中国传统绘画中色彩之地位
论传统中国绘画的色彩观念
文/ 路 琼 内容提要：本文从绘画理论和创作两个方面，论述了色彩在传统中国绘画中的重要性，并以绘画品评中的“随类赋彩”为中心考察传统中国绘画中所特有的色彩观念，指出色彩在传统中国绘画中超越物类色彩的伦理观念，进而剖析了色彩与水墨在传统中国绘画发展历史进程中互为进退的交替过程。
关键词：传统绘画；随类赋彩；色彩观念；水墨论传统中国绘画的色彩观念相对于中国绘画研究中的水墨问题，色彩的问题却没能受到人们应有的重视。
考察中国绘画发展的历史，我们方知，中国绘画的色彩问题远较水墨、笔墨等问题为早，并且曾经是中国绘画创作和品评中的一个非常重要方面。
从绘画创作方面来说。
在中国古代，中国画又叫作“丹青”。
唐代诗人杜甫就在《丹青引赠曹将军霸》一诗中写道：“丹青不知老将至，富贵于我如浮云。
开元之中常引见，承恩数上南熏殿。
凌烟功臣少颜色，将军下笔开生面。
”[1]可见中国画本来是很重视色彩的。
从历史遗留物来看，远在石器时代的彩陶上就已经有了较为复杂的色彩，而战国时期和西汉时色彩斑驳的帛画、辽阳棒台子汉魏墓壁画如《车骑图》等，更是运用了朱、赤、黄、绿、白、赭、黑等多种色彩，可谓是五彩缤纷；隋代展子虔的重彩青绿山水《游春图》，唐代称为“大小李将军”的李思训、李昭道父子金碧辉煌的山水画，以及五代黄筌鲜艳夺目的花鸟画等，都是历代流传下来的中国绘画重视色彩的有力证明。
传统中国绘画在不断的实践中形成了异常丰富的色彩系统，以至于到明代杨慎时提出了“画家有七十二色”说法。
[2] 而从绘画品评而言，东晋顾恺之在其具有第一部划时代意义的、被誉为中国第一部系统的关于中国画创作和品评的理论—“六法”论中，就把“随类附彩”作为其中的法则之一提出来。
“随”，当为“隋”，古代两字通用。
隋，《说文》《广韵》均解释为裂肉，引申为“分”，“随类”就是“分类”。
同时，“随”又可以解释为顺、依，“随类”也就成为依据不同的对象而进行归类的意思了。
[3]“随类附彩”就是要求作画时依据所描绘对象的“类”来填充颜色，用颜色将不同“类”的物象区别开来。
中国古代绘画艺术的色彩和人文精神
中国古代绘画艺术的色彩和人文精神中国古代绘画艺术是中华民族五千年文化的重要组成部分，具有独特的色彩和人文精神。
在古代，绘画的主要载体是纸、丝和绢。
无论是壁画、绢画还是宫廷绘画，它们都反映了中国古代文化的美学观念、哲学思想和审美追求。
中国古代绘画艺术的色彩鲜艳、明快、充满生命力，在古代世界绘画史上具有重要地位。
随着中国古代文化艺术的发展，在历史上的不同时期，画家们的色彩表达方式也在不断演变。
在绘画的颜色运用上，最具代表性的当属五彩斓然的唐卡绘画和粗犷简媚的山水画。
早在唐代，中国绘画家就开始使用上乘的颜料来表现丰富多彩的图像。
唐以后，五彩绢和彩画卷的流行，使得绘画的色彩更加鲜艳。
在宋代，以颜色的淡雅和高雅著称，画家们尝试使用轻柔的色彩表达柔和、细腻的情感。
而到了明清时期，画家们开始大量使用矿物颜料，色彩更加强烈，此时的山水画特别是水墨画达到了中国绘画艺术的巅峰。
除了色彩的表现方式，中国古代绘画艺术还具有极强的人文精神。
中国绘画的创作不仅只是一种表现艺术的方式，更是表达和传达文化、思想、生活方式的载体。
中国古代绘画常常通过图像、图案以及留白的手法，表现出人类文化和生活的多重境界和感受。
中国绘画的人文精神形成于其民族文化的发展过程。
当时的文化环境有助于人们更好地理解和表达人类与自然以及人类与社会之间高度关联的关系。
以在唐代武则天时期兴盛的玄宗宫廷壁画为例，它们不仅表现了美丽的宫殿，还表现了不同的人物场景、服饰、家具、器具等细节，反映了唐代社会生活的丰富多彩。
中国古代绘画艺术还表现了中华民族对于自然一种独特的敬畏态度。
中国绘画艺术中的山水画、花鸟画等作品，往往表现了中国人对于自然坚韧不拔、富有韵律美的叙事能力。
中国山水画特别是以水墨画为代表，可以表达出中国人对于大自然的致敬，同时也以自然为启示，表达出中国人精神世界的博大与深邃。
总结来说，中国古代绘画艺术的色彩和人文精神是相互交织、相得益彰的。
艺术家挖掘出了世间的人文之美，通过艺术表达出来，而在这个过程中色彩成为了表达感情和思想的桥梁。
探析色彩在中国画创作中的重要性
探析色彩在中国画创作中的重要性色彩在中国画的创作中占有举足轻重的作用。
纵观中国的绘画，我们发现中国画往往注重画面色彩的主观性和创造性。
色彩是构成任何画种的最为重要的因素，画家可以通过色彩表达出自己丰富的情感世界。
对于中国传统绘画过于重视线条和墨色的运用，而忽略了色彩，这必然使得画面在表达感情这一方面的欠缺。
对于西方的绘画，我们应该兼收并蓄。
色彩是任何绘画中流动的生命。
现代社会是以一个多元化的发展趋势在前进，所以我们对于色彩的认识也不能停留在原有的色彩理论阶段，要融合多元化的色彩理论，使我国的中国画色彩理论能够表达出鲜明的时代气息。
色彩在中国画的创作中占有举足轻重的作用。
纵观中国的绘画，我们发现中国画往往注重画面色彩的主观性和创造性。
在古代绘画中，例如原始彩陶上漂亮的纹饰和质朴的色彩，还有敦煌莫高窟上的壁画，都表现出色彩在绘画上的重要作用，直到唐宋时期，色彩的运用达到一定的高峰，到了明清时期，中国画都是以丹青两个字来命名，所谓丹青，就是色彩中非常重要的两种颜色。
南齐的谢赫叶在他的《古画品录》中提出“六法”，气韵生动，古法用笔，应物象形，经营位置，随类赋彩，传移模写，在这六法当中的“赋彩”就是上色的意思，所以可见中国古代绘画是以物象的真实性来上颜色的，不需要夸张处理，尽量使设色简单，不复杂化，同时在设色上主张加入画家的主观性颜色，甚至有时可以放弃物体本身的颜色，例如，竹子的颜色本身是绿色，那么画家也完全可以用墨色来画竹子，也别有一番风味，还有的画家用朱砂来画竹子的，例如苏东坡。
中国唐代是中国绘画发展的繁荣时期，尤其是当时的人物画，唐代的服饰也与以往有所不同，例如著名的人物画周昉的《簪花仕女图》，画面任务十分华贵，色彩华丽而典雅，色彩属于重彩画，赋色虽然复杂，但层次清晰，绸缎之间的相互重叠，表现的十分清楚。
整幅画卷设色浓郁而不庸俗。
色彩是构成任何画种的最为重要的因素，画家可以通过色彩表达出自己丰富的情感世界。
探析色彩在中国画创作中的重要性
探析色彩在中国画创作中的重要性Analyzing the importance of color in the creation ofChinese painting王晓聪Wang Xiaocong首都师范大学美术学院，福建福州350001Faculty of Fine A rts,Capital Normal University,Fuzhou,Fujian 350001摘要：直到封建经济繁荣、科技文化发达、人民生活富足的唐宋时期，中国画的色彩呈现及运用几乎都是重色、重墨的，所谓重色，在心理感受层面即指有轻一些或重一些的感觉，在色彩学层面即指明度低的色彩，常见的即是丹青重色；而对于色彩的开拓与 运用，在唐代达到了顶峰，唐宋时期，中国画的色彩发生了很大的变化，一方面丰富了水墨色彩，同时也发展了笔法，由"有墨无笔n转向"有墨有笔"，亦发展出了均衡、协调、节奏、韵律等的形式美法则。
其次，在中国画不断发展和演变的过程中，其色彩的概念由丰富到简单，由富厚转向素净，由淡到艳，由精练复归粲焕。
本文基于当代文化视域，探析色彩在中国画创作、创新中的重要性，并通过对中国当代色彩与水墨发展现状的研究与探讨，认识到存在的问题，从而提高对色彩理解的重要性，促进当代中国绘画的发展与创新。
Abstract: Until the Tang and Song dynasties when the feudal economy was prosperous,the technology and culture were developed,and the people's lives were affluent,the presentation and use o f colors in Chinese paintings were almost always emphasizing color and ink.The so-called emphasizing color refers to lightness or weightiness at the level of psychological perception.Some feelings are low-specified colors at the level o f chrom atology,and the m ost common is red and blue heavy colors.The developm ent and use o f colors reached its peak in the Tang Dynasty.During the Tang and Song Dynasties,the color of Chinese paintings has undergone great changes.Changes have not only enriched the color o f ink and wash,but also developed the brushwork，from"with ink w ithout brush"to"with ink with brush"，and also developed the principles o f form beauty such as balance,coordination,rhythm,and rhythm.Secondly,in the process o f continuous development and evolution o f Chinese painting,the concept o f color has changed from rich to simple,from rich to simple,■from light to colorful,and"from refined to Chan Huan•巳ased on the perspective o f contem porary culture,this article explores the importance o f color in the creation and innovation o f Chinese painting,and through the research and discussion of the development status o f Chinese contem porary color and ink,recognizes the existing problems,thereby enhancing the importance o f color understanding and prom oting The development and innovation o f contem porary Chinese painting.关键词：中国画；色彩观；六法；工笔重彩；有墨无笔Keywords: Chinese p a in tin g,c o lo r view,six m e th o d s,m e ticu lo u s b ru sh w o rk em phasizes c o lo r,ink but no brush一、色彩在中国画创作中的重要性综述首先，纵观中国画的发展史及其各个时期的代表作品，可见中国画往往较为注重画面墨色的主观性和创造性、审美价值与 文化价值，以及可否给人以不同的审美愉悦。
中国传统绘画中色彩的装饰性表达
中国传统绘画中色彩的装饰性表达中国传统绘画是一种独特的艺术形式，它在表现形式、艺术技巧、表现方法等方面都有着自己的独特之处。
在中国传统绘画中，色彩一直被视为非常重要的装饰性表达因素之一。
色彩的装饰性表达在中国传统绘画中扮演着非常重要的角色，具有悠久的历史和丰富的内涵。
中国传统绘画色彩的装饰性表达早在古代就有了很高的表现技巧和理论指导。
在古代的中国传统绘画中，对色彩的使用是非常讲究的。
中国传统绘画的艺术家们善于运用对比色以及冷暖色的搭配，使画面在色彩上产生了强烈的层次感和对比效果。
这种装饰性色彩表达在中国传统绘画中被称为“装饰性色彩”，是中国传统绘画中的一种重要色彩表现手法。
中国传统绘画中的装饰性色彩表达通过对色彩的运用产生了独特的艺术效果，使画面更加生动，充满了活力和节奏感。
在中国传统绘画中，艺术家们运用对比色、明暗色、渐变色等色彩表现手法，使画面的对比度更加强烈，色彩的鲜明程度更加突出，在装饰性色彩的表达上达到了一种完美的状态。
中国传统绘画中的色彩表达不仅仅是在画面上呈现出对比鲜明的色彩，更多的是通过对色彩的变化和运用，使整幅画面呈现出一种意境和情感。
在中国传统绘画的色彩表达中，画家们注重通过色彩的对比来表现出画面的情感和意境，使观者在欣赏的过程中能够感受到一种内心的共鸣和情感交流。
在中国传统绘画中，色彩的装饰性表达已经成为了画面更加丰富和深刻的表现手法，它不仅仅是通过对色彩的运用来表达画面的层次和对比，更多的是通过对色彩的搭配和运用来表达画面所要传达的主题、情感和意境。
通过对色彩的运用和搭配，中国传统绘画中的艺术家们不仅仅表现出了对色彩的深刻理解和掌握，更是通过色彩来表现出了对生活、对自然以及对人的深刻情感和理解，使画面所传递的情感更加贴近人心，更加引人注目。
对中国传统绘画的品评的理解
对中国传统绘画的品评的理解
中国传统绘画有着悠久的历史和深厚的文化底蕴，是中国艺术的重要组成部分。
在品评中国传统绘画时，可以从多个方面入手，包括构图、线条、色彩、笔墨等。
首先，构图是中国传统绘画的重要元素之一。
画家通过构图来布局画面，表现画面的主题和意境。
中国传统绘画的构图讲究气势和神韵，追求画面的整体感和和谐感。
在评价一幅画时，要看其构图是否符合主题，是否能够引人入胜，是否有层次感和立体感。
其次，线条是中国传统绘画的精髓。
在中国传统绘画中，线条不仅是一种表现形式，更是表现主题和意境的重要手段。
好的线条应该有力量、流畅、生动，能够表现出物体的质感和神韵。
在评价一幅画时，要看其线条是否生动有力，是否能够准确地表现出物体的形态和特征。
第三，色彩也是中国传统绘画的重要元素之一。
在中国传统绘画中，色彩的运用要讲究和谐、自然、鲜明而不失雅致。
在评价一幅画时，要看其色彩是否搭配得当，是否能够表现出画面的主题和意境，是否有层次感和立体感。
最后，笔墨是中国传统绘画的独特表现形式。
笔墨的运用能够表现出画家的个性和艺术风格，也是表现画面主题和意境的重要手段。
在评价一幅画时，要看其笔墨是否运用得当，是否能够表现出画面的质感和神韵，是否有独特的表现力和感染力。
综上所述，品评中国传统绘画需要从多个方面入手，包括构图、
线条、色彩、笔墨等。
只有全面地考虑这些因素，才能够准确地评价一幅画的优劣。
同时，我们也需要理解中国传统绘画的文化内涵和精神内涵，才能够更好地领略中国传统绘画的艺术魅力。
中国画的审美意义和审美标准
中国画的审美意义和审美标准中国画作为中国传统绘画艺术的代表之一，具有广泛的社会影响力和艺术价值。
它既是一种视觉艺术形式，也是一种文化遗产。
本文将从审美意义和审美标准两方面探讨中国画的艺术内涵和价值。
一、审美意义中国画的审美意义在于通过画面的构图、色彩和氛围的营造，表现作者对于人生、自然和社会等的感悟和思考。
它在传达情感和意象方面能够发挥出杰出的作用，吸引观者通过自身的感性经验去领悟画作所蕴含的审美内涵。
首先，中国画在构图上讲究平衡和和谐。
其常用的表现手法有“以意传形”、“含蓄而不漏泄”、“留白”等。
这些手法在表现作者对于人生和自然的感悟时，能够使画面更加生动和有力地表现出主题，传达出作者的情感和思想。
其次，色彩在中国画中具有独特的地位。
中国画的色彩常表现出单纯和克制的特点，利用墨和水在纸面上交错而成的淡雅水墨，通过深浅的渐变和墨的清浊程度来表现出丰富的东方情感和意蕴。
这些特点让中国画的色彩既有清新雅致的美感，同时也兼顾个性化和艺术化等要素。
最后，中国画能够营造出与世界不同的氛围。
它往往通过表现诗意、意境和意向等来表达作者的文化思想和视野，具有意蕴深厚的文化内涵和历史背景。
由此引发出观者的多重关注和思考，促进了文化的互通和交流。
二、审美标准中国画作为一种艺术，需要有具体的审美标准和评价方法。
我们可以通过对其艺术特征和文化内涵的分析，来阐述中国画的审美标准。
首先，中国画的审美标准在于笔墨的运用。
中国画需要通过变化灵动的线条以及清晰流畅的墨线去表现形态和纪实性。
笔法的运用要求有精湛的技艺和高超的手法，同时又兼顾形式和灵活性。
其次，中国画的审美标准体现在构图和色彩的运筹上。
构图应该符合中国美学的特点和审美理念，注重平衡、和谐和留白等要素。
色彩要做到饱和度和纯度的协调，突显出其独特的文化内涵和个性特点。
最后，中国画的审美标准需要与当代社会对于艺术的审美趋向联系起来。
中国画需要具有现代性和时代感，为观者带来创新和新颖的观感体验。
中国传统色彩文化与文化底蕴
中国传统色彩文化与文化底蕴随着时代的发展，传统文化成为了人们越来越关注的话题。
其中，色彩文化也吸引了越来越多的人的注意。
中国传统色彩文化渊源流长，拥有丰富的文化底蕴，具有深刻的内涵和独特的魅力。
一、中国传统色彩文化的由来中国传统色彩文化的来源可以追溯到数千年前的古代文化。
在古代中国，色彩的运用不仅仅只是为了美化物品，更多的是为了表达一种意义、寓意或者象征。
例如，红色是中国传统婚礼的代表色，代表着喜庆、幸福和吉祥；黑色则是中国传统的丧葬色，寓意着哀悼和悲痛。
中国传统色彩文化的影响程度非常之深，在古代宫廷文化、民间文化和艺术文化各个领域都有着广泛的运用。
它不仅仅是一种美学，更是一种深刻的文化底蕴和思想表达。
二、中国传统色彩文化的内涵中国传统色彩文化的内涵极其丰富。
在中国古代文化中，每一种颜色都有其特定的象征意义和寓意。
例如：1. 红色：代表着喜庆、幸福、吉祥和热情。
在中国传统文化中，红色往往和庆祝、祝福、传统节日等密不可分。
2. 黑色：代表着悲痛、哀思和哀悼。
在古代中国，人们往往会穿戴黑色的服饰或系上黑色的头绳来表示哀思。
3. 白色：代表着纯洁、清白和平和。
在中国传统文化中，白色往往被用来象征静谧和安宁，被视为非常神圣的颜色。
4. 蓝色：代表着自由、清爽和宁静。
在古代中国，蓝色往往是相对低调的颜色，但是其所代表的意义却非常深远。
除此之外，中国传统色彩文化还包括了黄色、绿色、紫色等多种颜色，每一种颜色都有着自己独特的象征意义和寓意。
三、中国传统色彩文化的运用中国传统色彩文化的运用非常广泛，可以在古代宫廷文化、民间文化和艺术文化等多个领域都有所体现。
需要特别提出的是，在中国传统绘画中，色彩运用尤为重要。
传统中国画中，无声的色彩可以作为一种表达情感和寓意的媒介。
在水墨画中，通过墨色和淡墨浓淡的变化，可以表达出非常丰富的情感和意境。
而在彩画中，不同颜色的运用则可以表现出不同的寓意和象征。
此外，中国传统服饰中的色彩运用也非常注重。
中国传统色简介
中国传统色简介引言中国是一个历史悠久、文化底蕴深厚的国家，拥有丰富多彩的传统色彩。
这些色彩反映了中国人民的审美观念、民族特征和历史文化。
本文将介绍中国传统色的起源、象征意义以及应用领域，带领读者一起探索中国传统色的世界。
一、中国传统色的起源中国传统色的形成源远流长，在中国的历史文化长河中承载着悠久的传统和深厚的情感。
这些色彩大多来源于自然，如山川、花草、动物和天空等。
同时，中国哲学、文学和艺术等领域的发展也对传统色的形成产生了影响。
1. 五行色中国古代哲学中有五行理论，分别是木、火、土、金和水。
每个五行都与一种或多种颜色相关联。
例如，木属性的色彩是绿色，代表着生机和活力；火属性的色彩是红色，代表着热情和热烈；土属性的色彩是黄色，代表着稳重和实在；金属性的色彩是白色，代表着庄重和纯洁；水属性的色彩是黑色，代表着深沉和神秘。
2. 《礼记》中的颜色《礼记》是中国古代经典著作之一，其中记载了古代的礼仪规范。
在《礼记》中，对一些特定颜色的使用有严格的规定。
例如，红色被视为吉利和喜庆的象征，经常被用于婚庆等场合；黄色是帝王的象征，常用于皇室典礼；蓝色则代表着高贵和神秘，适合用于宫廷装饰。
二、中国传统色的象征意义中国传统色具有丰富的象征意义，这些象征意义既包括自然界的属性，也与人们的价值观念和情感有关。
传统色在中国文化中扮演着重要的角色，被广泛应用于艺术、建筑、服装和节庆活动等领域。
红色在中国文化中是最具代表性的传统色之一，被视为吉利、喜庆和热情的象征。
在中国传统婚礼中，新娘通常会穿着红色的婚纱，寓意着美好的祝福和幸福的未来。
此外，中国的春节庆祝活动中也充满了红色的元素，人们戴上红色的新衣服、贴春联和挂红灯笼，希望迎接新年的到来。
2. 黄色黄色在中国文化中是皇室的象征，代表着尊贵和崇高。
在古代，黄色被视为最高贵的颜色，只有皇帝才能使用。
传统的宫廷建筑和衣物经常采用黄色作为主要色调，以展示帝王的尊严和权威。
即使在现代，黄色仍然被普遍用作尊敬和敬意的象征。
中国传统绘画的传统技法
中国传统绘画的传统技法中国传统绘画一直以来都以其独特的艺术风格和卓越的技法而闻名于世。
这些传统技法经过千百年的演化和发展，如今仍然被广泛应用于当代绘画创作中。
本文将介绍中国传统绘画中的一些主要传统技法，包括水墨、设色、写意、工笔等。
一、水墨画技法水墨画是中国传统绘画中最具代表性的一种形式。
它以墨、水、纸为主要材料，通过运用墨色的淋漓尽致，追求意境的深远和艺术的极致。
水墨画的技法主要有：1. 破墨点染：通过使用不同浓度的墨汁，以点染的方式在宣纸上勾勒出不同的线条和形状，以表达画面中的空间和谐。
2. 接墨重山：以深墨重彩的方式，追求墨与彩的相互衬托和协调，通过叠加多层墨色的交替，创造出浓郁的山水意境。
3. 干笔勾勒：运用独特的用笔技法，以中锋笔的尖端或者压平的笔坡勾勒出线条的纤细和流畅，使画面更加生动和富有层次感。
二、设色画技法设色在中国传统绘画中也占据了重要的地位。
设色即是在绘画中使用颜料进行上色，丰富了画面的色彩表现力。
在设色画中常用的技法包括：1. 润染法：通过调整颜料的浓淡、水的用量以及局部晕染的技巧，使画面色彩鲜艳而不失清新。
2. 刻画法：以笔刷或者画材直接绘画的方式，模拟自然界中的光影变化，表现出真实的色彩和质感。
3. 对比法：通过对比不同色调和色彩的运用，创造出画面中的色彩层次感，增强作品的视觉冲击力。
三、写意画技法写意画是一种以表现画家的情感为主，追求意境和思想传达的绘画形式。
它注重对事物的精神特质和造型结构的准确把握。
写意画的技法主要包括：1. 线条表现力：通过线条的轻重、浓淡、快慢等变化表达画家的情感和思想。
2. 快速勾画：运用简洁有力的笔触进行快速勾勒，以捕捉瞬间的形象和情感。
3. 空白留白：在画面中留下适当的空白，使观者能够在无形中感受到画家留给他们的思考空间。
四、工笔画技法工笔画是中国传统绘画中一种以工笔勾画为特点的绘画形式。
它以细致的线条和精细的色彩层次为主要特点。
工笔画的技法主要有：1. 线描勾画：通过用笔轻重的变化，刻画出物体的形态和纹理。
中国画教学之色彩观
中国画教学之色彩观黄荣宝安徽省合肥市五十中学新校安徽合肥231200关键词：中国画色彩随意附彩意趣在中国传统绘画的历史渊源中，色彩原本就具有重要的地位。
中国画的色彩理念是强调内在生命的表达以及儒道之间的对立、融合与协调，其追求是本体意境的愉悦，与西方色彩追求有着本质的不同。
我以为对中国画的色彩观念和理论运用进行历史的、客观的研究，才能更好的寻求其发展的可能一中国画传统色彩的审美渊源中国画的色彩观与中国民族文化是紧密联系在一起的，从最初祖先们发现颜色并认识到色彩是用来表达思想，传递情感开始，到中国的传统学说诞生以来，自始至终都是互相影响的，而这一关系也随之思想，情感渗透到了中国的绘画领域,而这种关系最早又体现在汉代的“阴阳五行”说之中。
我国古代的思想家用金、木、水、火、土五种物质来说明世界万物的起源。
推而广之，五行的观念也就对中国绘画产生了影响，东方谓之青，南方谓之赤，西方谓之白，北方谓之黑，天谓之玄，地谓之黄，这些色彩也是中国人爱好的色彩，因而，青、红、黄、绿、紫、黑、白等也就成为了我国装饰上的主要色彩，而这一观念的形成在中国人的观念中也就根深蒂固了，加上中国传统文化和这些色彩是紧密联系的，对我国人民影响很深，所以就形成了中国人绘画的色彩观。
在中国绘画色彩观念形成之后，也就慢慢的形成了理论，这些理论是在绘画中起着完善作用的，因为中国的绘画并非像西方的绘画那样，它是区别于西方的，西方的绘画形即是色，色即是形，所以西方的色彩理论足以充当绘画理论，而中国的色彩理论就不能具有同样的功能了，它是为中国绘画服务的一方面。
但是这一色彩理论还是很重要的。
早在六朝时谢赫的“随类赋彩”就成为色彩方面的审美原则，也是色彩的重要理论和实践。
郭熙在《林泉高致》中说“水色：春绿，夏碧，秋清，冬黑；天色：春晃，夏苍，秋净，冬黯。
”说的是天光水色在不同季节里所呈现出来的固有的色调。
这里我们可以看出中国画色彩观的一个显著特点：描写物象的固有色。
论色彩在绘画中的地位变迁
论色彩在绘画中的地位变迁作者：陈雷来源：《艺术科技》2012年第05期摘要：我们处在中西文化交汇的大时代中，不可能逃避西方文化的影响。
二十世纪里，艺术家们努力中国画，同时也进行了不同的创新，提出了一个很有价值的问题——中国画的色彩问题。
色彩，即是中西绘画表现形式上的一个契合点，也是我们中国绘画中被淡忘已久的古老传统。
今天，在探索色彩问题之前，我们有必要重新审视色彩在历史上的位置和故事。
关键词：色彩；色彩原理；中西绘画色彩，在绘画中有着独特的意蕴，是任何绘画语言都无法代替的。
画面中色彩的选择主要取决于艺术家对物像“内在生命”的认识和艺术家的内在需要，因而，物象的选择也只能取决于有目的地激荡人类灵魂这一内在需要原则，从而使色彩也作为“有意味的形式”唤起人们的审美情感。
艺术是不同时代，不同地域，不同个性的不同创造，但是由于人类共同的人性以及共同的感受视觉审美的心理结构，使真正的艺术形式上面貌纷呈，而精神上却可以跨越一切而互相交流。
因此，中西绘画便拥有了共同的本质——以质朴而单纯的心灵探寻大千世界的美。
但在历史长河中，随着人类的进步和不同文化的差异，中西绘画各自有了依托：中国绘画依托了哲学，笼罩上了哲学色彩，偏重于强调主观意识，具有象征性。
西洋绘画依托了科学。
侧重理性分析，具有科学性。
1 西方绘画中的色彩在油画艺术领域中，色彩是油画的主要表现手段，同时又具有独立的审美价值。
油画色彩的丰富表现力和它所产生的感情力量，它可以直接在艺术家和观众的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁。
色彩作为油画的重要语言，具有非凡的艺术表现力。
色彩在西方油画艺术中的历史发展，确立了油画色彩的主观性特点，提升了油画色彩的象征性特点，突出了油画色彩表现性特点。
这些特点是构成油画丰富表现力的重要因素，彼此之间不是孤立存在的而是互相联系的。
在不同的绘画发展阶段对色彩艺术特点的表现因素的应用也各有偏重，就是同一时期不同的画家也都有各自的特点是使作品具有个性及时代精神的主要因素之一。
中国传统绘画中的色彩运用与表现手法
中国传统绘画中的色彩运用与表现手法中国传统绘画是一门古老而独特的艺术形式，其色彩运用与表现手法在艺术史上占有重要地位。
从古代的山水画到花鸟画，中国画家们通过巧妙运用色彩，创造出了令人叹为观止的艺术作品。
中国传统绘画中的色彩运用主要体现在以下几个方面。
首先，中国画家注重色彩的象征意义。
在中国文化中，每种颜色都有其特定的象征意义。
例如，红色代表喜庆和热情，黑色代表庄重和神秘，白色代表纯洁和空灵。
中国画家通过巧妙地运用这些颜色，使作品更加富有情感和意境。
其次，中国传统绘画注重色彩的对比和协调。
中国画家擅长运用对比色彩来营造画面的层次感和视觉冲击力。
例如，通过将明亮的颜色与暗淡的颜色相对比，画家可以使画面更加生动有趣。
此外，中国画家还注重色彩的协调和谐。
他们通过运用相近的色调和色彩的渐变来创造出柔和的画面效果，使观者感受到一种宁静和平和的氛围。
另外，中国传统绘画中的色彩运用还注重色彩的层次感和透明感。
中国画家善于利用水墨的渐变效果来表现物体的质感和形态。
通过运用不同深浅的颜色和灰度，画家可以使画面更加立体和有层次感。
同时，他们还善于利用水墨的透明性来表现物体的透明感。
通过巧妙运用水墨的淡深和透明度，画家可以使观者感受到一种朦胧和神秘的氛围。
最后，中国传统绘画中的色彩运用还注重色彩的变化和流动。
中国画家善于利用水墨的流动性来表现自然界中的动态和变化。
通过运用不同的笔触和墨水的浓淡，画家可以使画面更加生动有趣。
此外，他们还善于运用色彩的变化来表现时间和空间的流逝。
通过运用不同的色调和色彩的变化，画家可以使观者感受到一种时间流转和空间延伸的感觉。
总之，中国传统绘画中的色彩运用与表现手法是中国艺术宝库中的瑰宝。
中国画家通过巧妙地运用色彩，创造出了富有情感和意境的艺术作品。
他们注重色彩的象征意义、色彩的对比和协调、色彩的层次感和透明感，以及色彩的变化和流动。
这些色彩运用与表现手法使中国传统绘画成为了一门独特而精妙的艺术形式，深受世人的喜爱和赞赏。
中国传统艺术中的色彩运用
中国传统艺术中的色彩运用中国传统艺术源远流长，令人叹服的艺术创作和独特的美感一直吸引着世人的目光。
其中，色彩运用是传统艺术不可或缺的一部分，它不仅仅是作品的装饰，更是传达作品情感和意境的重要表达方式。
本文将探讨中国传统艺术中的色彩运用。
一、中国传统绘画中的色彩运用中国传统绘画以水墨为主要表达媒介，以独特的艺术表现形式展示出深厚的文化底蕴和哲学内涵。
在传统绘画中，色彩被赋予了特殊的象征意义和表达功能。
中国古代画家常常运用“青、黄、红、白、黑”五色，每一色彩都代表着不同的情感和意义。
青色在中国传统绘画中代表着静谧、祥和和悠远的意境。
以青翠代表山水，给人以秀美宁静之感；以浑厚的青色描绘历史人物，表达他们超越尘世的高贵气质。
黄色象征着光明、温暖和繁荣。
古代画家常以明黄色勾勒出宫殿、庙宇等华丽建筑，凸显出尊贵与权势。
黄色也常被用来描绘成熟丰收的秋天和金黄的田野，展示丰饶之美。
红色代表着热情、喜庆和幸福。
在传统绘画中，红色被广泛应用于表现人物的面容、衣着和背景，给人以喜乐和充满生机的感觉。
红色同时也与喜庆的传统节日，如春节和婚庆相关联，表达了人们对美好生活的向往和祝福。
白色象征纯净、空灵和宁静。
在中国传统绘画中，白色常被用来描绘道士、仙女等神秘的超然存在，体现了人们对于超越尘世的向往。
白色也常被用来勾勒出云雾、水面等天然景观，增添了画面的活力和灵动。
黑色代表着庄重、深沉和神秘。
传统绘画中，黑色在描绘山石、墨竹等元素时被广泛运用。
黑色的运用有时也用来充实画面的质感和层次感。
黑白的对比也常常被用来表达光影的变化，将画面的空间感和视觉效果进一步提升。
二、中国传统戏曲中的色彩运用中国传统戏曲作为重要的表演艺术之一，也注重色彩运用。
戏曲中演员的脸谱被涂成不同的颜色，以突出性格特点和情绪变化。
常见的脸谱颜色包括红色、黑色、蓝色、黄色等。
红色脸谱多用于描绘英勇、豪迈和忠诚的角色。
红色代表着热血和勇敢，在舞台上能够更好地突出角色的威严和力量。
中国传统绘画中色彩的装饰性表达
中国传统绘画中色彩的装饰性表达中国传统绘画中，色彩一直是绘画中不可或缺的元素之一。
在中国画中，色彩不仅是表达作者感情和情感的重要手段，更是表达寓意和文化内涵的一种载体。
色彩的装饰性表达在中国画中有着丰富的表现形式，它既可以是独立的表现手段，也可以是其他绘画元素（如线条、形态、构图等）的辅助手段。
一、红色的装饰性表达红色在中国传统文化中一直具有着特殊的地位，不仅代表着喜庆、吉祥和祝福，还体现了中国人热情、豪爽、激情和朝气蓬勃的性格特点。
在中国画中，红色的运用不仅仅是为了表达这些寓意，更体现了它独特的装饰性表达。
红色的使用可以使画面更加鲜明、生动，营造出强烈的视觉冲击力。
例如，吴昌硕的《牡丹图》中，他用饱和的红色打底，勾勒出牡丹的轮廓，使花朵更加饱满、鲜艳，并且使画面更具有张力和生命力。
蓝色在中国传统文化中虽然不及红色那样引人注目，但其所代表的意义同样深刻和独特。
在中国画中，蓝色可以使画面更具层次感和深度感，也能体现出蓝色所代表的清新、深邃和神秘的特点。
例如，许多著名的山水画家在其作品中广泛运用蓝色，表现山水的奇妙和变幻，营造出宁静、深邃、神秘的意境。
同时，蓝色也可以用于描绘水的质感和水中的映像，如郎世宁的《春江花月夜》，他用清蓝色描绘江水中的倒影，使得水面显得更加透明、清澈。
在中国传统文化中，白色代表纯洁、清明、无暇和高尚的品质。
在中国画中，白色的运用不仅可以强调画面的光感和场景的干净整洁，更可以体现出其代表的高尚品德和内在精神的表现。
例如，齐白石的花鸟画中，他常常使用大片大片的空白和白色，强调花叶的骨架和构图的简洁美感，从而使得画面更加纯粹、空灵。
此外，在山水画中，白色的运用也具有独特的表现意义，可以在画面中表现出雪景的清新和山岭的高远，使观者感到身临其境的感受。
总之，在中国传统绘画中，色彩的装饰性表达丰富多彩，无处不在。
它不仅为画面增色添彩，更是寓意和文化的三维表现，通过色彩的灵活运用，使画面更加鲜活，更贴近生活，使观者更能体会到中国传统文化的深邃内涵。
试论中国画色彩之美
一、中国画色彩语言的特点中国传统绘画作为一种线性绘画形式，其主要通过笔、墨、绢、纸等绘画工具刻画线条，在传神写照、追求神韵的同时，向欣赏者展现作品的气韵。
受我国传统审美思想中蕴含的儒、道等传统哲学思想的影响，线作为画面的主要组成元素，在中国画创作中发挥着不可替代的作用。
而色彩作为画面的语言表达形式之一，具有独特的魅力。
1.色彩进行情感的传达色彩对于艺术家而言，是内心的体验、情感的表达，在绘画艺术中具有重要的作用。
画家无论是站在关注生命状态的角度，还是站在崇拜生活、热爱自然的角度，色彩都是生命与生活中的重要元素之一。
同时，色彩自身也具有内在的情感，并能够通过刺激人们的感官使人们感知到。
如，当人们处于灰心、失望、消极的状态下，灰暗色的环境会使人不自觉地产生心灵上的共鸣，进而导致情绪进一步消极；暖色调的环境则可以有效调节人们的消极状态。
这种特性是画家在传达画面情感时可以充分利用的。
2.充分利用墨的浓淡之色经过数千年的发展，中国画所追求的宁静致远的意境，通过其独有的色彩语言表现得淋漓尽致。
中国画的色彩是通过笔墨的浓淡展现的，具有独特的韵味。
中国画表现的色彩是一种广义上的色彩，黑色、白色是色彩表达最重要的手段之一，这种表达方式能够体现出一种“无声胜有声”的效果，也将中国画的色彩充分地展现出来。
墨是中国画创作的基础工具，也是中国画不可缺少的元素之一。
唐代张彦远在《历代名画记》中言：“运墨而五色具。
”“五色”有着不同的说法：有人认为指焦、浓、重、淡、清；有人认为指浓、淡、干、湿、黑；也有人加上“白”成为“六彩”。
这些说法都表达了墨色的丰富变化。
3.色彩具有意象性充分重视主体对于客观对象的感受，是艺术家在创作过程中关注的重点之一。
艺术家在绘画创作过程中，通过强化主观意念的方式，将所要表达的意境、情感表现出来，追求画面韵律。
艺术家运用主观思维进行色彩的组织加工，通过作品表达情感、展现状态，这种以人为本的表现手法，是中国传统绘画重要的表现方式。
谈中国画的传统色彩美学和现代色彩意识
谈中国画的传统色彩美学和现代色彩意识本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！中国画的发展中，需解决出现的一系列问题，理解中西绘画上色彩对话的问题，让当代中国画承担必要的责任，由于中国画在色彩发展上有自己的地位和特色，也取得了较高的成就，所以要在长期实践中形成独具特色的艺术美学观点。
一、中国传统画的色彩美学中国绘画发展史中，最先看到的是新石器时代的陶纹，然后西汉时期马王堆有了自己的色彩画，这是色彩画开始的雏形，接着就是中国绘画史上的敦煌艺术，这是古今大观，其高超的绘画技巧让人叹为观止。
完美结合墨与色，将艺术用最富有表现力的色彩描绘出来，运用墨彩和墨色绘制出绚丽的图案，不仅影响着我国的绘画色彩历史，更是影响着世界的绘画色彩历史，成为世界发展时尚用之不竭的艺术财富。
中国的传统绘画被称为丹青，由于色彩是绘画的主体，因而在中国美学上面有着卓越的成就，代表中华文化的精髓。
我国在南北朝时期，文化艺术达到昌盛时期，中国的绘画，尤其在色彩方面得到极大的发展，其中具有代表性的有谢赫的《画品》以及刘勰的《文心雕龙》，这两部作品详细描述出色彩的相关内容，《文心雕龙》讲述人的心境随着物体颜色变化，产生相应变化，也就是说为什么看着红色喜庆醒目，看着蓝色安静祥和，另外也强调在色彩调弄中，需要配合自然本色，根据客观的物象做颜色绘制，进而达到应目会心的效果。
唐朝后期，墨色为主的水墨画得到进一步发展，也就将重墨和轻色看成另外一种美学发展形式，到达宋元时期，就形成崇尚水墨的主要绘画形式，它将色彩看成可有可无的地位，将绘画中神韵、描摹看成其它从属地位，因而这一时期的绘画变成黑白这两大颜色。
文人画家能够创造出文人画的艺术形式，但是没有重视彩绘艺术形式，因而在这一时期中国的传统就是文人画为代表，而色彩丰富的民间画作就变成上不得台面的底层画作。
中国传统美术色彩在增强现代平面设计视觉传达效果中的作用
中国传统美术色彩在增强现代平面设计视觉传达效果中的作用随着科技的发展和社会的进步，现代平面设计在视觉传达领域扮演着越来越重要的角色，而中国传统美术色彩作为悠久历史和丰富文化的体现，在增强现代平面设计的视觉传达效果中发挥着重要作用。
本文将从中国传统美术色彩的特点、现代平面设计的发展和中国传统美术色彩在增强现代平面设计视觉传达效果中的作用三个方面进行探讨。
一、中国传统美术色彩的特点中国传统美术色彩是指在中国传统绘画、工艺美术和建筑等领域中所运用的色彩，具有独特的审美特点和文化内涵。
中国传统美术色彩以“五行”理论为基础，将五种色彩分别与金、木、水、火、土五行相对应，有着较高的象征意义。
比如红色代表火，象征喜庆和热情；黄色代表土，象征稳重和典雅；蓝色代表水，象征清新和宁静等。
中国传统美术色彩在运用时十分讲究色彩的明暗、韵律和对比，追求“淡而不混、浓而不杂”的色彩效果，注重表现光影的变化和形态的立体感，以及色彩和线条的结合。
二、现代平面设计的发展现代平面设计是一门综合性的设计艺术，被广泛应用于广告、包装、杂志、书籍、网站等领域，并且不断拓展出新的应用形式和风格。
现代平面设计具有图形性、规划性、表现性和信息性等特点，其目的是通过图形、文字、色彩等视觉元素，传达信息、引起共鸣、唤起情感，达到设计目的。
在现代平面设计中，色彩的运用是十分重要的，可以影响作品的整体效果、情感表达以及受众的接受程度。
如何合理运用中国传统美术色彩来增强现代平面设计的视觉传达效果成为了设计师们关注的焦点。
1. 丰富文化内涵中国传统美术色彩具有浓厚的文化内涵，可以使现代平面设计作品更具中国特色和民族风格。
在国际交流中，运用中国传统美术色彩的作品能够更好地传递中国文化，增强文化自信和传播中国价值观念。
通过运用中国传统美术色彩，设计师们可以创作出更具有中国特色和魅力的作品，为中国文化的传播做出贡献。
2. 引起共鸣中国传统美术色彩具有丰富的情感表达和象征意义，能够更好地引起受众的共鸣。
中国画色彩与西方绘画色彩比较分析
中国画色彩与西方绘画色彩比较分析
中国画色彩与西方绘画色彩有很大的不同。
在中国传统绘画中，色彩常常是辅助线条
和笔触，不是重点。
而在西方绘画中，色彩常常在整个绘画过程中起着决定性作用。
首先，中国画的颜色更多是基于自然色彩，如黑、白、灰、红、黄、蓝等原始颜色，
因为中国画的题材和表现形式很大程度上是关于自然和人物的。
然而，西方绘画中的色彩
可以非常鲜艳、饱和和艳丽。
这是因为在西方文化中，色彩是情感和表达的重要手段。
其次，中国画通常使用一种颜色按区域填充，所以颜色常常是单调的，没有太多变化。
绘画家主要使用线条和墨水来表达他们的意图。
这种表现方式强调了各种不同的阴影和轮廓，而不是颜色本身。
相反，西方绘画中色彩的变化非常丰富。
绘画家使用不同的颜色和
色调来表达他们的意图。
这种表现方式使得人们能够更加感受到绘画作品中的情感和气
氛。
最后，中国画的颜料是天然矿物或植物染料，所以颜色比较朴素。
绘画家可以使用水、墨和色彩的混合物，以创建不同的颜色和阴影。
相比之下，西方绘画可以使用各种化学颜料，人们可以在绘画中使用大量的颜色和不同的效果。
作为结论，中国画色彩与西方绘画色彩在很多方面都有所不同。
中国画使用基于自然
的朴素颜色，强调线条和笔触。
而西方绘画强调丰富多彩的色彩，以表达情感和气氛。
尽
管这两种不同的表现方式在方法上不同，它们都有美和价值。
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摘要:中国传统绘画经过数千年的发展,最终以“笔墨”程式构建起了绘画的基本框架,甚至是绘画的唯一语言,但中国绘画中色彩之地位绝不是笔墨的附庸,也不是对自然色彩的简单模仿。
中国画中的色彩与笔墨同在,每种色彩的使用,都是一种特殊情感的投入,另外,色彩本身所体现的品质对作品意境的体现和审美情趣的抒发起着不可忽视的作用。
关键词:中国画;色彩;传统绘画;颜料;文化;美学特征中图分类号:J206.3文献标识码:AOn the Application of Colors in Traditional Chinese PaintingLI Jun(College of Fine Arts, Shaoxing University, Shaoxing, Zhejiang, 312000)综观东西方绘画的源头,无论是从“旧石器时代”晚期法国和西班牙先民创造的原始洞窟壁画艺术还是遍布中国大江南北的原始岩画看,色彩在绘画中的应用年代最早可以推至四至两万年之间①。
但从色彩使用的理念上一开始就已经凸显出东西方绘画的分野,以阿尔塔米拉洞窟《受伤的野牛》为例,先民们以有限的色彩(红、黄、褐、黑等)进行明暗晕染,使其作品具有体积感和气运感②。
而从中国云南、广西等地现存的大量原始岩画看出,东方的先民们也是用同样有限的色彩描绘大自然和他们的生活,但是使用色彩的理念和方法却大相径庭,他们将色彩在岩壁上或平涂或勾线,以符号化的方式塑造形体,以简洁、流畅的语言记录生活或表达美好理想。
但是原始岩、壁画,受自然条件和审美理念所限,色彩的开掘和使用也仅仅是个端倪。
真正意义上的绘画自从人类进入封建社会到今天的辉煌已经走过了五千年的历史,在这个漫长的过程中,色彩的产生和使用,以及它在绘画的每个阶段中所具有的特殊使命却不仅相同。
相比较西方绘画(特别是文艺复兴以后),不了解中国绘画哲学的人对中国绘画色彩的使用有“不科学”的嫌疑,孰不知中西绘画在最原始理念上造就存在根本的区别,所以色彩在绘画中的使命也就有了根本的不同。
但是存在这样一个事实:中国先民在数千年的艺术长河中,在追求审美理想的同时已经完善了具有东方文化特色的色彩体系,有整套非常严谨的制色和用色方法,正因为有了这一严谨和科学的色彩体系,才给我们留下的非常灿烂的文化遗产。
像敦煌石窟、永乐宫壁画艺术和难以计数的优秀的卷轴画艺术和民间绘画艺术像璀璨的明珠闪烁在世界艺林当中。
绘画进入文人画时代后,有关于传统“色彩学”的文化遗产在以“水墨”为主流的画坛中出现了严重的“丢失”现象。
我们在欣赏古代绘画优秀名作的同时,谈到传统绘画的色彩和相关材料的使用方法时,很少有人敢于问津。
更让人扼腕痛惜的是,我们所丢失的文化遗产在日本国完全能找到答案③。
中国绘画传统颜料的制作技术与使用方法随着大量汉文化的输入已经转换成了日本的传统文化,并且得到了长足的发展。
眼下国人所使用的借鉴国外经验生产的锡管颜料虽说方便,那也只不过是比较粗制的代用品而已,颜料本身的品质与传统相比,相去甚远。
国人对绘画程序的简单化,更是让人担忧。
我们给后代留下什么样的艺术遗产,从绘画材料的角度分析,能经久多远,应该是到了引起中国绘画界广泛关注和深思的时候了。
一、传统色彩在中国绘画中的地位变迁从视觉的角度观察,自然界的外表是由多种复杂的色彩构成的。
自然界中的色彩本身对人的感官有特殊的刺激作用,这种作用充分表现在人对色彩的一种情感偏好,反过来又形成人的联想,这就是人类对自然色彩的美感体验。
中国绘画中的色彩使用受传统“太极”学说中“五行”和“阴阳”思维的影响,从而产生具有东方民族特征的用色理念。
“中国五行学说中就有青为木,赤为火,黄为土,白为金,黑为水之说;在运用墨色时又有浓、淡、焦、湿、干之说,这些都体现出五行学说与中国画发展的直接关联,并以此影响了中国画家对色彩的认识,形成‘五色’观念。
”④王微在《叙画》中的“绿林扬风,白水激涧”,就是通过对自然中的“绿”和“白”的体验而产生的主题意境。
新石器时代的彩陶艺术和岩画艺术是人类在劳动过程当中创造的第一批艺术作品。
抛开它的造型,就装饰效果而言,色彩的地位是至高无上的。
由于生产力的低下,人们只能就地取材,用红色铁矿土、白色垩土、黄色泥土和黑色木炭等“颜料”在彩陶上和岩壁上描绘他们对大自然的体验,同时表达他们朴素的爱美情结。
真正谈到具有绘画意义的色彩,要推到汉唐以后了,从考古发掘的河南洛阳西汉墓室壁画《鸿门宴》、河北密县东汉壁画《百戏饮宴图》和长沙马王堆出土的西汉墓室帛画中可以分析出除以上色彩以外还有紫色、赭石、绿色、蓝色等,色彩品种增多,质量也有所提高,并且胶矾粘和的技法也已形成。
专家在考察西汉墓室“T”形帛画的用色时发现:“颜色错综调配,所用主要是朱砂、石青、石绿、白粉等矿物颜料,其中也有植物颜料……,色调搭配上,无不经过匠心设计。
最突出的是颜色的间隔使用。
”⑤帛画在色彩应用上主要以平涂为主,间有不同深浅的同类色,并且开始用比较丰富和厚重的色彩表达一定的主题。
从而可以得知绘画颜料的研制和使用在汉代已经奠定了坚实的基础。
汉以后随着佛教的传入,在新疆克孜尔、甘肃敦煌、天水麦积山等地兴盛佛教壁画,伴随着佛教的传入,境外佛教绘画艺术和制色工艺也随之传入,促使中国绘画色彩从研制到使用进入了空前辉煌时期,加上本土工匠的智慧,极大的丰富了中国绘画的色彩表现空间。
南、北朝时期,在壁画中以石青、石绿为主要色彩,同时以胭脂、靛蓝、草绿等植物色作为辅助色彩。
所以,整个画面表现出浓郁的冷色调。
隋唐时期的壁画色彩种类较多,表现技法灵活多变,色彩的应用在佛教壁画中进入了全盛阶段。
另一方面从发掘的唐代墓室壁画的资料中分析,除了石青、石绿、赭石等矿物色外,朱砂、石黄也已出现,而且在应用当中出现间色和色彩的深浅变化,还有晕染、渲染等染色技法。
唐代张彦远在《历代名画记》中描述了多种颜色的名称及产地:“武陵水井之丹,磨磋之砂,超嶲之空青,蔚之会青,武昌之扁青,蜀郡之铅华,始兴之解锡,研錬、澄汰、深浅、轻重、精麄,林邑昆仑之黄,南海之铆……錬煎并为重彩,郁而用之。
”著名画家刘凌沧先生对此有这样的描述“……从纯色的品种论之,也不过九种,但由于画家的技术精进,各色互相配合,出现了‘间色’、‘复色’和‘邻接色’,色彩的情调丰富起来了。
现存的作品如张萱的《捣练图》、《虢国夫人游春图》(宋赵佶临摹)莫不绚丽多彩、明快协调,呈现出绮丽的风姿”,从现存唐代阎立本的《步辇图》、五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》、宋代赵佶的《芙蓉锦鸡图》、王希孟的《千里江山图》以及大量的宋人花鸟画等重彩画作品中可以看出,虽然中国绘画以勾线染墨为基础,但是色彩在绘画中的地位是至高无上的。
明代的杨慎在论及中国绘画的颜料类别和施色方法时说“色彩有七十二种之多。
”五代画家荆浩说:“红间黄,秋叶堕。
红间绿,花簇簇。
青间紫,不如死。
粉笼黄,胜增光。
”关于色彩在绘画实践过程当中的审美体验,在隋唐、五代已形成比较朴素的共识。
由此可见,剔除或弱化色彩的唐代绘画,将是无法想象。
唐、宋应用色彩在绘画中取得的成就在美术史上可以称得上非常壮丽的艺术篇章。
谢赫在“六法论”中提出的“应物象形,随类赋彩”在唐宋绘画中得到了具体的贯彻。
摘要:中国传统绘画经过数千年的发展,最终以“笔墨”程式构建起了绘画的基本框架,甚至是绘画的唯一语言,但中国绘画中色彩之地位绝不是笔墨的附庸,也不是对自然色彩的简单模仿。
中国画中的色彩与笔墨同在,每种色彩的使用,都是一种特殊情感的投入,另外,色彩本身所体现的品质对作品意境的体现和审美情趣的抒发起着不可忽视的作用。
关键词:中国画;色彩;传统绘画;颜料;文化;美学特征中图分类号:J206.3文献标识码:AOn the Application of Colors in Traditional Chinese PaintingLI Jun(College of Fine Arts, Shaoxing University, Shaoxing, Zhejiang, 312000)综观东西方绘画的源头,无论是从“旧石器时代”晚期法国和西班牙先民创造的原始洞窟壁画艺术还是遍布中国大江南北的原始岩画看,色彩在绘画中的应用年代最早可以推至四至两万年之间①。
但从色彩使用的理念上一开始就已经凸显出东西方绘画的分野,以阿尔塔米拉洞窟《受伤的野牛》为例,先民们以有限的色彩(红、黄、褐、黑等)进行明暗晕染,使其作品具有体积感和气运感②。
而从中国云南、广西等地现存的大量原始岩画看出,东方的先民们也是用同样有限的色彩描绘大自然和他们的生活,但是使用色彩的理念和方法却大相径庭,他们将色彩在岩壁上或平涂或勾线,以符号化的方式塑造形体,以简洁、流畅的语言记录生活或表达美好理想。
但是原始岩、壁画,受自然条件和审美理念所限,色彩的开掘和使用也仅仅是个端倪。
真正意义上的绘画自从人类进入封建社会到今天的辉煌已经走过了五千年的历史,在这个漫长的过程中,色彩的产生和使用,以及它在绘画的每个阶段中所具有的特殊使命却不仅相同。
相比较西方绘画(特别是文艺复兴以后),不了解中国绘画哲学的人对中国绘画色彩的使用有“不科学”的嫌疑,孰不知中西绘画在最原始理念上造就存在根本的区别,所以色彩在绘画中的使命也就有了根本的不同。
但是存在这样一个事实:中国先民在数千年的艺术长河中,在追求审美理想的同时已经完善了具有东方文化特色的色彩体系,有整套非常严谨的制色和用色方法,正因为有了这一严谨和科学的色彩体系,才给我们留下的非常灿烂的文化遗产。
像敦煌石窟、永乐宫壁画艺术和难以计数的优秀的卷轴画艺术和民间绘画艺术像璀璨的明珠闪烁在世界艺林当中。
绘画进入文人画时代后,有关于传统“色彩学”的文化遗产在以“水墨”为主流的画坛中出现了严重的“丢失”现象。
我们在欣赏古代绘画优秀名作的同时,谈到传统绘画的色彩和相关材料的使用方法时,很少有人敢于问津。
更让人扼腕痛惜的是,我们所丢失的文化遗产在日本国完全能找到答案③。
中国绘画传统颜料的制作技术与使用方法随着大量汉文化的输入已经转换成了日本的传统文化,并且得到了长足的发展。
眼下国人所使用的借鉴国外经验生产的锡管颜料虽说方便,那也只不过是比较粗制的代用品而已,颜料本身的品质与传统相比,相去甚远。
国人对绘画程序的简单化,更是让人担忧。
我们给后代留下什么样的艺术遗产,从绘画材料的角度分析,能经久多远,应该是到了引起中国绘画界广泛关注和深思的时候了。
一、传统色彩在中国绘画中的地位变迁从视觉的角度观察,自然界的外表是由多种复杂的色彩构成的。
自然界中的色彩本身对人的感官有特殊的刺激作用,这种作用充分表现在人对色彩的一种情感偏好,反过来又形成人的联想,这就是人类对自然色彩的美感体验。
中国绘画中的色彩使用受传统“太极”学说中“五行”和“阴阳”思维的影响,从而产生具有东方民族特征的用色理念。