旋律的构思、发展和呈现等。
5.器乐编曲：掌握各种器乐（如管弦乐、室内乐等）的编曲技巧。
6.声乐编曲：了解声乐编曲的基本方法，包括声部的分配、技巧的运用等。
7.和声编曲：熟悉和声编曲的基本原则，包括和弦进行、和声转向等。
8.变奏曲编曲：了解变奏曲编曲的特点和方法，包括变奏的处理、形式的设计等。
9.交响乐编曲：了解交响乐编曲的基本要求，包括管弦乐队的配器、交响乐形式的特点等。
10.弦乐编曲：掌握弦乐编曲的基本技巧，包括弦乐的音色搭配、技术要求等。
11.管乐编曲：熟悉管乐编曲的基本原则，包括各种管乐的音色特点、演奏技巧等。
12.合唱编曲：了解合唱编曲的要求，包括声部的分配、和声的处理等。
13.声部编曲：掌握声部编曲的技巧，包括声部的分配、处理、发展等。
编曲知识集锦精编版
编曲知识集锦精编版编曲知识集锦公司标准化编码 [QQX96QT-XQQB89Q8-NQQJ6Q8-MQM9N] 编曲知识集锦（精品必读）我会在以后陆续转发一些编曲方面的精品好文各种情绪的管弦乐编曲手法作者：飞鹏管弦乐队的写作及编配手法经过了多年的发展，已经非常成熟。
作曲大师在需要表现某种特定的情绪时，可以非常熟悉地运用相应的乐器搭配、和声功能、力度变化等手法来表现相应的情绪，完全可以达到顺手拈来、驾驭自如的境界。
对于刚刚开始管弦作品的制作来说，因为成为大师胡一个过程，所以必须在音乐制作的过程中注意积累，及时总结出一引起常用、衫的音乐表现手法，很好地通过音乐向听众传达相应的情感。
由于每个人对音乐的理解都有其独特之处，不可能象套数学公式那样，对应一种作品情绪就有一种具体的表现手法。
但我们可以适当总结出一些有共性的东西。
比方说，可以参考其他音乐人对某一种情绪的理解及所运用的手法，将其中有共性的内容加入到自己的作品之中，丰富自己的作品内容；或者从模仿他人的音乐手法入手，逐渐形成自己的独特表现手法。
下面的内容誻对应一部分音乐情绪，总结出来的一些表现手法。
大家可以在需要灵感的时候，适当参考其中的内容。
可以把这部分内容视作编曲情绪速查手册。
当然，对于我们大家来说，更重要的是经常总结自己的音乐制作体会，拥有一套自己的“情绪表现手法速查手册”。
一、宽音域气势磅礴的作品1、让每个乐器组都参与演奏，让每个音区都充满音符，同时注意音响平衡。
2、通过叠奏来加强声音的厚度与密度。
3、在小号组及长号组使用三音符的完整和弦。
4、充分利用整个管弦乐队的音域，从最低音到最高音都不要放过。
5、尽量发挥打击乐器的动态，特别是低音鼓、定音鼓及钹。
6、通过多种乐器的叠奏来突出旋律线条。
7、使用极强乃至最强的力度。
二、含蓄的作品1、使用适当的音域范围，通常不需要使用管弦乐队的全部音域。
2、对于旋律乐器的选用，在弦乐组可以使用小提琴独奏、中提琴独奏或大提琴，在木管组可以使用长笛独奏或单簧管独奏，双簧管或英国管也是不错的选择。
编曲需要的乐理知识
编曲需要的乐理知识编曲需要的乐理知识一首歌曲作品能够最终成型，编曲是很重要的。
想要成为好的编曲人，那么必要的乐理知识必须要懂。
下面小编为你整理的编曲需要的乐理知识，希望对你有用。
编曲必须的乐理知识1、读词领会词义与思想感谢。
(词的情感也就是曲的情感)同时通过词表达的情感，我们能够确定歌曲的调性(比如大小调等)以及音乐风格。
2、分析词的结构(词的结构划分决定曲的曲式结构)同时在词句中划分节奏也就是为词设计节奏。
这一点是要靠平时多练、多研究、积累了经验后，才能设计得更好3、设计音乐主题音乐主题是音乐的呈现部分。
在大型的乐曲里，有时是一个乐段都是音乐主题。
而在我们的流行歌曲里面，一般歌曲的前一个乐句作为歌曲的主题!音乐主题就像一颗种子，它的好坏优劣决定着它是否能成长成大树。
所以一首好的歌曲都是一个好的主题发发展出来的!所以写好音乐主题很关键!4、发展主题完成音乐我们设计好了音乐主题后，我们就根据这个主题去发展，最后成为一首完整的音乐!那我们如果去发展呢!在作曲的基本法里有(起、承、转、合)所谓“起”就是我们所说的呈现的音乐主题所谓“承”就是承接的意思，也就是说，歌曲的第二乐句承接了(“起”就是主题的乐句)在作曲技术上称为(重复)有时是变化重复。
重复手法是作曲技法里最主要的发展手法，这也是比较常用的一种手法。
所谓“转”也就是转变，它的乐句和前两个乐句产生了强大的对比，曲风的变化使人耳目一新，从而使原来的主题乐句扩大了发展的空间，使音乐不断向前发展!这就是(对比法)也是常用的手法之一，(它的对比是，跟前两乐句间，节节奏的对比，音乐高的`对比等等)其实音乐就是在不断地重复和对比中进行的。
即有冲突又有统一。
所谓“合”就是合在一块，也就是概括总结的意思!这一句总结了前三句的曲风!它的做法是：有时是再现了“承”的部分(让人加深对主题曲的印象)、有时是把“承”和“转”设计合在一起成为“合”使歌曲完整统一。
(起、承、转、合)作为作曲的基本法，指导着音乐的创作与发展!它不但是乐句与乐句间的发展手法，同时也是乐段与乐段间甚至是乐章与乐章间的发展手法!学音乐需要学习乐理知识的原因一.乐理知识对其他音乐课程的影响乐理知识能不能学好将会直接作用于其他有关于音乐的课程学习。
音乐编曲知识：编曲中的旋律设计技巧
音乐编曲知识：编曲中的旋律设计技巧编曲中的旋律设计技巧旋律是音乐的灵魂，是音乐最为关键的部分之一。
编曲是将旋律进行再造、优化和增强的过程，旨在创造出独特而富有感染力的音乐作品。
在编曲过程中，旋律设计是至关重要的一环，其有助于提升作品的吸引力和听感。
在本文中，我们将讨论一些高效而有用的旋律设计技巧，希望能够帮助你创作出更好的音乐作品。
1.有意义的旋律线首先，有意义的旋律线是必不可少的。
为了创造一个令人难忘的旋律，你需要考虑旋律线的起伏、高低、起终点、音符长度和旋律模式等因素。
一个好的旋律应该能够引起听众的共鸣，让他们印象深刻并难以忘怀。
这就要求我们在设计旋律时，考虑到旋律对人的情感和感官的影响。
要设计一条有意义的旋律线，需要先了解创作的音乐类型，根据音乐类型进行针对性创作。
2.创建动态的旋律线一个动态的旋律能够自然而然地引领听众的情绪，这就是为什么动态的旋律线被视为音乐极为重要的设计元素之一的原因。
要创建一个动态的旋律，需要考虑旋律线的起伏、高低、连续性、节奏感和运动感等方面，这些都有助于吸引听众的注意力并让他们被带动起来。
同时，通过在旋律线的不同部分使用不同的节奏，也可以使旋律更具有动态感和魅力。
3.利用空隙和弱节奏另外，空隙和弱节奏也是设计旋律线的常见技巧，它们能够使听众在旋律创作中获得感性的体验。
从音符的音量和长度到旋律线的起伏，创造空隙胜过直接铺设音符。
弱节奏则是指在较弱的拍子上使用复杂的音符或不寻常的定位，这种技巧可以使旋律更具有多样化和音乐性。
通过利用空隙和弱节奏，你可以使旋律的设计更加清晰、有力和有趣。
4.创造反复出现的主题此外，创造反复出现的主题也是一种高效的旋律设计技巧。
一个与主旋律相似的重复主题可以使听众更容易记住旋律，也可以将旋律更好地与主题有机地融合在一起。
通过使用主题的重复出现，你可以强化旋律的主题，使其更具有感染力和影响力。
5.选择合适的音色最后，选择旋律所使用的合适音色是一项非常重要的设计决策。
音乐编曲知识：编曲中的音符技巧与音色
音乐编曲知识：编曲中的音符技巧与音色音乐编曲是音乐创作的重要环节之一。
在编曲过程中，音符技巧和音色的运用对于音乐的质量、感染力以及表现形式都有着至关重要的作用。
在这篇文章中，我将从音符技巧和音色两方面分析音乐编曲中的重要性和具体方法。
一、音符技巧1.速度和力度在编曲中，速度和力度是衡量音符技巧的重要指标之一。
音符速度可以决定乐曲的基调和节奏，而力度则能使乐曲表现出不同的情感和氛围。
快速和强烈的音符往往能够带来兴奋感和激情，而缓慢和柔和的音符则能够带来舒适和放松的感觉。
2.节奏和韵律节奏和韵律是将音乐编曲内容转化为真实音乐的关键。
一个好的节奏和韵律可以引导听众进入音乐中，感受音乐的情感和氛围。
在编曲中，要注意节奏变化、韵律变化、节拍等方面，使音乐表现得更加生动和细腻。
3.音高和和声音高和和声是音乐编曲中最关键的技巧之一。
音高的高低决定了音乐的调性和基调，而和声则是在音乐中加入不同的声音和音调，让音乐更加多样化和丰富。
在编曲中，要细心处理音高和和声关系，使音乐听起来更加协调和和谐。
二、音色音色是音乐编曲中常用的技巧之一。
不同的音色可以使乐曲表现出不同的情感和氛围，让音乐更加多样化和丰富。
在编曲中，需要用到的音色包括打击乐、钢琴、吉他、管乐、弦乐等等。
1.打击乐打击乐是一种节奏感极强的乐器，可以带给人们强烈的视觉和听觉感受。
在编曲中，打击乐往往用于节奏鲜明的音乐中，如热闹的节日庆典、激烈的球赛等等。
同时，在编曲过程中，需要注意打击乐的音量、力度和节奏，以达到更好的效果。
2.钢琴钢琴是一种音色浑厚、声音高雅的乐器，通常用于柔和、温馨、悲伤等情感表现。
在编曲中，钢琴往往用于情感深厚的场景中，如哀悼、回忆等。
钢琴演奏的重要指标包括演奏速度、演奏方式以及音量力度等。
3.吉他吉他是一种节奏感强烈，音色轻盈的乐器，通常用于明快、轻松的音乐场合，如流行歌曲、轻音乐、民谣音乐等。
在编曲中，需要注意吉他的演奏技巧，如和弦变化、速度、节奏等等。
音乐编曲知识：编曲中的音乐合成技巧
音乐编曲知识：编曲中的音乐合成技巧编曲是音乐制作过程中至关重要的一步，不仅可以使曲子更加立体丰富，更能使得曲子更具有前卫感和现代性。
而音乐合成技巧又是编曲中必不可少的一部分。
本文将详细介绍编曲中的音乐合成技巧。
一、声音源的选择在编曲中，我们最基本的元素是声音，因此选择声音源非常重要。
我们可以使用采样、合成和录制。
采样即是在市场上购买一些样本并进行调制。
而合成则是用合成器（Synthesizer）通过电波波形产生声音。
录制则需要摄录一些插有设备的乐器演奏声音。
二、掌握滤波器的技巧滤波器可以帮助我们调整声音的高低频率，给声音加上不同的调节，使得它的音色更具特色。
滤波器通常分为四种：低通滤波器、高通滤波器、带通滤波器和带阻滤波器。
不同类型的滤波器可以让音乐制作人得到不同的音色效果，听起来更加丰富多样。
三、使用ADSR来控制音量和声音的持续时间ASDR可以调整声音的响度、持续时间和衰减速度。
音乐编曲时使用ADSR可以令音乐节奏更加的顺畅，让听者更加舒适的接收音乐的感受。
设置ADSR几个因素的调整，结合合成器等技术可以创造出让听者完全不同的音效体验。
四、使用声音特效制造音效有时，比起单纯的音符序列，音效能够为音乐加上比较直观的感受和氛围。
举例说明，添加混响（Reverb）可以为乐器增加生动感或者自然感。
相同的，添加压缩（Compression）技巧可以让音乐更加地凝厚、富有强度。
五、注意声音的分工在音乐编曲中，要注意每个乐器或者声音部分所占的位置，轻声部分需要安排到背景中，重声部分需制造新鲜感。
同时要创造多重声部，支配每个声部在当前音符上所要展现的情感。
六、使用MIDI控制器MIDI控制器可以实际地控制演奏音乐时一个或多个MIDI设备，通过实时进程来调整乐曲的音效和效果。
MIDI控制器通过多种方式对MIDI设备发号施令，让我们通过一个MIDI设备来调整和控制多个设备，丰富音乐效果和体验。
七、注意各种音乐风格的特别之处不同的音乐风格有着不同的特性，需要针对不同音乐风格规避和使用不同的音乐合成技巧。
音乐编曲知识：如何在编曲中处理不同音乐节奏感
音乐编曲知识：如何在编曲中处理不同音乐节奏感音乐编曲是音乐创作的重要环节之一，不同风格的音乐通常具有不同的节奏感。
对于编曲人员来说，了解如何处理不同的音乐节奏感是非常重要的。
音乐节奏感是指音乐中的节奏感受。
不同风格的音乐，如流行音乐、摇滚音乐、爵士音乐、电子音乐等，往往具有不同的节奏感。
对于编曲人员来说，不同的音乐节奏感需要采用不同的处理方式才能达到音乐的最佳效果。
一、流行音乐流行音乐是当下最为普及的音乐风格之一。
流行音乐通常具有简单、易懂的旋律和节奏感，适合大众口味。
在编曲中，流行音乐的节奏感通常是直线型的，即每一个小节内的拍子数目相同，没有复杂的节奏变化。
编曲人员可以采用鼓、贝斯等乐器强调节奏感，增强曲子的节奏感受。
二、摇滚音乐摇滚音乐是一种非常有力量的音乐风格。
摇滚音乐的节奏感通常是强烈的，具有较快的节奏变化和很强的动态能量。
在编曲中，摇滚音乐通常采用强劲的鼓点和快速的吉他旋律来强调音乐的节奏感，并增强曲子的动感、爆发力。
三、爵士音乐爵士音乐是一种高雅的音乐风格，它的节奏感常常是复杂多变的。
在编曲中，爵士音乐通常采用多种乐器的合奏来表现强烈的节奏感。
编曲人员需要注意爵士音乐的复杂性和多变性，尽可能使用合适的乐器和编排方式来营造出适宜的爵士音乐节奏感。
四、电子音乐电子音乐是一种非常新颖、时尚的音乐风格，它的节奏感通常是极其复杂的。
在编曲中，电子音乐通常采用电子乐器、电子鼓等节奏器材来表现强烈的节奏感。
编曲人员需要使用电子乐器和计算机软件等工具来创造出独特的电子节奏感，并达到音乐的最佳效果。
以上是几种常见音乐风格的节奏感处理方式，不同风格的音乐还有各自的特点和处理方式，需要编曲人员精心调整。
同时，还需要注意音乐的情感表达和表现手法，以达到音乐的最佳效果。
音乐编曲知识：编曲中应注意的声音转换问题
音乐编曲知识：编曲中应注意的声音转换问题编曲是音乐制作的重要环节之一，它可以把原本简单的乐曲转化为更加丰富多彩的音乐作品。
在编曲的过程中，声音转换是一个需要重视的问题。
声音转换是指将一种音色转换为另一种音色，或者将一个乐器或声音效果的声音转换为另一个乐器或声音效果的声音。
本文将从几个方面探讨编曲中应注意的声音转换问题。
一、基础乐器音色的转换基础乐器包括钢琴、吉他、鼓等，如果将这些乐器录制在一起播放，你会发现声音听起来比较单一。
因此在编曲中，需要对这些基础乐器的声音进行转换，使其变得更加丰富多彩。
比如说，钢琴的声音可以通过添加合成器来产生电子乐的效果，吉他可以通过添加效果器来产生重金属乐的效果，鼓可以通过调整鼓点节奏和加入打击乐器等方法来让声音更加变幻莫测。
但是，基础乐器转换后的声音需要注意选用合适的音色才能更好地呈现出音乐作品的特点。
同时，在选择音色时，还要考虑到整个乐曲的氛围和曲风，不宜随意更换音色，否则会降低音乐作品的质量。
二、声音效果的转换声音效果是影响音乐作品整体音效的重要因素，它可以为音乐作品注入更多的艺术感和生命力。
在编曲中，一些已有的声音效果可以直接使用，如合唱、喇叭、萨克斯等等，但有时需要对这些效果进行一些转换，以符合音乐作品的需要。
比如说，将合唱效果转化为合成器效果，可以让音乐作品获得更加明亮、热烈的氛围；将萨克斯效果转化为管乐器效果，可以使音乐作品显得更加浪漫。
但是，在对声音效果进行转换时，需要注意所选用的效果要符合音乐作品的整体曲风和风格，否则声音效果的使用不当，反会破坏音乐作品的音效体验。
三、不同音乐曲风的声音转换在不同的音乐曲风中，声音转换的重要性也不同。
对于一些流行音乐，一些电子乐曲等节奏明快的曲风，音效的转换可以使曲风更加灵活、动感，增强音乐作品的活力；而对于另一些中板曲风的音乐作品，声音转换需要更加注重对音色的恰当使用，以使音乐作品表达出更加深厚的情感色彩。
此外，在音乐作品的编曲过程中，需要注意要统一风格和特点，不可随意更改风格和曲风，否则会造成音乐作品的混乱感和不和谐。
编曲的基础知识
编曲的基础知识1 编曲概述编曲是一种将乐器和声乐演奏排列成乐曲的过程。
它不仅仅是把乐器或声乐演奏者排列在乐谱上，而且把不同的音符、节拍和变奏结合在一起，以创造出一首歌曲或演奏曲。
编曲是音乐创作的重要组成部分，而且也是制作一首歌曲或演奏曲的关键环节。
2 编曲的元素编曲由三个主要元素构成：音乐型式、音色艺术、序列构造。
音乐型式是指乐曲的旋律、节奏、音高和力度的排列，它主要控制着乐曲的流畅程度；音色艺术是指乐曲所使用的乐器和声乐演奏技术，也就是乐曲中的音色；序列构造指的是乐曲的变奏、和声、时序等构造，它们是乐曲的结构，也是乐曲的形式。
3 编曲的方法编曲艺术涉及到很多不同的乐理学、视听学、演奏技巧及创新性方面的综合运用。
在编曲之前，需要充分了解乐器、声乐和不同乐曲型式的特点。
必要时可以采用多种乐器或声乐，以选择最能表现某一旋律或情趣的乐器或声乐。
在编曲中，要注意把乐曲形式凝练、有规律、平衡。
有效地调节乐曲的紧张度，使高低抑扬、停顿充分，也要留意乐曲的整体结构，不能让某一动作过长或过短而显露乏力，以免影响乐曲的连贯性。
有效地把旋律、节拍、变奏等构造连贯有机地结合起来，使音乐充满动人的魅力。
4 编曲练习掌握编曲技巧在一定程度是要先熟悉下基础知识，包括和声学、节奏学、旋律学等。
同时要多听多欣赏，注意借鉴著名作曲家编曲中的新意及新颖之处，增进编曲上的领悟，并加以提炼弄懂它们的奥秘。
接着，还可以尝试自己动手创作，注意学习有关实践和技巧，多练习熟悉它们。
另外，还可以针对某一乐器或声乐，仔细发掘其特点，把它们有精心地放置和调整到乐曲中，以实现形式与内容的完美结合。
作曲编曲的乐理知识
作曲编曲乐理知识一、音与音高的问题音的四种性质：高低、长短、音色、强弱很容易听见的音：基音不容易听见的音：泛音二、乐音体系（重点）有固定音高的音的总和叫做乐音体系，简称音级Do Re Mi Fa Sol La Si(Ti)，叫音名有独立名称的白键叫基本音级（C大调）声高或者降低基本音级的叫做变化音级（其他调）钢琴88个键，其中小字一组的c为中央C，小字一组的a为国际标准音，音高频率为440Hz。
三、12平均率的问题琴键上两个音最小的距离为半音一个全音等于两个半音一个8度有12个半音“#”叫做升号，把原来的音升高半个音，就用“#”表示“b”叫做降号，把原来的音降低半个音，就用“b”表示“”叫做还原号，把已经升过的降过的音归回原位“×”叫做重升号，把原来的音，升高一个全音（两个半音）“bb”叫做重降号，把原来的音，降低一个全音（两个半音）“C#”读C升，以此类推，临时记号应该写在音符的前面，音名的后面。
四、等音的概念两个音的音高是一样的，记法和用途都不一样1、自然半音：由两个相邻的音级够成的半音叫自然半音比如：E-F是自然半音，B-C是自然半音，C-Db是自然半音2、自然全音：由两个相邻的音级够成的全音叫自然全音比如：C-D是自然全音，D-E是自然全音3、变化半音：同一个音级（同一个字母）构成的关系叫做变化半音比如：C-C#是变化半音，C#-Eb是变化半音4、变化全音：同一个音级（同一个字母）或隔开的一个音级（隔开一个字母）构成的关系叫变化全音比如：C-C×是变化全音，C-Eb是变化全音，中间隔开了一个D五、记谱法：简谱和五线谱音符的概念：记录乐曲与食指长短的进行。
休止符的概念：记录不同乐音与食指长短的间歇。
1、简谱：以啊拉伯数字作为基本音符，休止符用零表示。
一个基本音符代表一个四分音符“-”增时线，放数字旁边“_”减时线，放数字下方在音符上面加一点为高音，在音符下面加一点为低音（每加一点代表一个八度）2、五线谱音符的组成：符头、符尾、符干小圆点叫符头，中间一竖叫符干，下方尾巴叫符尾全音符，二分音符，四分音符，八分音符，十六分音符五线谱，由下往上数，一共有五线四间倒挂在第四跟线下面的叫全休止，躺在第三线上的叫二分休止四分音符写法八分音符写法十六分音符写法下加线，下加间。
编曲的基础乐理知识
编曲的基础乐理知识一首好听的歌曲总是离不开编曲，那么，编曲需要哪些基础乐理知识呢?下面小编给大家带来的编曲需要的基础乐理知识的相关内容，希望大家喜欢!1.分解和弦如果善用分解和弦，相当于开发了一个和弦的更多可能*。
是否决定键盘部分总是*些三和弦、七和弦的很僵硬呢?通过开发分解和弦，上行、下行、删去一些音、加上一些音——任何好听的组合方式，这样开发出的琶音们虽不在节奏上有明显作用，但往往是一段好旋律的开始。
并且，由于这是从和弦演变来的旋律，它也会妥妥地位处和声进行中，不必担心“跑调”。
图中例子的前4小节和后4小节就是僵硬的和弦与灵巧的分解和弦的效果对比。
2.和弦转位以根音为最低音的和弦叫原位和弦，如果以三音、五音或者七音为最低音的时候叫做和弦转位。
转位时通常“被转位”的音会产生八度变化，听上去更灵气的同时，八度的调整也能丰富编曲的频谱，使整体听上去更加悦耳。
图中例子用的是C,D,Eb,F和声进行，同样是前4小节与后4小节做了对比。
感兴趣的你可以打开DAW或在键盘上试一试，感受其中的不同。
3.低音的变化最常见的贝司编曲方式就是走和弦的根音，由于其乐器的音域特*，通常也是扮演最低音的角*。
那么贝司老走低音这种寻常的，或者说不动脑子的路线，肯定是难以出*的，何不试试多尝试一些变化呢?3a步骤1：举例来说明，例中的钢琴部分在不断重复C和弦，听上去十分枯燥。
除了改变和弦，我们可以尝试从低音部分入手。
3b步骤2：前两小节，贝司走根音，演奏C音;接下来两小节，讲C 音降至A音，与钢琴部分构成一个完全不同的和弦——Am7b5(A-Eb-G-C)和弦。
步骤3：钢琴部分的和弦保持不变，我们将贝司演奏从A音变为Ab，就得到了Abmaj7(Ab-Eb-G-C)和弦。
然后，继续试验，*F、升到G、再到C音……富有灵气的贝司线开始显现出来。
如果你不确定究竟哪些音在调上，可以试试从那些和声内的和弦中挑出音来演奏。
4.模式≠音阶“模式(mode)”可能对于你来说是一个比较新鲜的概念，但它能让你对音乐有一个全新的视角。
编曲(八)
四、大号（Tuba） 1.乐器的调、记谱与音域 长号是bB调乐器，但是用C调记谱，用低音谱表按实 际音高记谱。音域近三个八度（F1—bb） 2.音区、音色、力度 低音区——低沉、浑厚——弱到强 中音区——粗壮、饱满——弱到特强 高音区——压抑——弱奏 3.演奏技巧 连奏、断音（单吐、双吐）
管弦乐队编制
四、大管（Bassoon） 1.乐器的调、记谱与音域 大管也称巴松管。C调乐器，用低音谱表与次中音谱 表实际音高记谱。大管的音域约三个八度多一点 （bB—g1)。 2.音区、音色、力度 低音区——饱满、浑厚——强奏 中音区——柔和、富有特色——弱到强 高音区——干枯、苍白——弱到强 3.演奏技巧 连奏、断音（单吐、双吐、三吐）
编曲（八）
木管组与铜管组的配器法
木管组
一、长笛（Flute) 1.乐器的调、记谱与音域 长笛是C调乐器，用高音谱表按实际音高记 谱。长笛的音域共有三个八度多一点，乐队常用 音域（c1—c4）。 2.音区、音色、力度 低音区——迟钝、沙哑——弱奏 中音区——透明、柔和——中弱到强 高音区——明亮、清晰——弱到较强 3.演奏技巧 连奏、断音（单吐、双吐、三吐）
目前在国际上通行的管弦乐队大致分为 三类：小型、中型和大型管弦乐队。乐队 的的编制一般以木管乐器的演奏者数量来 确定，一人为单管，二人为双管，三人为 三管编制。 小型乐队——单管编制 中型乐队——双管编制 大型乐队——三管或三管以上编制
建议欣赏曲目
莫扎特：《第四十交响曲》 贝多芬：《第九交响曲合唱》 舒伯特：《第八交响曲未完成》 斯特劳斯：《蓝色多瑙河》、《拉德斯基进行曲》 比才：《卡门序曲》 柴可夫斯基：《第六交响曲悲怆》 德沃夏克：《第九交响曲致新大陆》 斯美塔那：交响诗《我的祖国》 吕其名：《红旗颂》 布里顿：《青少年管弦乐指南》
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编曲知识集锦（精品必读）我会在以后陆续转发一些编曲方面的精品好文各种情绪的管弦乐编曲手法作者：飞鹏管弦乐队的写作及编配手法经过了多年的发展，已经非常成熟。
作曲大师在需要表现某种特定的情绪时，可以非常熟悉地运用相应的乐器搭配、和声功能、力度变化等手法来表现相应的情绪，完全可以达到顺手拈来、驾驭自如的境界。
对于刚刚开始管弦作品的制作来说，因为成为大师胡一个过程，所以必须在音乐制作的过程中注意积累，及时总结出一引起常用、衫的音乐表现手法，很好地通过音乐向听众传达相应的情感。
由于每个人对音乐的理解都有其独特之处，不可能象套数学公式那样，对应一种作品情绪就有一种具体的表现手法。
但我们可以适当总结出一些有共性的东西。
比方说，可以参考其他音乐人对某一种情绪的理解及所运用的手法，将其中有共性的内容加入到自己的作品之中，丰富自己的作品内容；或者从模仿他人的音乐手法入手，逐渐形成自己的独特表现手法。
下面的内容誻对应一部分音乐情绪，总结出来的一些表现手法。
大家可以在需要灵感的时候，适当参考其中的内容。
可以把这部分内容视作编曲情绪速查手册。
当然，对于我们大家来说，更重要的是经常总结自己的音乐制作体会，拥有一套自己的“情绪表现手法速查手册”。
一、宽音域气势磅礴的作品1、让每个乐器组都参与演奏，让每个音区都充满音符，同时注意音响平衡。
2、通过叠奏来加强声音的厚度与密度。
3、在小号组及长号组使用三音符的完整和弦。
4、充分利用整个管弦乐队的音域，从最低音到最高音都不要放过。
5、尽量发挥打击乐器的动态，特别是低音鼓、定音鼓及钹。
6、通过多种乐器的叠奏来突出旋律线条。
7、使用极强乃至最强的力度。
二、含蓄的作品1、使用适当的音域范围，通常不需要使用管弦乐队的全部音域。
2、对于旋律乐器的选用，在弦乐组可以使用小提琴独奏、中提琴独奏或大提琴，在木管组可以使用长笛独奏或单簧管独奏，双簧管或英国管也是不错的选择。
不过这两傂适合表现忧郁、悲伤的情绪。
也可以用圆号来担任旋律的演奏。
3、不重复或少重复和弦音。
4、使用密集的和弦排列方式。
5、少用或不用倍大提琴，通常使用大提琴本身就可以获得很好的效果。
6、除了圆号，少用或不用其它的铜管乐器。
7、使用中弱或极弱力度。
8．在实际演奏过程中使用较小的乐队编制，特别是要适当控制弦乐组的规模。
三、紧张的作品1、使用多种和声色彩，特别是可以加入各种不谐和的和声效果，营造紧张情绪。
2、运用持续的弦乐颤音。
3、保持一个持续的音符不变，然后在其上方另外增加一个小二度的持续音，让新增加的这个持续音从上方小二度下滑到下方小二度，再回到与第一个音符相同的音高。
6、和弦功能的切换频率适中稍速慢，不要过于频繁。
7、可以使用类似4分音符同音反复这样的音型，特别是低音弦乐及定音鼓8、使用幽暗的音色。
四、激动的作品1、在低音区使用各种基本节奏型，特别是铜管乐器。
2、在乐曲进行中改变拍号，可以从偶数拍变化为奇数拍，然后再回到偶数拍。
3、使用切分等带有明显强弱感的节奏。
4、可用8分音符或16分音符的同音反复。
5、对于铜管乐器可以使用突强奏法，可以视情况加弱音器。
五、绝望的作品1、让定音鼓慢速奏出4分音符的固定音形，可以让大提琴、低音提琴及较弱的低音鼓与其进行叠奏。
2、让单簧管在其中音区奏出不和谐的全音符。
3、运用钹及大锣音色。
4、用平直的弦乐单声（无颤音）悬在其他声部的上方。
5、推荐使用双簧管或英国管担任旋律声部的演奏。
六．辽阔的作品1、采用开放的和弦的排列方式。
2、保证在极低音区与极高音区安排足够的音乐内容，同时在中音区做简单填空。
3、让第一小提琴与第二小提琴用平直的单音做八度叠奏。
4、适当运用钹及锣的滚奏，同时加上比较夸张的混响，混响中应该包含更多的湿信号。
七、军队进行的作品1、运用节奏感很强的固定音型，突出低音弦乐及长号。
2、小军鼓的固定音型与低音弦乐及长号保持一致。
3、低音鼓突出每小节的第一拍和第三拍。
4、3支小号通常以齐奏的方式，奏出号角般的声响。
5、让单簧管和双簧管以齐奏的方式演奏副旋律。
6、让小提琴演奏旋律或流动的琵音，并适当用长笛及双簧管与小提琴进行叠奏。
八、梦幻般意境的作品1、运用缓慢的竖琴滑奏及琵音。
2、使用较为轻快的乐器编制，通常使用木管及弦乐就足够了，不要加入铜管。
3．让高音区的弦乐适时奏出大二度的颤音。
4、使用较少的声部进行伴奏，旋律应该缓慢，体现梦幻般的效果，有的情况下省略旋律也可以。
5、让长笛担任旋律或副旋律的演奏；也可以让圆号演奏旋律。
九、超自然、黑暗、魔幻的作品1、用低音弦乐奏出固定音型。
2、运用不和谐甚至剌耳的和弦及调式，例如可以用小调式，并加入相应的增和弦、减和弦。
3、可以运用无调性的音乐手法，任意使用十二个半音。
4、在极低音区适时加入突强的长号，并采用密集的和弦排列方式。
5、运用相应的打击乐器来烘托气氛，例如，锣、定音鼓等。
十、神秘、可疑的作品1、使用中弱及弱的力度。
2、使用突然的力度变化，例如在铜管组可以使用突强力度。
3、用弱音小号缓慢奏出渐强的效果。
4、让定音鼓、低音鼓及低音弦乐奏出固定音型。
5、让高音弦乐从平直的齐奏变化到不和谐的和弦演奏。
6、让所有的乐器突然休止，只留下高音区的弦乐继续发音，弦乐使用平直的声音，不加入颤音。
十一、忧伤的作品1、以弦乐声部为主进行编配。
2、使用小调式。
3、使用较小的力度。
4、除了圆号演奏的和弦声部，不要使用其他铜管乐器。
5、除了必要的钹滚奏等成份，不要使用其他打击乐器，尤其还要使用定音鼓。
6、可以使用长笛、单簧管、双簧管及英国管来演奏旋律或副旋律。
7、使用密集的和弦排列方式，同时每个乐器组占用的音区应有所控制。
8、运用加了弱音器的弦乐音色会有很好的表现。
十二、幽默的作品1、使用以下乐器音色在极高或极低音区独奏：大管、英国管、弱音小号或长号。
其中，弱音小号特别管用。
2、加入一些特别的打击乐器声响，如木琴、梆子等。
像口哨之类的特殊音色也可以使用。
3、使用较快的速度，让高音弦乐演奏琵音或16分音符跑动。
4、使用鲜明的节奏，同时让乐器组之间或乐器之间进行对位。
十三、宽广的作品1、让持续不断的连绵旋律从中音区上行到高音区。
2、使用圆号齐奏的方式演奏旋律。
3、在和声进行中引入降七级和弦（在C大调中，降七级和弦是bB和弦）。
4、运用丰富的弦乐伴奏。
5、除了钹及定音鼓，少用其他打击乐器。
6、可以让圆号进行和弦伴奏，特别是可以用响亮的圆号引出乐曲主题。
作曲方法（一）来自台湾的专家讲授创作旋律的方法很多，虽然没人敢说：「一定得怎麽做，才会创作出好听的旋律」；不过，本课程提供几个在旋律创作上宜注意的要点给读者们参考。
对您来说，认为有帮助的，不妨尝试使用；这样，也许您的曲子在结构上会显得更健全。
怎样才叫好听的旋律？------ 0700_22_0021 既然旋律创作应求好听；那麽，到底怎样才叫「好听」？------ 别以为我们认为好听，别人也一定会认为好听。
不相信的话，可选一首自认为相当好听，甚至会Hit 的新曲（未发表过的）给各阶层的人士听看看。
但，不要表明这是您的作品；这样，保证会有不一样的回响！也许，您会非常得意；也许，您会气个半死。
有批评才会进步因为，完全不懂音乐的人可能会说：「！一定会流行！」；对音乐似懂非懂的人则可能会说：「还不错！不过… 会更好！」。
其实，这些回响您大概都还能够接受；不过，接下来可就不那麽乐观了。
因为，音乐科班出身的人可能会说：「不怎麽样嘛！」；音乐理论家可能会说：「这里不对，那里不对；这里应该要怎麽样，那里应该要怎麽样。
」；作曲家则可能会说：「这哪叫作曲?/a>剑?」；更夸张的可能会说：「这在搞什麽？听不懂！」------ 您说：「该以谁说的为标准呢？」笔者认为：「都可当做标准！也都不足以当做标准！」。
为什么呢？比方说，放一首重金属（Heavy metal ）风的摇滚乐给老一辈的人听；是不是绝大部分都会认为「有够吵！」？------ 难到重金属音乐就一定不值得听吗？既然如此，为什麽在欧美日各国会那麽受欢迎呢？反观古典乐，难道玩摇滚乐的年轻小伙子一定能静下心来欣赏它吗？不能静心聆赏，难道就是不喜欢吗？难道就是古典乐不好吗？所以，评判这种问题时，宜客观点。
不妨都说成：「不错；但是有几个小小的浅见，… 」，这样听来或许舒服许多。
总之，在您的层面，这首歌是好听；但在别的层面中，这首歌倒不一定是好听。
这个观点是想从事音乐创作的人所务必认同的。
除非您是莫札特、萧邦、贝多芬、… 等超级音乐大师；否则，多多少少一定会有批评您作品的声音。
也许，是善意的批评，也许是恶意的批评或忌妒的批评；不管怎样，您得多忍耐喔！------ 不要期待每个人都是您的拥护者；应期待自己能作出真正的好作品。
好听的曲子不会寂寞：------ 0700_22_0031这与煮菜一样，您认为咸一点好吃，别人倒不一定这样认为。
您认为西餐好吃，别人却认为中餐好吃。
同理，我们认为好听的曲子，别人不一定会有同感。
不过，若很多人认同您的作品；那么，就看它耐不耐听了！想想，真正好听的作品，不管古典、流行、爵士、民谣、…、童谣，是不是都流传蛮久的呢？所以，怎麽样才算好听；不妨说：「流行不见得好听；耐听的才叫好听」。
真正好听的作品，不会寂寞听听以下几首歌（收录至← 轻潭唱片重装师合唱团专辑），它们都是既好听又耐听的好作品；期待您也能作出既好听又耐听的好作品。
创作旋律真的很难吗？------ 0700_22_0041创作旋律对某些人来说是很容易；但是，对某些人来说，可能是件连想都不敢想的事。
创作旋律容易到什麽程度？请教莫札特或贝多芬最清楚。
因为他们是天才！这好比我们问心算神童：「您是怎么算出来的？怎么能够比电脑快？」一样；即使神童把其所认为的技巧或秘诀告诉我们，我们还是团团转呀！真的，若您能知道其奥妙之处，那也该被归类为天才之辈罗！可惜的是，只有天才才知道如何做出天才才能做到的事。
所以，当我们的聪明才智不及莫札特或贝多芬等音乐大师时，「旋律创作很简单」这句话尽量不讲为宜。
总之，除非是这方面的天才，或对这方面特别有天分；否则，要想作出称得上完美无瑕的旋律，绝对不是想像中那么容易。
不然，天底下都是音乐家了。
为什么有些人创作旋律好快？------ 0700_22_0051也许，您会说：「看很多人创作旋律好像蛮快的」。
没错，快是快，作的好不好又是另一回事；这就是为什么很多学古典音乐的人士不听流行音乐的缘由所在。
当然，并非所有的流行乐曲都是那麽的差；不过，由於环境的变迁，任何想涉足该领域的人士，即使没有音乐基础，也都有机会进驻音乐圈；幸运一点的，甚至还有红的发紫的机会。
这种状态下，流行音乐的水准只有日趋低落了。
别以为学古典乐的人士只因歧视而不听流行音乐。
说实在，很多不是学音乐的人士，也都觉得好歌难求。